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Paris war vor 1900 der Anziehungspunkt für russische Künstler. Hier begegneten sie den Werken von Claude Monet und Auguste Renoir und ließen sich von den Themen und der Malweise der französischen Impressionisten anregen. Zurück in Russland malten sie en plein air und spürten der Flüchtigkeit des Moments in Portraits der Szenen des russischen Alltags nach. Auch Maler, die später die russische Avantgarde bildeten, entwickelten aus dem impressionistischen Studium des Lichts ihre neue Kunst. Die Ausstellung im Museum Barberini widmet sich der bislang kaum erforschten Rezeption französischer Lichtmalerei in Russland. Sie zeigt anhand von über 80 Werken die Internationalität der Bildsprache um 1900 und integriert die russischen Künstler der damaligen Zeit – von Ilja Repin bis Kasimir Malewitsch – in das Projekt der künstlerischen Moderne.
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Das Foto des flüchtenden DDR-Grenzpolizisten Conrad Schumann aus dem Jahr 1961 gilt als Ikone des 20. Jahrhunderts. Laut „Time“-Magazin zählt das Bild, das sich nach dem Ereignis weltweit verbreitete, zu den hundert Fotografien, die die Welt veränderten. Heute ist es Teil des Weltdokumentenerbes der UNESCO.
Am 15. August gegen 16 Uhr sprang der Bereitschaftspolizist Conrad Schumann an der Straßenecke Ruppiner-/Bernauerstraße über den Stacheldrahtzaun in den Westteil Berlins. Festgehalten wurde dieser Augenblick von dem jungen Fotografen Peter Leibing. Im Deutschen Historischen Museum führt der Regisseur Boris Hars-Tschachotin in einer 360° Virtual Reality-Installation aus dem wiedervereinigten Berlin zurück in das Jahr 1961. Mit Hilfe einer VR-Brille bieten sich den Besucher*innen drei Filmperspektiven: Die des fliehenden Conrad Schumann in NVA-Uniform (Anton von Lucke), die des Fotografen Peter Leibing (Max von der Groeben) und die des Westberliner Polizisten Manfred Klumm (Daniel Axt). Der 360°-Raum in Farbe erfasst den historischen Moment des Sprungs multiperspektivisch und sprengt erstmals den Rahmen des zugrundeliegenden ikonischen Schwarzweiß-Fotos. So erlebt das Publikum aus diesen subjektiven Blickwinkeln die Ereignisse unmittelbar – mal aus Westberliner, mal aus Ostberliner Sicht.
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30 Jahre Goldrausch Ku?nstlerinnenprojekt: Das renommierte feministische Projekt aus Berlin präsentiert seine Jahresausstellung; mit Arbeiten von 15 internationalen Ku?nstlerinnen – mit Wohnsitz in Berlin und Wurzeln auf fast allen Kontinenten. Die Schau im Kunstraum Kreuzberg vereint Videofilme, Installationen, Malerei, Soundobjekte, Performances und Skulpturen. Die vielstimmigen Werke verhandeln persönliche und gesellschaftspolitische Fragen sowie Geschichte und Utopie, Mythen und Magie, Individualität und Gruppen. Sie dokumentieren belebte Dinge und Gefu?hle, die Auswirkungen des Anthropozäns auf Klima, Geografie und Mensch, das Leben in der digitalen Überwachung – und fragen danach, wie sich dies alles in Umwelt und Körpern manifestiert. Der Titel „Sirene“ erinnert an das Gerät, das einen akustischen Warnton ausstößt und Aufmerksamkeit fu?r wichtige Informationen erzeugt, die fu?r alle gleichermaßen relevant sind. Die Goldrausch-Sirene fordert: Vielstimmigkeit und die Überwindung von Ausschlussmechanismen im Kunstfeld.
Das Goldrausch Ku?nstlerinnenprojekt ist ein Professionalisierungsprogramm. Das einjährige Kursprogramm vermittelt Hintergrundwissen, umfassende berufliche Sachkenntnis und erschließt Netzwerke. Das Ziel von Goldrausch ist nach wie vor Gleichberechtigung, aber diese ist noch lange nicht erreicht. Der deutsche Kulturrat kritisierte in diesem Jahr, dass der Gender Pay Gap 2019 in der Berufsgruppe Bildende Kunst bei 28 Prozent lag, unverändert seit der letzten Erhebung 2016. Je höher das Einkommen, desto höher der Pay Gap – fu?r Ku?nstlerinnen bedeutet geringere Marktpräsenz zugleich auch weniger Verkäufe zu niedrigeren Preisen. Das Phänomen der ungleichen Bezahlung beginnt fru?h in der Karriere: Eine Absolvent*innenstudie der Hochschule fu?r bildende Ku?nste Hamburg zeigt, dass Ku?nstlerinnen sehr aktiv sind, zahlreicher als ihre männlichen Kollegen an Wettbewerben teilnehmen, diese auch gewinnen und außerdem auch häufiger ein Honorar und Budget aushandeln. Die Höhe eines Ausstellungshonorars allerdings ist im Mittel bei Männern mit 1.000 € doppelt so hoch wie bei Frauen.
Kuratorinnen: Surya Gied, Hannah Kruse
Mit den Künstler*innen: Yasmin Bassir, Chan Sook Choi, Solweig de Barry, Manja Ebert, Caterina Gobbi, Rosanna Graf, Mona Hermann, Emily Hunt, Sidsel Ladegaard, Gosia Lehmann, Julia Lu?bbecke, Silvia Noronha, Kristina Paustian, Eva Pedroza, Juliane Tu?bke
Künstlerinnenprojekt wird gefördert aus Mitteln des Europäischen Sozialfonds und der Senatsverwaltung für Gesundheit, Pflege und Gleichstellung, Abteilung Frauen und Gleichstellung.
Die Kunstler*innen Tetiana Kornieieva, Nora Lube, Vincenzo Fiore
Marrese, und Sophia Moffa präsentieren preserve memories - provide
energy” in Kooperation mit dem Museum Kesselhaus Herzberge und mit der
Unterstützung von der Botschaft der Ukraine in der Bundesrepublik
Deutschland.
Das Projekt läuft mit weiteren Partnern weiter und Hilfe wird später
beim Veranstaltungskanäle hinzukommen.
„preserve memories - provide energy" Ist ein internationales Event,
welches vier unterschiedlich Länder Ukraine, Deutschland, Italien und
das Vereinigte Königreich involviert.
Eine Ausstellung und drei künstlerische Workshops bilden den Kern der
Veranstaltung.
Das Publikum wird verschiedene Medienformen erleben, von Performance-
bis Videokunst, und die Installation ist dabei fokussiert auf das
Konzept „Erhalte Erinnerungen - gib Energie"
Das Konzept ist von dem Veranstaltungsort inspiriert, an dem die
Veranstaltung stattfinden wird. - das Museum Kesselhaus Herzberge.
Wie die Künstler geschrieben haben: «Das Kesselhaus wurde als Kraftwerk
gebaut, um ein Krankenhaus mit Energie, 'Wärme und Elektrizität', zu
versorgen. Später wurde es zu einem Museum, um technische, medizinische
und biographische Erinnerungen zu bewahren. In letzter Zeit wurde seine
Funktion erweitert, um auch künstlerische Veranstaltungen zu beherbergen
und anzubieten. Mit dem Motto "preserve memories - provide energy" laden
wir das Publikum ein, sich mit der Idee auseinanderzusetzen, dass Kunst
die neue Energieform sein kann, die das Kesselhaus produziert. Dank des
Kunstprogramms des Kesselhauses können Künstler ihre Kreativität in eine
unverwechselbare und ansprechende Struktur und Artefakte einbringen. Wir
fragen: „Kann Kunst eine Form von Energie sein?», und: «Wenn wir das
Kesselhaus als (Kunst-)Kraftwerk betrachten, werden die Künstler die
neuen Maschinen sein, die durch ihre Kunstwerke Strom produzieren». Wir
stellen Fragen wie: «Welche Art von Energie ist Kunst?».
Die drei Workshops unter der Leitung der Künstler Kornieieva, Marrese
und Moffa konzentrieren sich auf dasselbe Konzept. „Performative
landscapes”, „der fehlenden Berg“ und „the silent voice - an
introduction to art/dance movement” heißen die drei Workshops.
Weitere Informationen zur Ausstellung und zu den Workshops finden Sie
auf unseren Kanälen.
Die Ausstellung findet am 14. November 2020 ab 18 Uhr statt. bis 23:59 Uhr.
Die Workshops finden am 15., 18. und 19. November 2020 statt (der genaue
Zeitpunkt, bitte überprüfen Sie die Veranstaltungskanäle auf Updates).
Die Ausstellung und die Workshops finden im Landkreis Licthenberg im
Museum Kesselhaus Herzberge in der Herzbergstraße 79 (Haus 29) 10365
Berlin statt.
Der Workshop „Performative landscapes” beinhaltet auch einen Tag im
öffentlichen Raum in Berlin (der genaue Ort wird noch bekannt gegeben,
bitte überprüfen Sie die Veranstaltungskanäle auf Updates).
Durch „preserve memories - provide energy” wird das Publikum Kunst als
Ergebnis einer internationalen künstlerischen Zusammenarbeit erleben.
Wenn Menschen in Verbundprojekten zusammenarbeiten, ist das immer wichtig.
In diesen Tagen können wir sagen, dass Verbundprojekte wichtiger sind
als je zuvor.
Die Bemühungen, ein Künstler*innen-Netzwerk zwischen vier verschiedenen
Ländern im Kesselhaus Museum Herzberge aufzubauen, unterstreicht
Berlin's Wichtigkeit als Treffpunkt für die heutige Kunst und die
Menschen in Zeiten der Pandemie.
Website: http://memories-energy.vfmarrese.com/
Facebook Seite: https://www.facebook.com/preservememoriesprovideenergy
Newsletter: http://bit.ly/memories-energy-newsletter
Email: energy.memories@gmail.com
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Die Ausstellung "zurückGESCHAUT" ist das Ergebnis einer vom Bezirksmuseum Treptow-Köpenick initiierten und auf Nachhaltigkeit angelegten Kooperation mit der Initiativer Schwarze Menschen in Deutschland (ISD) und Berlin postkolonial e. V.
Bundesweit ist dabei erstmalig eine Dauerausstellung zur Geschichte von Kolonialismus, Rassismus und Schwarzem Widerstand erarbeitet worden. Die Beteiligung Schwarzer Menschen hatte dabei nicht nur Einfluss auf Details , sondern war entscheidend für die Entwicklung des Ausstellungskonzeptes, die Auswahl der Bilder und das Verfassen der Ausstellungstexte.
