Dort, wo die Spandauer Straße das Dörfchen Pankow, das im 19. Jahrhundert im wesentlichen aus der heutigen Breiten Straße als Dorfanger bestand, in Richtung … verließ, kaufte 1856 Hermann Killisch von Horn ein 2,5 Hektar großes Gelände. Er war als Mittdreißiger zur damaligen Zeit ein junger Mann, der gerade begann, seine Karriere und sein Vermögen aufzubauen und ein Jahr zuvor nahe dem Gendarmenmarkt in Berlin seine Berliner Börsenzeitung gegründet hatte. Es zog ihn wie viele andere vermögende Berliner in das idyllische kleine Örtchen nördlich von Berlin, und er fand mit einem Wassermühlengebäude ein entwicklungsfähiges Wohnhaus und eine noch wilde, herrliche Umgebung.
Der Liebhaber der Gartenkunst gestaltete zunächst einen parkartigen Garten, acht Jahre später vergrößerte er sein Gelände auf 10 Hektar und schuf gemeinsam mit seinem Obergärtner Wilhelm Perring, der 1868 zu ihm kam und acht Jahre mit ihm gemeinsam wirkte, einen Landschaftsgarten von besonderer Güte. Wohn-, Wirtschafts- und Schmuckbauten entstanden, zwei Hügel wurden angelegt, das Areal nach dem Prinzipien englischer Landschaftsparks modelliert.
Neben ihrem Wohnsitz in der Stadt lebte die Familie gerne hier draußen, und sechs der sieben Kinder sind hier geboren. Über viele Jahre hatten auch die Einwohner und Besucher Pankows Zutritt, bis die Zunahme “grober Missbräuche” Killisch von Horn veranlassten, den Park zu schließen.
Nach seinem Tode 1886 wurde es ruhig im Park, 1906 stand er zum Verkauf. Ein Bebauungsplan bestand schon, als sich der Pankower Bürgermeister Wilhelm Kuhr einschaltete. Er war erst seit August im Amt, erkannte aber die Brisanz der Situation sofort und kämpfte für den Ankauf des Parks durch die Gemeinde, um ihn für den stetig wachsenden Ort zu erhalten, der als “Gesündester Vorort des Nordens” galt und erhalten werden sollte.
Der Erwerb gelang 1907 nach zähen Verhandlungen, 1.450.000 Mark kostete das Gelände mit all seinen Baulichkeiten. Über ein Jahrhundert lang trägt er nun den Namen “Bürgerpark”.
Vom 6. bis 15. Juli 1938 trafen sich Vertreter von 32 Staaten im mondänen Badeort Évian-les-Bains am französischen Ufer des Genfer Sees. Anlass war eine von US-Präsident Roosevelt einberufene Konferenz zur Flüchtlingskrise in Europa, die durch die Vertreibung der Juden aus dem Deutschen Reich und dem gerade "angeschlossenen" Österreich durch das NS-Regime ausgelöst worden war.
Die Konferenzteilnehmer bekundeten zwar ihr Mitgefühl mit den Geflüchteten, lehnten die Aufnahme zusätzlicher Flüchtlinge jedoch mit unterschiedlichen Begründungen ab. Zudem vermieden sie es, das NS-Regime als Verantwortlichen der Flüchtlingskrise und die Juden als deren Hauptbetroffene zu benennen. Damit wurde die Konferenz von Évian zu einem Symbol dafür, wie die dringend auf Zuflucht angewiesenen verfolgten Juden von der internationalen Staatengemeinschaft weitgehend im Stich gelassen wurden.
Anlässlich des 80. Jahrestags der Konferenz erinnern die Gedenkstätte Deutscher Widerstand und das Zentrum für Antisemitismusforschung der Technischen Universität Berlin in einer gemeinsamen Ausstellung an die Voraussetzungen, den Verlauf und die Folgen dieser Konferenz. Ein besonderes Schlaglicht wird zudem auf die teilnehmenden Staaten und die Delegationen geworfen.
Die Wanderausstellung ehrt das Lebenswerk des Gartenkünstlers Peter Joseph Lennés (1789-1866) und sein landschaftsprägendes Schaffen in Mecklenburg-Vorpommern. Lenné zählt zu den bedeutendsten Gartenkünstlern des 19. Jahrhunderts und hat unter anderem die großherzoglichen Gärten in Schwerin, Neustrelitz und Ludwigslust gestaltet.
Die Ausstellung wurde 2016 anlässlich des 150. Todesjahres des Gartenkünstlers vom Bund Deutscher Landschaftsarchitekten in Mecklenburg-Vorpommern konzipiert.
Zum Jahr der Frau_en nimmt sich die Ausstellung Radikal – Lesbisch – Feministisch erstmalig einer lange erwarteten Betrachtung von Geschichte und Bedeutung der HAW-Frauengruppe (Homosexuelle Aktion Westberlin) und des LAZ (Lesbisches Aktionszentrum) an. Die Gründerinnen dieser ersten offensiven feministischen Lesbengruppe der 1970er Jahre in der BRD kamen teils aus der antiautoritären und antikapitalistischen linken Bewegung der 68er, in der die herrschenden heteronormativen und patriarchalen gesellschaftlichen Strukturen kaum thematisiert wurden. Anfänglich als HAW-Frauengruppe, später als LAZ waren sie von 1972 bis 1982 aktiv; danach lösten sie sich auf.
Im Kontext der sich wandelnden historischen Übersichtsausstellung Tapetenwechsel veranschaulicht Radikal – Lesbisch – Feministisch die anfängliche Kooperation mit den HAW-Männern ebenso wie die produktive Zusammenarbeit und die Wechselwirkungen zwischen den Lesben- und autonomen Frauenzentren.
Eine Vielzahl bisher unveröffentlichter Originaldokumente, Bild-, Tonmaterial und nicht zuletzt kostbare Schätze aus privaten Platten- und Instrumentensammlungen illustrieren erstmals die kämpferischen Widerstandsformen, die fantasievollen Aktionen, die aus dem LAZ entstandenen Publikationen sowie die Fülle der Projekte, die zum Teil bis heute existieren und dokumentieren so die Lust am lesbischen Leben in all seinen Facetten. Auch die damaligen Visionen – das Feeling einer „Lesbian Nation“, das in zahlreichen europäischen Lesben-Sommercamps, beim Feiern großer Feste mit den Flying Lesbians, in kreativen Projekten wie der Lesbenpresse, oder auch in Selbstverteidigungs- und Selbsthilfegruppen entstand.
Die Ausstellung sucht die politische Bedeutung der HAW-Frauengruppe und des LAZ und die daraus entstandenen Aktionen und Projekte in der Gegenwart erlebbar zu machen. Dafür beschwören Zeitzeuginnen begleitend zur Ausstellung den Geist der damaligen Bewegung herauf und schlagen anhand von Filmen und Diskussionen, Geschichten und Musik eine Brücke zur heutigen Realität von Lesben, zu deren Selbstverständnis und Sichtbarkeit.
Was hat sich verändert – was ist geblieben – was kann noch kommen? Das Ziel der Ausstellungsmacher_innen ist, das LAZ als Vereinigung neu zu beleben, u. A. dadurch, dass “LAZ Reloaded” künftig Teil des E2H-Projekts (Elberskirchen-Hirschfeld-Haus) werden soll.
Kuratiert von Christiane Härdel, Regina Krause, Monne Kühn – und Wolfgang Theis, einer der Gründer des Schwulen Museums; in enger Zusammenarbeit mit Aktivistinnen und Zeitzeuginnen von HAW/LAZ.
Radikal – Lesbisch – Feministisch ist Teil des Jahresprogrammes Jahr der Frau_en – eine konzertierte queerfeministische Intervention. Das Jahr der Frau_en wird gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
Bewegung ist ein zentrales Motiv von Gil Delindros kinetischen Skulpturen. Er arbeitet vorwiegend mit natu?rlichen Materialien, um Prozesse der Vera?nderung, Beru?hrung und Resonanzko?rper akustisch wahrnehmbar zu machen. Seine Arbeiten fu?r A Grain Within a Cloud of Dust knu?pfen an seine Forschung in der Sahara im algerisch-marokkanischen Grenzgebiet an, wo er sich mit performativen Aktionen und experimentellen Field Recordings einer Landschaft angena?hert hat, die a?ußerst trocken, unwirtlich, reduziert und zugleich gewaltig ist. In A Grain Within a Cloud of Dust geht es um das Partikulare im Ganzen, das Einzelne in der Masse, Individualita?t und Wiederholung und damit auch um eine existenzielle Fragestellung. Diese wird vor dem Hintergrund nicht-menschlicher Architekturen, in abgele- genen Geogra en verhandelt, in denen Zeit, Bewegung, Stille und Ereignis in ein anderes Verha?ltnis zueinander eintreten. In seinem Umgang mit Gera?usch und Musikalita?t la?dt Gil Delindro dazu ein, eine gegenkulturelle Form der Wahrnehmung einzuu?ben. Abseits der großen Ereig- nisse mit ihren weitreichenden Konsequenzen sucht sie das Politische in einer Sensibilisierung fu?r die Realita?t vibrierender Materie – Respekt vor einer Welt, in der alle Materialita?t als lebendig erscheint.
kuratiert von Lena Johanna Reisner
Die Malerin Sabine Herrmann (*1961 in Meißen) studierte an der Kunsthochschule Berlin-Weissensee und gehört zu den prägenden Malerinnen Ost-Berlins der Jahre nach 1989. An der Schnittstelle zwischen Figuration und Abstraktion hat sie ein malerisches Oeuvre von beeindruckender Dichte entwickelt, das sie mit Arbeiten aus verschiedenen Schaffensperioden im Rahmen einer umfangreichen Ausstellung im 1. OG der Alten Kaserne vorstellt.
Ausstellung im Botanischen Museum
Im Rahmen des EMOP Berlin - European Month of Photography 2018
www.emop-berlin.eu/de/
Zu Zeiten des Kolonialismus galt der in der deutschen Kolonie „Kamerun“ lebende Botaniker Georg August Zenker als einer der wichtigsten Sammler des Berliner Botanischen Museums. Das Fotografie-Projekt von Yana Wernicke & Jonas Feige widmet sich der Geschichte bzw. den Nachwirkungen seines Lebens in Afrika.
Für ihr Projekt reisten die beiden Fotografen mehrfach in die heutige Republik Kamerun, um die Überbleibsel von Zenkers Villa im abgeschiedenen Bipindi mitten im Urwald zu dokumentieren sowie seine noch immer dort lebenden Nachfahren kennenzulernen und zu portraitieren.
