Ausstellungen der Museen von Berlin

Ausstellungen der Museen von Berlin © www.museumsportal-berlin.de

Klebrige Medien gab es einige am Bauhaus: Festdekorationen mit Isolierband, künstlerische Collagen und Wandtapeten als Verkaufsschlager. Das Berliner Kollektiv Klebebande interpretiert „Alles was klebt“ im temporary bauhaus-archiv in einem Tape-Art-Kunstwerk. Ganz im Geist des experimentellen Unterrichts am Bauhaus, führt Klebebande ihre Arbeit nicht nach einem detaillierten Entwurf aus, sondern klebt sie direkt vor Ort frei in den Raum. Am 2. Juni geht es los. Wir laden Sie ein, beim Entstehen der Tape Art dabei zu sein und die unterschiedlichen Materialien und Techniken der Klebekunst zu entdecken!

Die Arbeiten der israelischen Künstlerin Yael Bartana reflektieren die Beziehung von individueller Verantwortung und kollektivem Handeln. In Filmen, Installationen und Fotografien vermischt sie dokumentarische Aspekte mit poetischer Verfremdung und ergründet, inwiefern sich Ideologien über Bilder verbreiten. Die Künstlerin interessiert sich dafür, wie Rituale und Feste Identität stiften und wie Symbole Denkweisen repräsentieren und manipulieren können. Jüngere Werke thematisieren das Patriarchat als eine Form der Kontrolle. Sie befragt darin bestehende Machtverhältnisse und stellt ein binäres Geschlechterverhältnis von weiblich und männlich in Frage.

„Pardes (Orchard)“, 2014, 71 Min.
Der Film dokumentiert die Reise eines israelischen Künstlers in den Amazonas-Regenwald in Brasilien. Der Protagonist lehnt einerseits skeptisch jede organisierte Religion ab, andererseits ist er aber auf der ständigen Suche nach einer tieferen Sinnhaftigkeit. Unter Anweisung der einheimischen Schamanin Dona Francisca unterzieht er sich dem Ayahuasca-Ritual und nimmt ein Getränk mit psychedelischer Wirkung zu sich. Dona Francisca ist Mitglied von Santo Daime, einer in Brasilien in den 1930er Jahren gegründeten synkretistischen religiösen Bewegung. Sie verbindet Elemente aus unterschiedlichen Traditionen wie Katholizismus, Spiritismus, Animismus und indigenem Schamanismus. „Pardes“, ein Verweis auf die Tradition der jüdischen Interpretation von Texten beim Torastudium, ist ein Film über das Vertrauen und den Wunsch, tiefere Erkenntnisse zu erlangen und in das eigene Sein einzutauchen.

Biografie
Yael Bartana (1970, Israel) studierte an der Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem und an der School of Visual Arts, NY. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen Einzelausstellungen gezeigt, u.a. im Philadelphia Museum of Art (2018); Stedelijk Museum, Amsterdam (2015); Secession, Wien (2012); Tel Aviv Museum of Art (2012); Moderna Museet, Malmö (2010); MoMA PS1, NY (2008) und in Gruppenausstellungen wie der São Paulo Biennale (2014, 2010, 2006); Berlin Biennale (2012); documenta 12 (2007); Istanbul Biennale (2005) und Manifesta 4 (2002). Sie ist Preisträgerin von Artes Mundi 4 (2010). Yael Bartana lebt und arbeitet in Amsterdam und Berlin.

Gernot Wielands künstlerische Praxis konzentriert sich in den letzten Jahren vor allem auf die Bereiche Video und Lecture Performance. In seinen Arbeiten verbindet er oft historische Ereignisse mit scheinbar persönlichen Erinnerungen, wobei Fakt und Fiktion ineinander übergehen. Dabei entstehen komplexe Erzählungen, die ausgehend vom Privaten wie beiläufig den Zustand einer Gesellschaft skizzieren.

Thievery and Songs (2016, 22:40 Min.)
Thievery and Songs [dt. Diebstahl und Gesänge] besteht aus mehreren ineinander verschachtelten Erzählsträngen, die sich einer Hierarchisierung entziehen. Ein weitgehend emotionsloser Erzähler berichtet von dem Verlauf seiner psychoanalytischen Sitzung, bei der sich der Therapeut eher durch seine Obsession für die österreichische Herkunft seines Patienten als durch fachliche Kompetenz auszeichnet. Er beschreibt die erschütternde Geschichte seiner Großtante, die in den 1930er Jahren als Leibeigene eines nationalsozialistisch gesinnten Landwirts dessen Willkür ausgesetzt war. Seine Ausführungen zeigen Parallelen zwischen der österreichischen Nachkriegskunst und dem Katholizismus auf und sind in eine Rahmenerzählung um eine jüdische Tänzerin eingebettet, die 1938 nach Mumbai fliehen musste. Neben selbstgedrehten Performances sind adaptierte Fotos, Knetmodelle und Zeichnungen zu sehen, die das Gehörte zum Teil visualisieren, zum Teil auf absurde Weise brechen. Außer einer Reflexion über Österreich erlaubt der Film so auch eine Auseinandersetzung mit grundsätzlicheren Fragen nach Erinnerung, Geschichtsschreibung und Identitätsbildung. Er ist geprägt von einem leisen Witz, der stets nah an der Melancholie liegt.

Biografie
Gernot Wieland wurde 1968 in Horn (Österreich) geboren. Er studierte an der Universität der Künste, Berlin, und der Akademie der bildenden Künste, Wien. Seine Filme waren u.a. auf dem Internationalen Filmfestival Rotterdam, im Kasseler Kunstverein, im Kunsthaus Graz und der Liverpool Biennale zu sehen. Wieland erhielt neben verschiedenen anderen Auszeichnungen zuletzt den EMAF Medienkunstpreis 2019 der Deutschen Filmkritik. Er lebt in Berlin.

„KONTINENT – Auf der Suche nach Europa“ ist die aktuelle, thematisch angelegte Gemeinschaftsausstellung aller Mitglieder der OSTKREUZ – Agentur der Fotografen in Kooperation mit der Akademie der Künste. Sie eröffnet am 1. Oktober 2020 den diesjährigen EMOP Berlin – European Month of Photography und die EMOP Opening Days.

Als künstlerisches und politisches Statement im Akademie-Gebäude am Pariser Platz rückt die Ausstellung die Gegenwart Europas in den Mittelpunkt und beleuchtet diese kritisch in 22 Positionen. In freien Projekten erforschen die OSTKREUZ-Fotograf*innen verschiedene Aspekte des Miteinanders in Europa und nehmen sowohl persönliche, gesellschaftliche und politische Phänomene als auch grundlegende Strukturen und historische Entwicklungen in den Blick. Den Zugang zu komplexen Inhalten finden sie dabei immer über Bilder vom Menschen und seiner Umgebung.

Die Themen der Arbeiten erstrecken sich von Fragen nach Identität und Sicherheit, über Renationalisierung, Migration und Integration, bis hin zu einem grundsätzlichen Verständnis von Humanismus, Demokratie und Meinungsfreiheit.

„KONTINENT“ möchte fruchtbare Impulse für die gegenwärtige Debatte über Europa bieten und fragt u. a.: Was verbindet uns? Wie leben wir zusammen? Wer ist mit „Wir“ gemeint, wenn von einem „Wir“ in Europa gesprochen wird?

Beteiligte Künstler*innen: Jörg Brüggemann, Espen Eichhöfer, Sibylle Fendt, Johanna-Maria Fritz, Annette Hauschild, Harald Hauswald, Heinrich Holtgreve, Tobias Kruse, Ute Mahler, Werner Mahler, Dawin Meckel, Thomas Meyer, Frank Schinski, Jordis Antonia Schlösser, Ina Schoenenburg, Anne Schönharting, Linn Schröder, Stephanie Steinkopf, Mila Teshaieva, Heinrich Völkel, Maurice Weiss, Sebastian Wells und Sibylle Bergemann (1941–2010)

Kurator: Ingo Taubhorn

Die Ausstellung wird gefördert vom Europäischen Fonds für regionale Entwicklung (EFRE), der Senatsverwaltung für Kultur und Europa und der Gesellschaft der Freunde der Akademie der Künste.

Das Kupferstichkabinett zeigt in seiner Reihe ?Kabinett in der Gem�ldegalerie? herausragende Kupferstiche und Holzschnitte der italienischen Renaissance, darunter Werke von Andrea Mantegna, Giulio Campagnola und Marcantonio Raimondi. Die Kabinettausstellung l�dt nicht nur dazu ein, die ber�hmten Meisterwerke der Graphik kennenzulernen, sondern auch dazu, sie durch die Augen des Kunsthistorikers Paul J. Kristeller zu sehen.

Paul James Kristeller (1863-1931) war Anfang der 1890er Jahre als Volont�r im Kupferstichkabinett in Berlin t�tig. Im Mittelpunkt seines Interesses standen vor allem italienische Holzschnitte und Kupferstiche bis in die erste H�lfte des 16. Jahrhunderts. Seine Erkenntnisse ver�ffentlichte Kristeller in einer Reihe von Publikationen, die bis heute zur wichtigsten Fachliteratur im Bereich der Renaissance-Druckgraphik z�hlen.

Wie alle ehemaligen und heutigen Volont�re im Kupferstichkabinett, erwarb Kristeller auch wichtige Kenntnisse zu verschiedenen Themen rund um die Organisation einer graphischen Sammlung. Mit diesem Hintergrund und getrieben von seiner Leidenschaft f�r die italienische Kunst, ging er schlie�lich nach Italien, wo er zwischen 1894 und 1898 an der Neugestaltung der graphischen Sammlungen von Museen und Bibliotheken nach dem Vorbild des Berliner Kupferstichkabinetts arbeitete. Auch wenn f�r Kristeller, einen Deutschen, der in Italien f�r das italienische Kulturerbe zust�ndig war, die Arbeit nicht immer einfach war, blieb seine Motivation stets die allen gemeinsame Liebe zur Kunst. So schrieb er 1898: ?Se mi conforta l?amore dell?arte, che vedo in tutti, cercher� di lottare fino a che posso e casco? (?Wenn mich die Liebe zur Kunst, die ich bei allen sehe, tr�stet, werde ich versuchen zu k�mpfen, solange ich kann, bis ich falle.?).

Zusammen mit einigen der Meisterwerken, die Kristeller in seinen Aufs�tzen thematisierte, zeigt die Kabinettausstellung auch Objekte, die sich auf die Bewahrung der Sammlung beziehen, um einen kleinen Einblick in Kristellers Engagement im kuratorischen Bereich zu gew�hren.