Die Erste Deusche Kolonialausstellung fand als eigenständiger Teil der Berliner Gewerbeausstellung von 1896 im Treptower Park statt. Von der deutschen Kolonialwirtschaft initiiert, wurde sie mit Unterstützung des Auswärtigen Amtes zu einer aufwendigen Inszenierung des deutschen Kolonialstaates.
Im Mittelpunkt der Ersten Deutschen Kolonialausstellung und auch der Ausstellung "zurückGESCHAUT" standen und stehen die 106 in den deuschen Kolonien "angeworbenen" Kinder, Frauen und Männer. Einen Sommer lang mussten sie sich vom Publikum in Berlin anstarren lassen. Doch sie schauten auch aufmerksam zurück. Gemeinsam wehrten sie sich gegen die ihnen zugewiesene Rolle in der Kolonialausstellung und die Ungerechtigkeiten des Kolonialstaates.
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Für unsere Gesprächsreihe Talkshop Museum hat das Architekturlabor Refunc die Beleuchtung, Sitzmöbel und Hör-Lounges aus Restmaterialien gestaltet, die sonst weggeworfen würden. Auch nach Ende der Talkshops soll kein Müll entstehen. Sie können sich für die Adoption eines Objekts vor Ort im temporary bauhaus-archiv melden – und uns sagen, was Sie damit vorhaben. Die besten Nachnutzungsideen werden ausgewählt und mit dem Objekt der Wahl belohnt. In der Commitment Week ab 26. Oktober können alle Möbel und Objekte abgeholt werden.
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Käthe Kollwitz verleiht in ihren Werken den Händen eine besondere Bedeutung. Sie stellt sie oft übermäßig groß dar, so dass sie das Bildmotiv dominieren. Anfassen, tasten, schützen, fordern, stützen, beten: Berührungen unterschiedlicher Art finden sich in ihren Darstellungen. Sie zeigen Geborgenheit und Liebe, oder aber künden von Leid und Gefahr.
Die Hand fand in der bildenden Kunst des öfteren Verwendung als Motiv. Zunächst war es anatomisches Interesse an diesem Wunderwerk der Natur, gefolgt von der Vorstellung, dass die Hand das Werkzeug des Künstlergenies sei, was sich zu surrealen Gestaltformen entwickeln konnte. Somit gehörte die Hand seit Jahrhunderten zu einem beliebten Darstellungsobjekt, als emotionales Bildelement wurde sie indes seltener verwendet. Bei Käthe Kollwitz wird sie zum zentralen Motiv.
Liebe, Geborgenheit, Schutz, Trauer, Angst – Im Leben von Käthe Kollwitz spielten Begegnungen und innige Beziehungen eine wichtige Rolle. Aus ihren Tagebucheintragungen erhalten wir oftmals Eindrücke, wie sie Nähe und Distanz erlebt hat. In ihren Werken beschäftigen sie gerade diese emotionalen Erfahrungen besonders intensiv. Dabei entstehen gefühlsstarke Bilderfindungen, die unabhängig von einem konkreten Erlebnis einen allgemeinen Gemütszustand wiedergeben. Als stärkstes Ausdrucksmittel wird dabei immer wieder die Hand verwendet, die sanft berührt oder kraftvoll fordert. Emotionen, wie Trauer, Resignation und Nachdenklichkeit werden durch Hände, die nicht selten das Gesicht verdecken, vermittelt. Durch die Lichtführung oder eine überproportionale Ausformung lenkt die Künstlerin den Blick des Betrachters auf das ihr so wichtige Motiv.
Derzeit ist physische Nähe aus unserem sozialen Leben fast vollständig verschwunden. Hände schütteln, umarmen, unter den Arm greifen, festhalten – eigentlich selbstverständliche Handlungen, die wir zurzeit nur selten wagen. Daher scheint es gerade jetzt ein guter Zeitpunkt zu sein, die Darstellung dieser Form der physischen Nähe in der Kunst genau anzuschauen. Das Werk von Käthe Kollwitz bietet eine Fülle von Ausdrucksmöglichkeiten, die es zu entdecken gilt. In ihren Bildern „sprechen“ die Hände und erzählen von großen Emotionen.
In über vierzig Arbeiten – Zeichnungen, Druckgrafiken und Plastiken – aus allen Schaffensperioden von Käthe Kollwitz folgt die Ausstellung diesem wichtigen Motiv.
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Seit September 2019 entwickelt sich die 11. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst prozesshaft mit „exp. 1“, „exp. 2“ und „exp. 3“. In einem letzten Kapitel, einem Epilog, werden die gemachten Erfahrungen und die damit einhergehenden Fragen vom 5. September bis zum 1. November 2020 an vier Orten – unter anderem dem Gropius Bau – zusammengeführt.
Die Beiträge finden unterschiedliche Wege, Solidarität, Verletzlichkeit und Widerstand zu thematisieren. Sie schwingen sich auf, um inmitten dieser turbulenten Zeiten der komplizierten Schönheit des Lebens Gestalt zu geben.
Die 11. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst wird von María Berríos, Renata Cervetto, Lisette Lagnado und Agustín Pérez Rubio kuratiert.
Weitere Informationen zum Programm:
11.berlinbiennale.de
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Die Ausstellung „Postscriptum – ‚Ostarbeiter´ im Deutschen Reich“ der Gesellschaft Memorial erinnert an die sowjetischen Frauen, Männer und Kinder, die während des Zweiten Weltkrieges Zwangsarbeit für das NS-Regime leisten mussten.
Die Nationalsozialisten verschleppten rund 8,4 Millionen Zivilistinnen und Zivilisten zur Zwangsarbeit in das Deutsche Reich. Die rund 3 Millionen Menschen aus der Sowjetunion – die „Ostarbeiter“ – bildeten unter ihnen die größte Gruppe. Die deutsche Kriegswirtschaft war auf diese Arbeitskräfte zwingend angewiesen. Zugleich bestanden die NS-Sicherheitsbehörden darauf, die slawischen Zwangsarbeiterinnen und Zwangsarbeiter konsequent aus der deutschen Gesellschaft auszuschließen. Gekennzeichnet mit dem Abzeichen „OST“ waren sie extrem schlechten Arbeits- und Lebensbedingungen ausgesetzt.
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Die Ausstellung ist der ältesten Stadt Ägyptens gewidmet und stellt ihre 6000jährige Geschichte in verschiedenen Themeninseln vor, die den Landschafts- und Lebensraum einer religiös, politisch und kulturell bedeutenden Region in all ihren Facetten widerspiegeln.
Die heute fast unbekannte Stadt war im Altertum eines der wichtigsten religiösen Zentren. Schon seit der Frühzeit lag hier der Hauptkultort des Fruchtbarkeitsgottes Min, der später mit dem griechischen Gott Pan gleichgesetzt wird. Sein in ptolemäischer Zeit errichteter Tempel war einer der größten in Ägypten und wurde bis zu seiner Zerstörung im 14. Jh. n. Chr. von den arabischen Historikern als eine Art Weltwunder beschrieben. Nicht weniger gerühmt wurde die Stadt für ihre Steinmetzkunst und textilen Erzeugnisse. Bis heute gilt Achmîm als Zentrum der handwerklichen Textilproduktion.
Mit der Stadt sind zahlreiche bekannte Persönlichkeiten eng verbunden. Beispielsweise stammten Teje, die Mutter Echnatons, Pharao Eje, der Alchemist Zosimus von Panopolis und der Dichter Nonnos aus Achmîm. In dessen Umgebung hat der berühmt-berüchtigte Abt Schenute in frühchristlicher Zeit einen florierenden Klosterverband gegründet. Die von ihm verfassten Regularien, beeinflussten die Ordensregeln des Heiligen Benedikt und werden bis heute befolgt.
Die lange Besiedlungsgeschichte der Stadt lässt sich unter anderem an den weitläufigen Nekropolen der Umgebung ablesen, in denen sich Gräber aus sechs Jahrtausenden mit einem reichen Schatz an Funden erhalten haben. Etliche befinden sich heute in den Sammlungen des Ägyptischen Museums und Papyrussammlung und der Skulpturensammlung und Museum für Byzantinische Kunst und werden zum Teil erstmals ausgestellt.
Leihgaben aus dem In- und Ausland ergänzen die Sonderausstellung. Abgerundet wird die historische Darstellung durch einen Blick auf die 100jährige Forschungsgeschichte.
Eine Ausstellung des Ägyptischen Museums und Papyrussammlung und der Skulpturensammlung und Museum für Byzantinische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin in Kooperation mit dem Fachbereich Ägyptologie der Universität Göttingen.
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Das Reisen auf dem Papier kennt keine Beschränkungen, Beherbergungsverbote oder Risikogebiete. Umso entspannter macht man sich in dieser Kabinettausstellung auf den Spuren französischer Zeichner des 17. und 18. Jahrhunderts auf den Weg, um die unterschiedlichsten Orte in Nah und Fern zu entdecken: russische Landschaften ebenso wie die ewige Stadt oder ägyptische Tempel.
Künstler reisten nicht nur auf eigene Faust, sondern auch im akademischen Rahmen ihrer Ausbildung und begleiteten sogar Expeditionen. Nicht immer haben sie dabei mit ihrem Stift oder dem Pinsel in dokumentarischer Genauigkeit nur das festgehalten, was sie unterwegs sahen. Manch eine Ansicht ist auch inspiriert von künstlerischen Traditionen der Landschaftsdarstellung oder ihrer Phantasie.
Die etwa 20 Werke stellen eine kleine, aber feine Auswahl aus der insgesamt über 1000 Blätter französischer Zeichner umfassenden Sammlung des Kupferstichkabinetts dar, die zu den umfangreichsten und bedeutendsten außerhalb Frankreichs zählt. Wir treffen auf bekannte und weniger bekannte Künstler und auch auf einige Besonderheiten der Berliner Sammlung. Zum Teil handelt es sich dabei um Entdeckungen, die im Zuge des zweijährigen Forschungs- und Digitalisierungsprojekts ?Die Französischen Zeichnungen des Kupferstichkabinetts? gemacht wurden, das großzügig gefördert wurde von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien und nun zu Ende geht.
Eine Kabinettausstellung des Kupferstichkabinetts in der Gemäldegalerie.
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Die künstlerische Praxis des portugiesischen Duos Mariana Caló und Francisco Queimadela ist interdisziplinär und zeichnet sich besonders durch Kino und Bewegtbilder, ortsspezifische Installationen und den Einsatz verschiedener Darstellungsmittel wie Zeichnung, Malerei, Fotografie und Skulptur aus. In ihren Arbeiten erforschen sie die Beziehung zwischen biologischen, volkstümlichen und kulturellen Elementen. Im IBB-Videoraum wird „A Trama e o Círculo“ (Das Netz und der Kreis) aus 2014 gezeigt.