Mit ihrem Projekt erzählen Yana Wernicke & Jonas Feige die Geschichte der Familie Zenker, die heute vor der Herausforderung steht, ihre deutsche mit ihrer kamerunischen Identität in Einklang zu bringen. Sie wollen mit der Ausstellung auf die noch immer spürbaren Nachwirkungen des deutschen Kolonialismus aufmerksam machen und auf die Spannungen hinweisen, die im Umgang mit kolonialem Erbe entstehen können.
Zu diesem Thema erscheint rechtzeitig zur Eröffnung auch eine wissenschaftliche Begleitpublikation im Verlag des BGBM.
Zu den Künstlern:
https://yanawernicke.com/
https://www.jonasfeige.com/
Hundert Jahre nach der Reformation Martin Luthers bildete der berühmte Prager Fenstersturz vom 23. Mai 1618 den symbolischen Anfang für eine Reihe lang andauernder kriegerischer Auseinandersetzungen in Mitteleuropa. Erst 1648 fanden diese Konflikte mit dem Westfälischen Frieden von Münster und Osnabrück ein Ende und gingen als Dreißigjähriger Krieg in die Geschichte ein. Die kriegerischen Auseinandersetzungen führten zu fundamentalen Erschütterungen im Heiligen Römischen Reich, zu großflächigen Verwüstungen und zu großem Leid für die betroffenen Menschen.
Eindrückliche graphische Bildzeugnisse spiegeln die Ereignisse und die gesellschaftliche Grundstimmung der Epoche. Neben damals äußerst beliebten druckgraphischen Porträts und satirischen Flugblättern schildern einige Bilderfolgen die Auswirkungen des Krieges auf die einfache Bevölkerung. Sie zeigen Kriegshandlungen einzelner Marodeure oder Söldnergruppen. In diesen graphischen Bildersequenzen stehen die Schicksale einzelner Personen und kleinerer Gruppen sowie die unmittelbaren Folgen des Krieges und seiner sozialen Katastrophen für den und die Einzelnen im Vordergrund.
In der Arbeit des Design-Kollektivs Additive Addicted begegnen sich Technologien der digitalen Fertigung und ein jahrtausendealter Werkstoff: Porzellan. Um dessen besondere Eigenschaften und Qualitäten hervortreten zu lassen, entwickelt das Kollektiv parametrische und generative Strategien, mittels derer die Bewegungen eines keramischen 3D-Druckers programmiert und gesteuert werden. So entstehen Objekte mit filigranen, hochkomplexen Strukturen, die an Textilien erinnern. Aus der Symbiose von Technologie und Material erwächst ein ungesehenes Formenrepertoire, das mit konventionellen keramischen Techniken nicht zu realisieren wäre.
Das Kollektiv wurde 2017 von der Produktdesignerin und Kunsthistorikerin Babette Wiezorek und dem Interaction-Designer Dawei Yang in Berlin gegründet. Im Sinne einer digitalen Alchemie zeigen Additive Addicted aktuelle Ergebnisse ihrer Arbeit gegenüber den alchimistischen Werkzeugen der barocken Wunderkammern aus der Sammlung des Kunstgewerbemuseums.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Das Werk von Evelyn Taocheng Wang (*1981, CN) entwickelt sich aus der Fragestellung heraus, wie sich Identität konstituiert und wie der eigene Körper von autobiografischen Strukturen kulturell geprägt und durchzogen ist. Im Rahmen von Pause präsentiert Wang eine neue Werkserie in den KW Institute for Contemporary Art, die sich aus zwei Filmen und einer Installation aus großformatigen Stoffen zusammensetzt. Das Format Pause fungiert als Unterbrechung des laufenden Ausstellungsprogramms der KW und stellt anhand von einzelnen Kunstwerken Verbindungen zwischen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft her.
Die von Wang neu produzierte Arbeit resultiert aus ihrer Reflexion über die Erzählweisen von Mythologien, die aus unterschiedlichen Quellen stammen und über kulturelle Kontexte und Jahre hinweg umgeschrieben, verändert, bearbeitet und neu erzählt wurden. Dabei rückt Wang das Märchen Die Prinzessin und der Frosch in den Fokus, da alle Versionen dieser Erzählung in einem engen Zusammenhang mit Fragen der Transformation und einem Verständnis von Identität stehen, die als fließend und anpassungsfähig begriffen wird.
Ausgehend von der Idee eines fiktionalisierten Charakters und der real vorgefundenen Architektur in den KW wird die Ausstellung so zu einem Ort, in dem Narrative in die räumliche Struktur der Halle übertragen werden. Die Räumlichkeiten der Institution werden zu einem Symbol für die Architektur des Körpers und seiner Struktur im Transformationsprozess.
Kuratorinnen: Maurin Dietrich, Cathrin Mayer
Mit freundlicher Unterstützung der Botschaft des Königreichs der Niederlande in Berlin und der Galerie Fons Welters, Amsterdam
In Zusammenarbeit mit der JULIA STOSCHEK COLLECTION und OUTSET Germany_Switzerland widmet sich das Projekt KW Production Series anhand zweier Neuproduktionen pro Jahr dem künstlerischen Bewegtbild. Das Projekt ist inspiriert von den Gründungsprinzipien der KW Institute for Contemporary Art als einem Ort für Produktion, Reflexion und kritischen Austausch.
Die KW Production Series setzen sich zum Ziel, ausgewählte KünstlerInnen zu unterstützen, deren Arbeit und Karriere sich vor einem wegweisenden Durchbruch befinden und die nicht nur von der finanziellen Unterstützung und dem institutionellen Renommee profitieren, sondern dieses Format auch nutzen, um den Tiefe- und Schärfegrad ihrer künstlerischen Arbeit maßgeblich und nachhaltig zu modifizieren.
KW Production Series wird organisiert von Mason Leaver-Yap, Assoziierte*r Kurator*in der KW.
Adresse: Julia Stoschek Collection Berlin, Leipziger Str. 60 (Eingang: Jerusalemer Straße), 10117 Berlin-Mitte
Öffnungszeiten: Sa–So 12–18 Uhr
U2 Hausvogteiplatz / Bus 265, M48 Jerusalemer Straße
Eintrittspreis: 5 €
Barrierefreier Zugang nur im Erdgeschoss
Im Februar eröffnete P. Krishnamurthy den neuen Raum K, („K-Komma”). Außerhalb der KW Institute for Contemporary Art und in Berlin-Schöneberg gelegen, schlägt diese Ausstellungswerkstatt einen Ort zwischen „Studio und Cube” vor. Kontextualisiert durch die Arbeiten des ostdeutschen Grafikdesigners Klaus Wittkugel (1910–85) wird K, lokale sowie internationale KünstlerInnen, DesignerInnen und KuratorInnen einladen, um gängige Ausstellungsformen mittels Installationen, Talks und diskursiven Interventionen neu zu denken.
Prem Krishnamurthy arbeitet als Kurator, Designer, Autor und Lehrer an der Schnittstelle zwischen Kunst und Design. Von 2012 bis 2017 leitete er in New York City den unabhängigen Projektraum P!. Dieser war experimentellen Ausstellungsformaten gewidmet, die die Wechselwirkung zwischen Design, Architektur und Kunst thematisierten. Er ist Gründer des prämierten Designstudios Project Projects (2004–2017), seit 2018 Wkshps, das sich auf die Entwicklung visueller Erscheinungsbilder für Kunst- und Kulturinstitutionen spezialisiert hat. Im Rahmen der Residency A Year with … folgt Krishnamurthy 2018 auf Will Holder, der 2017 mit seinem Projekt Prospectus: A Year with Will Holder das Programm verantwortete.
Kurator: P. Krishnamurthy
Projektassistenz: Judith Gärtner
Projekt-Website: Christoph Knoth, Konrad Renner
Assistenzkuratorin und Projektmanagement: Cathrin Mayer
Barbara Klemm gehört zu den bedeutendsten Fotografen Deutschlands. Die Fotografin Barbara Klemm hat über Jahrzehnte das politische Geschehen in Deutschland für die „Frankfurter Allgemeine Zeitung“ begleitet. Bis heute macht sie ihre Aufnahmen nur in Schwarz-Weiß. Viele ihrer Bilder sind zu „Ikonen“ geworden. Sie sind um die Welt gegangen und haben selbst Geschichte geschrieben.
Für die Ausstellung entwickelte die renommierte Fotografin eine retrospektive Werkschau. Arbeiten aus den 1970er Jahren bis zur Gegenwart stehen im Mittelpunkt der Ausstellung. Sie umfasst etwa 90 Fotografien. Unter den Überschriften „Landschaften“, „Augenblicke“, „Ikonen“, „Straßen“ und „Portraits“ stellt sie wichtige Ausschnitte ihres Schaffens vor. Erstmalig zeigt sie auch ihre schon 1987 entstandenen Aufnahmen von Rheinsberg.
Barbara Klemm
Barbara Klemm wurde 1939 in Münster/Westfalen geboren und wuchs in Karlsruhe auf. 1959 begann sie für die Frankfurter Allgemeine Zeitung zu arbeiten, daneben erste Veröffentlichungen in Zeitschriften und Magazinen. Von 1970 bis 2004 war sie Redaktionsfotografin bei der FAZ mit dem Schwerpunkt Politik und Feuilleton. Sie lebt in Frankfurt a. M. und ist seit 1992 Mitglied der Akademie der Künste Berlin-Brandenburg, seit 2000 Honorarprofessorin an der FH Darmstadt im Fach Fotografie am Fachbereich Gestaltung. Seit 2011 ist sie Mitglied des Ordens „Pour le mérite für Wissenschaften und Künste“. Seit 1969 sind die Werke von Barbara Klemm in diversen Ausstellungen zu sehen. Ihr Schaffen wurde mehrfach ausgezeichnet.