Eine Ausstellung des Kupferstichkabinetts in der Gem�ldegalerie.

Als wegweisendes Modell zur Förderung progressiver Auftragsarbeiten stehen die Consortium Commissions für Mophradats innovativen Ansatz zur Unterstützung von Künstler*innen im gesamten arabischen Raum. Mit den zwei Einzelausstellungen der Künstler*innen Jasmina Metwaly (*1982, PL) und Yazan Khalili (*1981, SY) präsentieren die KW Institute for Contemporary Art einen Teil der ersten Ausgabe des neuen Programms im 2020.

2016 kam es zu einer Schenkung seitens der Familie des Bildhauers Jussuf Abbo (1888 – 1953). Die Berlinische Galerie präsentiert nun in der Dauerausstellung Arbeiten aus den Jahren zwischen 1916 und 1929.

Seit ihrer Gründung vor 45 Jahren setzt sich die Berlinische Galerie für die vom Nationalsozialismus verfemte und vertriebene Kunst ein. Diese dem Vergessen zu entreißen und im kulturellen Gedächtnis lebendig zu halten, ist ein kontinuierliches Anliegen unserer Praxis des Sammelns, Ausstellens und Vermittelns. Ankäufe von Kunst des Expressionismus oder der Neuen Sachlichkeit sind jedoch nur selten möglich und gelingen meist nur durch großzügige finanzielle Hilfe seitens des Senats oder privater Förderer. Umso glücklicher sind Schenkungen durch Nachkommen verfolgter und emigrierter Künstler*innen.

2016 kam es zu einer Schenkung seitens der Familie des Bildhauers Jussuf Abbo (1888 – 1953), die in Großbritannien und Frankreich lebt. Der Kontakt wurde von der Direktorin des Kunsthauses Dahlem, Dr. Dorothea Schöne, hergestellt. Sie hatte 2019 eine reich bebilderte wissenschaftliche Monografie über Leben und Werk Abbos vorgelegt und jüngst die erste Einzelausstellung im Kunsthaus Dahlem präsentiert.
Jussuf Abbo in Berlin

Wer war Jussuf Abbo? Sein Geburtsort Safed in der Provinz Beirut gehörte erst zum Osmanischen Reich, später zu Palästina, heute zu Israel. Nach seinem Schulabschluss arbeitete Abbo als Steinmetz und Zeichner. In Jerusalem lernte er den Architekten Otto Hoffmann kennen, auf dessen Empfehlung er 1913 an der Akademie in Berlin ein Studium der Bildhauerei aufnahm. 1917 stellte Abbo in der Berliner Secession aus. 1919 beteiligte er sich an Ausstellungen des Kunsthändlers Paul Cassirer. 1921 erwarb die Nationalgalerie drei Zeichnungen. Mit seinen plastischen Figuren und Porträts von strenger, einfacher Form wurde er in den 1920er Jahren erfolgreich und war Teil des künstlerischen und literarischen Berlin. Eine enge Freundschaft verband ihn mit der Dichterin Else Lasker-Schüler.

In Berlin wohnte und arbeitete Jussuf Abbo im Tiergarten-Viertel, direkt am Landwehrkanal. Heute befindet sich unter der Adresse Reichpietschufer 92 ein Neubau, an dem seit 2018 eine Gedenktafel an den vergessenen Künstler erinnert. Damals hatte Abbo in seinem Atelier ein Beduinenzelt aufgebaut, das Else Lasker-Schüler anmietete, um ihren kranken Sohn dort zu pflegen, der 1927 an Tuberkulose starb. 1933 lernte Jussuf Abbo die Künstlerin Ruth Schulz kennen. Die Judenverfolgung zwang das Paar bald darauf, Deutschland zu verlassen. 1935 gelang die Ausreise nach England. Die anfänglichen Hoffnungen auf gute Arbeits- und Ausstellungsmöglichkeiten wurden jedoch enttäuscht. Jussuf Abbo starb 1953 verarmt in London.

Es war ein Anliegen des Enkels Sebastian Abbo, stellvertretend für seine hochbetagte Mutter dafür zu sorgen, Werke des Bildhauers in eine öffentliche Sammlung nach Berlin zurück zu bringen. Gemeinsam mit ihm konnte die Leiterin der Grafischen Sammlung der Berlinischen Galerie, Dr. Annelie Lütgens, 20 Arbeiten auf Papier aus den Jahren zwischen 1916 und 1929 auswählen. Von diesen sind nun einige in der Dauerausstellung zu sehen, darunter auch das Porträt von Else Lasker-Schüler, die sich auch „Prinz Yussuf“ nannte.

Im Rahmen des diesjährigen Thomas Friedrich-Stipendium für Fotografieforschung werden in der Dauerausstellung vierzig Aufnahmen von Robert Petschow (1888-1945) präsentiert.

Es handelt sich dabei um Werke aus dem Bestand der Berlinischen Galerie, ergänzt durch Leihgaben, unter anderem aus dem Museum für Kunst- und Kulturgeschichte der Hansestadt Lübeck. Michael Kempf forschte als vierter Stipendiat zu diesem bis heute weitgehend unbekannten Werk.

In der Fotografieforschung wird Robert Petschow bisher vor allem für seine Luftaufnahmen der 1920er bis 1930er Jahre geschätzt. Er war zudem der bekannteste Ballonfahrer der Weimarer Republik. Petschows oft fremdartig anmutende Luftaufnahmen erschienen zu ihrer Zeit nicht nur in Fachjournalen zur Luftfahrt, sondern fanden auch Aufnahme in Ausstellungen und Publikationen der Fotografie des Neuen Sehens. So wurden sie etwa 1929 in der Werkbundschau „Film und Foto“in Stuttgart gezeigt sowie im gleichen Jahr in Franz Rohs und Jan Tschicholds Buch „foto-auge. 76 fotos der zeit“ publiziert.

Seit Januar 2014 gibt es an der Berlinischen Galerie das Thomas Friedrich-Stipendium für Fotografieforschung. Initiiert und finanziert durch den Designer, Editor, Sammler und Fotohistoriker Manfred Heiting (The Heiting Library Trust) ermöglicht es jungen Wissenschaftler*innen, jeweils für die Dauer eines Jahres, einzelne Konvolute der Fotografischen Sammlung zu bearbeiten. Die Ergebnisse werden in einem Forschungsbericht veröffentlicht.

Kunst und Spiritualität haben viel gemeinsam. Traditionell wird Künstler*innen eine außerordentliche Sensibilität der Wahrnehmung zugeschrieben. Bis heute verhandeln sie in ihren Werken große philosophische, psychologische oder spirituelle Fragen. Sie erforschen Innenwelten und experimentieren mit Entgrenzungserfahrungen. Oft entstehen Kunstwerke aus einem Zustand der Konzentration oder Kontemplation, welcher mit dem der Meditation vergleichbar ist.

Der Begriff Spiritualität geht auf lateinisch spiritus zurück, was Seele, Atem oder Geist bedeutet. Atem und Seele stecken auch in Inspiration. Die Neurowissenschaft geht davon aus, dass Spiritualität und Religion Grundbedürfnisse des Menschen sind. Vermutlich zählt auch die Kunst dazu. Beim Meditieren, davon berichten Angehörige unterschiedlicher spiritueller Traditionen, lösen sich Grenzen auf. Es entsteht ein Gefühl von Verbundenheit mit dem Kosmos und den Menschen. Ähnliche Erfahrungen vermitteln die hier ausgestellten Arbeiten von vier Künstler*innen. Die Werke stammen aus der Sammlung der Berlinischen Galerie und sind größtenteils erstmals in den Räumen des Museums zu sehen.

Künstler*innen: Johannes Geccelli (Königsberg 1925 ? 2011 Jühnsdorf), Göta Tellesch (Duisburg 1932 ? 2013 Berlin), Eberhard Havekost (Dresden 1967 ? 2019 Berlin) und Zora Mann (*1979 Amersham/Großbritannien)

Vor über hundert Jahren erstreckten sich zwischen den Landgemeinden des späteren Bezirks Reinickendorf noch große freie Felder und Waldflächen. Nach der Eingemeindung Berlins wurden sie Teil des Zukunftsraums Berlin, der die Grundlage für bedeutende Sozialreformen bildete und die städtebauliche Entwicklung enorm voranbrachte. Ausgehend von sechs ganz unterschiedlichen Zentren wie der Residenzstraße, Frohnau oder des Märkischen Zentrums, werden in der Ausstellung die Entwicklung Reinickendorfs, von den dörflichen Strukturen zu urbanen Lebensräumen, dargestellt. Zentren werden in diesem Kontext als „Mitten“ oder als „Herz“ eines Stadtgebietes verstanden, das die Menschen anzieht, wo sie einkaufen, sich treffen, sich bilden und zerstreuen können. Eine zentrale Mitte hat sich in Reinickendorf nicht entwickelt, der Bezirk ist dezentral gewachsen und spiegelt damit die Situation Berlins.

Anhand von Fotografien, Karten, Gemälden und Interviews mit Bewohnerinnen und Bewohnern der unterschiedlichen Mitten wird in der Ausstellung die unterschiedliche Entwicklung und Vielfalt Reinickendorfs deutlich.

Aus gegebenem Anlass zum Umgang mit dem Corona-Virus verschiebt sich der ursprünglich ab 24. April geplante Ausstellungsbeginn voraussichtlich auf den 29. Juni verschoben. Die genauen Daten werden rechtzeitig bekanntgegeben.

GalerieETAGE
im Museum Reinickendorf
Alt-Hermsdorf 35
13467 Berlin
www.museum-reinickendorf.de

Im Weißen Saal des Neuen Flügels

1995 wurde in Berlin die Ehrhardt’sche Stiftung mit dem Zweck gegründet, Kunstwerke für die SPSG zu erwerben. Die mittlerweile 25-jährige Erfolgsgeschichte wurde 2016 durch eine besondere Zuwendung gekrönt: Der Berliner Architekt Michael Klewer übereignete der Stiftung 130 Porzellane der Königlichen und später Staatlichen Porzellan-Manufaktur Berlin (KPM) aus dem späten 19. und frühen 20. Jahrhundert. Die Porzellane dieser Epoche zeichnen sich durch eine Vielzahl neuer Dekorationsweisen und -techniken aus. Ihre neuartigen Glasuren, Reliefvergoldungen, Email- und Unterglasurmalereien waren das Ergebnis intensiver physikalischer und chemischer Forschungen, die seit 1878 in der eigens zu diesem Zweck gegründeten chemisch-technischen Versuchsanstalt der KPM vorgenommen wurden.