„A Trama e o Círculo“, 34 Min.
Der Film ist eine Collage aus unterschiedlichen visuellen Eindrücken des alltäglichen empirischen Wissens und Handelns in Verknüpfung mit Schrift und Ton. Die scheinbar nicht in Verbindung stehenden Handlungslinien fügen sich dennoch durch ein Spiel von Ähnlichkeiten, Bewegungen und Schnitten, in welchen einfache Handarbeit sowie natürliche und anthropologische Vorgänge durchgeführt werden, zusammen. Die visuelle Verbindung kultureller, religiöser oder banaler Gesten lädt sie mystisch auf und betont die Bedeutung des profanen und archaischen Geschehens. Das Drehbuch wird während des Films geschrieben und entfaltet sich beim unmittelbaren Zuschauen; Erzählerin und Akteurin ist die Hand selbst. Der Ton wurde von Jonathan Saldanha kreiert und in der geodätischen Kuppel des Teufelbergs in Berlin aufgenommen.
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Das Ischtar-Tor aus Babylon ist eines der bekanntesten Bauwerke aus dem alten Vorderasien und ein nationales Symbol für den modernen Irak. Seine Rekonstruktion im Pergamonmuseum fasziniert die Museumsbesucher*innen als ein Sinnbild mächtiger vergangener Zivilisationen. Doch wie kam das Ischtar-Tor nach Berlin?
Die Studienausstellung des Vorderasiatischen Museums zeichnet seinen Weg von der Ausgrabung kleinster Glasurziegelfragmente im Bauschutt von Babylon über die Fundteilungen mit Istanbul und Bagdad bis zur visionären Rekonstruktion im Pergamonmuseum nach. Archäologisches Forschungsinteresse, imperiale Ambitionen des deutschen Kaiserreichs und die kreative Schaffenskraft der Ausgräber und Museumsmacher wirkten im Wiederaufbau des Ischtar-Tors in Berlin zusammen. Die Geschichte des Ischtar-Tors in Berlin spiegelt deshalb zugleich die Geschichte des Vorderasiatischen Museums.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch den Förderverein Freunde der Antike auf der Museumsinsel Berlin e.V. und Museum&Location.
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Die gegenwärtige Verschärfung sozialer und politischer Kämpfe in den USA, die Auswirkungen des Klimawandels, wie auch der politische Umgang mit Rassismus und Corona-Pandemie legen dringliche Konflikte offen, die entlang des Mississippi schon lange schwelen.
Die Installation The Current zeigt Feldforschungen von Künstler*innen, Wissenschaftler*innen und Aktivist*innen, die aus dem HKW-Projekt Mississippi. An Anthropocene River (2019) hervorgegangen sind und entlang des Flusses ortsspezifische Zugänge zu den globalen Transformationen des Anthropozäns entwickeln. Der Mississippi steht dabei exemplarisch für die Verzahnung von Erd-und Siedlungsgeschichte, von Geo-, Bio- und Technosphäre. Im Angesicht alter und neuer gesellschaftlicher und ökologischer Krisen fragt die Installation nach solidarischen Handlungsräumen und dialogischen Praktiken. Gezeigt werden methodische Experimente und künstlerische Vorschläge für eine vielstimmige Praxis des Arbeitens und Lebens im Anthropozän.
Die Inhalte der Installation im HKW werden auch online auf shape.anthropocene-curriculum.org zugänglich gemacht.
Mit Beiträgen von Kayla Anderson, Sara Black, Jeremy Bolen, Isabelle Carbonell , Andrea Carlson, Jennifer Colten, Tia-Simone Gardner, Beate Geissler, Amber Ginsberg, Ryan Griffis, Monica Haller, Derek Hoeferlin, Brian Holmes, Sarah Kanouse, John Kim, Brian Kirkbride, Sarah Lewison, LocalStyle (Marlena Novak und Jay Alan Yim), Saundie McClain-Kloeckener, Margarida Mendes, Abbéy Odunlami, Lynn Peemoeller, Claire Pentecost, Oliver Sann, Jenny Schmid, Michael Swierz, Joe Underhill, Monique Verdin, Anna Van Voorhis, Maureen Walrath, Joslyn Willauer, Andrew Yang
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Im Rahmen des Projektes “#WATISNDiskriminierung?!” haben die Jugendlichen des Peer-Netzwerk Spandau von Kompaxx e. V. einen Kunstwettbewerb ins Leben gerufen. Interessierte Kinder und Jugendliche konnten ihre Wahrnehmungen, Ideen und Gefühle zum Thema Diskriminierung künstlerisch umsetzen und einreichen.
Die Ergebnisse des Wettbewerbs werden ab 8.10.2020 im Gotischen Haus gezeigt.
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„Into Space“ thematisiert die Sehnsucht des Menschen nach dem Weltraum, nach Schwerelosigkeit, fernen Galaxien und den Glauben an bisher unfassbare Energien außerhalb unserer Wahrnehmung. Drei BildhauerInnen reflektieren die Schnittstellen zwischen Kunst und Wissenschaft über ein Jahrhundert hinweg und von Berlin aus. Nach der Ausstellung „Lynn Chadwick, Hans Uhlmann, Katja Strunz“, die 2019 im Haus am Waldsee dem Thema „Falte“ nachging, nehmen nun Björn Dahlem (*1974), Berta Fischer (*1973) und Naum Gabo (1890 – 1977) mit Installationen und Plastiken ein künstlerisches Gespräch über Raum und Zeit zwischen 1920 und 2020 auf.
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Zwei Tage vor Weihnachten ertönt „Stille Nacht, heilige Nacht“ im Radio, intoniert von Klarinette, Harmonium, Streichinstrumenten und Klavier. Was heutzutage nichts Besonderes mehr ist, war vor rund 100 Jahren eine Sensation: Am 22. Dezember 1920 spielten Reichspostmitarbeitende der Hauptfunkstelle Königs Wusterhausen bei Berlin ein historisches Weihnachtskonzert – die erste öffentliche Rundfunkaussendung in Deutschland.
2020 jährt sich das historische Konzert zum 100. Mal. Die Ausstellung beleuchtet Erfolge, Brüche und Zukünfte des ersten elektronischen Massenmediums der Welt.
Eine Ausstellung im Museum für Kommunikation Berlin, gefördert von der Kulturstiftung der Länder. In Kooperation mit der Stiftung Deutsches Rundfunkarchiv und Deutschlandradio.
#100Jahre100Postings – Unser Countdown zu 100 Jahre Radio
Ein so bedeutendes Jubiläum wie der 100. Geburtstag des Radios will natürlich standesgemäß angekündigt werden. Auf Twitter, Facebook und Instagram können Sie daher einem ganz besonderen Countdown folgen.
Unter dem Hashtag #100Jahre100Postings schicken wir das ganze Jahr über 100 interessante Fakten rund um das Radio, Behind-the-scenes-Eindrücke von der Ausstellungsentwicklung und vieles mehr über den digitalen Äther zu Ihnen. Im Social Hub auf unserem Expotizer können Sie alle Postings verfolgen und sich bereits vorab über die Ausstellung informieren!
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Aus 2.500 Jahren begegnet uns die Weiblichkeit auf Münzen und Medaillen. Den ewigen anthropoiden Göttinnen werden alsbald lebendige Frauen zur Seite gestellt. Zwischen Ursprungsvorstellung und Aktualität ? oder beispielsweise "Eva" und "Greta" ? eröffnen sich zahlreiche Facetten und Themenfelder. Neben Berühmtheiten wie Kleopatra werden in der Sonderausstellung ganz unterschiedliche Bilder und Bedeutungen von Frauen, wie sie anhand von Münzen, aber vor allem durch Medaillen erfahrbar sind, beleuchtet.
Frauen begegnen uns dabei nicht nur als Dargestellte oder Auftraggeberin, sondern etwa auch als Gestalterin, Sammlerin oder Wissenschaftlerin. Die Schau präsentiert neben Beständen aus den Tresoren des Münzkabinetts insbesondere zwei Künstlereditionen, die eigens für diese Ausstellung angefertigt wurden. Die Arbeiten zum Jahresthema des Berliner Medailleurkreises treffen hierbei auf Beiträge aus der Auslobung des Nachwuchspreises für eine Kunstmedaille ?Die Drei Grazien?. Die Ausstellung fragt, inwieweit Münzen und Medaillen durch andere Quellen geprägte Vorstellungen von Frauen in der Gesellschaft bestätigen oder herausfordern können.
Eine Sonderausstellung des Münzkabinetts in Kooperation mit der Numismatischen Gesellschaft zu Berlin e. V. und der Deutschen Gesellschaft für Medaillenkunst e. V.
9 Menschen aus Ost und West, die 1975 geboren sind, reden über ihre Erfahrungen mit der Teilung, dem Mauerfall und dem Zusammenwachsen. Sie kommen aus unterschiedlichen sozialen Verhältnissen und haben verschiedene politische Präferenzen. Sie stammen aus Brandenburg, Baden-Württemberg und beiden Teilen Berlins und haben zusammen einen breiten Schatz an Erinnerungen und Erfahrungen. Gemeinsam ist ihnen, dass sie 14 Jahre alt waren, als die Mauer fiel. Sie hatten schon Erfahrungen gemacht mit dem jeweiligen politischen System und sie erlebten den Mauerfall und den Transformationsprozess als Teenager in ihrer formativen Phase. Ihre Erinnerungen an das, was vor 1989 lag, sind immer noch frisch und sie sprechen darüber, weil sie frei von Verantwortung sind, sehr unbelastet.
Aus den umfangreichen Interviews mit diesen 9 auch heute noch jungen Frauen und Männern entstand eine Videoausstellung. In der Diskussion über das Vermächtnis der Teilung und des Transformationsprozesses, in der vielfach die seit 1989 diskutierten Argumente wiederholt werden, bieten die befragten Menschen pointierte Erin-nerungen, unverbrauchte Sichtweisen und erfrischend klare Standpunkte. Dabei ordnen die Befragten ihre Erfahrungen und Lebensverläufe in den Kontext der beiden politischen Sys-teme und der insbesondere im Osten auch chaotisch erfahrenen Phase des Zusammenwach-sens ein. Daraus entstand ein vielstimmiges Bild der Vergangenheit und Gegenwart des neu-en Deutschland.