„Es ließe sich sehr viel zu ihrer Herzensbildung sagen, zu ihrer Ausstrahlung […] wie es ihr gelingt, das Kraftfeld im Raum zu erfassen, eine Konstellation zu „lesen“, das Bild aufzuspüren, die Komposition zu erkennen, den Blickwinkel zu finden und im „richtigen Augenblick“ die Kamera hoch zu nehmen, also jenen Moment zu treffen, in dem ein Bild aus dem Alltag heraustritt und Kunst und Wirklichkeit ununterscheidbar werden.“
Ingo Schulze
Ausstellung in Kooperation mit der Galerie Kunst-Kontor Potsdam im Kurt Tucholsky Literaturmuseum
Am 28. und 29. Oktober 1938 verhafteten die Nationalsozialisten im Rahmen der „Polenaktion“ rund 17.000 jüdische Menschen und schoben sie in das Nachbarland Polen ab, weil sie polnische Staatsangehörige waren. In Berlin wurden mehr als 1.500 jüdische Bewohnerinnen und Bewohner in ihren Wohnungen oder auf der Straße verhaftet und an die deutsch-polnische Grenze transportiert. Die meisten von ihnen mussten zu Fuß die Grenze überqueren und erreichten die polnische Kleinstadt Zb?szy? (Bentschen). Insgesamt kamen am 28. und 29. Oktober über 8.000 ausgewiesene Jüdinnen und Juden in diesem Ort an. Rund zehn Monate mussten sie in improvisierten Notunterkünften in Zb?szy? ausharren. Einigen wenigen wurde die Rückreise ins Reichsgebiet gestattet, anderen gelang die rettende Emigration ins Ausland oder sie durften zu Verwandten ins Landesinnere Polens weiterreisen. Nach dem Einmarsch der Deutschen Wehrmacht gerieten sie hier in die Fänge der Besatzer. Viele von ihnen wurden in den Ghettos und Lagern ermordet.
Die Ausstellung erzählt die Geschichte von sechs jüdischen Berliner Familien vor, während und nach dem 28. Oktober 1938. Für die meisten Familien war dies der Tag, an dem sie für immer auseinandergerissen wurden. Seit Jahrzehnten hatten sie in Berlin gelebt oder waren hier geboren worden. Berlin war ihr Zuhause, ihre Spuren lassen sich im Stadtraum verorten. Die Geschichte der „Polenaktion“ ist deshalb auch ein Teil der Geschichte der Stadt Berlin. Viele der betroffenen Familien lebten in unmittelbarer Nachbarschaft des heutigen Centrum Judaicum. Gezeigt werden in der Ausstellung neben Dokumenten der Verfolgung und Ermordung auch private Familienfotos, die das Leben vor der Ausweisung veranschaulichen oder vom Weiterleben nach 1945 erzählen. Berliner Studierende haben daran mitgearbeitet, die Biografien der vorgestellten Familien zu recherchieren.
THE WORLD ON PAPER ist die Eröffnungsausstellung des PalaisPopulaire, die mit rund 300 Highlights und Neuentdeckungen aus der Sammlung Deutsche Bank zeigt, welche besondere Faszination Papier auf Künstler seit der Nachkriegsmoderne ausübt und wie dieses sinnliche und zugleich konzeptionelle Medium auch im digitalen Zeitalter immer wieder neue Möglichkeiten eröffnet.
Für die Kunst nach 1945 zählt die Sammlung Deutsche Bank im Hinblick auf das Medium Papier zu den bedeutendsten Kollektionen weltweit. THE WORLD ON PAPER bietet neue Einblicke in die Diversität, die Geschichte und die internationale Ausrichtung dieser außergewöhnlichen Sammlung, die in Bankgebäuden und Ausstellungen rund um den Globus präsent ist.
Arbeiten von 133 Künstlerinnen und Künstlern aus 34 Ländern dokumentieren den Weg von einer zu Beginn weitgehend auf den deutschsprachigen Raum fokussierten Sammlung zu einer der umfassendsten Unternehmenskollektionen der Welt, welche die globale Landkarte der Kunst abbildet. Mit tausenden von Werken, die auf alle Kontinente verteilt und räumlich manchmal auch tausende von Kilometern voneinander entfernt sind, ist der Bestand als Ganzes kaum zu erfassen, höchstens in seiner digitalen Form – als Datenbank.
Man kann sich die Sammlung Deutsche Bank also als imaginäres Museum vorstellen, als einen großen Pool von Themen, inhaltlichen und formalen Ideen, aus dem zahlreiche sehr unterschiedliche Ausstellungen kuratiert werden könnten. Deshalb bildet THE WORLD ON PAPER den Auftakt zu einer Ausstellungsreihe, die in den nächsten Jahren immer wieder neue, andere Aspekte der Sammlung beleuchten wird. Als erste Schau dieser Serie widmet sie sich der alles verbindendenden Grundlage, dem Medium Papier.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog.
Die Kunstausstellungen auf der Zitadelle widmeten sich über zwei Jahrzehnte überwiegend zwei Schwerpunkten, zum einen der Kunst der sogenannten „verschollenen Generation“ und der Kunst der 1920er Jahre, die in Einzelausstellungen und in der Ausstellungsreihe „Kunstherbst Zitadelle“ präsentiert wurden. Einige der Künstler wurden erstmals museal in einer großen Ausstellung einem breiten Publikum vorgestellt. Diese „Entdeckungen“, wie z.B. Hans-Joachim Staude, Wilhelm Kohlhoff, Leonhard Sandrock oder Johann Walter-Kurau, wurden auch von anderen aufgegriffen. Zum anderen zeigten Einzel- und Gruppenausstellungen figurative Malerei und Bildhauerei geprägt von Skurrilem, Absurdem, Makabrem, Hintersinnigem und Humorvollem. So waren Werke von Johannes Grützke, Hans Scheib, Horst Janssen, Yongbo Zhao, Peter Herrmann, Petrus Wandrey, Matthias Koeppel, Pavel Feinstein oder SOOKI zu sehen. Diese beiden Schwerpunkte finden sich mit ihren Künstlern in der Ausstellung „Schönheit und Abgrund“ wieder. Einige wenige Werke waren schon einmal auf der Zitadelle zu sehen. Den Hauptteil bilden aber speziell für diese Ausstellung zusammengestellte oder auch „entdeckte“ Werke. Und was dabei „Schönheit“ ist und was „Abgrund“, das sei der Betrachterin und dem Betrachter selbst überlassen. Schönheit kann gleichermaßen auch Abgrund und Abgrund auch Schönheit sein. Oder sogar beides?
Kunstversteigerungen etablierten sich in Deutschland, Österreich und der Schweiz ab der Mitte des 19. Jahrhunderts. Hochwertige Kunstwerke trafen auf internationale Käufer und erzielten Preise, die mit Pariser, Londoner und Amsterdamer Versteigerungsresultaten konkurrieren konnten. In der Foyerausstellung „German Sales 1901 – 1929“ werden erste Ergebnisse des DFG geförderten Forschungs- und Digitalisierungsprojekts „Kunst – Auktionen – Provenienzen. Der deutsche Kunsthandel im Spiegel der Auktionskataloge der Jahre 1901 bis 1929“ vorgestellt. Ziel des Projekts, für das die Kunstbibliothek Berlin, die Universitätsbibliothek Heidelberg und das Getty Research Institute miteinander kooperieren, ist das Bibliografieren und Digitalisieren dieser Auktionskataloge, um sie der Kunstmarkt- und Provenienzforschung geschlossen online zur Verfügung zu stellen. Zudem wird der Getty Provenance Index® um Daten von versteigerten Werken der bildenden Kunst erweitert.
Auf der Basis von rund 5.800 ermittelten Auktionskataloge kann erstmals eine quantitative Analyse zum Auktionsmarkt im deutschsprachigen Raum der ersten drei Dekaden des 20. Jahrhunderts vorgenommen werden. Deren Ergebnisse werden in der Ausstellung vorgestellt. Am Beispiel von Asiatika-Auktionen wird ferner aufgezeigt, dass Auktionskataloge mehr als nur Beschreibungen von Werken und Informationen zu ihrem materiellen Wert beinhalten. Die Porträts einiger, den Auktionsmarkt bestimmender Auktionshäuser runden die Präsentation ab.
Das Foto-Grafische Kabinett bietet im Märkischen Museum seit Juni wechselnde Einblicke in die Papierbestände der Sammlungen des Stadtmuseums Berlin. Zum Auftakt gibt es ein Wiedersehen mit Heinrich Zille.
Im Depot des Stadtmuseums Berlin werden hunderttausende von Objekten aus Papier aufbewahrt – vor allem Fotos und Grafiken, aber auch Plakate und Dokumente. Sie alle sind meist sehr empfindlich gegen Feuchtigkeit und Tageslicht. Selbst bei geringer Beleuchtung können sie deshalb in der Regel höchstens drei Monate lang ausgestellt werden ohne Schaden zu nehmen. In der neuen Dauerausstellung BerlinZEIT werden diese Schätze endlich sichtbar: Das Foto-Grafische Kabinett bietet wechselnde Einblicke in die vielfältigen Sammlungsbestände aus Papier mit ganz unterschiedlichen Themenschwerpunkten rund um Berlin und seine Menschen.
Den Anfang macht ein Querschnitt durch die Arbeit von einem der berühmtesten Berliner überhaupt: Heinrich Zille (1858–1929). Der ausgebildete Lithograph war nicht nur ein humorvoller Karikaturist, sondern auch ein ambitionierter Künstler mit scharfem Blick für seine Zeit. In Zeichnungen und Fotografien stellte er das Leben in der wachsenden Metropole mit ihren sozialen Gegensätzen eindrucksvoll dar.
Das Stadtmuseum Berlin ist dem Leben und Werk von Heinrich Zille auf besondere Weise verbunden. Zum 70. Geburtstag des Künstlers widmete ihm das Märkische Museum 1928 noch zu Lebzeiten eine sehr erfolgreiche Ausstellung. Heute umfassen die Sammlungen des Stadtmuseums Berlin 2462 Zeichnungen und grafische Arbeiten, 171 Fotografien sowie 125 Dokumente Zilles, von denen jetzt 38 ausgewählte Zeichnungen, Druckgrafiken und Fotografien zu sehen sind.
Der erste „totale“ Krieg der europäischen Geschichte bedeutete einen brutalen Einschnitt im Leben der Neuköllnerinnen und Neuköllner. Zehntausende Männer zogen als Soldaten an die Front, Tausende kehrten nie zurück. Frauen und Jugendliche übernahmen ihre Arbeit in den Betrieben, litten Hunger und Not. Verwaltung, Kirchen und Schulen organisierten die Heimatfront, die mit zunehmender Dauer des Krieges immer mehr zu bröckeln begann. Belagerungszustand, Pressezensur und Polizeigewalt unterdrückten jede öffentliche Kritik an Militär und Regierung. Doch gerade in Neukölln, wo der Antimilitarismus bereits vor 1914 besonders stark gewesen war, äußerte sich schon früh Protest gegen das sinnlose Morden und die katastrophale Versorgungslage. Hungerkrawalle, Demonstrationen und Streiks waren die Vorboten der Revolution, die im November 1918 die alte Ordnung hinwegfegte.