Die Präsentation zeigt eine Auswahl von rund 70 Objekten aus der Schenkung Klewer, die durch Objekte aus dem Bestand der SPSG ergänzt werden.

Am 16. Februar 1620 kam Friedrich Wilhelm von Brandenburg im Berliner Schloss zur Welt, der als „Großer Kurfürst“ zu den prominentesten Hohenzollern zählt. Das Edikt von Potsdam 1685 und die Aufnahme tausender Hugenotten, Religionsflüchtlinge aus Frankreich, hat ihn über die Grenzen Brandenburgs hinaus bekannt gemacht. Bis zu seinem Tod 1688 war seine 48-jährige Regierungszeit von den Verheerungen des Dreißigjährigen Krieges und auch in der Folge von ständigen kriegerischen Auseinandersetzungen geprägt. Die Familienpolitik Friedrich Wilhelms zielte auf seine Machtentfaltung und die Erhaltung der Dynastie ab.

Zum 400. Geburtstag Friedrich Wilhelms zeigen die Wohnorte seiner Frauen, Louise Henriette von Oranien (1627–1667) und Dorothea von Holstein-Glücksburg (1636–1689), Facetten seines Lebens. Die Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg lädt im Schlossmuseum Oranienburg und im Schloss Caputh im Rahmen der Dauerpräsentationen ein, Friedrich Wilhelms Spuren zu entdecken. Besucherinnen und Besucher können sich mittels ausgewählter Kunstwerke den großen und kleineren Fragen seines Lebens und Herrschens nähern.

Macht- und Familienpolitik laufen im Krieg, der Dynastie, dem Handel und der Repräsentation zusammen und offenbaren in den Ausstattungen der Schlösser, wie Friedrich Wilhelm seine Herrschaft festigte und entfaltete. In der Kunst präsentierte sich der Kurfürst als Machtmensch in Herrscherpose oder in Rüstung, bereit, in den Krieg zu ziehen. Andere Gemälde zeigen ihn als Familienmensch mit seinen Gemahlinnen in erster und zweiter Ehe und mit seinen Kindern.

Das Hanf Museum bietet euch vom 05.05.2020 bis zum 14.09.2020 eine Sonderausstellung zum Thema "Kunst und Cannabis". Es sind 39 teils internationale Street-Art Künstler bei uns vertreten, von Malerei, über Skulpturen bis in die Virtual Reality. Also Handy oder Tablet aufladen und mitnehmen!

Mit dabei sind unter anderem: Rolf le Rolfe, Le Loup, Chill mal Berlin, Mesiasoners, Parisurteil, Wandbrand, Brainfart.

In dem epischen Panorama mit Häuserschluchten von Tim Roeloffs sind "Free Weed" Tütchen und viele grüne Herzen, sowie andere Kleinigkeiten versteckt.

In den Kunstwerken schildern die Künstler ihre Sichtweisen und ihren individuellen Umgang zum Thema Marihuana, Gesundheit und Prohibition. Berlin loves Weed freut sich, hier die Brücke zwischen der Legalisierungbewegung und (durch Mesi) zu vielen der teilnehmenden Künstlern zu schlagen um für das Museum und die Dringlichkeit der Legalisierung ein künstlerisches Zeichen zu setzen. Die Prohibition ist gescheitert!

Klaus Wildenhahns „Direct Cinema“ fand im Fernsehen statt. Die Begegnung mit dem britischen Dokumentarfilmer Richard Leacock und Filme von D.A. Pennebaker inspirierten den jungen TV-Realisator Wildenhahn in den frühen 1960er-Jahren zu Fernsehreportagen, die auf belehrende Kommentare und arrangierte Situationen konsequent verzichteten. Mit Künstlerporträts wie Smith, James O. – Organist, USA (NDR 1965/66) oder Arbeiterfilmen wie In der Fremde (NDR 1967) beeinflusste er eine ganze Generation von Dokumentarfilmregisseur*innen.

Diesen Sommer wäre Klaus Wildenhahn neunzig Jahre alt geworden. Aus diesem Anlass erinnern wir mit einer umfangreichen Werkschau in der Mediathek Fernsehen an das Wirken des 2018 verstorbenen Filmemachers. Ausgewählte Dokumente und Exponate aus dem Nachlass Wildenhahns ergänzen das von Eva Orbanz kuratierte Filmangebot. Zudem widmen wir Klaus Wildenhahn am 29. Juni einen Filmabend in der Reihe Filmspotting.

Mit dem Scheitern der letzten deutschen Großoffensive in den Ardennen im Januar 1945 war der von Deutschland 1939 begonnene Krieg für alle sichtbar verloren. Doch anstatt zu kapitulieren, setzte die NS-Regierung den Krieg fort und mobilisierte alle noch vorhandenen Reserven. Den Tod von unzähligen Menschen und die totale Zerstörung des eigenen Landes nahm sie bewusst in Kauf. Der Terror gegen bisher verfolgte Gruppen weitete sich erheblich aus und richtete sich nun auch verstärkt gegen die eigene Bevölkerung. In dieser Zusammenbruchsgesellschaft befanden sich die Menschen in einem permanenten Spannungsfeld zwischen Zerstörung und Terror, Orientierungslosigkeit und Zukunftsangst. Jeder musste ums tägliche Überleben kämpfen.
75 Jahre nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs in Europa wird die Sonderausstellung „Deutschland 1945 – Die letzten Kriegsmonate“ erneut im Dokumentationszentrum Topographie des Terrors präsentiert. Sie war dort erstmals 2015 zu sehen.

Der Kunstraum Kreuzberg präsentiert mit "Eintritt in ein Lebewesen" eine Gruppenausstellung von 32 Künstler*innen sowie ein Diskursprogramm, welche die Methoden, mit der Unternehmen wie YouTube, Google, Fiverr oder Amazon Mechanical Turk die Ausbeutung der Kreativität ihrer Nutzer*innen zum Geschäftsmodell gemacht haben, reflektieren. Etwa die Hälfte der künstlerischen Arbeiten stammt aus der gegenwärtigen Periode des Plattform-Kapitalismus. Eine Auswahl älterer Werke verfolgt die Idee der kollektiven Kreativität zurück zu ursprünglich emanzipatorischen Ideen aus der Frühzeit des Internets wie Crowd-Sourcing und letztlich zur Sozialen Skulptur von Joseph Beuys.

1977 zeigte Joseph Beuys auf der documenta 6 seine Installation "Honigmaschine am Arbeitsplatz", die in Schläuchen und Rohren Honig durch die Ausstellung pumpte. Die Arbeit versinnbildlicht Beuys’ Vorstellung vom "erweiterten Kunstbegriff" und von der "sozialen Skulptur". "Jeder Mensch ist ein Künstler" lautet seine berühmte Devise – nicht weil jede*r malen, tanzen oder musizieren kann, sondern weil wir alle durch unsere schöpferische Energie zu einer kollektiven Kreativität beitragen, die das eigentliche Kapital und Potential einer Gesellschaft ist, was Beuys auf die Formel "Kunst = Kapital" bringt. Der Honig als "geistige Kraftnahrung des Kosmos" (Beuys) verkörpert diese kollektive Kreativität.

Heute liefern wir unseren kreativen "Honig" ganz freiwillig bei Internet-Unternehmen wie Google, Facebook, Twitter, TikTok oder Amazon ab. Computer und Smartphones, Online-Lautsprecher und Fitness-Armbänder laden einen Großteil unserer Daten auf die Server dieser Firmen. Selbst Leihfahrräder und E-Scooter sammeln unsere Bewegungsdaten. Jeder Klick, jedes Like, jedes gepostete Foto und jeder Online-Kommentar von uns ist Kraftnahrung für die Unternehmen des "Überwachungskapitalismus" (Shoshana Zuboff). Diese nutzen unsere Daten, um Werbung zu verkaufen, Prognosen über unser Verhalten anzustellen und ihre Algorithmen und ihre KI zu optimieren, um konkurrierenden Firmen den Markt-zutritt so schwer wie möglich zu gestalten.

Die Ausstellung "Eintritt in ein Lebewesen" hat ihren Titel von einem Vortrag, den Joseph Beuys 1977 während der documenta über die soziale Skulptur hielt. Sie verfolgt diese Idee in die Gegenwart, in der viele im Internet und den sozialen Medien kreative Leistungen anbieten, aber nur wenige davon finanziell profitieren. Sie bringt Kunstwerke aus mehr als vierzig Jahren zusammen, um zu verstehen, was zwischen der Entwicklung der sozialen Skulptur und dem Aufstieg von Plattform-Kapitalismus und Gig Economy geschehen ist und wie dieser Prozess in der Kunst reflektiert wurde. Die Ausstellung wird von einer Veranstaltungsreihe begleitet. #eintrittineinlebewesen

Die Ausstellung im Georg Kolbe Museum zeigt Werke des japanischen Künstlers Shinichi Sawada (geb. 1982), dessen Werk damit zum ersten Mal in Deutschland ausgestellt wird. Seine filigranen keramischen Objekte erinnern an fantastische Tierwesen, üppig dekorierte Gefäße, dämonische Masken, Totems, mittelalterliche Ungeheuer oder präkolumbische Artefakte. Der Künstler arbeitet in einer betreuten Einrichtung für Menschen mit Behinderung in der Präfektur Shiga, westlich von Kyoto, er ist Autist und spricht nur sehr selten. Als Autodidakt und jenseits kunsthistorischer Vorbildung oder akademischen Wissens entwickelt der Künstler in seinem geschützten Rückzugsraum seit fast 20 Jahren Arbeiten von großer Kraft und Schönheit, die in ihrer physischen und emotionalen Präsenz bewegen. Sawadas Werk wurde 2013 auf der 55. Biennale von Venedig vorgestellt, bisher aber immer im Kontext sogenannter „Outsider Art“ oder „Art Brut“ gezeigt. Die Ausstellung ist die erste museale Präsentation seines Werkes in Europa.

Der Künstler arbeitet in Reihen, rund 15 Motive mit anthropomorph zusammengefügten Versatzstücken von Mensch und Tier wechseln sich in kleineren Varianten ab. Seine visionären Traumgebilde sind übersät mit längeren oder kürzeren dornenartigen Auswüchsen, die ihnen eine taktile und gleichzeitig unberührbare Außenhaut verleihen. Die Fragilität eines komplexen Verhältnisses von Innen und Außen, sowie die ornamentale Überfülle macht sie eindrücklich und unverwechselbar. Gleichzeitig öffnen sie zahlreiche Anbindungen an die Auseinandersetzung mit der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts und weisen weit darüber hinaus auf existentiellen Fragen menschlicher Bedingtheit.