Mit den Stimmen dieser Menschen, welche den Prozess des Umbruchs und der Neufindung in ihrem privaten Umfeld hautnah miterlebten und heute in der aktivsten Phase ihres Lebens stehen, eröffnet die Videoausstellung neue Perspektiven auf die Geschichte und die Gegenwart des Landes. Denn hier sprechen Menschen, die in den öffentlichen und medialen Debatten wenig gehört werden, deren Erfahrungen jedoch den Übergang zwischen Vergan-genheit und Zukunft besser verstehen lassen. Für die heutigen Diskussionen über die Chancen, Brüche und Verluste des Zusammenwachsens von Ost und West bilden sie eine unverzichtbare Ergänzung.
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1920 entstand Berlin in seinen heutigen Grenzen und die selbstständigen Städte Charlottenburg und Wilmersdorf wurden zu Berliner Bezirken. In den Jahrzehnten zuvor hatte sich ein Metropolenraum entwickelt, den soziale Unterschiede prägten. Die „Wohnungsfrage“ war eine der drängendsten Herausforderungen im großstädtischen Zusammenleben. Bereits um 1900 forderten Reformbewegungen und Sozialpolitiker umfassende Veränderungen der Wohnverhältnisse. Die Ausstellung nimmt Reformideen dieser Zeit und die Anfänge kommunaler Wohnungspolitik in Charlottenburg und Wilmersdorf in den Blick. Dabei zeigen die Positionen, Maßnahmen und Bauten in dieser Ausstellung: Ging es um Wohnverhältnisse, wurde auch soziale Ungleichheit in der Industriegesellschaft, kommunale Verantwortung für die Gesundheit der Bevölkerung und die Stellung von Frauen im öffentlichen Leben verhandelt.
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Seit der Selbstenttarnung des NSU im Jahr 2011, den terroristischen Anschlägen von München, Halle und Hanau, dem Mord an Walter Lübcke und der massiven rassistischen Mobilisierung ist die extreme Rechte in der Bundesrepublik präsent wie nie zuvor. Tatsächlich ist sie jedoch kein neues Phänomen – auch nicht in Berlin. Die Ausstellung erzählt exemplarisch von acht Ereignissen, die unterschiedlichen Aktionsfeldern der extremen Rechten zuzuordnen sind sowie von dem gesellschaftlichen Widerstand dagegen.
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Der Berliner Künstler Oliver Thie konserviert die Schatten von Gesteinen und lässt ihre lange Geschichte gegenwärtig werden.
Seit über zweihundert Jahren lagert im Berliner Museum für Naturkunde eine Sammlung von unscheinbaren grauen Basaltbrocken. Sie sind Zeugnisse einer im 18. Jahrhundert hitzig geführten Kontroverse über die Entstehung der Erde, dem sog. Basaltstreit. Oliver Thie hat sie im interdisziplinären Dialog mit Wissenschaftler_innen der Humboldt-Universität und des Museums für Naturkunde künstlerisch erforscht.
Indem Oliver Thie Aufzeichnungstechniken historischer Messinstrumente mit Schattenprojektionen verknüpfte, entwickelte er eine ganz eigene bildnerische Methode zur Fixierung von Schattenbildern. In einer Art „zeichnender Ausgrabung“, so Thie, werden die Schatten der Steine aus mit Ruß bedecktem Papier herausgearbeitet. Wie schwarze Häute schweben die konservierten Silhouetten nun vor der Wand und lassen sich bei vollem Licht betrachten. Aus den Schatten tritt eine Individualität hervor, die sonst in den unscheinbaren Steinen verborgen bleibt.
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Wenige Tage vor Inkrafttreten des Groß-Berlin-Gesetzes betonte der Köpenicker Baustadtrat Hugo Kinzer, die Stadt komme „nicht mit leeren Händen“ in die neue Einheitsgemeinde. Damit bezog er sich auf große Forstflächen, das 1914 eingeweihte Krankenhaus und eine gut ausgebaute städtische Infrastruktur. Köpenick hatte schon im Mittelalter Stadtrecht erhalten und blickte 1920 bereits auf eine lange Geschichte der kommunalen Selbstverwaltung zurück. Vergleichsweise jung waren Landgemeinden wie Treptow, Adlershof oder Oberschöneweide, als sie nach Groß-Berlin „eingemeindet“ wurden. Doch kamen auch sie vor 100 Jahre keineswegs „mit leeren Händen“ nach Groß-Berlin. Sie waren von strategischer Bedeutung für die neue Stadtgemeinde und brachten ausgedehnte Wald- und Wasserflächen, Einrichtungen der Daseinsvorsorge und bedeutende Industriestandorte mit ein. So versorgte das Wasserwerk Friedrichshagen, am Ufer des Müggelsees gelegen, Berlin seit 1893 mit Trinkwasser. Mit der Ansiedlung der Allgemeinen Elektricitäts-Gesellschaft (AEG) wurde die Landgemeinde Oberschöneweide zu einem der wichtigsten Standorte von „Elektropolis“, der elektrifizierten Metropole.
Doch wie erlebten die Gemeinden im Südosten, vom urbanen Alt-Treptow bis zum ländlichen Schmöckwitz, die Zeit vor der Bildung von „Groß-Berlin“? Welche Haltungen nahmen die bis dahin selbstständigen Gemeinden in der Groß-Berlin-Frage ein? Über welche Ressourcen verfügten sie und auf welche Weise konnten sie von den Projekten und Einrichtungen der neuen Stadtgemeinde profitieren? Die Ausstellung richtet den Blick auf die 15 sehr unterschiedlichen Ortsteile des heutigen Bezirks Treptow-Köpenick und zeigt, wie die Verwaltungsreform von 1920 das Leben der Menschen veränderte.
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Xinyi Cheng (* 1989 in Wuhan, lebt und arbeitet in Paris) wurde 2019 mit dem Baloise Kunst-Preis prämiert. Wie schon in den vergangenen beiden Ausgaben mit Sam Pulitzer und Lawrence Abu Hamdan ist diese Auszeichnung mit einem Ankauf der Baloise Group für die Sammlung der Nationalgalerie verbunden. In ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung im Hamburger Bahnhof präsentiert Cheng rund 30 Gemälde, darunter eine Vielzahl neuer Werke sowie sechs Fotografien.
Zentral in Chengs künstlerischer Praxis ist die Malerei. In ihren Bildern stehen häufig Männerfiguren im Mittelpunkt. Neben Einzeldarstellungen zeigt sie ihre Modelle auch in Interaktion miteinander. Der Umraum bleibt zumeist unbestimmt und besteht häufig aus in sich strukturierten, einfarbigen Hintergründen. Dadurch treten die Körper der Figuren aus der Fläche hervor. Ihre Beziehung zueinander, die durch zärtliche Gesten und intime Momente, aber auch rätselhafte Tätigkeiten angedeutet wird, lässt Cheng dabei offen.
Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Publikation im Wienand Verlag mit einem Text der Künstlerin sowie einem Essay von Sven Beckstette.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Baloise Group.
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin
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In den 1980er Jahren entwickelte sich West-Berlin zum Epizentrum sozialer Experimente gegen bürgerliche Lebensweisen. Aus vielen Teilen der Welt versammelten sich junge Menschen in Wagenburgen – Karawanenkolonien auf freien Flächen.
Mit seinen selbstbestimmten Lebensformen, seiner kulturellen und sprachlichen Vielfalt und seiner alternativen Musikszene eröffnete West-Berlin dem Fotografen Ralf Marsault neue Horizonte und die Möglichkeit, seine Serie „Fin de Siècle“ mit Porträts junger Anarchist*innen, Reisender und Punks in Paris oder London fortzusetzen. Seine Fotografien dokumentieren jedoch nicht die Wagenburgen als solche, sondern sie inszenieren eine neue Realität. Marsault reduziert dabei die Abgebildeten nicht auf ihr Erscheinungsbild, sondern gibt ihnen einen Raum zur Selbstdarstellung und integriert sie in bildliche Erzählungen. Seine Berliner Arbeiten erweitern die Bilder aus den anderen Städten, indem sie eine atemporale und atypische Vision eines Lebens an den Rändern der bürgerlichen Gesellschaft bieten.
Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von 30 Porträts und Ansichten der Berliner Wagenburgen, die Ralf Marsault als visuelle Langzeitstudie angefertigt hat.
Kuratiert von Héléna Bastais.
Im Rahmen des Europäischen Monats der Photographie.
Aufgrund der Pandemie findet die Eröffnung NUR ONLINE statt.
Zu sehen am 15. Oktober um 19:00 Uhr bei Youtube:
https://youtu.be/dwyuRw5CVl4
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Das Georg Kolbe Museum widmet seine Hauptausstellung der diesjährigen Herbstsaison dem herausragenden Bauwerk, welches das Ausstellungshaus seit seiner Gründung vor genau 70 Jahren beheimatet: dem ehemaligen Wohn- und Atelierhaus des Bildhauers Georg Kolbe. Für den einstigen Besitzer und Bauherrn, der als Künstler eine enge Beziehung zur sachlichen Architektur und ihren Protagonisten der 1920er-Jahre pflegte, stand das Gebäude stets in direktem Bezug zu seinem bildhauerischen Schaffen. Anhand bislang ungesehenen Archivmaterials spürt die Ausstellung dem Zusammenspiel von Raum und Skulptur nach, welches Kolbe zeitlebens so wichtig war. Dabei gewährt sie Einblick in das Lebensumfeld des Künstlers, der seinen ikonischen Schaffens- und Rückzugsort in der Sensburger Allee seit den frühsten Entwurfsskizzen aktiv mitgestaltet hat.
In den späten 1920er-Jahren, der Bauzeit seines großzügigen Atelierhauses im Berliner Westend, befand sich der Bildhauer Georg Kolbe (1877-1947) auf dem Höhepunkt seines künstlerischen Erfolgs. Vertreten von den großen Galerien Cassierer und Flechtheim hatte er Käufer*innen auf der ganzen Welt und war in Berliner Künstlerkreisen bestens vernetzt. Nach dem frühen und unerwarteten Tod seiner Frau Benjamine sehnte er sich jedoch nach einem Rückzugs- und Schaffensort unweit ihres Grabes. So entstand die Sensburg, wie Kolbe selbst das kubische Backsteinensemble in der Sensburger Allee liebevoll nannte. Stadtnah und zugleich am Rande des Grunewalds gelegen, sollte die Architektur das fruchtbare Wechselspiel von Kunst, Natur und baulicher Form widerspiegeln, auf das der Künstler immer wieder gerne verwies.