Die Ausstellung des Mobilen Museums beleuchtet die Situation der Bevölkerung im Ersten Weltkrieg anhand jener Aspekte mit Blick auf die heutige Erinnerungspraxis. Zur Ausstellung ist eine Begleitbroschüre erschienen.
Im Jahr 2018 jährt sich zum 50. Mal der Jahrestag des 1. Internationalen Silberschmuck-Symposiums Jablonec ’68. In Kooperation mit Die Neue Sammlung, München, widmet das Bröhan-Museum diesem einzigartigen historischen Moment in der Geschichte des Autorenschmucks eine Ausstellung, in der die damals entstandenen Schmuckarbeiten erstmals wieder zu sehen sind.
Dank des „Prager Frühlings“ kamen 1968 zum ersten Mal europäische Schmuckkünstler aus Ost und West auf Einladung des Tschechoslowakischen Künstlerverbandes im nordböhmischen Jablonec nad Nisou zu einem europäischen Gipfeltreffen der Schmuckkünstler zusammen; Künstler, die wir heute als Begründer des Autorenschmucks feiern. Während des vierwöchigen Schmuck-Symposiums entstanden außergewöhnliche und zukunftsweisende Arbeiten aus Silber, Glas, Schiefer und Halbedelsteinen. Ein halbes Jahrhundert nach Jablonec ’68 werden jetzt zum ersten Mal diese 70 Schmuckobjekte gezeigt, die sich im Muzeum skla a bi?uterie (Museum für Glas und Schmuck) in Jablonec nad Nisou bis heute erhalten haben.
„Jablonec 68. Der Ost-West-Schmuckgipfel“ ist Teil der Doppelausstellung „2 x 1968“, mit der das Bröhan-Museum im 50. Jubiläumsjahr die Auswirkungen der 68er-Bewegung auf Design und Gestaltung thematisiert.
Paris 1968: Die Revolte der Studenten- und die Proteste der Arbeiterbewegung erfassen weite Teile der Gesellschaft. Auch Kunst und Gestaltung werden von ihrer Dynamik ergriffen. Sichtbarster Ausdruck hierfür ist die massenhafte Plakatproduktion ab dem Monat Mai.
Drei im Atelier Populaire, der Druckwerkstatt der besetzten Pariser École des Arts Décoratifs involvierte Studenten gründen 1970 das Grafikerkollektiv Grapus. Zu den Gründern Pierre Bernard, François Miehe und Gérard Paris-Clavel gesellt sich 1974 Jean-Paul Bachollet, 1976 kommt der aus Deutschland stammende Beuys-Schüler Alex Jordan dazu. Solidarität mit den protestierenden Arbeitern, Kapitalismuskritik, die Ziele der internationalen Friedensbewegung und der Glaube an sozialen Wandel durch das Mitwirken von Kunst und Gestaltung bestimmen die Arbeit von Grapus. Das Kollektiv lehnt kommerzielle Werbung ab und arbeitet vorrangig für die Kommunistische Partei, die Gewerkschaft CGT, für soziale Organisationen, Kommunen, Kulturinstitutionen und – nach 1981 – auch Ministerien. Dabei bricht die Gruppe mit tradierten Sehgewohnheiten und schafft durch den Einsatz von Handschriften, unscharfen Fotos, Flecken und verschiedensten Collageelementen ein höchst innovatives, sinnliches Grafikdesign. Zu Beginn der 1990er-Jahre löst sich das Kollektiv auf, doch die von Grapus entwickelte unkonventionelle Bildsprache wirkt bis heute nach.
„Das französische Grafikerkollektiv Grapus“ ist Teil der Doppelausstellung „2 x 1968“, mit der das Bröhan-Museum im 50. Jubiläumsjahr die Auswirkungen der 68er-Bewegung auf Design und Gestaltung thematisiert.
Dem Völkermord der Nationalsozialisten fielen viele in Lichtenberg lebende Sinti und Roma zum Opfer. Das Zwangslager in Marzahn – damals Ortsteil von Lichtenberg – war der Internierungsort Hunderter in Berlin verhafteter Menschen. Unzählige von ihnen wurden in Konzentrations- und Vernichtungslager deportiert. Einige wenige überlebten. Stellvertretend für viele Ungenannte werden einige Schicksale vorgestellt, die mit den historischen Vorgängen im ehemaligen Bezirk Lichtenberg verbunden sind.
Das Design-Duo chmara.rosinke präsentiert im Kunstgewerbemuseum Möbel- und Objektentwürfe, die in engem Bezug zu ihrer eigenen Werkstatt stehen. Sie stellen keine Auftragsarbeiten dar, sondern entstanden meist für Ausstellungen. Ihre Entwürfe zeichnen sich durch Einfachheit, ökologisches Bewusstsein und eine poetische Formensprache aus, die die Objekte auf Archetypen zurückführt. Ganz bewusst verknüpfen sie verschiedene sensorische Aspekte ? Haptik, Geruch, Akustik ? miteinander und stellen die Frage, wie viel Schlichtheit, Sinnlichkeit und Humor ein Objekt braucht. Die Projekte des Studios sind stets im Kontext von Design, Kunst und Architektur angesiedelt und reflektieren sowohl funktionale als auch soziokulturelle Aspekte.
Ania Rosinke und Maciej Chmara haben Innenarchitektur, Raum & Designstrategien sowie Architektur in Gdansk, Linz und Wien studiert. Das Büro chmara.rosinke wurde 2012 in Wien gegründet, inzwischen arbeiten die beiden neben Wien auch in Berlin.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Die Berliner Tape Art Crew TAPE OVER hat sich von der Sammlung des Museums für Islamische Kunst inspirieren lassen und gestaltet am Freitag, den 22. Juni 2018, in einer Live-Performance einen Saal des Pergamonmuseums auf der Museumsinsel Berlin neu. Dabei kreieren die jungen Künstlerinnen und Künstler eine Rauminstallation, die sich vor den Augen der Besucherinnen und Besucher zunehmend erweitert.
TAPE OVER sind seit 2011 in Berlin aktiv und mit rund einem Dutzend kreativer Köpfe international tätig. Ihr vielseitiger und detailreicher Stil beinhaltet Elemente von Street Art und Urban Art und ist von organischen und abstrakten Formen inspiriert. Die jungen Künstlerinnen und Künstler reagieren dabei unmittelbar auf die ortsspezifischen Gegebenheiten der entstehenden Arbeiten, die sich in das Gesamtbild des jeweiligen Standorts integrieren. Bei Tape Art, in den 1960er-Jahren entstanden und ursprünglich im öffentlichen Raum angewendet, entstehen aus Klebebändern mit unterschiedlichen Farben, Formen und Strukturen meist temporäre, raumgreifende Installationen, deren Muster nach minutiöser Vorplanung in einer sog. Live Tape Aktion angebracht werden.
Mit zahlreichen Präsentationen, Interventionen und Veranstaltungsformaten öffnet sich das Museum für Islamische Kunst zunehmend zeitgenössischen Perspektiven und lädt gezielt Künstlerinnen und Künstler ein, sich mit seiner Sammlung auseinanderzusetzen. Im kommenden Herbst wird die ungarische Künstlerin Zsanett Szirmay eine Klang-Intervention in den Teppichsälen gestalten.
Eine Sonderpräsentation des Museums für Islamische Kunst und des Referats Bildung, Vermittlung, Besucherdienste – Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit TAPE OVER
Beim Bayerischen Rundfunk hatten sie ihn immer einfach machen lassen: 1974 die Vorabendserie "Münchner Geschichten" mit der Theaterlegende Therese Giehse und dem unvergessenen Hans Brenner, ab 1979 den Zwölfteiler "Der ganz normale Wahnsinn" über das Liebesleben des Leserbriefredakteurs Glanz. Viele Bonmots aus Dietls Serien wie „Logisch!“ oder „A bissl was geht immer“ sind in den allgemeinen Sprachgebrauch übergegangen. Seine eigenwillige Melange aus schriller Posse und waidwunder Melancholie erprobte der 2015 verstorbene Helmut Dietl mit Filmen wie ROSSINI – ODER DIE MÖRDERISCHE FRAGE, WER MIT WEM SCHLIEF (D 1997) oder VOM SUCHEN UND FINDEN DER LIEBE (D 2005) auch auf der großen Leinwand. In seinen Arbeiten KIR ROYAL (1986), SCHTONK! (D 1992), LATE SHOW (D 1999) und zuletzt ZETTL (D 2012) rechnete er immer wieder auch mit dem Medienbetrieb ab. Aus Anlass der Übergabe seines Schriftgutnachlasses erinnert die Mediathek Fernsehen mit einer Sonderschau an den einzigartigen Helmut Dietl als Autor und Regisseur für Film und Fernsehen.
»Aktion Reinhardt« ist die Tarnbezeichnung der SS für den planmäßigen Massenmord im Generalgouvernement, dem vom Deutschen Reich besetzten Teil Polens. Ab Ende 1941 beginnt der Bau der drei Vernichtungsstätten Belzec, Sobibor und Treblinka in der Nähe von Eisenbahnlinien. Bis Spätsommer 1943 werden bis zu 1,9 Millionen Menschen durch Motorabgase erstickt – vor allem jüdische Kinder, Frauen und Männer sowie etwa 50.000 Roma. Die Ausstellung wurde 2013 von der Gedenkstätte Majdanek anlässlich des 70. Jahrestages der »Aktion Reinhardt« erstellt. Im Dokumentationszentrum Topographie des Terrors wird sie bis zum 26. August 2018 täglich von 10.00 bis 20.00 Uhr im Foyer präsentiert.
Vor 70 Jahren reagierten die Westalliierten mit der Luftbrücke auf die sowjetische Blockade West-Berlins. Alle drei Minuten landeten amerikanische Transportflugzeuge in Berlin-Tempelhof. Dass die Briten hingegen ein Drittel der Berliner Luftbrücke über den Flugplatz in Gatow abwickelten, ist weniger bekannt. Der ehemalige Stützpunkt der Royal Air Force im Südwesten der Stadt war zur Zeit der Blockade neben Tempelhof der wichtigste Umschlagplatz. Das Transportflugzeug C-47 des US-amerikanischen Herstellers Douglas Aircraft Company trug die Anfangslast der Luftbrücke. Die Briten nannten diesen Flugzeugtyp "Dakota", die Amerikaner "Skytrain" und die Deutschen schlichtweg "Rosinenbomber".