Die Ausstellung entsteht als Kooperation des Museum Lothar Fischer in Neumarkt i. d. Oberpfalz, des Georg Kolbe Museums und des Museums Halle Saint Pierre (Paris). Sie wird durch den Hauptstadtkulturfonds gefördert. Zur Ausstellung gibt es einen Katalog mit Texten von Carla Schulz-Hoffmann und Mizue Kobayashi zum Preis von 9 Euro.

Der Geländerundgang umfasst 15 Stationen und ist komplementär zur Dauerausstellung „Topographie des Terrors” im Gebäude angelegt. Er versucht, den Besucher am unmittelbaren Ort in die Geschichte des Areals einzuführen.

Informationspulte mit Fotos, Dokumenten und 3D-Grafiken zur Orientierung im Gelände geben einen Überblick über die Geschichte des Areals, auf dem sich von 1933 bis 1945 mit dem Geheimen Staatspolizeiamt, der Reichsführung-SS und dem Reichssicherheitshauptamt die wichtigsten Institutionen des nationalsozialistischen Verfolgungs- und Terrorapparats befunden hatten.

Die Ausstellung »Berlin 1933–1945. Zwischen Propaganda und Terror« thematisiert die nationalsozialistische Politik in Berlin und ihre Folgen für die Stadt und ihre Bevölkerung. Sie zeigt, wie es den Nationalsozialisten gelang, im »roten« Berlin Fuß zu fassen und die Stadt zum politischen Zentrum ihrer Herrschaft auszubauen. Entlang der freigelegten Kellermauerreste im Ausstellungsgraben informieren die farblich unterschiedlich gestalteten Hauptkapitel der Ausstellung über: Das Berlin der Weimarer Republik (I), Etablierung der Führerdiktatur in Berlin (II), Berlin und die »Volksgemeinschaft« (III), Berlin im Krieg 1939–1945 (IV) und Berlin und die Folgen der NS-Herrschaft (V).

Marc Bauer (* 1975 in Genf, Schweiz) erhält den GASAG Kunstpreis 2020. Mit dem Medium der Zeichnung bearbeitet er Themen wie Migration, Identität und Gender, Kritik an den neuen Medien oder die Verbindung von Religion und Gewalt.

Auf der Basis intensiver Recherchen entwickelt der Künstler raumgreifende Installationen aus intimen Papierarbeiten, Wandzeichnungen, Animationen und Sound. So entsteht eine suggestive Dramaturgie aus historischen Ereignissen und Fiktionen, die für unterschiedliche Interpretationen offen bleibt. Für die Ausstellung in der Berlinischen Galerie plant Marc Bauer eine breit angelegte Untersuchung zur Geschichte des Internets und zu den Auswirkungen auf Gesellschaft und Individuum.

Der Gasag Kunstpreis ist ein Nachwuchspreis für Künstler*innen, die in Berlin leben und an Schnittstellen von Kunst, Technik und Wissenschaft arbeiten. Die Ausstellung wird im Rahmen der Berlin Art Week eröffnet. Bisherige Preisträger*innen waren Susanne Kriemann (2010), Tue Greenfort (2012), Nik Nowak (2014), Andreas Greiner (2016) und Julian Charrière (2018).

Die Kunst der 1920er-Jahre wurde bestimmt durch Neue Sachlichkeit und Magischen Realismus. Wie diese Epoche das künstlerische Schaffen späterer Generationen bis in die Gegenwart beeinflusst hat, zeigt die kommende Präsentation im Kunstforum der Berliner Volksbank mit Werken aus der Kunstsammlung der Berliner Volksbank und ausgewählten Leihgaben.

Als die Stadt Berlin am 2. Mai 1945 vor der Roten Armee kapitulierte, hielten sich circa 370.000 Zwangsarbeiterinnen und Zwangsarbeiter im ganzen Stadtgebiet auf. Kriegsgefangene, KZ-Häftlinge und so genannte Zivilarbeiter*innen. Die meisten befanden sich bei Kriegsende noch an ihren Einsatzorten und in den Lagern. Die Wochen im April und Mai 1945 waren geprägt von Hunger, Verzweiflung, Angst, Widerstand und Hoffnung.
Viele ehemalige Zwangsarbeiter*innen aus West- und Südeuropa konnten noch im Sommer 1945 alleine oder mithilfe der Rückführungstransporte der Alliierten in ihre Heimatländer zurückkehren. Andere Befreite versuchten, sich der Rückführung zu widersetzen. Besonders in der Sowjetunion standen die Rückkehrenden lange unter dem Verdacht des Verrats und der Kollaboration mit den Deutschen.

Die Geschichte der Befreiung der NS-Zwangslager in Berlin ist bis heute nicht umfassend aufgearbeitet. Wir nehmen den 75. Jahrestag zur Erinnerung an das Kriegsende zum Anlass, den Blick auf die ehemaligen Zwangsarbeiter*innen zu richten. Wie haben sie die letzten Kriegswochen erlebt? Wie sah der erste Kontakt zu den Alliierten aus? Was geschah mit den befreiten Lagern?

Auf unserem Blog dokumentieren wir Zeitzeugenberichte, Tagebuchauszüge, Briefe und Erinnerungen aus dem Berliner Stadtgebiet.

Wer waren die Menschen, die in Berlin Zwangsarbeit leisten mussten, woher kamen sie und unter welchen Bedingungen mussten sie leben und arbeiten? Wer waren die Profiteure und wer organisierte und verwaltete den Zwangsarbeitseinsatz? Wie war das Nachkriegsschicksal der Überlebenden? Welche Spuren hinterließ der massenhafte Zwangsarbeitseinsatz im Berliner Stadtraum und in der Erinnerung der Berliner Bevölkerung? Diesen und anderen Fragen geht diese Ausstellung nach, die auf der Grundlage der regionalen Forschungen von elf Regionalmuseen und Einrichtungen 2002 erarbeitet wurde.
Bis zur Eröffnung der Dauerausstellung "Alltag Zwangsarbeit 1938–1945" im Jahr 2013 war sie in den ehemaligen Zwangsarbeitslagerbaracken im Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit zu sehen.

Die Ausstellung wurde für die Zaunausstellung neu produziert und ist ab heute bis auf weiteres zu sehen.

Als auf der Potsdamer Konferenz im Schloss Cecilienhof im Jahre 1945 „die Neuordnung der Welt“ und die Teilung Deutschlands beschlossen werden, wirkt sich das unmittelbar auf den Alltag vieler Potsdamer aus. Dazu gehören auch die Menschen im Gebiet um den Pfingstberg herum, das jetzt nahe der Grenze zu Westberlin liegt. Die bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs durch Villen und Parkanlagen geprägte Wohn- und Erholungsgegend in der Nauener Vorstadt wandelt sich jetzt zum sowjetischen „Militärstädtchen Nr. 7“ mit einem Gefängnis des sowjetischen Geheimdienstes KGB und der Zentrale der Auslandsspionage.
Nichts wie bisher: Alltag am Potsdamer Pfingstberg nach 1945

Das Arbeiten, Einkaufen und die Freizeitaktivitäten der Anwohner werden fortan von dieser Entwicklung bestimmt. Besorgungen zum Beispiel werden im „Russenmagazin“ gemacht, einer sowjetischen Verkaufseinrichtung, die für Armeeangehörige und deren Familien bestimmt ist, aber auch DDR-Bürgern offensteht. Die Kleingärten am Hang des Pfingstbergs werden in dieser Zeit zu wichtigen privaten Rückzugs- und Erholungsorten.
Ergänzung der Dauerausstellung

Im Belvedere Pfingstberg wird vor diesem historischen Hintergrund ab dem 6. Mai 2020 die Ausstellung „Zwischen Gartenlaube und Russenmagazin. Alltag am Potsdamer Pfingstberg 1945-1994“ gezeigt, die Zeitzeugen aus der direkten Umgebung des Pfingstbergs zu Wort kommen lässt. Die bereits bestehende Dauerausstellung zur Geschichte des Pfingstberg-Ensembles im Belvedere wird um einen Raum im Erdgeschoss des Westturms ergänzt. Hier lernen Besucher über drei Medienstationen zwölf facettenreiche Lebensgeschichten von Bewohnern kennen.
Die Zeitzeugen

Darunter sind der Regisseur, Fotograf und Drehbuchautor Franz Baake, der 1941 bis 1951 in der Großen Weinmeisterstraße lebte und den Einmarsch sowjetischer Truppen in sein Wohngebiet erlebte, Matthias Freydank, der seine Kindheit und Jugend in der Villa Henkel verbrachte, in der zu DDR-Zeiten ein Altersheim untergebracht war und Mario und René Kade, die in der Höhenstraße aufwuchsen und von einer unbeschwerten Kindheit in den 1980er-Jahren berichten. Diese Geschichten sind zum Teil traurig und rührend, aber auch witzig und humorvoll und spiegeln die jeweilige Wahrnehmung des erlebten Alltags wider.

Belvedere Pfingstberg, Eröffnung am 6. Mai um 14 Uhr, Eintritt dazu frei; Treffpunkt: Eingang Westturm Schloss Belvedere

Ausstellung vom 7. Mai 2020 bis 31. Oktober täglich 10-18 Uhr, November/März samstags, sonntags und feiertags 10-16 Uhr, Schlosseintritt inklusive Ausstellung: 6 € / ermäßigt 4,50 €

Gefördert mit Mitteln der Bundesstiftung zur Aufarbeitung der SED-Diktatur.

Gefördert mit Mitteln des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Brandenburg.

Im Jahr 2020 jährt sich die Zusammenarbeit Karl-Friedrich Schinkels mit der königlichen Porzellan-Manufaktur KPM zum zweihundertsten Mal. Als „Schinkelentwürfe“ haben sie Geschichte geschrieben und bereichern bis heute das Angebot der Manufaktur. Er selbst schuf auch Illustrationen für Märchen und pflegte den Austausch mit einem Scherenschnittkünstler in Paris.

Hendrik Schink führt die drei genannten Genres Porzellan, Scherenschnitt und Illustration als Reminiszenz an den berühmten Baumeister zusammen. An den Wänden hängen Porzellanflächen und Reliefs, auf denen Scherenschnitte als Illustrationen zu sehen sind. Die Motive schöpfen meist aus der Märchen- und Sagenwelt und sie kommentieren die alten Geschichten aus neuer Sicht. Im Raum stehende Gefäße von Hendrik Schink korrespondieren mit den Vasen von Karl Friedrich Schinkel. Auch diese sind in der Oberfläche neu bearbeitet.