Mit der sachlichen Baukunst seiner Zeit verband Georg Kolbe eine enge Beziehung. Im Rahmen seiner Zusammenarbeit mit Architekten wie Ludwig Mies van der Rohe, Bruno Taut, Hans Poelzig und Walter Gropius hatte der Bildhauer bereits früh aktiv Anteil am Diskurs um die Weiterentwicklung des Neuen Bauens genommen. Für die Realisierung seines eigenen maßgeschneiderten Wohnateliers verpflichtete er den Schweizer Architekten Ernst Rentsch, später den Bauhausschüler Paul Linder, und arbeitete in der Entwurfsphase aufs Engste mit beiden zusammen. Die gemeinschaftliche Gestaltungsarbeit profitierte sichtlich von Kolbes intensiver Auseinandersetzung mit der Beziehung von Skulptur und Raum.
Angebunden an den öffentlichen Nahverkehr, mit vollständiger Elektrifizierung, Telefonanschluss sowie voll ausgestatteten Bädern, entsprach der Backsteinbau im Westend Berlins den Ideen des modernen Wohnens und verkörperte dessen Definition eines neuen, schnörkellosen Lebenskomforts. Als Atelier erfüllte er zugleich alle Voraussetzungen, um exakt jene Arbeitsbedingungen zu schaffen, die Kolbe als Künstler suchte. Insbesondere die Blick- und Lichtführung wurde mit hoher Präzision angelegt, die luzide Verbindung von Innen- und Außenraum virtuos umgesetzt.
Mit seinen deckenhohen Fenstern öffnet sich der große Atelierraum zum Garten; ein komplexes Oberlicht führt neutrales Tageslicht zu; hohe Fensterbänder lenken gerahmte Blicke in die umgebende grüne Natur. Der 1935 angelegte, innenliegende Skulpturenhof weist Blickachsen auf, die dem Bildhauer erlaubten, die Wirkung seiner Arbeiten an öffentlichen Plätzen und Parkanlagen zu simulieren, für den er sie häufig schuf. Durch die Ziegelmauer, welche das gesamte Gelände umgibt, erlangt die Sensburg – kontrastierend zu ihrer lichten Atmosphäre – einen beinahe festungshaften Charakter. Als abgeschirmtes Refugium schützte sie den Künstler nicht zuletzt vor neugierigen Blicken und begünstigte seine Arbeit mit Modellen im Freien.
Vor genau 70 Jahren wurde Kolbes Künstleratelier der Öffentlichkeit zugänglich gemacht – als erstes nach dem Krieg neugegründetes Museum und einziges Berliner Künstlerhaus aus den 1920er-Jahren, dessen ursprüngliche Funktion sicht- und fühlbar geblieben ist. Bis heute strahlt der kubische Backsteinbau samt Skulpturengarten den modernen Geist seiner Entstehungszeit aus.
Die Ausstellung „Moderne und Refugium“ portraitiert Kolbes Sensburg im Spiegel ihrer reichen Geschichte. Von ersten Entwurfszeichnungen über die Bauphase bis hin zur privaten und schließlich öffentlichen Nutzung versammelt sie eine Vielzahl mitunter ungesehener Zeitdokumente, die den Künstler als einflussreichen und kreativen Bauherrn und zugleich in seinem privatesten Nukleus zeigen. Umgeben von Familie, Freundinnen und Freunden, sowie seinen Hunden und Katzen wird Kolbe als Mensch mit Facetten sichtbar, die bislang unter der öffentlichen Rolle und ihren Zuschreibungen verborgen blieben. Ein wesentlicher Teil der gezeigten Materialien entstammt dem Nachlass seiner Enkelin, der erst in diesem Jahr nach Berlin kam und aktuell im Museum erschlossen wird.
Eine ausführliche, reich bebilderte Publikation zur Ausstellung erscheint im November 2020.
Zeitgleich zur Ausstellung „Moderne und Refugium – Georg Kolbes Sensburg als Architekturdenkmal der 1920er-Jahre“ zeigt das Museum Keramiken des japanischen Künstlers Shinichi Sawada.
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Die neue Präsentation im Foto-Grafischen Kabinett der Dauerausstellung BerlinZEIT im Märkischen Museum setzt zwei Bildnis-Serien des Berliner Fotografen in den Dialog: „Beletage“ und „Neuköllner Maientage“, inszenierte Portraits in Farbe und Momentaufnahmen in Schwarz-Weiß.
„Beletage“ stellt Menschen in ihrer privaten Wohnung als unmittelbares Lebensumfeld und Ausdruck gelebter Individualität vor. Die Serie bietet sensible Ansichten der und Einsichten in die Mittelklasse der Berliner Bevölkerung, von hilfebedürftigen Rentnern über berufstätige Eltern bis hin zu Besitzerinnen stilvollen Wohneigentums.
In den Beobachtungen von Menschen auf dem Volksfest „Neuköllner Maientage“ in der Hasenheide nutzt Nickel hingegen die intuitiven Möglichkeiten der Straßenfotografie. Kern seines Interesses sind hier vor allem Augenblicke von Konzentration, Faszination, oft auch der Entrückung. Es sind Momente voller Poesie, die sich beim Betrachten übertragen und zugleich den Blick auf die sozialen und kulturellen Hintergründe der Besucherinnen und Besucher des Festes freigeben. So wird die vielbeschworene „Berliner Mischung“ in Nickels schlüssig entwickelten Bildserien sichtbar.
Eine Präsentation im Rahmen des European Month of Photography Berlin (EMOP) 2020. Erworben aus Mitteln der Deutschen Klassenlotterie Berlin von der Kulturverwaltung des Berliner Senats, 2016
Über Lars Nickel
Kurzbiografie: Geboren 1969 in Berlin, seit 1986 autodidaktische Beschäftigung mit künstlerischer Fotografie, 1990er Jahre ausgedehnte Foto-Reisen durch West- und Osteuropa, USA, Mexiko, Guatemala. Ausbildung zum Mediengestalter, 2003 Studium an der Fotoschule „Fotografie am Schiffbauerdamm“ (fas) bei Arno Fischer. Selbstverständnis: künstlerischer Dokumentar. Immer wieder Hinwendung zum Genre Portrait.
Projekte: Situation in deutschen Altenpflegeheimen (2002); Westernstadt Old Texas Town, Berlin (2004); Grenzprobleme im Osteuropäischen Raum (2005); Ehemalige Kriegsgefangene und Kriegsgefangenenlager in Deutschland (2007). 2014 Abschluss „Beletage“ mit Buch im Verlag Edition Braus. Die Serie „Neuköllner Maientage“ aus dem Jahr 2004 wird im Märkischen Museum erstmals öffentlich gezeigt.
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Im Rahmen des EMOP Berlin – European Month of Photography 2020 Berlin
Aufmerksam beobachtete Szenen, in Eile und meist heimlich fotografiert, technisch nicht immer makellos, jedoch inhaltlich hoch brisant – das sind die Schwarz-Weiß-Aufnahmen von Kurt Pfannschmidt (1900–1987), Ernst Thormann (1905–1984) und Richard Woike (1901–1976).
Auf ausgiebigen Foto-Streifzügen dokumentierten die aus der Arbeiterschaft stammenden Amateurfotografen ihre prekäre Lebenswelt. Ihr Anliegen war es, die Arbeiterbewegung durch aussagekräftiges Bildmaterial für die Berichterstattung zu unterstützen. Begeistert von der Technik der Fotografie und dem gemeinsamen Kampf für die Rechte und die Sichtbarkeit der Benachteiligten investieren sie und eine Reihe weiterer Arbeiterfotografen in kostspielige Fotoausrüstung und begeben sich auf ausgiebige Foto-Streifzüge. Dabei entstehen einmalige historische Aufnahmen: Ernst Thormann zeigt die Straßen von Berlin-Neukölln und den jüdischen Alltag im historischen Scheunenviertel in Berlin-Mitte, Richard Woike fotografiert Bilder der Armut und Kurt Pfannschmidts Aufnahmen präsentieren sein Umfeld als Arbeitersportler und KPD-Mitglied in Leipzig.
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Was haben das Erzgebirge, Rovaniemi am finnischen Polarkreis und Yiwu in China gemeinsam? Sie alle leben von Weihnachten! Weihnachten hat als saisonales Fest einen beispiellosen Siegeszug angetreten und wird heute auf der ganzen Welt gefeiert ? egal, ob christlich oder nicht.
Jenseits der religiösen Botschaft sind es vor allem die besondere Stimmung, der Familienbezug sowie der Konsum-Aspekt des Festes, die vielerorts anschlussfähig sind. Als ?Fest der Liebe? erzeugt es gleichzeitig hohe Erwartungshaltungen ? und damit auch Enttäuschungen. Weihnachten führt ebenso zu Ausschlüssen ? von denjenigen, die an Weihnachten allein sind, sich kein Festessen und keine Geschenke leisten können oder es aus religiösen oder kulturellen Gründen nicht feiern. Zudem lassen sich anhand des Weihnachtsfests verschiedene gesellschaftliche Konfliktfelder wie unter einem Brennglas untersuchen, so zum Beispiel die Debatten um Rassismus, die sich schon seit vielen Jahren am Zwarte Piet-Begleiter des Sinterklaas in den Niederlanden entzünden.
In einem Mix aus Objekten aus der Sammlung des MEK, Fotografien, Musik und Film umkreist die Sonderausstellung entlang des Alphabets Helles und Dunkles, Popkultur und Hochamt, Protest und Humor rund um Weihnachten. Typisch weihnachtliche Dinge wie Adventskalender und Pyramiden stehen neben aktuellen Musikvideos, Hollywood-Filmen und Selfies: Sie beleuchten so unterschiedliche Themen wie N wie Nachhaltigkeit am Beispiel der Weihnachtsproduktion in der chinesischen Großstadt Yiwu, F wie Fernsehen als ritualisierte familiäre Festtagspraxis oder auch T wie Tradition, die ganz unterschiedlich gelebt werden kann.
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Diese neu konzipierte und überarbeitete Dauerausstellung stellt Friedrich den Großen (1712–1786) als Bauherrn des Neuen Flügels in den Mittelpunkt und präsentiert den bedeutenden Monarchen der preußisch-deutschen und europäischen Geschichte jenseits der gängigen Klischees. Ermöglicht wird das Projekt durch die großzügige Förderung der Deutschen Klassenlotterie Berlin (DKLB) und der Freunde der Preußischen Schlösser und Gärten e.V.
Die Besucherinnen und Besucher werden in jedem der 16 Räume des Obergeschosses eine andere Facette des Königs kennenlernen. So wird die Funktion Charlottenburgs als Ort höfischer Feste verdeutlicht, die teils problematischen Beziehungen des Monarchen zu seinen Hofkünstlerinnen und Hofkünstlern werden diskutiert und es wird erklärt, wie und von wem das Bild vom sparsamen und aufopferungsvollen Monarchen eigentlich in die Welt gesetzt worden ist. Zudem kann der Frage nachgegangen werden, wie der König seine Kunstankäufe eigentlich tätigte. Ein Thema soll aber auch die Fotodokumentation aller Deckengemälde Antoine Pesnes (1683–1757) sein, die zwei Wochen vor deren endgültiger Zerstörung im Winter 1943 abgeschlossen wurde.