Die Sonderausstellung zeigt Fotos aus Gatow zur Zeit der Luftbrücke. Persönliche Erinnerungsberichte ergänzen das Bildmaterial aus britischen und deutschen Archiven. In den Erzählungen findet sich auch die Geschichte eines Dackels, der auf den Namen der C-47 getauft wurde: Douglas Dakota.
Die Sonderausstellung "Operation Heimkehr" zeigt Portraits von Bundeswehrsoldat*innen nach einem Auslandseinsatz. Die Veteran*innen sprechen über Kameradschaft und das Fremdsein nach der Rückkehr. Sie erzählen von Leben und Tod im Einsatz und danach. Manchmal herrscht ein beredtes Schweigen. Oft wünschen sich die Einsatzrückkehrer*innen einen stärkeren gessellschaftlichen Rückhalt.
„Sie sollen Anstöße zum Weiterdenken sein“, sagt die Spandauer Künstlerin Susanne Bäsler (SU) zu ihren Aquarellen. Zu sehen sind religiöse Inhalte. Plakativ zeichnet sie etwa die Hölle als Vorstellung von damals und heute: „Luther hat mit seiner Entdeckung sola gratia (allein aus Gnade) einen entscheidenden Protest gegen die mittelalterliche Angstmache Hölle und Fegefeuer eingelegt. Der Begriff Gnade ist vom Weltengericht her zu denken. Und da kommt die Hölle nicht nicht vor“, erklärt die Religionspädagogin und weist auf den Lynaraltar in der St.-Nikolai-Kirche hin.
Ein anderes Motiv zeigt Jesus in einem Superman-Kostüm: „Dieses Motiv ist nicht neu. Viele Menschen erklären die biblischen Wundergeschichten mit göttlichen Superkräften. Denkt man diese Idee jedoch bis ans Kreuz weiter, muss man sich die Schuldfrage neu stellen.“
GOTT selbst kommt auch in den Zeichnungen vor. Plakativ setzt sie ihn auf eine rosa Wolke, königlich gekleidet und mit weißem langen Bart. Anstößig?!
Vergleichsweise konventionell wirkt dagegen ihre Darstellung von Adam und Eva. Allerdings trägt die Schlange am Baum verführerisch ihre Hackenschuhe: „Es gab ja auch eine Zeit, bevor die Schlange von Gott verdonnert wurde, auf dem Boden zu kriechen und Staub zu fressen.“
Susanne Bäsler malt, seit sie denken kann. Öl, Acryl, Aquarell, Porzellan. Mit ihrer Liebe zu Farbe, Linie und Punkt entwickelt sie eigene Gesetzmäßigkeiten in ihren Bildern, mit denen sie sich auch an komplexe Themen wagt. Nehmen Sie in der Ausstellung Anstoß an ihren Bildern!
Von Tariana in Brasilien bis Tuwinisch in Sibirien: Weltweit existieren schätzungsweise rund 7.000 Sprachen und jährlich werden es weniger. Jede Sprache stellt ein einzigartiges Kommunikationssystem dar, sodass mit einer Sprache immer auch eine ganz besondere Art der Wissensspeicherung verloren geht.
Die Ausstellung richtet den Blick auf die faszinierende Vielfalt der Sprachen in aller Welt. Wie klingt Wasser? Wo liegt die Zukunft? Was ist ein Wort? Die Spannbreite menschlicher Ausdrucksmöglichkeiten regt dazu an, die Allgemeingültigkeit unserer eigenen Begriffe zu relativieren. In acht interaktiven Stationen wird das Thema Sprache seh-, hör-, fühl- und somit sinnlich erfahrbar.
Die Ausstellung wurde gemeinsam mit der Berlin-Brandenburgischen Akademie der Wissenschaften (BBAW) in Kooperation mit der Gesellschaft für bedrohte Sprachen e.V. nach einem Konzept von Clara Maria Henze im Rahmen des Jahresthemas 2017I18 „Sprache“ der BBAW erarbeitet. Ein Ausstellungsprojekt unter Schirmherrschaft der UNESCO.
Die Geschichte der militärischen Luftfahrt begann bereits kurze Zeit nach der Erfindung der ersten Luftfahrzeuge im 19. Jahrhundert. Viele Flugpioniere hofften, dass die Luftfahrt Völker verbinden und Frieden stiften würde. Doch der Einsatz von Flugzeugen und Luftschiffen in militärischen Auseinandersetzungen noch vor dem Ersten Werltkrieg bezeugte das Gegenteil. In wenigen Jahrenzehnten hatten die Menschen Reichweite und Zerstörungskaft der Waffensysteme so weit entwickelt, dass sie ganze Städte zerstören konnten.
Im Zentrum der Ausstellung, dem Raum der Reflektion, erzählen bekannte und unbekannte Zeitzeugen aus den unterschiedlichen Epochen von ihren Erfahrungen. Sie zeigen, wie nachhaltig der Luftkrieg unser Verständnis vom Krieg verändert hat. Dabei geht es auch um Fragen nach der Verantwortung des Staates und des Einzelnen.
„The Moment is Eternity“ lenkt vom 26.09.2018 bis 01.04.2019 mit rund 300 ausgestellten Werken und Objekten von rund 60 KünstlerInnen das Augenmerk auf die fotografischen Arbeiten der Olbricht Collection und zeigt sie im Dialog mit anderen Kunstwerken der Sammlung sowie Artefakten der Wunderkammer.
Zu den programmatischen Schwerpunkten der Olbricht Collection gehört das Thema Vergänglichkeit. Welches andere künstlerische Medium als die Fotografie wäre besser geeignet, die daraus entstehenden Fragen von Zeit und Geschichte zur Diskussion zu stellen?
Dem Augenblick Dauer zu verleihen, ist dem Medium per se eingeschrieben. Hier berühren sich Kunst und Philosophie: Seit der Antike wird die Ewigkeit als zeitlos beschrieben, und in diesem Sinn setzt Goethe in dem Gedicht „Vermächtnis“ (1830) Augenblick und Ewigkeit gleich. Der Moment ist für den Menschen der einzig wahrnehmbare Teil der Ewigkeit.
Die Welt sinnenhaft und vernunftbegabt wahrnehmend zu gestalten, ist Goethes „Vermächtnis“: es fügt sich mit Henri Cartier-Bressons Diktum des „entscheidenden Augenblicks“ (the decisive moment) über Epochengrenzen hinweg zur Beschreibung einer Kunst, die die Essenz eines Geschehens und die ihr angemessene Form in eins zu fassen vermag. Wie der fotografische Zugriff auf die Wirklichkeit die Zeichen einer Zeit verdichtet, so reflektieren auch die anderen Künste im Zusammenspiel vielfältige Aspekte wie Dauer und Vergänglichkeit. Schönheit und Sinnlichkeit, Werden und Vergehen oder Körper und Gesellschaft werden innerhalb der großen Bandbreite der Olbricht Collection in verschiedenen Epochen und Medien gezeigt.
Die Fotografie verdoppelt die Wirklichkeit nur scheinbar. Von der Dokumentation zur Selbstreflektion ermöglicht sie Aufschluss über die Bedingtheit des menschlichen Lebens und die Gesellschaft in verschiedenen Epochen. August Sander ist mit seiner epochalen Studie über die Menschen des 20. Jahrhunderts ein Beispiel dafür, wie das Vertrauen in die faktische Kraft des fotografischen Bildes mit dem vergleichenden Sehen eine verbindliche soziale Typologie hervorbringt. Sammeln und Bewahren ist nicht nur Aufgabe des Naturforschers oder offenbart sich in den Ablagerungen von Zellen, etwa im Schildkrötenpanzer. Auch ein Zeitgenosse wie Nicholas Nixon, der mit seinen Brown Sisters das Vergehen der Zeit wie die Sanduhr visualisiert, reiht sich in diese Praxis ein.
Bildnis und Spiegelbild, Inszenierung und Selbstbefragung nehmen eine Schlüsselrolle ein. Nicht nur der Spiegel des fotografischen Silberbilds, den Otto Steinert im Umkehrbild des doppelköpfigen Frauenbildnisses betont, auch die Kulturgeschichte von Rollen und Ritualen, wie sie Cindy Sherman in Szene setzt oder Lee Friedlander als lakonisches Selbstbild fixiert, halten dem Betrachter den Spiegel ihrer Zeit vor. Die Unmittelbarkeit eines direkten Gegenübers zeigen sowohl der monumentale Fotorealismus eines Franz Gertsch wie auch die expressionistische Ausdruckskunst von Emil Nolde oder die Konfrontation mit dem Rotlichtmilieu bei André Gelpke.
Die Malerei der Gegenwart hat in der Rezeption fotografischer Verfahren wie auch in der Aneignung medialer, historisch besetzter Bilder wirkmächtige Instrumente gefunden, etwa in den Aktdarstellungen von Gerhard Richter oder Marlene Dumas. Sie stehen Körperbildern etwa von Otto Steinert oder Helmut Newton gegenüber, die die Ästhetik ihrer Zeit verdichten. Auch das Motiv des Ecce homo zieht sich in vielfach gebrochenen Varianten durch die Jahrhunderte, von Dürers Sebastian bis zum exponierten Körper des Models Kristen McMenamy, das Fotografen von Helmut Newton bis Juergen Teller inspiriert hat.
Fotografisches Sehen ist vergleichendes Sehen. So hat Annette Kicken in ihrer persönlichen Sicht in der vielfältigen Olbricht Collection die Werke aufgespürt, die in einer Reihe von Motiven, Sujets, Gesten und Artefakten durch Überlagerungen und Analogien gleichartige Schwingungen hervorrufen. Sie zeigen, wie alles miteinander in Verbindung treten kann. Es kommt auf den Moment an.
Kuratiert von Annette Kicken.
KünstlerInnen
Diane Arbus, Tina Barney, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson, Larry Clark, Philip-Lorca diCorcia, Rineke Dijkstra, Robert Doisneau, Albrecht Dürer, William Eggleston, Ed van der Elsken, Elger Esser, Louis Faurer, Lee Friedlander, André Gelpke, Franz Gertsch, Francisco de Goya, Paul Graham, Jitka Hanzlová, Herbert Hoffmann, Ernst Ludwig Kirchner, Carl Robert Kummer, Zoe Leonard, Robert Mapplethorpe, Lisette Model, Eadweard Muybridge, Helmut Newton, Nicholas Nixon, Elizabeth Peyton, Gerhard Richter, August Sander, Cindy Sherman, Giorgio Sommer, Otto Steinert, Bert Stern, Juergen Teller, Wolfgang Tillmans, u.a.
Im Rahmen der Berlin Art Week 2018 und des EMOP Berlin – European Month of Photography.