Ausstellung vom 6. Juni bis 26. Juli 2020, immer samstags, sonntags und feiertags von 14 bis 17 Uhr, Pomonatempel Pfingstberg, Eintritt frei, Spenden erwünscht!

Heike Jeschonnek beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit dem Verhältnis von Stadt, Stadtlandschaften und Architektur zur Natur und der Vorstellung, wie weit sich die gebaute Zivilisation von der Natur entfernen will.Ihre ganz spezielle Technik erinnert an die Entstehungsgeschichte von Landschaften im Laufe der Erdgeschichte. Sie trägt Paraffin und Öl auf Papier oder Leinwand auf, Schicht um Schicht, ritzt dann immer wieder mit Messer oder Skalpell die Umrisse der Formen ein, legt Schichten frei, sodass eine dreidimensionale Wirkung entsteht. So wachsen quasi geologische Formationen mit Flächen von kleinteiligen abstrakten oder floralen Mustern, die sich als Grundelement der Bilder mosaikgleich aneinanderreihen und mit zusätzlichen filigranen Zeichnungen kontrastieren. In den faszinierenden Bildern scheinen sich die poetisch anmutenden Zeichnungen fast schwebend aus den Schichten zu erheben. Pomonas Ausblicke könnte man ähnlich verstehen; der nach Schinkels Entwürfen entstandene Pomonatempel wurde Schicht um Schicht in die Naturlandschaft des Pfingstbergs gebaut , um dann von Lenne in eine von ihm geschaffene Natur umgeben zu werden, die wie die Zeichnungen auf den Bildern der Künstlerin Leichtigkeit zu den festen Formen des Pomonatempels schafft.

Aber auf was würde die römische Göttin der Waldfrüchte blicken, wenn sie von ihrem Tempel aus über einen Teil Potsdams schauen könnte mit Berlin im Hintergrund – und wird sich dieser Ausblick in der Zukunft ändern? Werden wir Menschen diese anmutige Balance zwischen Architektur und Natur verändern oder wird die Natur selbst durch zunehmende Unwetterkatastrophen Einfluss darauf nehmen?

Heike Jeschonnek wurde in Gummersbach geboren und hat an der Hochschule der Künste in Berlin studiert. Neben Stipendien, Nominierungen für Preise und Preise, Ausstellungen befinden sich ihre Bilder auch in der Sammlung im Deutschen Bundestag und der Kunstsammlung im Willy- Brandt – Haus. Mehr Informationen: www.heike-jeschonnek.de

Ausstellung vom 1. August bis 13. September 2020, immer samstags, sonntags und feiertags von 14 bis 17 Uhr, Pomonatempel Pfingstberg, Eintritt frei, Spenden erwünscht!

Der Ausgangspunkt der Ausstellung von Horst Uhlemann ist die Architektur des Pfingstberg-Ensembles, sowohl in seiner imposanten Erscheinung, als auch im Detail oder fragmentarisch. Hinzu kommen in seiner Kunst verschiedene Zeitlinien: Zum einen assoziativ und fiktiv aus der Mythologie der Griechen und Römer, zum anderen aus Ende der 1980er-Jahre, als engagierte Potsdamer begannen, sich aktiv um den Erhalt des historischen Ensembles zu bemühen. Der Betrachter ist eingeladen, sich durch diese unterschiedlichen Zeiträume zu bewegen und seine Gedanken schweifen zu lassen.

Unter Verwendung verschiedener Techniken wie Radierung, Mischtechnik, Aquarell, Acryl oder Collage entstehen Bilderwelten, deren künstlerische Aussage nicht mehr das realistische Abbild ist – Farben, Strukturen und Komposition werden wichtiger und treten in den Vordergrund.

Vernissage am 19. September um 14 Uhr, Ausstellung vom 19. September bis 31. Oktober 2020, immer samstags, sonntags und feiertags von 14 bis 17 Uhr, Pomonatempel Pfingstberg, Eintritt frei, Spenden erwünscht!

Mit der Ausstellung ›31: Women‹ knüpft die Daimler Art Collection an zwei bahnbrechende Präsentationen in Peggy Guggenheims New Yorker Galerie Art of This Century an, ›Exhibition by 31 Women‹, 1943, und ›The Women‹, 1945. Initiiert und kokuratiert wurden diese von Guggenheims Freund und Berater, dem Künstler Marcel Duchamp. Es waren die ersten Ausstellungen in den USA in diesem Umfang, die sich ausschließlich auf Künstlerinnen fokussierten. Die Frauen repräsentierten eine junge Generation aus 11 verschiedenen Nationen. Inhaltlich trafen Vertreterinnen des Surrealismus auf abstrakte Malerinnen, dadaistisch beeinflusste Künstlerinnen und unbekannte, jüngere Positionen der Zeit.
Im Rückbezug auf dieses wichtige Gründungsdokument feministischer Kunstgeschichte verdichtet die Ausstellung ›31: Women‹ mit rund 60 Werken der Daimler Art Collection zwei langfristig entwickelte Schwerpunkte der Sammlung: der Fokus auf weibliche Protagonistinnen der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts einerseits, Recherchen und Projekte seit 2016 zu Duchamp/kuratorischer Praxis/Readymade andererseits. Unsere Schau ›31: Women‹ beginnt historisch mit Werken aus der Tradition von Bauhaus und Konkreter Kunst, führt weiter zu europäischen und amerikanischen Tendenzen aus Zero und Minimalismus und erweitert dann den Horizont um jüngere Künstlerinnen aus Indien, Südafrika, Nigeria, Israel, Chile, USA u.a. Ländern. Die Ausstellung bringt frühe feministische Tendenzen mit globalen Perspektiven der zeitgenössischen Kunst in überraschenden Konstellationen und thematischen Inszenierungen zusammen.

Die Ausstellung "Max Kaus. Unter Freunden" präsentiert das vielschichtige Werk des Berliner Künstlers. Sie würdigt zugleich die großzügige Schenkung von Sigrid Kaus, die dem Brücke-Museum in den letzten zwei Jahren 20 Gemälde aus allen Werkphasen von Kaus überlassen hat.

Max Kaus (1891–1977) betonte stets die Kontinuität seines künstlerischen Schaffens, das sich von einem expressionistisch geprägten Frühwerk bis zu dem zur Abstraktion neigenden Spätwerk erstreckt: Alle Arbeiten seien von „Natureindrücken“ und seinem „Wunsch nach einer Geordnetheit im bauenden Sinne“ bestimmt. Die Ausstellung lädt ein, sich hiervon ein Bild zu machen und seiner vielseitigen Bildsprache nachzuspüren.

Gezeigt werden Gemälde, Druckgraphiken und Aquarelle aus den Jahren 1911 bis 1975. Ihnen gegenüber stehen Werke von Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Otto Mueller und Max Pechstein. Durch den Dialog zwischen den Werken der Künstlerfreunde spürt die Ausstellung dem weitgespannten Netz an Personen und Bildern, die Max Kaus umgaben, nach.

Dabei werden verschiedene Themenfelder, die Kaus mit den Brücke-Künstlern verbanden, näher beleuchtet. Der Blick reicht vom Motiv der Badenden, über die vielseitigen Umsetzungsmöglichkeiten der Lithografie bis hin zu Kaus’ Mitwirken an einer von Schmidt-Rottluff geplanten Künstler- und Ausstellungsgemeinschaft. Besonders gut sichtbar wird die gegenseitige Wertschätzung von Kaus, Heckel und Schmidt-Rottluff in den Freundschaftsgaben, die sie einander machten. So widmet sich ein Ausstellungskapitel speziell den Werken, die die Künstler sich gegenseitig schenkten. Einige von ihnen sind mit handschriftlichen Widmungen versehen, die auf die enge Verbundenheit der Künstlerkollegen verweisen.

Kaus lernte Heckel während des Ersten Weltkrieges in Ostende (Flandern) kennen, wo beide als Sanitätssoldaten stationiert waren. Zurück in Berlin machte Heckel Kaus 1919 mit Schmidt-Rottluff bekannt. 1920 lernte er schließlich auch Otto Mueller und Max Pechstein kennen. Nun, 100 Jahre später, feiert diese Ausstellung die Freundschaft und den facettenreichen künstlerischer Austausch zwischen Kaus und den ehemaligen Brücke-Malern.

Erste Werke von Max Kaus gelangten bereits 1966 durch Erich Heckel ins Brücke-Museum. Heute sind mehr als 180 Arbeiten des Künstlers Teil der Sammlung – eine Gewähr dafür, dass Max Kaus auch in Zukunft einen festen Platz im Kreis seiner Freunde haben wird.

Die ständige Ausstellung des Käthe-Kollwitz-Museums Berlin führt in das Leben und Werk der Künstlerin Käthe Kollwitz ein. Historische Fotos im Erdgeschoß zeigen das Berlin aus der Zeit von Käthe Kollwitz. Familie, Freunde und Weggefährten werden kurz vorgestellt. Auf den Grafiketagen in der 1. und 2. Etage ist die Künstlerin mit ihren Arbeiten präsentiert. Zeichnungen, Radierungen und Lithografien aus ihren verschiedenen Schaffensperioden geben Einblick in Themen, die Käthe Kollwitz Zeit ihres Lebens beschäftigte und zeigen ihr großes künstlerisches Talent.

Ausgehend von Bruno Latours gleichnamigem Essay widmet sich das Kunst-, Aufführungs- und Diskursprojekt „Down to Earth“ einem System, in dem unser Verhalten auf einzigartige Weise mit den Einwirkungen vieler anderer Akteur*innen verbunden ist: „der tausendfach gefalteten Erde“.

Das größte System, dem wir nicht gegenüberstehen, sondern in das wir eingebettet und alle mit menschlichen und nicht-menschlichen Akteur*innen verbunden sind und ein großes Ökosystem bilden, ist das Klima. Das Klima kennt keine Grenzen. Trotz der öffentlichen Einsicht in die Notwendigkeit einer klimapolitischen Wende zeigen die Statistiken steigende CO2-Emissionen. Damit auf diese Erkenntnisse ein Verhaltenswechsel folgen kann, müssen unsere eigenen Betriebssysteme grundsätzlich erneuert werden. Aber wie verändern wir die Praxis unserer Arbeit, Ernährung oder des Reisens? Wie machen wir ein anderes Verhältnis zur Erde, wie es nichtwestliche Lebensweisen oder andere Spezies entwickelt haben, erfahrbar? Wer sind die neuen und alternativen Expert*innen des Wandels und welche Formen nimmt ihr Wissen an? Wo können wir landen?