Nur zwei Monate nachdem Friedrich der Große den Thron bestiegen hatte, ließ er den Grundstein für den ersten Schlossbau seiner Regierungszeit legen: den Neuen Flügel in Charlottenburg. Unter der Federführung von Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1699–1753) entstanden dort Wohnungen für den jungen König und seine Frau Elisabeth Christine (1715–1797), vor allem aber auch zwei neue Festsäle, da Friedrich den Neuen Flügel in erster Linie für Familienfeiern nutzte. Vor allem anlässlich der Hochzeiten seiner Geschwister, Nichten und Neffen richtete der König in Charlottenburg große Feiern aus.
Nach den schweren Zerstörungen im Zweiten Weltkrieg und dem Wiederaufbau entschied man sich zu einer Rekonstruktion der meisten dieser friderizianischen Innenräume. Während sich von den hochkarätigen Gemälden, mit denen Friedrich vor allem das Konzertzimmer und die Gris-de-Lin-Kammer ausstatten ließ, ein wichtiger Teil erhalten hat, wurden sämtliche Möbel aus friderizianischer Zeit jedoch schon im 19. Jahrhundert aus Charlottenburg entfernt. Damit diese Interieurs dennoch wieder für die Besucherinnen und Besucher erlebbar werden, erfolgt die Ausstattung mit erhaltenen Möbeln, die Friedrich für das im Zweiten Weltkrieg ebenfalls schwer beschädigte und anschließend abgetragene Potsdamer Stadtschloss in Auftrag gegeben hatte. Diese entstanden zwischen 1745 und 1747 und damit zur gleichen Zeit, in der die zweite Wohnung des Königs im Neuen Flügel eingerichtet wurde. Auch in ihrer Funktion entsprachen sich die Räume der Friedrichwohnungen in Charlottenburg und Potsdam vollständig. Gleichzeitig werden die meisten Gemälde, die zur friderizianischen Originalausstattung gehören, nun wieder in den Räumen zu sehen sein, in denen sie sich nachweislich von Anfang an befanden. Für Besucherinnen und Besucher eröffnet sich damit ein „Seherlebnis“, das der Situation des 18. Jahrhunderts weitgehend entspricht und einen Eindruck friderizianischer Hofkultur vermittelt.
Die grundsätzliche Überarbeitung der Rokoko-Räume ist neben den bereits vor einem Jahr eröffneten Räumen zur Dynastiegeschichte der Hohenzollern Resultat des Projekts „Charlottenburg 2030“, das die erste vollständige und übergreifende museale Neukonzeption des Schlosses seit dem Wiederaufbau umfasst.
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„Das Bauhaus ist out!“ stellte Luigi Colani fest und forderte stattdessen 1977 die „Renaissance des Jugendstils“. Luigi Colani (1928-2019), gebürtiger Berliner, geniales Multitalent und Superstar der Selbstinszenierung, zettelte damit eine Revolution im deutschen Design an. Er war eine der facettenreichsten Designerpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts und ist nur schwer in seiner Gesamtheit zu fassen. Der streitbare Student der Berliner Hochschule der Künste und Absolvent der Pariser Sorbonne schrieb mit seinen visionären Ideen und biomorphen Formen Design-Geschichte. Die Natur war dabei seine wichtigste Inspirationsquelle, was den Querdenker mit dem Jugendstil verband.
Colani sorgte in den 1960er Jahren auch deshalb für eine Revolution im deutschen Design, weil er sich selbst und seinen Namen zur Marke machte. Er nutzte die Möglichkeiten des neuen Materials Kunststoff zu außergewöhnlichen und futuristischen Formen. Oft knüpft er dabei an florale und organische Formen des Jugendstils an, dessen grundlegende Ideen und Konzepte er weiterentwickeln wollte.
In der Ausstellung im Bröhan-Museum werden seine Entwürfe den Jugendstilobjekten der eigenen Sammlung gegenübergestellt. Die floralen Objekte aus der Zeit des Jugendstils und die Werke Colanis stehen für den Traum von einer besseren Welt.
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30 Jahre nach seiner Schließung am 19. September 1990 zeigt das DDR Museum die Geschichte des Palasts der Republik sowie seines Standorts in einer neuen kleinen Sonderausstellung vom 24. September 2020 bis zum 5. April 2021 im Foyer des Museums. Der Eintritt zur Sonderausstellung ist kostenfrei.
»Kein Ort in Berlin hat in den letzten Jahrzehnten so radikale Umbrüche und Neubewertungen erfahren wie das Areal, auf dem der Palast der Republik stand. Das 1976 eröffnete Bauwerk sollte anstelle des 1950 gesprengten Schlosses der Hohenzollern die DDR repräsentieren. Der Palast mit der Volkskammer war das Zentrum der Staatsmacht, gleichzeitig aber auch ein Palast des Volkes,« so Sören Marotz, der die Ausstellung zusammen mit Dr. Stefan Wolle kuratierte.
Die kleine Sonderausstellung gibt Einblick in wichtige Ereignisse des wechselhaften und viel diskutierten Ortes von der Sprengung des Berliner Stadtschlosses 1950 über die Nutzung sowie Bedeutung des Palasts der Republik bis hin zur geplanten Eröffnung des Humboldt Forums im Berliner Stadtschloss.
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Lächelnd und riesig groß blickt uns die perfekt gestylte Singlefrau der Zukunft an. Ihr lichtdurchflutetes Luxusapartment in einem Hochhaus thront über einem futuristischen City-Panorama. Auch wenn wir uns längst an derartige Maxi-Werbeflächen im öffentlichen Raum gewöhnt haben, spielen diese Bilder geschickt mit unseren Sehnsüchten nach einem glänzenden urbanen Leben. In der Arbeit der britischen Künstlerin Felicity Hammond (*1988) trifft das selbstbewusste Versprechen der Immobilienunternehmen allerdings auf postindustrielle Szenerien aus Autoreifen und Bauschutt einer Großbaustelle – offensichtlich liegen beim Städtebau Utopie und Dystopie ganz nah beieinander.
Mit der Ausstellung Remains in Development präsentiert C/O Berlin Felicity Hammonds erste Einzelschau in Deutschland. Sie basiert auf der Monografie Property (2019) und übersetzt erstmals Elemente des Buches in die Dreidimensionalität. Dabei bringt Hammond zentrale Arbeiten ihres künstlerischen Werks in einer neuen Konstellation zusammen: Collagen und skulpturale Objekte sind gemeinsam mit einer Installation zu sehen, die das aus der Film- und Fototechnik bekannte Verfahren des Chroma Keyings thematisiert, das für die Freistellung von Hintergründen für Werbeprospekte oder Plakate verwendet wird. Ergänzend zur Ausstellung bei C/O Berlin hat die Künstlerin ihre Bildmotive auf Werbesäulen übertragen und bringt sie so zurück in die Stadt. Diese fünf Objekte sind beim B-Part Am Gleisdreieck, vor dem Kühlhaus Berlin in der Luckenwalder Straße sowie vor dem Amerika Haus zu sehen.
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Wie in einer Postkartenlandschaft versinkt die Sonne im Meer, am Strand wird eine Wassermelone angerichtet, golden glitzert eine Decke in der Sommerhitze. Doch Michael Danners Fotografien brechen mit unseren Klischees und Erwartungen an einen Aufenthalt im Mittelmeerraum. Fast unmerklich überschreiben sie die allbekannte Urlaubsidylle, um das bedrohliche Szenario einer humanitären Katastrophe hervorzukehren: Die Geflüchteten des 21. Jahrhunderts erleben unsere Ferienträume an den Küsten von Griechenland, Marokko oder Tunesien als Konfrontation mit Bedrohung, Untergang und Tod. Danners Langzeitprojekt (2008–2017) mit dem vordergründig provokanten Titel Migration as Avant-Garde ist ein Gegenentwurf zur klassischen Erzählung der Nachrichtenbilder. Anstatt nur zu informieren oder bewusst zu schockieren, eröffnet Michael Danner (*1967) einen visuellen Dialog über eines der ältesten Phänomene der Menschheit: Die Bewegung von einem Ort zum anderen.
C/O Berlin präsentiert das Projekt, für das Michael Danner 2018 mit dem Dummy Award des Kasseler Fotobookfestivals ausgezeichnet wurde, weltweit erstmals in Form einer institutionellen Ausstellung. Das auf Schichtung und Collage basierende komplexe Buchdesign wird durch die Kuration von Dr. Kathrin Schönegg in Form von gerahmten Fotografien, Projektionen und gestalteten Textfragmenten in den Raum übersetzt.
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Harald Hauswalds Bilder sind voller Sympathie für das fotografierte Objekt und die Menschen vor seiner Kamera. Es sind Bilder von der Eintönigkeit, aber auch von der Langsamkeit des Lebens in der DDR, Zeugnisse einer abgeschotteten und eingeschlossenen Welt kurz vor ihrem Untergang. Entgegen dem vorherrschenden Bild des Westens über den Osten Deutschlands, dominiert von SED und FDJ, Mauer und Stacheldraht, Aufmärschen und Militärparaden, liefert Harald Hauswald (*1954) eindringliche und einmalige Momentaufnahmen und Zeugnisse des sozialistischen Alltags, insbesondere der Entwicklung des Ostberliner Stadtraums und des Wirkens oppositioneller Gruppen, von Künstler*innen sowie verschiedenen Jugendkulturen. Hauswalds Fotografien dokumentieren nicht einfach nur das Zusammenleben der Menschen in der DDR, sondern sie visualisieren Erinnerungen deutsch-deutscher Geschichte ebenso wie die Herausforderungen des Systemwandels im wiedervereinten Deutschland. Die von Felix Hoffmann in Zusammenarbeit mit Ute Mahler und Laura Benz kuratierte Ausstellung Harald Hauswald . Voll das Leben! ist mit rund 250 zwischen Ende der 1970er- bis Mitte der 1990er-Jahre entstandenen Fotografien die erste große Retrospektive des Gründungsmitglieds der Berliner Fotografenagentur OSTKREUZ.