Pressekontakt:
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht
Tina Volk, presse@me-berlin.com
Fon +49 (0)30 860085 -114, Fax -120
Tauchen Sie ein in eine Welt von ganz besonderen Keramikobjekten und Gefäßen. Rund 100 Ausstellungsstücke zeugen von Charme, Witz und der Experimentierfreudigkeit in der Keramikgestaltung der vergangenen hundertfünfzig Jahre.
Die Ausstellung "Gezeichnete Ideen. Skizzenbücher von zehn Architekten der Moderne" ist dem beliebten Arbeitsmittel der Architekten, dem Skizzenbuch, seiner Anwendung und Präsentation gewidmet und basiert auf den Leihgaben der Sammlung Drawing Matter, ergänzt durch Zeichnungen und Objekte aus den persönlichen Beständen der Künstler.
Gezeigt werden Skizzenbücher von Architekten, deren Werk und Bauten unzertrennlich mit der Praxis der Handzeichnung verbunden sind und durch diese maßgeblich beeinflusst und inspiriert wurden. Gleichzeitig stellt die Schau eine Möglichkeit dar, die Objekte, die dazu bestimmt waren, in der Hand gehalten und geblättert zu werden, als Artefakte in der musealen Umgebung zu erleben. Auf diese Weise verbindet das Projekt den Inhalt und die Materialität der Skizzenbücher im Werk eines Architekten mit der Präsentation als Kunstwerk. Zu sehen sind Arbeiten von Hans Poelzig, Le Corbusier, Alberto Ponis, Adolfo Natalini / Superstudio, Álvaro Siza Vieira, Tony Fretton, Marie-José Van Hee, Peter Märkli, Níall McLaughlin und Riet Eeckhout. Die vielfältigen Techniken und Arbeitsweisen reichen von Improvisationen im Taschenbuchformat bis zur Übertragung des Skizzenbuches auf das Zeichenbrett, vom systematischen Skizzieren der Details in nummerierten Bänden bis zum vollständigen Ersatz des gebundenen Buches durch ein gefaltetes Blatt.
Die Ausstellung präsentiert rund 80 Zeichnungen und 140 gebundene und nicht gebundene Skizzenbücher, begleitet durch Video- und Audiointerviews sowie virtuelle und analoge Faksimiles, um die individuelle Praxis und Zeichentechnik zu illustrieren.
Die Kuratoren der Ausstellung sind Dr. Tina di Carlo, Dr. Olivia Horsfall Turner und Niall Hobhouse.
Eine neue Dauerausstellung führt leicht verständlich und kompakt durch die Berliner Geschichte von der Eiszeit bis zur Gegenwart. BerlinZEIT präsentiert auf zwei Etagen des Märkischen Museums die prägenden Momente der Stadt: Die durchgehend zweisprachige Ausstellung unterhält, inspiriert und bietet Orientierung für Alt- wie für Neu-Berlinerinnen und -Berliner sowie für alle, die es noch werden wollen!
Herausragende Objekte, multimediale Angebote und Mitmachstationen führen in knapp einer Stunde durch die historischen Momente, die die Stadt bis heute prägen. So wird deutlich: Bestand hat in Berlin nur die Veränderung. Berliner Geschichte ist dabei immer die Geschichte seiner Bewohnerinnen und Bewohner. Selbst jene, die normalerweise nicht im Zentrum einer Stadtgeschichte stehen, kommen hier zu Wort. Die Ausstellung begleitet ein lebendiger Audioguide, in dem die Stadt selbst zu den Besucherinnen und Besuchern spricht. Auch der Berliner Rapper Romano teilt hier seine ganz besondere Sicht auf die Geschichte Berlins.
Das zweite Obergeschoss lässt Raum zum Verweilen und Vertiefen. In den [Probe]Räumen der Dauerausstellung können Sie Museum neu entdecken. Die originalen Ausstellungsräume aus der Anfangszeit des 1908 eröffneten Museums wurden dabei behutsam in die BerlinZEIT integriert. Die mechanischen Musikinstrumente bleiben als Highlight der bisherigen Dauerausstellung ebenfalls erhalten. Eine Musikbox lädt jetzt außerdem dazu ein, den Sound der Stadt zu erkunden – von 1948 bis heute und von Schlager bis Rap.
Mehr denn je werden wechselnde Einblicke in die Sammlungen des Stadtmuseums Berlin gewährt. So gibt es künftig ein Objekt des Monats, und das Foto-Grafische Kabinett zeigt Grafiken und Fotografien zu verschiedenen Themenschwerpunkten. Den Anfang macht das Werk von Heinrich Zille.
Hanshermann Schlicker, der im Jahr 2018 seinen 90. Geburtstag feiert, arbeitete als freischaffender Maler, Grafiker, Illustrator und Pressezeichner in Berlin und wohnte von 1951 bis 1992 in Berlin-Biesdorf.
Zu seinen Arbeiten gehören unzählige Illustrationen für Tages- und Wochenzeitungen, u.a. für „Der Morgen“, „Morgenpost“ und “Berliner Zeitung“ ebenso wie Ansichten des Marzahner Baugeschehens und Kleingrafiken als Standesamts-Präsent für frisch verheiratete Paare in Marzahn. Des Weiteren illustrierte Schlicker Bücher und Theaterprogramme und zeichnete Szenenbilder und Porträts an Berliner Theatern, z.B. an der Volksbühne, dem Deutschen Theater und dem Berliner Ensemble.
Die in der Ausstellung gezeigten Werke mit Marzahner Motiven entstanden in den 1980er-Jahren und gehören zum Bestand des Bezirksmuseums. Leihgaben des Künstlers aus verschiedenen Jahrzehnten geben einen kleinen Einblick in sein reichhaltiges Schaffen.
Ausgehend vom Materiellen entwickelt der Bildhauer Karol Broniatowski (*1945) seine figürlichen Arbeiten. In Bewegung festgehaltene Figuren oder sich auflösende Momente, die eine klare konzeptionelle Haltung zum Thema Bildhauerei erkennen lassen, prägen sein Oeuvre.
Die Ausstellung im Kunsthaus Dahlem wird Arbeiten aus Bronze der letzten Jahre zeigen und dem sehr eigenständigen Komplex seiner großformatigen Gouachen gegenüberstellen.
Um 1800 beginnt die Wissenschaft, die Eindeutigkeit des Todes in Zweifel zu ziehen. In ganz Europa haben Menschen Angst davor, lebendig begraben zu werden – bald entsteht eine regelrechte Hysterie um den „Scheintod“. Die Ausstellung „Scheintot – Über die Ungewissheit des Todes und die Angst, lebendig begraben zu werden“ zeigt, wie Ärzte und Naturwissenschaftler die Grenze von Leben und Tod neu zu bestimmen suchten. Sie führten bizarre Experimente mit Elektrizität durch und bauten mechanische Rettungsapparate für Grab und Sarg. In eigens errichteten Leichenhäusern wartete man so lange auf Lebenszeichen der Aufgebahrten, bis Fäulnis Sicherheit über den Tod brachte.
Architektur gehört zu den spektakulärsten kulturellen Errungenschaften des Jemen. Lange vor dem sagenhaften Reich der Königin von Saba entwickelte sich im Einklang mit den landschaftlichen Gegebenheiten und klimatischen Herausforderungen eine atemberaubende Vielfalt traditioneller Baustile. Ihre Markenzeichen sind mächtige Festungen, Turmhäuser und auf Bergspitzen gelegene Dörfer, verbunden durch schwindelerregende Pfade. Ausgeklügelte Kanalsysteme versorgen die steilen Terrassenfelder an den Gebirgshängen mit Wasser. Generationen von hochspezialisierten Maurern, Tischlern und anderen Handwerkern errichten mit ausgeklügelten Techniken und lokal verfügbaren Materialien einzigartige Bauensembles. Allein ?mit Augenmaß? gebaut rufen ihre Dimensionen und perfekten Proportionen bis heute Staunen und Bewunderung hervor. Für den Baumeister sind es ?buildings that fill my eye?.
Die Ausstellung zeigt Beispiele dieses beeindruckenden Kulturerbes. Zugleich weist sie auf die Bedrohung durch den seit 2015 im Land anhaltenden Bürgerkrieg hin. Neben der menschlichen Tragödie sind herausragende archäologische Fundstätten, Museen und historische Monumente betroffen. Die drei UNESCO Weltkulturerbestätten des Jemen, die Altstädte von Shibam, Sana?a und Zabid, sind heute als bedroht eingestuft, zahlreiche andere Orte sind schwer beschädigt. Jenseits der öffentlichen Wahrnehmung und ohne den Schutz der internationalen Gemeinschaft geht dieses Kulturerbe unwiederbringlich verloren.
Trevor Marchand, Architekt und Anthropologe, hat diese Bauwerke während seiner 13-monatigen Lehrzeit bei jemenitischen Minarett-Baumeistern zwischen 1990 und 1998 fotografiert. Die Aufnahmen zeigen die Architektur im Dialog mit der Landschaft, vom Roten Meer über das Hochland und die Wüste bis zum Indischen Ozean und Wadi Hadramaut. Sie werden ergänzt durch historische Aufnahmen aus der Zeit um 1900, aufgenommen unter anderem von Hermann Burchardt (Leihgaben des Ethnologischen Museums und von Dr. W.-D. Lemke).
Ein Begleitband zu der Ausstellung vermittelt in 21 Beiträgen verschiedener Wissenschaftler Einblicke in verschiedene Aspekte dieses Kulturerbes. Ein Teil des Erlöses geht an UNHCR Yemen.
Die Ausstellung wird unterstützt durch den Gingko Verlag und die Freunde des Museums für Islamische Kunst.
Der größere Ausstellungsraum links (vom Eingang gesehen) führt vor Augen, wie eng die Geschichte Spandaus mit der St.-Nikolai-Gemeinde verbunden ist. St. Nikolai ist nicht nur ein fast 800 Jahre altes Gebäude auf einer Sandinsel am Zusammenfluss von Spree und Havel. Menschen aus der Kirchengemeinde gestalten das Leben in der Stadt mit. Wir kennen ihre Geschichten aus den Kirchenbüchern und anderen Unterlagen des Nikolai-Archivs. Von der frühen Neuzeit bis heute reicht der Gang durch die Jahrhunderte.