Diese Frage nach der Art unserer Verbundenheit mit der Erde ist die wörtliche Übersetzung des französischen Titels von Bruno Latours 2018 erschienenem Essay, der auf Englisch „Down to Earth“ heißt und den Ausgangspunkt des diesjährigen Programms von Immersion bildet. Angetrieben von dem Wunsch, angesichts der Klimakatastrophe politisch wirksam zu werden, unternimmt dieses Manifest den Versuch, unser Denken neu zu kalibrieren und zugleich Handlungsanleitungen zu geben. So beschreibt Latour die Idee des „dritten Attraktors“, der uns hilft, den Widerstreit zwischen traditionellem Regionalismus und liberalem Kosmopolitismus zu überwinden und die ökologischen Bedingungen unserer Existenz einzubeziehen. Was immer auf der Erde geschieht, ist nach Latour ein Prozess vieler Akteur*innen, menschlicher und nicht-menschlicher, die jeweils Rechte besitzen und sich wechselseitig beeinflussen.

In der Programmreihe Immersion präsentieren die Berliner Festspiele seit 2016 die Arbeit von Künstler*innen, die gewohnte Präsentationsformate neu definieren, indem sie das klassisch gewordene Schema der Gegenüberstellung von Werk und Besucher*in, Bühne und Saal, Objekt und Betrachter*in auflösen. „Als ob es ein Außen gäbe!“, wundert sich Bruno Latour in seinem Essay: „Wenn die Zusammensetzung der Luft, die wir atmen, von Lebewesen abhängt, ist die Luft nicht mehr nur ihre Umwelt, in der sie sich entwickeln, sondern teilweise auch das Ergebnis ihres Wirkens. Anders gesagt, es gibt nicht auf der einen Seite Organismen und auf der anderen eine Umwelt, sondern es besteht eine Überlagerung wechselseitiger Konstellationen.“ Aus dieser Perspektive widmet sich das Kunst-, Aufführungs- und Diskursprojekt „Down to Earth“ im letzten Jahr der Programmreihe Immersion künstlerischen Praktiken und alternativen Verhaltensweisen, die ein anderes Weltverhältnis erlebbar machen. Können wir Latours Thematik, deren inhaltlichen Argumenten wir folgen, tatsächlich auch in einen anderen Modus der Begegnung und der Ansprache der Besucher*innen überführen? Was können wir beobachten und wie fühlt es sich an, wenn wir die Festival- und Ausstellungspraxis selbst unter die Prämissen von Latours Buch stellen, indem wir unsere Emissionen und Verbräuche offenlegen, sie so gering wie möglich halten und die Gewohnheiten unserer Betriebssysteme in Frage stellen und zu erneuern suchen?

Das zweiwöchige Unplugged-Programm „Down to Earth“ versammelt Künstler*innen und Expert*innen der Nachhaltigkeit und der „Practices of Grounding“, die in der unteren Etage des Gropius Bau sowie auf dem dahinter gelegenen Südplatz mit bildender und aufführender Kunst, Vorträgen, Workshops, Musik sowie spontanen Interventionen daran arbeiten, in Latours Sinne auf andere Weise welthaft und erdverbunden zu sein.

Mit Frédérique Aït-Touati mit Bruno Latour und Gästen (SPEAP, SOC, Zone Critique), Agnes Denes, Yngve Holen, Anne Duk Hee Jordan, Koo Jeong A, Alicja Kwade, Tomás Saraceno, Maria Scaroni, Claire Vivianne Sobottke, Joulia Strauss, Meg Stuart, Rirkrit Tiravanija / Nikolaus Hirsch / Antto Melasniemi / Michel Müller, Alexander Vantournhout u.v.a.

Initiiert von Thomas Oberender
Kuratorisches Team Julia Badaljan, Thomas Oberender, Anja Predeick, Tino Sehgal, Jeroen Versteele
Kuratorische Mitarbeit Descha Daemgen, Stefanie Hessler, Marc Pohl, Joulia Strauss, Frédérique Aït-Touati

Wir hören sie immer wieder im Radio – Hinweise auf Straßensperrungen, weil ein Bombenblindgänger gefunden wurde und unschädlich gemacht werden muss. Auch das zeigt, dass ein Krieg nicht „vorbei“ ist, wenn die Kampfhandlungen eingestellt werden, sondern dass seine Auswirkungen sehr langfristig sind.

Das Militärhistorische Museum Flugplatz Berlin-Gatow (MHM Gatow) zeigt ab dem 8. Mai 2020 aus Anlass des Kriegsendes vor 75 Jahren eine Sonderausstellung, in der es um die Hinterlassenschaften an nicht-detonierten Fliegerbomben des Zweiten Weltkriegs in Deutschland geht. Nach einer Einführung in die historischen Rahmenbedingungen, die zum Bombenkrieg seitens der Alliierten über dem damaligen Deutschen Reich führten, steht die Arbeit der Luftbildauswertung und der Kampfmittelbeseitigungsdienste im Zentrum der Betrachtung. Zudem bietet die Ausstellung einen historischen Rückblick auf die Blindgängerräumung in der Nachkriegszeit und zuvor während des Zweiten Weltkriegs, als auch Strafgefangene und KZ-Häftlinge für diese gefährliche Arbeit eingesetzt wurden. Es gibt keine genauen Zahlen, aber Schätzungen gehen davon aus, dass während des Zweiten Weltkriegs über Deutschland eine Bombenlast von mehr als 1,35 Millionen Tonnen abgeworfen wurde. Davon waren fünf bis 20 Prozent Blindgänger, je nach Bombentyp. Vieles wurde in den Jahren nach dem Krieg beräumt, doch vieles liegt noch immer in der Erde. Luftbilder der Alliierten aus der Kriegszeit liefern Hinweise auf Blindgänger. Für deren Entschärfung und Beseitigung sind speziell geschulte Fachkräfte zuständig, deren Arbeit – trotz aller Hilfsmittel – nach wie vor risikoreich ist.

Die Besucherinnen und Besucher lernen in der Ausstellung nicht nur die Vorgehensweisen der Luftbildauswertung, Kampfmittelortung und -räumung kennen, sie können an verschiedenen partizipativen Stationen auch ihr Wissen über Fundmunition schulen und testen.

Die Wunderkammer ist explodiert! Im Frühjahr und Sommer 2020 richtet das Schwule Museum das Scheinwerferlicht auf die eigene Sammlung. Nach dem Vorbild der Ausstellung „Weltgeschichte in 100 Objekten“ am British Museum möchten wir den Reichtum, die Vielfalt und die Faszination unserer Sammlung in 100 ausgewählten Objekten greifbar machen – stellvertretend für 1,5 Millionen Archivalien: eine kompromisslos queere Sammlung von Fotografien bis zu Travestiekostümen, von Dokumenten bis zu Gemälden, von Büchern aus dem Jahr 1629 bis zu Installationen aus der Gegenwart.

Mit festem Blick schaut uns die Künstlerin an und präsentiert eine Fotografie, auf der sie selbst gleich mehrfach abgebildet ist: in positiver und negativer Form mit dem Selbstauslöser in der Hand. In riesigen Bahnen aus Fotopapier, die von der Decke hängen, sind Fotografien und lebensgroße Fotogramme abgebildet – Sophie Thun setzt ihren Körper als Instrument ein, um etablierte Konzepte von Gesellschaft, Geschlecht und Gender zu hinterfragen. Bildraum und realer Raum scheinen ineinander zu verschmelzen und fordern unsere Sehgewohnheiten heraus.

Mit ihren Arbeiten knüpft Sophie Thun an die lange Tradition weiblicher Selbstdarstellung in der europäischen Kunstgeschichte an. Künstlerinnen setzten sich mit ihrer (zugewiesenen) Rolle auseinander, stellten sich selbst und ihr künstlerisches Werkzeug dar und nutzten die Technik mise-en-abyme, das Bild im Bild. Sophie Thun schafft Bezüge, die bis ins 16. Jahrhundert zurückgreifen, und thematisiert gleichzeitig die prekären Arbeitsbedingungen von Nachwuchskünstler*innen in unserem westlichen Gesellschaftssystem: Wenn sich Thun in anonymen Hotelzimmern nackt inszeniert und mit der Kamera auch uns Betrachter*innen fokussiert, ruft sie das Hotel als Ort erotischer Fantasie auf. Die Bilder der Serie After Hours sind jedoch nicht auf Urlaubsreisen entstanden, sondern in beruflichem Kontext: Um sich ihren Lebensunterhalt zu finanzieren, assistiert Thun, wie viele ihrer jungen Kolleg*innen, erfolgreichen und meist männlichen Künstlern. Ihre eigene Arbeit entsteht dann oft in den Nachtstunden und mit den Mitteln, die ihr am fremdbestimmten Ort zur Verfügung stehen – der eigene Körper, der Selbstauslöser, die Kamera.

Sophie Thun verbringt viel Zeit ihres Schaffens in der Dunkelkammer, wo sie ihren Körper direkt mit dem lichtempfindlichen Papier in Verbindung bringt. So erzeugt sie Schatten, Abdrücke und Spuren, die in neue Bilder eingespeist und zu komplexen Arrangements im Raum umgebaut werden. In der unmittelbaren Bearbeitung ihrer fotografischen Arbeiten ist die Malerei, ihr ursprüngliches künstlerisches Medium stets spür- und sichtbar.

C/O Berlin zeigt die erste institutionelle Einzelausstellung von Sophie Thun. Die Präsentation bringt die Arbeiten der letzten Jahre zusammen, die sich mit den Themen Geschlecht und Gender befassen, aber auch um die fotografische Repräsentation und analoge Fototechnik kreisen.

Sophie Thun (*1985) lebt und arbeitet in Wien. 2017 studierte sie bei Daniel Richter und Martin Gutmann an der Akademie der bildenden Künste in Wien. Ihre Arbeiten waren in Einzel- und Gruppenausstellungen u. a. an der Folkwang Universität der Künste, Essen, bei Camera Austria, Graz, sowie in der Bank Austria Kunstforum, Wien, und der Galerie Sophie Tappeiner, Wien, ausgestellt. Sie sind Teil der Sammlung des Smart Museums, Chicago, und der Verbund Collection, Wien.