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Es ist Anfang der 1990er Jahre in Ostdeutschland, die Phase der großen Veränderungen nach dem Fall der Mauer. Der 30-jährige Ost-Berliner Fotograf Jürgen Hohmuth dokumentiert diese Umbruchszeit. Er bereist Dörfer und Städte und fotografiert die erlangten Freiheiten, die neuen Konsummöglichkeiten, aber auch den Stillstand in vielen Betrieben.
Ein Kind auf dem Fahrrad, junge Männer in einem verbeulten Auto, Schriftzüge an Hausfassaden: Augenblicke, wie sie uns fast immer und überall begegnen können. Diese gewöhnlichen Szenen lassen die Zeiten tiefgreifender Umbrüche nur erahnen. Mit seiner Kamera blickt Jürgen Hohmuth auf die Spuren des Wandels im Spiegel des Alltäglichen. Er hält die fundamentalen Veränderungen im öffentlichen Leben, der Arbeitswelt und des Familienlebens mit seiner Kamera fest.
Ob in Angermünde, Berlin, Halle-Neustadt oder Leipzig: Sein Werk vermittelt ein tiefes Gespür für die Alltagsstimmung in Ostdeutschland und gleicht einem kollektiven Fotoalbum. Es konfrontiert uns auch heute noch mit der Frage: Gibt es Normalität in Zeiten radikaler Veränderung?
Diese Fotografien von Jürgen Hohmuth werden erstmalig in einer Ausstellung präsentiert. Ergänzt werden die Bilder durch eine Audiospur mit den Erinnerungen an die Umbruchszeit von ostdeutschen Schriftstellerinnen und Schriftstellern, darunter Peter Richter, Kathrin Schmidt und Ingo Schulze. Die Audiospur kann per Smartphone im hauseigenen W-LAN abgerufen werden.
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Ende 1941 entwickelten zwei Wiener Wissenschaftlerinnen ein Projekt zur »Erforschung typischer Ostjuden«. Mit »kaltem Blick« fotografierten sie im März 1942 in der deutsch besetzten polnischen Stadt Tarnów mehr als hundert jüdische Familien, insgesamt 565 Männer, Frauen und Kinder. Von diesen überlebten nur 26 den Holocaust und konnten später davon berichten. Erhalten geblieben sind die Bilder und Kurzbiografien der Ermordeten. Die Ausstellung dokumentiert zum einen das ehrgeizige Vorgehen der beiden Wissenschaftlerinnen. Zum anderen erzählt sie vom Leben der Juden in Tarnów vor 1939 und von deren Ermordung unter deutscher Herrschaft – exemplarisch für die Verfolgung und Vernichtung hunderter jüdischer Gemeinden in dem von Deutschen beherrschten und terrorisierten Polen.
Eine Ausstellung des Naturhistorischen Museums Wien, der Stiftung Denkmal für die ermordeten Juden Europas und der Stiftung Topographie des Terrors
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Beide Künstlerinnen untersuchen die Wirklichkeit europäischer Landschaften mit der Kamera. Dabei geht es den Künstlerinnen um mehr als nur eine dokumentarische Bestandsaufnahme, vielmehr stellen sie kritische Fragen zum schleichenden Wandel von Natur- zu Kulturlandschaften und somit zu unserem Verhältnis zur Natur.
Petra Spielhagens Fotoserien beschäftigen sich mit der zu Arbeits- und Nutzraum umgeformten Natur. Ihre zumeist nächtlichen Fotografien entstanden z. B. in Westland, dem größten Gewächshausgebiet Europas oder bei der nächtlichen Maisernte. Die in der Dunkelheit stark ausgeleuchtete Landschaft verstärkt den Eindruck des unnatürlichen Eingriffs in die Natur.
Anja Teske untersucht in ihren Fotoserien “Neighbour’s garden” und “Limitations” minimale, private Landschaften in den Gärten verschiedener europäischer Nachbarn. Die auf den ersten Blick abstrakt wirkenden Ausschnitte von Rasenstücken oder Einfriedungen verweisen auf fragile Zustände von landestypisch domestizierter Natur, nicht ohne auch auf das Verschwinden von Landschaft hinzuweisen.
Kuratiert von Gabriele Büchner
Mit freundlicher Unterstützung des bezirklichen Förderfonds der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
Was ist inklusive Gestaltung? Was ist wünschenswert für das zukünftige Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung, was ist umsetzbar? Diese Fragestellungen sind Ausgangspunkt eines kleinen Forschungsprojekts zu inklusiv gestalteten Dingen im temporary bauhaus-archiv. Das Projekt erkundet lokale Geschichten von Barrieren, Hilfsmitteln und Möglichkeiten in der unmittelbaren Nachbarschaft des temporary in Berlin-Charlottenburg. Die im Ausstellungsbetrieb geltenden Normen werden spielerisch hinterfragt und ebenso humorvolle wie eigensinnige Lösungen aufgezeigt.
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Die Ausstellung ?Ideal und Form? zeichnet mit Skulpturen und Plastiken von der Schinkelzeit bis zum Kaiserreich die Entwicklungslinien des langen 19. Jahrhunderts in die Moderne nach und lädt ein, die seinerzeit bereits international ausgerichtete Berliner Bildhauerschule neu zu entdecken.
Die von Karl Friedrich Schinkel geplante und in den Jahren 1824 bis 1830 erbaute Friedrichswerdersche Kirche ist seit 1987 Museumskirche und zugleich Dependance der Alten Nationalgalerie. Sie bietet die einzigartige Möglichkeit, Skulpturen des 19. Jahrhunderts in einer noch weitestgehend original erhaltenen Architektur aus eben jener Zeit zu erleben ? und das bei wechselndem Licht immer wieder neu. Als die umfassendste Sammlung skulpturaler Kunst des 19. Jahrhunderts nimmt der Skulpturenbestand der Nationalgalerie eine herausragende Stellung innerhalb der deutschen Museumslandschaft ein.
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Mit der Einzelausstellung von Amelie von Wulffen (*1966, DE) widmen sich die KW Institute for Contemporary Art einer Berliner Künstlerin, die sich schon lange international als eine der wichtigsten deutschen Maler*innen etabliert hat. Die Ausstellung in den KW stellt die erste institutionelle Einzelausstellung der Künstlerin in Berlin dar und präsentiert neben einer Auswahl bereits existierender Arbeiten eine umfassende Gruppe an Neuproduktionen.
Seit den 1990er Jahren hat Amelie von Wulffen ein komplexes und eigenwilliges Werk entwickelt, das Fragen nach den historischen, ökonomischen und sozialen Bedingungen von Malerei aufwirft und dabei in einem hohen Maße selbstreflexiv vorgeht. Dies erstreckt sich auch auf die Figur der Künstlerin selbst, die immer wieder in unterschiedlicher Gestalt in ihren Arbeiten auftaucht und dabei oft ihre persönliche Familienchronik mit nationaler Geschichte und existentiellen Fragen nach einem kulturellen und spezifisch deutschen Erbe verbindet. In von Wulffens Bildern werden ästhetische Widersprüche gezielt kontrastiert und verschiedene Malstile der Kunstgeschichte und der Hobbykunst miteinander verwoben, womit deren assoziatives Gewicht lustvoll neu besetzt wird. Ihr Werk erscheint vor diesem Hintergrund wie eine Meta-Reflexion der ästhetischen Widersprüche im Nachkriegsdeutschland und gegenwärtiger Pop- und Politkultur, in die die Künstlerin auch kunstgewerbliche Zitate wie Möbel und architektonische Versatzstücke miteinbezieht.
Wie schon frühere Bildzyklen von Wulffens handeln auch ihre neuen Bilder von den teils abgründigen Dimensionen von Familie als einem Ort, an dem neben Liebe und Kultur auch bleierne Probleme und Verdrängtes weitergegeben werden. Besonders emotional werden diese Arbeiten dadurch, dass die Dimension des Abschieds von den Eltern hinzutritt. In einer szenographischen, gemalten Genreinstallation werden neue Kleinskulpturen platziert – eine Art dramatische Wunderkammer verhandelt das Verhältnis von Mensch und Natur, das auch in Zeiten der totalen Umweltzerstörung noch von romantischen Landschafts- und Naturprojektionen bestimmt wird. Begleitet werden diese neuen Arbeiten von ausgewählten existierenden Malereien, Zeichnungen, Möbeln, Skulpturen und Filmen der Künstlerin.
Kuratorin: Anna Gritz
Assistenzkuratorin: Kathrin Bentele
Die Ausstellung von Amelie von Wulffen wird von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa gefördert.
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Die KW Institute for Contemporary Art freuen sich, die erste groß angelegte Retrospektive des brasilianischen Künstlers José Leonilson (1957–1993) in Europa zu präsentieren. Leonilson zählt zu den wichtigsten Vertreter*innen einer Generation brasilianischer Künstler*innen, die unter dem Namen Geração 80 (Generation 80) bekannt wurde. Nach dem Ende der Militärdiktatur in Brasilien Mitte der 1980er Jahre verlieh diese Künstler*innengruppe der neu gewonnen Freiheit mit einer gestischen, farbreichen und expressiven Malerei Ausdruck. Anders als die US-amerikanische Pop Art der 1980er Jahre, die sich die Symbole einer stark industrialisierten Gesellschaft aneignete, war die Kunst der Geração 80 sozialkritisch.
Der 1957 geborene José Leonilson studierte von 1978 bis 1981 bildende Kunst in São Paulo (BR). Neben Eva Hesse und Blinky Palermo, die er in den frühen 1980er Jahren auf Reisen durch Europa kennenlernte, war sein frühes Werk vor allem von der italienischen Transavanguardia-Bewegung beeinflusst, die sich Ende der 1970er Jahre formierte und deren Vertreter*innen sich der Figuration, antiker Mythologie und einer expressiven Farbigkeit zuwandten. So sind Leonlisons Malereien und Zeichnungen aus dieser Zeit von einem eklektizistischen Subjektivismus und der Verwendung einer emblematischen Bildsprache gekennzeichnet. Ein wichtiger Moment in der frühen Schaffensphase des Künstlers war der Besuch einer Ausstellung zu Textilarbeiten der Shakers, einer amerikanisch-christlichen Sekte. Vor allem die gestickten Karten der Shakers, die unter anderem deren Ländereien darstellten, beeinflussten Leonilson und führten zur verstärkten Arbeit des Künstlers mit Stoff. Mit seiner HIV-Diagnose 1991 änderte sich Leonilsons Bildsprache erkennbar: Die Auseinandersetzung mit dem Tod sowie sein immer schlechter werdender körperlicher Zustand prägten die tagebuchartigen Arbeiten aus den Jahren 1991 bis 1993. Gegen Ende seines Lebens war es ihm nur noch möglich, mit Stoff, Nadel und Faden zu arbeiten – gleichzeitig spielen in jener letzten Schaffensphase Sprache und Abstraktion sowie religiöse Bild- und Formensprache eine wichtige Rolle.