Der kleine Ausstellungsraum im Erdgeschoss rechts informiert die Besucher*innen quasi durchs Schlüsselloch über den wertvollen Bestand der historischen Bibliothek von St. Nikolai. Die Einrichtung ist dem Arbeitszimmer des Pfarrers Daniel Friedrich Schulze (1739−1811) nachempfunden: Schreibpult, Bücherregal und ein großer Tisch zum Ausbreiten der Schriften. Der Arbeitstisch präsentiert eine Auswahl von Büchern aus der Bibliothek zum Thema Sternenkunde, speziell Kometen.
Nach der Museumstour lädt unser Café zur Entspannungspause ein.
Die Ausstellung THE LONG NOW versammelt vom 8. Juli bis zum 27. August 2018 in der Lounge des me Collectors Room Berlin 20 aktuelle künstlerische Positionen, in denen unterschiedliche Aspekte von Zeitlichkeit zum Tragen kommen.
Diese betreffen unseren Zeitbegriff ebenso wie die Muster der Zeitwahrnehmung und nicht zuletzt die Darstellung von Zeit. Die Zeit erweist sich dabei zusehends als offene Größe, die sich in der subjektiven Erfahrung gänzlich anders zeigt als auf den Zifferblättern unserer Uhren. Polaritäten wie Ruhe und Unruhe, Be- und Entschleunigung, aber auch Augenblicklichkeit, Dauer und Vergänglichkeit werden zu zentralen Kategorien.
Zeit ist etwas, das uns alle sowohl auf konkrete wie elementare Weise betrifft. Ohne einen Begriff von Zeit scheinen unsere Existenz, wie auch die Vorgänge in der Welt um uns herum nicht denkbar. Zugleich stellt die Zeit ein abstraktes und schwer fassbares Phänomen dar, das ForscherInnen und DenkerInnen, wie auch KünstlerInnen seit jeher beschäftigt. Vor dem Hintergrund einer beschleunigten Moderne und einer medial vermittelten globalen Gleichzeitigkeit stellen sich Fragen nach der Zeit umso dringlicher. Was bedeutet uns die Zeit? Was heißt Gegenwart? Wie lange währt das Jetzt?
THE LONG NOW läuft vom 25.03. - 17.06.2018 als zweiteiliges Ausstellungsprojekt im Museum Goch und parallel im Kunstverein Bochum.
Kuratiert von Reinhard Buskies.
KünstlerInnen
Malte Bartsch | Christiane Baumgartner | Roland Boden | Maurits Boettger | Daniel Burkhardt | Mark Formanek | Nikolaus Gansterer | Dafna Gazit | Christoph Girardet | Lukas Grundmann | Timo Klos | Simona Koch | Vera Lossau | Zhenia Couso Martell | Lilla von Puttkamer | Otto Reitsperger | Johanna Reich | Hans-Christian Schink | Katrin Wegemann | Michael John Whelan
1968 wird mit der Walter-Gropius-Schule in Neukölln die erste integrierte Gesamtschule der Bundesrepublik eröffnet. Architektur und Pädagogik setzen Maßstäbe für eine substanzielle Demokratisierung von Schule. Die neue Ausstellung des Museums Neukölln zeigt anhand von ausgewählten Schulen, wie sich die schulische Praxis in den letzten fünfzig Jahren verändert hat und mit welchen Herausforderungen sie im heutigen Neukölln konfrontiert sind.
Nehmen Sie Platz am Schülerpult, im Lehrerzimmer, im Schülercafé, auf dem Sofa der Schülervertretung oder am Besprechungstisch im Zimmer des Direktors. In neun räumlichen Inszenierungen werden bedeutsame Entwicklungen in dieser Zeit aus der Perspektive der jeweiligen Akteur*innen dargestellt. Der Fokus liegt besonders auf Reformansätzen, die dazu beigetragen haben, dass Schüler*innen durch eine dem einzelnen Kind zugewandte Pädagogik selbstständig lernen können und das Selbstvertrauen erhalten, in heterogenen Gruppen miteinander umzugehen. Ausstellung und Begleitpublikation wollen zur Diskussion darüber anregen, welche Defizite und Probleme in den Schulen existieren und welche Perspektiven es für die Zukunft des Lernens gibt.
Schülerinnen und Schüler der 4. Klassen der Pankower Mendel-Grundschule haben sich auf eine künstlerisch-interstellare Stadtreise begeben. Dabei haben Sie sich überlegt, welche Themen und Objekte aus Geschichte, Gegenwart und Zukunft sie auswählen und bauen würden, um sie in einer Zeitkapsel in den Weltraum zu schicken. Stadtvisionen oder Berliner Alltagsgeschichten? Schloss oder Mauer? Was repräsentiert die Stadt in den Augen der Kinder am besten? Die Antwort zeigen sie nun in einer Ausstellung.
In der Stadt und im Märkischen Museum befragten die Kinder ihre Heimat Berlin. Und sie und suchten gemeinsam mit ihren Eltern Dinge, die für sie Berlin repräsentieren: Fotos, Spielzeug, Alltagsdinge und andere persönliche Objekte, die sie ins Museum mitbrachten. Dann wählten sie passende Objekte aus und konzipierten ihre Ausstellung. Die Ergebnisse sind ab dem 10. Mai im Märkischen Museum für alle sichtbar.
Entwickelt und mit den Kindern durchgeführt hat das Projekt die Berliner Bühnenbildnerin Katharina Grantner.
Schlendert man heute in Tokyo am Sumida-Fluss entlang in Richtung Sky Tree, dann kommt man an einem großen weißen Torii vorbei: dem Eingang in den Mimeguri-Schrein. In dessen hinteren Teil befindet sich unter dunklen Bäumen ein drei Meter hoher Gedenkstein mit einem kaum noch lesbaren Text, der die Verdienste des preußischen Polizeihauptmanns Friedrich Wilhelm Höhn (1839-1892) bei der Reorganisation der japanischen Polizei und dem Aufbau des kôban-Systems würdigt. Errichtet wurde er 1894, zwei Jahre nach Höhns frühem Tod von Kiyoura Keigo und Yamagata Aritomo.
150 Jahre Meiji-Restauration sind ein willkommener Anlass, an diesen aus dem Oderbruch stammenden Berlin-Brandenburger zu erinnern, der in den Aufzeichnungen der Meiji-Deutschen sonst nur in einer Randnotiz vorkommt. Eine Ursache dafür könnten die ausgedehnten Inspektionsreisen sein, die Höhn während seines Japan-Aufenthaltes 1885-91 von der deutschen Gemeinde in Tokyo weg in die entlegensten Landesteile von Hokkaido bis nach Amami-Ôshima führten. Seine Berichte und Ratschläge hatten nachhaltigen Einfluss auf die Verfestigung des noch heute bestehenden, flächendeckenden kôban-Systems japanischer Polizeistationen.
Höhns Entsendung ging ein Schreiben des damaligen Innenministers Yamagata Aritomo vom 3. April 1884 voraus, für das wiederum der deutsche Gesandte Graf Dönhoff bei Bismarck um Unterstützung warb: Die Bitte, drei preußische Polizeibeamte in Japan als Berater und Ausbilder bei den anstehenden Reformen einzusetzen. Am Ende fiel die Wahl auf E.R. Figaszewski, der die unteren Ränge (junza), also die Streifen- und Verkehrspolizisten trainieren sollte, aus gesundheitlichen Gründen aber bald heimkehrte, und auf Höhn, der für die Ausbildung des gehobenen Dienstes auserkoren war. An der Tokioter Polizeischule unterrichtete Höhn bis 1889 laut Gedenkstein mit Unterstützung von sechs Dolmetschern 1820 Tage und bildete vier Jahrgänge mit insgesamt 513 Polizisten aus, die später wichtige Funktionen bekleideten. Das enorme Pensum seiner Lehrinhalte umfasste: die Struktur der Polizei und der Feuerwehren in Berlin sowie den Zustand der Sozialistischen Arbeiterpartei Deutschlands, die Ziele des Kommunismus (unter Zuhilfenahme einer gekürzten Übersetzung des Kommunistischen Manifestes), die Führung von Verbrecherkarteien und Einwohnermelderegistern, öffentliche Hygiene und Angelegenheiten der medizinischen Polizei (System der Amtsärzte, Überwachung der Apotheken bis hin zur Viehkrankheiten) Arbeitsrechtliche Fragen, Erteilung von Konzessionen, Überwachung des Verkehrs und der Baustellen, Einhaltung der Bauvorschriften, auch beim Wohnungsbau, Lagerung von Lösungsmitteln u.v.a.m.
Der als Wanderausstellung konzipierte Überblick über Höhns Wirken und Schaffen basiert auf dem Nachlass, der 70 Jahre lang mit den Beständen des Japanologischen Institutes (an der Auslandshochschule) der Berliner Universität als verschollen galt und 2015 teilweise in der Polizeihistorischen Sammlung Berlin wiederentdeckt wurde. Neben bislang unbekannten Fotos, auch von der Klöppel-Schule, die Höhns Frau und Tochter in Tokyo gründeten, sollen die noch vorhandenen drei Dienstreisetagebücher für den Katalog transkribiert und Spuren zu den Höhn’schen Sammlungen in verschiedenen Museen verfolgt werden.
Tomoko Kawais erster Kontakt zur Mori-Ôgai-Gedenkstätte war der als Leserin der Aufsätze von MAEDA Ai zum Verhältnis von Literatur und Stadt in der Präsenzbibliothek des Hauses. Sie interessierte, wie es Ogai mit der Novelle Maihime/Ballettmädchen 1890 gelang, den historischen Stadtkern Berlins literarisch zu vermessen.
In gleicher Weise fasziniert Kawai die kreative Dynamik dieser Stadt heute als eine Art Experimentierraum. Sie spürt dem Rhythmus der Stadt nach, indem sie 130 Jahre nach Ogai vom Brandenburger Tor über Unter den Linden zu den Pfeilerstatuen auf der Schloßbrücke läuft und die Orte, die Dinge, die Menschen, das Leben in mehreren Zeitebenen und über ihre jeweiligen kulturellen Prägungen wahrnimmt. Physisch etwa so groß wie Ogai versucht sie die Stadt und ihren Rhythmus auf seiner Augenhöhe zu erfassen und im Geiste mit dem heutigen geordneten, inzwischen weitaus schneller getakteten Tokyo zu vergleichen. Dabei reizen sie in Berlin vor allem die Zwischenräume und Unvollkommenheiten, entstanden durch Baustellen oder selbst unpünktliche Verkehrsmittel. Zwischenräume in einer aus ihrer Sicht verlangsamten, unfertigen Stadt, in denen sich deren kreative Potential offenbart.