Ein nackter tanzender Körper vor und gleichzeitig in einem Spiegel, Wäscheklammern, die Körperoberfläche und Haut quetschen – was macht diese junge Frau da? Francesca Woodmans Fotografien sind Dokumentationen von Performances, mit der Kamera als einziges Publikum. Aber es sind auch komplexe und formal ausgewogene Kompositionen des überwiegend weiblichen Körpers, den sie zusammen mit Lilien, Muscheln oder Aalen in baufälligen Räumen inszeniert – weibliche und männliche Symbole, die sie sich aneignet, umdeutet und dekonstruiert. Meist tritt die Künstlerin selbst im Bildraum auf und nutzt gekonnt Fragmentierung und Maskierung zum Spiel mit der Identität: Die angeschnittenen Leiber, die sie im Bildraum platziert, sind selten einzelnen Individuen zuzuordnen. So erscheint der einzelne Körper gleichzeitig physisch präsent und engelhaft immateriell. Dabei lassen Bewegungsunschärfen, Spiegelungen und mit dem Hintergrund verschmelzende Figuren melancholische, surrealistische und manchmal auch klaustrophobische Züge erkennen. Unter Verwendung bekannter Motive aus der Kultur-, Bild- und Fotogeschichte thematisiert Woodman die vielen Rollen der Frau – das junge Mädchen, die Schönheit, die Verführerin, aber auch das universell Weibliche als Medium des Spiritismus und der Kunst. Dennoch bleibt die Atmosphäre der Fotografien zutiefst persönlich und intim, was durch die Wahl überwiegend kleiner Formate noch verstärkt wird.

Zu Lebzeiten kaum bekannt, gehört Francesca Woodman heute zum Kanon der künstlerischen Fotografie und gilt neben Claude Cahun und Cindy Sherman zu den starken weiblichen Stimmen der Fotografiegeschichte in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Mit der Ausstellung On Being an Angel präsentiert C/O Berlin erstmalig in Deutschland einen Querschnitt durch Francesca Woodmans Werk – von kleinformatigen Schwarz-Weiß-Bildern über seltene Farbfotografien bis hin zu den späten, überlebensgroßen Arbeiten, die mit experimentellen Techniken wie der Diazotypie entstanden sind. Die 102 Estate Prints bilden alle thematischen Hauptgruppen ab, die in ihrer kurzen, aber intensiven Schaffenszeit entstanden sind, und die bei C/O Berlin im Dialog mit sechs Kurzfilmen der Künstlerin zu sehen sind.

Die Aussstellung Francesca Woodman . On Being an Angel wurde organisiert vom Moderna Museet, Stockholm.

Francesca Woodman (geboren 1958 in Denver, gestorben 1981 in New York City, USA) war eine US-amerikanische Künstlerin und Fotografin. Aufgewachsen in einer Künstlerfamilie, begann sie mit 13 Jahren zu fotografieren. Sie studierte an der Rhode Island School of Design in Providence unter anderem bei dem berühmten Nachkriegsfotografen Aaron Siskind und verbrachte Arbeitsaufenthalte in Rom, New York City und Peterborough, New Hampshire, bevor sie sich im Alter von nur 22 Jahren das Leben nahm. Sie schuf tausende von Negativen und etwa 800 Prints verschiedener Techniken, die heute vom Estate of Francesca Woodman verwaltet werden. Die erste umfassende Retrospektive wurde postum im Jahr 1986 für das Wellesley College Museum kuratiert und tourte anschließend durch US-amerikanische Universitätsmuseen. 1992 wurde ihr Schaffen zum ersten Mal in Europa in der Shedhalle, Zürich, und im Westfälischen Kunstverein, Münster präsentiert. Francesca Woodman wurden international Einzelausstellungen gewidmet, unter anderem an Institutionen wie der Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris (1998), San Francisco Museum of Modern Art (2011) und Guggenheim Museum, New York (2012). Die Aussstellung Francesca Woodman . On Being an Angel war in Europa an verschiedenen Stationen zu sehen.

„Sie war immer offen für die kleinen Momente des Alltags, die sie viel mehr interessierten als inszenierte Bilder. Sie wollte echte Momente.“ – Mary McCartney

Ein Mann steht vor einem schicken roten Sportwagen. Über absurd klobigen Moonboots trägt er einen schwarzen Mantel, die linke Hand ist zum Gruß erhoben. Großer Auftritt, und doch schaut der Mann gänzlich unaffektiert in die Kamera. Die Fotografie von Paul McCartney entstand in den 1970er-Jahren. Die Frau hinter der Kamera ist Linda McCartney, die sich bereits mit ihren Porträts von berühmten Persönlichkeiten und Musikern wie Aretha Franklin, Jimi Hendrix und Bob Dylan einen Namen als Fotografin gemacht hat. Doch je öffentlicher ihr Leben wird, desto persönlicher, intimer und experimenteller wird das Thema ihrer Arbeit. Über Jahrzehnte hinweg hat sie ihr Familienleben und ihre direkte Umgebung eingefangen und ein Panorama an unprätentiösen, teils sehr intimen Momenten geschaffen, das gleichzeitig den sich wandelnden Zeitgeist dokumentiert.

Wie kann eine Fotografie das Glück, die Wärme und die Harmonie des Familienlebens vermitteln? Linda McCartneys Aufnahmen eröffnen Einblicke in den Alltag einer alles andere als alltäglichen Familie, und sie verblüffen und faszinieren mit ihrer Natürlichkeit. Mit ihrem klarem Blick für Bildaufbau und Komposition sowie ihrer Empathie gelingt es der Künstlerin, die Fotografierten nahbar, menschlich und verletzlich erscheinen zu lassen. Anders als viele ihrer Zeitgenoss*innen ließ McCartney sich bewusst auf das Häusliche und Familiäre ein und machte es zum Gegenstand ihrer Arbeit. Sie betrachtete ihr Leben als Ehefrau und Mutter nicht als Einschränkung, sondern als Bereicherung ihrer Bildwelt. In ihren Aufnahmen aus dem privaten und öffentlichen Leben reflektiert sie auch das fotografische Medium. Der Zauber von Linda McCartneys Arbeiten beruht auf ihrem meisterhaften Einsatz einer fotografischen Technik, die auf das Negativ als Reproduktionsmittel verzichtet und sich auf die Einzigartigkeit eines Positivs verlässt: das Polaroid – nicht wiederholbar, nicht korrigierbar, immer live.

C/O Berlin präsentiert in der Ausstellung über 250 Polaroids und eine Auswahl von Vintage-Ausbelichtungen aus dem Archiv der Künstlerin. Ein Großteil der Polaroids stammt aus den 1970er-Jahren, als die Sofortbildfotografie noch eine relativ neue Erfindung war, deren Möglichkeiten Linda McCartney begeistert austestete. Die Polaroids der Ausstellung geben einen intimen Einblick in McCartneys Leben und ihr visuelles Denken, wobei jedes Bild einen spezifischen Ort und Moment wiedergibt. Linda McCartney . The Polaroid Diaries macht ihre Gabe, den Moment einzufangen, erfahrbar und wird von einer Publikation im Taschen Verlag begleitet.

Die Ausstellung bei C/O Berlin entstand in Zusammenarbeit mit dem Linda McCartney Archive.
Kurator*innen: Angehörige der Familie McCartney und Felix Hoffmann im Namen der C/O Berlin Foundation, in Zusammenarbeit mit Sarah Brown vom Linda McCartney Archive.

Linda McCartney (geboren 1941 in New York, gestorben 1998 in Tucson, USA) begann ihre Karriere mit der Dokumentation der Musikszene der 1960er-Jahre. 1967 wurde sie als US-amerikanische Fotografin des Jahres ausgezeichnet, 1968 fotografierte sie als erste Fotografin ein Cover des Rolling Stone. In späteren Arbeiten widmete sie sich auch sozialen Missständen, dem häuslichen Leben und der Natur und experimentierte darüber hinaus mit unterschiedlichen fotografischen Techniken wie z. B. der Cyanotypie. Linda McCartney war Vegetarierin und eine der ersten prominenten Tierschutzaktivistinnen. Die Kochbuchautorin, Musikerin und Mutter von vier Kindern starb im Alter von 56 Jahren an Brustkrebs. Ihre Arbeiten sind unter anderem in den Sammlungen des Victoria & Albert Museums und der Londoner National Portrait Gallery vertreten und wurden in Ausstellungen weltweit präsentiert.

Den 80. Todestag des russischen Schriftstellers Michael Bulgakow zum Anlass nehmend, eröffnen das Museum Pankow und die Bibliothek am Wasserturm am 10. März 2020 im Kultur- und Bildungszentrum Sebastian Haffner die Ausstellung Berlin ist nicht Moskau, die dort bis zum 6. September gezeigt wird.

Der Schriftsteller Michail Bulgakow (1891–1940) gilt als ein literarisches „Schwergewicht“ des 20. Jahrhunderts, sein letzter Roman »Der Meister und Margarita« als Meisterwerk, eine satirisch-groteske Aufnahme des Faustmotivs. Bulgakow schildert darin in einer allegorischen und witzigen, satirischen Weise das Leben in Moskau zu dieser Zeit, gerichtet gegen die starre, von Willkür geprägte Bürokratie sowie die Überwachungspraktiken und die Versorgungsengpässe in der dogmatisch atheistischen Sowjetunion. Die Umstände der Entstehung und Publikation dieses Romans in der Sowjetunion und in Deutschland könnten als Stoff für einen Kriminalroman dienen. Bulgakow arbeitete ab 1928 bis zu seinem Tod an diesem Roman, der jedoch erst 1966 in der Sowjetunion – stark zensiert – in der Literaturzeitschrift Moskwa erscheinen durfte. Diese Zeitschrift wurde auch in deutschen Verlagen in der DDR und der BRD gelesen.

Der Pankower Thomas Reschke, damals Redakteur und Übersetzer beim DDR-Verlag Volk & Welt in Ost-Berlin, erkannte in dem Roman „ein ganz großes Ding“ und übersetzte auch dessen in der Sowjetunion zensierten Teile des Manuskripts. Um es in die DDR schmuggeln zu können, traf sich die Witwe Bulgakows, Jelena Sergejevna, konspirativ mit russischen und deutschen Dichtern, Musikern, Journalisten, Übersetzern und Herausgebern.
1968 erschien Meister und Margarita erstmals – wiederum zensiert – in der DDR und wurde vom dortigen Publikum geradezu verschlungen.

Auch nach der deutschen Wiedervereinigung haben die Texte Bulgakows nichts an Aktualität verloren. Davon zeugen die neuen Übersetzungen seiner Romane, die hohen Auflagen seiner Bücher, zwei Opern, Einflüsse in der Rockmusik und eine Vielzahl von Theaterstücken, die auf deutschen Bühnen aufgeführt wurden und werden.