Die Retrospektive in den KW zeigt eine Auswahl von über 250 Arbeiten mannigfaltiger Medien und Stile, von frühen Malereien bis hin zu den introspektiven Stickereien und bietet damit einen Überblick über Leonilsons künstlerisches Œuvre. Im Anschluss wird die Ausstellung im Moderna Museet in Stockholm (März – Mai 2021), in der Malmö Konsthall (Juni – August 2021) sowie im Museu de Arte Contemporânea de Serralves in Porto (November 2021 – April 2022) präsentiert.
Kurator: Krist Gruijthuijsen
Assistenzkurator: Léon Kruijswijk
Die Ausstellung Leonilson: Drawn 1975–1993 wird durch die Kulturstiftung des Bundes gefördert
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Yael Bartana, Ramesch Daha, Anna Dasovi?, Jean-Ulrick Désert, Andrew Gilbert, Aslan ?oisum, Maryam Jafri, Nadia Kaabi-Linke, Zartosht Rahimi, Larissa Sansour / Søren Lind, Maja Weyermann, Akram Zaatari
Die Gruppenausstellung untersucht die Notwendigkeit, historische Narrative kritisch zu hinterfragen. Geschichte wird nicht mehr als reine Ansammlung von Daten und Fakten, als eine linear nachzuerzählende Abfolge von eindeutigen Ereignissen betrachtet. Stattdessen wächst das Bewusstsein, dass Geschichtsschreibung immer auch unter den politischen Vorzeichen ihrer „Autor*innen“ gelesen werden muss. Heute finden sich zunehmend Versuche, sich der Deutung von Geschichte zu bemächtigen – vor allem durch antidemokratische Kräfte weltweit. Die Künstler*innen der Ausstellung spüren bisher verschwiegene oder unterdrückte historische Phänomene auf, betrachten Geschichte durch den Filter ihrer eigenen Biografie und arbeiten so an einer kritischen Geschichtsschreibung in Abgrenzung zu bestehenden Herrschaftssystemen.
Die Ausstellung wird von Kathrin Becker kuratiert.
Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week (9. – 13. September 2020) statt.
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Der M1 VideoSpace im Maschinenhaus des KINDL ist ein neu geschaffener Präsentationsraum für Videoarbeiten internationaler Künstler*innen. Eröffnet wird der Raum mit dem neuesten Film Passage (2020) von Ann Oren (*1979 in Tel Aviv, lebt in Berlin), dem die Künstlerin in ihrer Installation eine Geruchs- und Tastebene hinzufügt. Oren reflektiert darin über die Grenzen zwischen dem Humanen und dem Animalischen, über fiktive Geschlechterrollen und ihre Überwindung wie auch über die frühen filmischen Experimente Eadweard Muybridges.
Die Ausstellung wird von Kathrin Becker kuratiert.
Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week (9. – 13. September 2020) statt.
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Lerato Shadi (geboren in Mahikeng, Südafrika, lebt in Berlin) macht in ihren Arbeiten Unsichtbares oder Übersehenes sichtbar und kritisiert rein westliche Vorstellungen von Geschichte. Dabei stellt sie ihren Körper ins Zentrum ihres Werks – oftmals in ausdauernden, körperlich herausfordernden Performances. Die Einzelausstellung im KINDL präsentiert Videos, Neonschriften und Fotoarbeiten sowie eine neue Serie von Textilarbeiten, die das Verhältnis von Tafelbild und Performativität thematisieren.
Die Ausstellung wird von Kathrin Becker kuratiert.
Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week (9. – 13. September 2020) statt.
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Nik Nowak (*1981 in Mainz, lebt in Berlin) setzt sich in seiner künstlerischen Arbeit kritisch mit der Verwendung von Klang als Waffe und Propagandamedium auseinander. Mit Schizo Sonics realisiert er eine raumgreifende audiovisuelle Installation mit zwei soundgewaltigen Klangskulpturen. In einem speziell dafür produzierten Hörstück werden Aspekte der Politik des Kalten Krieges am Beispiel ideologisch-akustischer Stellvertreterkriege laut, wie sie im Berlin der 1960er Jahre an der innerdeutschen Grenze oder auch im Jamaika der 1970er Jahre ausgetragen wurden und, wie in der Grenzzone des geteilten Korea, noch immer werden.
Die Ausstellung wird von Kathrin Becker kuratiert.
Die Ausstellung findet im Rahmen der Berlin Art Week (9. – 13. September 2020) statt.
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Anlässlich des diesjährigen Gedenkens an das Ende des Zweiten Weltkrieges zeigen wir auf der Zitadelle Ausstellungen und Interventionen, die die Spuren jener Zeit in unserer Gegenwart thematisieren.
Die Ausstellung verbindet drei Einzelausstellungen miteinander, die den Spuren jüdischen Lebens in Spandau auf den Grund gehen. “UNVERGESSEN – Die Pogromnacht 1938 in Spandau” und “Über jüdisches Leben in Spandau” sind Projekte, die von der Jugendgeschichtswerkstatt Spandau unter Uwe Hofschläger erstellt wurden. Ergänzt werden diese durch die Ausstellung des Evangelischen Kirchkreises “Wir waren Nachbarn”. Die Zusammenführung der drei Schwerpunktthemen zu einer Schau ermöglicht den Besucher*innen nicht nur den Erhalt eines umfangreicheren Bildes von Spandau zu jener Zeit, sondern gibt auch die Möglichkeit individuelle Biografien zu entdecken.
Die Geschichte der Familie Hannes zeigt beispielhaft wie Ausgrenzung, Entrechtung, Raub, Vertreibung, Zwangsarbeit, Deportation und Ermordung die Existenz jüdischen Lebens bestimmten. Ein weiterer Schwerpunkt ist die Pogromnacht 1938 in Spandau. Ein Teil der Ausstellung beschreibt die Ausmaße der Zerstörung sowie die Auswirkungen auf die Bevölkerung. Erzählt wird unter anderem das Schicksal der Familie Stein aus Siemensstadt, deren Geschäft geplündert wurde. Flucht und Deportation zerriss die Familie.
Die Ausstellungen der Jugendgeschichtswerkstatt entstanden unter Beteiligung verschiedener Oberschulen mit jungen Spandauer*innen. Weitere Informationen zur JGW Spandau erhalten sie hier.
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Die Kulturstiftung Schloss Britz präsentiert in Kooperation mit der Tübinger Galerie Art28 eine Auswahl von rund hundert Unikaten und Grafiken
aus dem umfangreichen Schaffen des Künstlers Janosch.
Mit Papa Löwe, Bär, Tiger und vor allem der Tigerente prägte und prägt der 1931 geborene Zeichner, Schriftsteller und Grafiker seit vielen Jahrzehnten die Kindheit und Jugend vieler Menschen. Mit seinen Figuren und Illustrationen richtet sich Janosch auch an ein erwachsenes Publikum. In weniger bekannten Arbeiten beschäftigt er sich mal derb, mal sinnlich mit der facettenreichen Schilderung von Beziehungen und Stimmungen, aber auch von Städten und Landschaften.
In vielen Arbeiten zeigt er sich als pointierter Erzähler, aber auch als kritischer Kommentator und genauer Beobachter, dem nichts Menschliches fremd ist.
Zu erleben ist eine Ausstellung für die ganze Familie, in der man geliebte Figuren wiedersehen und die vielschichtige Künstlerpersönlichkeit Janosch kennenlernen kann. Ergänzend wird ein vielfältiges Mitmach- und Begleitprogramm für Kinder, Familien, Schulen und Erwachsene angeboten.
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Robert Capa (1913–1954) ist einer der größten Fotografen des 20. Jahrhunderts: Seine Bilder von Europas Kriegsschauplätzen haben sich in unser Gedächtnis eingeprägt. Weitgehend unbekannt jedoch blieben die über 600 Fotos, die Robert Capa im Sommer 1945, in US-amerikanischer Uniform, in Berlin aufnahm: Ein subjektiver, auch distanzierter Blick auf die befreite, zerstörte Stadt und ihre Menschen, auf alliierte Soldaten, Berlinerinnen und Berliner und immer wieder auf Kinder.
75 Jahre nach der Befreiung Europas vom Nationalsozialismus werden zum ersten Mal 120 Fotografien aus Capas Berlin-Konvolut in einer Ausstellung gezeigt. Die Bilder folgen dem imaginierten Stadtrundgang des Fotografen, für den die Tage in Berlin im Sommer 1945 eine Wende in seiner Karriere und in seinem Leben bedeuteten.
In Kooperation mit dem Robert Capa Archive des International Center of Photography, New York
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In seiner Ausstellung „Report from Exile – Fotografien von Fred Stein“ stellt das Deutsche Historische Museum den deutsch-amerikanischen jüdischen Fotografen Fred Stein (1909–1967) vor, dessen umfangreiches fotografisches Werk untrennbar mit den Themen Emigration und Exil verbunden ist. Der Dresdener Jude wurde im Juni 1933 aus dem sächsischen Justizdienst entlassen und musste im Herbst 1933 aus Deutschland fliehen. Im Pariser Exil begann er als Porträt- und Pressefotograf zu arbeiten und zählte damit zu den zahlreichen autodidaktischen Fotografinnen und Fotografen jüdischer Herkunft. Nach der erneuten Flucht 1941 nach New York führte Stein die Porträtfotografie mit einem Schwerpunkt auf Schriftstellerporträts fort und trug – wie er selbst es bezeichnet hat – „die größte Sammlung von Fotos solcher Autoren [Emigranten], die ein Fotograf je selbst gemacht hat“, zusammen.
Die Ausstellung zeichnet parallel zu diesem historischen Schwerpunkt anhand von zahlreichen Presse- und Straßenfotografien, Publikationen und Dokumenten den beruflichen Weg des Autodidakten nach. Ausgewählte Beispiele belegen, wie Stein, der 1930 in Leipzig ein Studium der Rechtswissenschaften abgeschlossen hatte, um die Durchsetzung seiner Bildrechte kämpfen musste, um den Lebensunterhalt für seine Familie zu verdienen. Ein besonderer Schwerpunkt liegt auf Steins Pariser Schaffensperiode und der Thematik des Exils. Dokumente und Objekte aus den Sammlungen des Deutschen Historischen Museums und anderen Archiven zur Tätigkeit der deutschsprachigen Emigranten in Paris verdeutlichen den politischen und kulturellen Kontext.
Die Ausstellung wird kuratiert von Ulrike Kuschel.
Änderungen vorbehalten! - Angaben ohne Gewähr!
Quelle:
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