Eine Installation bestehend aus einer Fotoserie der Statuen auf der Schlossbrücke mit den Baukränen des Humboldt-Forums im Hintergrund sowie aus Fundstücken soll, in den historischen Raum MOG inszeniert, ihre Sicht auf ein zeitloses Berlin ausdrücken.
Tomoko Kawai, geb. 1977, lebt und arbeitet als Fotografin in Berlin. 2001 beendete sie ihr Studium an der Academy of Art University in San Fransisco. Als Stipendiatin der dem MEXT unterstellten japanischen Behörde für kulturelle Angelegenheiten weilte sie 2016/17 in Deutschland. Anschließend blieb sie in Berlin und war für ein Jahr Artist in Residenz am Künstlerhaus Bethanien im Rahmen des Internationalen Studio Programms.
Eine Stadt in Nordgriechenland ? Thessaloniki ? bildet vier Wochen lang das Zentrum der 15. Europäischen Kulturtage im MEK. Sie steht für eine gemeinsame europäische Kulturgeschichte ebenso wie für historische und zeitgenössische Migration. Ihre Multikulturalität und das rege, engagierte gesellschaftliche Leben machen ihre besondere Spannung aus.
So ist die Stadt auch Thema der Foto-Ausstellung des Museums für Fotografie in Thessaloniki, die den Rahmen der Kulturtage bildet. Die Fotos gewähren Einblicke in das Leben Thessalonikis vom Ende des 19. Jahrhunderts bis heute. Alle Arbeiten sind Leihnahmen aus Museen der Stadt und von Privatpersonen, zusammengetragen und inhaltlich kuratiert von Hercules Papaioannou, dem Direktor des Museums für Fotografie in Thessaloniki.
Verschiedene Veranstaltungsformate wie Lesungen, Performances, Vorträge, Konzerte und Gespräche vertiefen die Aussagen der Bilder. Schließlich lassen die für Thessaloniki typischen musikalischen und kulinarischen Genüsse die vier Wochen im Sommer zu einem besonderen Erlebnis werden.
Die ?Europäischen Kulturtage 2018: Thessaloniki? sind ein Projekt des MEK in Kooperation mit der Botschaft von Griechenland in Deutschland, dem Museum für Fotografie in Thessaloniki, der Heinrich-Böll-Stiftung in Thessaloniki, dem Zentrum Modernes Griechenland an der Freien Universität Berlin, Hellas Filmbox, dem Verein ?Respekt für Griechenland e.V.? und den griechischen Communities in Berlin.
Ars Sacrow e.V. zeigt das bildkünstlerische und filmische Werk einer der großen Künstlerpersönlichkeiten der ehemaligen DDR und des geeinten Deutschlands. Als Doppelbegabung kann Maler Strawalde bis heute begeistern, aktuell war eines seiner wichtigsten Bilder, „Nach Giorgione“, in der Ausstellung „Hinter der Maske. Künstler in der DDR“ im Barberini-Museum zu sehen. Als Dokumentarfilmer ist Jürgen Böttcher, der einstige DEFA-Regisseur, international bekannt und geehrt.
Unter dem Titel DER KREIS SCHLIESST SICH kehrt der 1931 in der Lausitz Geborene an die Potsdamer Havellandschaft zurück, wo er von 1955 bis 1960 an der Filmhochschule Babelsberg studierte. Einer Anekdote zufolge blickte der in Babelsberg wohnende Filmstudent über die Havel in das „unerreichbare“ Sacrow.
Die Ausstellung zeigt Werke aus über sechs Jahrzehnten künstlerischen Schaffens, viele davon entstanden unter schwierigen bis unmöglichen Bedingungen in der ehemaligen DDR, wo sein erster Spielfilm „Jahrgang 45“ noch während der Fertigstellung verboten wurde; er erlebte erst 1990 seine Uraufführung.
Strawaldes Werke befinden sich unter anderem in folgenden öffentlichen Sammlungen: Berliner Nationalgalerie, Sammlung Deutscher Bundestag im Reichstagsgebäude, Dresdner Albertinum und Residenzschoss, Albertina in Wien, Bibliothèque nationale de France, Museum Ludwig, Boston Public Library. Für sein filmisches und dokumentarisches Werk erhielt er zahllose Preise, u.a. das Filmband in Gold, die Berlinale Kamera; er wurde mit Retrospektiven und Ausstellungen im Centre Pompidou Paris, Edinborough, dem Filmmuseum in Frankfurt/M., im Pariser Jeu de Paume, in Bologna und Leipzig geehrt.
Die Sacrower Ausstellung kann dank der räumlichen Gegebenheiten, im Spiegelsaal des Schlosses ist eine Kinoleinwand installiert, beide Werkgruppen auf kleinem, intimen Raum zusammenführen.
Anliegen der Ausstellung ist es, einen Menschen, der das Künstlertum umfassend als Lebensaufgabe versteht, einem breiten wie gesamtdeutschen Publikum vorzustellen. Dabei fällt dem Ort selbst, Park und Schloss Sacrow, wie in den letzten Jahren eine wesentliche Scharnierfunktion zu. Die Naturanbindung zur Havel, mit dem Lennéschen Landschaftspark, seine reichen jahreszeitlichen Variationen ergänzen die Ausstellung ideal und werden erkundbarer Raum.
Das Film-Begleitprogramm wird durch Hans Helmut Prinzler, langjährigem Wegbegleiter Jürgen Böttchers und ehemaligem Direktor der Stiftung Kinemathek und des Filmmuseums in Berlin zusammengestellt, es werden Freunde und Künstlerkollegen zu Wort kommen. Strawalde selbst wird Mal-Workshops für die jüngsten Ausstellungsbesucher geben und zu Parkführungen mit Sacrows Gärtner Uwe Held seine persönliche Beziehung zu Kraft und Ursprungsqualitäten der Natur im Dialog vermitteln. Denn durch sein gesamtes malerisches und grafisches Werk zieht sich eine Spur der Naturbeobachtung, Naturbeschreibung und des Respektes vor ihr.
Die Ausstellung wird durch ars sacrow e.V. in Zusammenarbeit mit Joachim von Vietinghoff und Team veranstaltet, unterstützt durch die Potsdamer Galeristin Friedericke Sehmsdorf / Kunstkontor.
Orchideengärtner und -liebhaber stellen auf über 800 qm die schönsten Orchideen von allen fünf Kontinenten aus ihren Sammlungen aus. Die Mitglieder der Berliner Gruppe der Deutschen Orchideen-Gesellschaft stehen Ihnen für Fragen rund um die Orchideen zur Verfügung.
Praktische Vorführungen zur Pflege und zum Umpflanzen der Orchideen runden das Programm ab. Im Verkaufsbereich bieten Orchideengärtner aus ganz Deutschland die schönsten Pflanzen aus ihren Gewächshäusern zum Kauf an. Es werden nicht nur Orchideen, sondern auch Zubehörartikel von Orchideensubstrat über Etiketten, Pflanzenschutzmitteln, Töpfen bis hin zur Orchideenliteratur angeboten.
Ausstellung im Neuen Glashaus
Eine Ausstellung der Berliner Gruppe der Deutschen Orchideen-Gesellschaft e.V. (D.O.G.)
Victoria blüht! titelten die Berliner Gazetten, nachdem die Riesenseerose in den Julinächten des Jahres 1852 das erste Mal in der Hauptstadt ihre Blüten entfaltete. Es war ein Triumph der Technik, der dem rauen Berliner Klima die tropischen Bedingungen für die Kultivierung dieser wahrhaft königlichen Pflanze abgerungen hatte. Und diese Begeisterung hält bis heute an: In den vergangenen 166 Jahren wurde jede Blüte, jedes eigene Gewächshaus und viele weitere Ereignisse rund um Victoria in Berlin bildstark begleitet und öffentlich diskutiert. Im „Victoria Kabinett“ tauchen Sie ein in die Berliner Geschichte von Victoria – flankiert von hundert Abbildungen aus allen Epochen ihres Lebens in der Hauptstadt bis heute.
Unser Tipp: Kombinieren Sie den Besuch in dieser Sonderausstellung unbedingt mit einem Besuch bei den lebenden Riesenseerosen Victoria im Gewächshaus. Sie sind in diesem Sommer erstmals wieder seit 2006 in Berlin zu sehen! Das Victoria Kabinett ist auch während der Victorianächte bis 24 Uhr geöffnet.
Die Gemäldegalerie nimmt eine Gruppe von bisher kaum gezeigten Gemälden von Vater und Sohn Jacopo und Giovanni Bellini, aus dessen Werkstatt und Nachfolge im Rahmen einer Studioausstellung in den Fokus. Wir heben Schätze, die zum Teil seit dem zweiten Weltkrieg im Depot lagerten und präsentieren sie nun mit Untersuchungs- und Restaurierungsergebnissen.
Restaurierung und Forschung sind untrennbar miteinander verbunden. Das Wissen um Materialien, Technik und Aufbau, um Objektgeschichte und Veränderungen ist die Basis, auf der erst ein Restaurierungskonzept entwickelt und Interpretationen folgen können. Wir zeigen Werke, die unterschiedliche Veränderungen erfahren haben: sie sind teilweise Fragmente eines größeren Altarwerks oder einer Raumausstattung, teilweise beschädigt und an der Oberfläche reduziert, sie wurden bearbeitet und durch Licht, Klima und andere Einflüsse im Laufe der Zeit in ihrem farbigen und plastischen Erscheinungsbild verändert. Die Fragen, wie das Fragmentarische dem Besucher vermittelt werden kann und wie viel Rekonstruktion erforderlich und vertretbar ist, um ein Werk lesbar zu machen, müssen bei jeder Restaurierung neu verhandelt werden.
Bei keinem der ausgestellten Gemälde hat sich ein Zustand erhalten, wie er sich beim Verlassen der Künstlerwerkstatt vor mehr als 500 Jahren darstellte. Durch strahlendiagnostische Untersuchungsverfahren (Röntgen, Infrarotreflektografie) und andere Materialanalysen sowie stereomikroskopische Untersuchungen ist es uns heute möglich, den Prozess der Bildentstehung (auf dem Bildträger noch vor der Fertigstellung) großenteils aufzudecken und den Malern auf die Schliche ihrer durchaus effektiven Bildproduktion zu kommen. Analysiert man die Bildschichten zusammen mit Archivalien, so tun sich mitunter erstaunliche Objektgeschichten auf.
Änderungen vorbehalten! - Angaben ohne Gewähr!
Quelle:
Das Museumsportal Berlin ist die gemeinsame Internetseiteder Museen, Ausstellungshäuser, Gedenkstätten und Schlösser in der Hauptstadtregion.
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