Zur Erinnerung an das literaturgeschichtlich wichtige Ereignis der ersten bersetzung wurde die Ausstellung Moskau ist nicht Berlin 2018 im STAATLICHEN MICHAIL-BULGAKOW MUSEUM (Moskau)
gezeigt, das an den Autor erinnert und sein literarisches Werk bewahrt und erforscht. Anlässlich der Russischen Kulturtage 2019 entwickelte das Zwetajewa-Zentrum für russische Kultur an der Universität Freiburg e. V. in Kooperation mit dem Internationalen Graduiertenkolleg 1956 eine deutsche Adaption dieser Ausstellung, die nun in erweiterter Form erstmals in Berlin präsentiert wird.

Ein Projekt des Museums Pankow und der Bibliothek am Wasserturm

Gefördert von der Deutschen Forschungsgemeinschaft. In Kooperation mit dem Staatlichen Michail-Bulgakow-Museum (Moskau), dem Internationalen Graduiertenkolleg 1956 (Kulturtransfer und ‚kulturelle Identität‘) und dem Zwetajewa-Zentrum für russische Kultur an der Universität Freiburg e. V.

in Kooperation mit dem Kollektiv un.thai.tled

Im Wilmersdorfer Preußenpark treffen an den Sommerwochenenden Menschen aus asiatischen Communitys auf ein lokales und touristisches Publikum. Viele der beteiligten Frauen kamen aus Thailand nach Berlin. Sie handeln mit Street-Food und teilen untereinander ihre Erfahrungen über das Leben in der Diaspora. Dieser informelle Freiraum ist ein Ort der Begegnung und der Auseinandersetzung: Der Thai-Park steht in Konflikt zur Parkordnung und hat sich dennoch zu einem international beliebten, interkulturellen Treffpunkt entwickelt.
Für die Ausstellung haben sich junge Künstlerinnen und Künstler des Kollektivs un.thai.tled zusammengefunden. Sie sprechen eine gemeinsame Sprache mit den Frauen und folgen ihrem eigenen biografischen Zugang hinter die Kochstellen, um eine Erinnerungsgemeinschaft zu bilden. Aus Perspektiven der Architektur, der performativen Kunst, der visuellen Anthropologie und des Mediendesigns nähern sie sich künstlerisch-forschend diesem Ort. Sie finden Bilder für gemeinsame Erfahrungen und den verbindenden Aspekt von Mahlzeiten, verfolgen historische Verflechtungen und spekulieren über die gesellschaftlichen Möglichkeiten dieses besonderen Ortes, den sie mit ihren künstlerischen Arbeiten hervorbringen.
Aktuelle Umgestaltungspläne für den Preußenpark werfen die Frage auf, inwieweit der hier entstandene soziale Ort mit der bezirklichen Wirklichkeit vereinbar ist.

Sophie Utikal erforscht mit ihren gegenwärtigen, poetischen Bildern transgenerationale Wunden, die sich in Körper eingeschrieben haben. Hier vernarben sie; das Narbengewebe wächst unter der Haut weiter. Utikal erzählt von Erfahrungen, die in Körpern über mehrere Generationen weiterleben. Sie befragt Verhaltensweisen nach ihrem Ursprung und folgt dem Fluss der Innenwelt, welche sich auf den Körper auswirkt. Wie interagieren Körper und Gefühl? Welche Handlungen ergeben sich daraus

In intensiver Beschäftigung mit unterschiedlichen Körperlichkeiten verbindet Utikal ihre Protagonist*innen mit sich selbst. Ein roter Faden zieht sich durch das Leben, ein Teil wird immer weitergegeben. Die Ambivalenzen ihrer Zeichnungen eröffnen den Betrachter*innen Möglichkeiten der Projektion. Utikal arbeitet mit der Methode der autohistoria von Gloria E. Anzaldúa und beginnt ihre Serie mit ihrer Mutter Inirida, benannt nach dem Rio Inírida. Ein Sinnbild für den Fluss des Lebens, der Utikal erreicht und sie fortzieht, ihr Lebendigkeit verleiht und sie prägt. Eine innige Umarmung mit dem Wasser – ein Medium um sich auszudrücken und tragen zu lassen.

Tränen vervollständigen diesen Kreislauf. „Wie kann ich meine eigenen Tränen auffangen?“, fragt Utikal. Wie kann mit Gefühlen umgegangen werden, die eigen aber auch fremd sind? Wohin fließt die Verletzlichkeit? „Wir haben Grenzen, Kontinente und Ozeane überquert, doch unsere Körper sind immer noch eingenommen.“ Es wird auf Migrationserfahrungen und die damit einhergehenden Herausforderungen verwiesen, die sich auf Nachkommen übertragen. Utikal vergleicht sich mit Wasser; sie kann sich den Bedürfnissen anderer so anpassen wie das kühle Nass. Hinter ihrer Zuwendung steht der Wunsch nach Zugehörigkeit, doch dieser Wunsch hat Grenzen – nämlich die der eigenen Belastbarkeit.

Sophie Utikal beschäftigt sich mit der Entfremdung vom eigenen Körper in Bezug auf die Normativität weißer Körper. Sie sucht nach nicht-rationalen Wissensformen. Ihr dekolonialer Blick eröffnet den Betrachter*innen dabei eine Welt voller Schmerz und Heilung. Kraftvolle Stiche in Textil und zarte Farben zeigen Perspektiven auf Körper und Identität.

Kuratiert von Linnéa Meiners
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Sprachen: Englisch und Deutsch.

Mobilität: Die Galerie ist über eine Rampe erreichbar.

Keine Toiletten. Die nächste öffentliche barrierearme Toilette ist 850 Meter entfernt: city Toilette, Eldenaer Str. 12A, 10247 Berlin.

Öffentliche Verkehrsmittel: Gegenüber der Galerie.

Die Galerie ist kinderfreundlich. Hunde erlaubt.

Für Menschen, die gehörlos oder schwerhörig sind, gibt es visuelle Aspekte der Ausstellung, die erfahren werden können.
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Gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Ausstellungsfonds Kommunale Galerien, Fonds Ausstellungsvergütungen für bildende Künstlerinnen und Künstler. Die Galerie im Turm ist eine Einrichtung des Bezirksamts Friedrichshain-Kreuzberg.

Bernhard Martin (*1966) gehört zu den visuell vagabundierenden Malern der Gegenwart, die aus der Flut des Internets, der sozialen Medien, aber auch der Kunstgeschichte ihre Motive fischen, um sie spektakulär zu transformieren. Mit Leidenschaft greift der Maler Bilder auf, die Sehnsüchte, Ängste oder Ekel auslösen. Vermischt mit eigenen Visionen überführt er das vorgefundene Material auf der Leinwand zu Szenen, die sich allen herkömmlichen Regeln entziehen. Schaum wird geschlagen, Käse gesprochen und wenn die Fetzen fliegen, ist auch schon mal ein Auge oder ein Ohr dabei. Alles ist möglich, alles ist denkbar, nichts ist ausgeschlossen in einer furiosen Bildwelt, die Bernhard Martin seit den 1990er Jahren zwischen Apokalypse und Heiligenbild auf höchstem Niveau radikal erschafft.

Image Ballett stellt den ersten Überblick des international agierenden Künstlers in Berlin dar. Nach Stationen in Kassel, Barcelona, Nizza und London lebt Martin seit Jahren an der Spree.

Mit der Ausstellungspremiere wird die französische Malerin Mathilde Tardif zum ersten Mal vorgestellt. Ausgebildet in den 1890er-Jahren an der Académie Julian in Paris, entwickelte sie ihr malerisches Talent unter Einfluss von Impressionismus und Art Nouveau. Wenige Werke waren in Ausstellungen der Berliner Secession zu sehen. Themen ihrer kritischen Beobachtungen findet sie im Alltag der kleinbürgerlichen und bourgeoisen Gesellschaft. Seit 1907 ist sie mit dem Maler Leo von König verheiratet.

Im Zeiss-Großplanetarium in Prenzlauer Berg ist vom 20.02.-13.09.2020 die interaktive Wander-ausstellung »Einstein inside – 100 Jahre Allgemeine Relativitätstheorie« zu erleben. Die Ausstellung stellt die Grundgedanken der Relativitätstheorie vor und präsentiert aktuelle Forschungsthemen, z.B. zu Dunkler Materie, Gravitationswellen und Pulsaren. Zahlreiche interaktive Experimente, Simulationen, Animationen und Visualisierungen ermöglichen einen spielerischen Zugang zu den Themengebieten und holen so die Einsteinsche Relativitätstheorie aus dem Abstrakten ins Fassbare.
Beispielsweise können die Besucher*innen eine Gravitationswelle am eigenen Leib spüren, mit beinahe Lichtgeschwindigkeit durch Tübingen radeln, den exotischen Sounds von Radiopulsaren lauschen, eine virtuelle dreidimensionale Tour durch das Effelsberger Radioteleskop erleben oder in einem Computerspiel mit Hilfe von Schwarzen Löchern Sterne in das Feld ihres Gegners schleudern. Die Ausstellung wurde von der Universität Tübingen erarbeitet und tourt seit 2015 deutschlandweit durch Science Center, Museen, Universitäten und Planetarien. Der Eintritt ist frei.

Die Ausstellung kann zu den Öffnungszeiten des Hauses besichtigt werden.

+++ Bitte beachten Sie: der Termin der Eröffnung verschiebt sich und wird zeitnah bekannt gegeben. +++

Im neu geformten Berliner Bezirk Tempelhof setzte nach 1920 eine hohe Bauaktivität ein. Als Reaktion auf Wohnungsnotund Wirtschaftskrise in der Weimarer Republik entstanden vielfältige Siedlungsprojekte. Sie reichten im Norden von der Gartenstadt Neu-Tempelhof bis zu einerStadtrandsiedlung in Marienfelde. Die bis dahin industriell geprägte Gegend wurde zum beliebten Wohnort.

Der zweite Teil unserer Ausstellungsreihe beleuchtet im Tempelhof Museum die Geschichten dieser Neusiedlungen.

+++ Bitte beachten: der Termin der Eröffnung verschiebt sich und wird zeitnah bekannt gegeben. +++

Bei der Gründung „Groß-Berlins“ fehlen der Stadt 130.000 Wohnungen. Die bestehenden Wohnungen weisen oft erhebliche Mängel auf, sind feucht, dunkel und überbelegt. Schöneberg und Tempelhof suchen nach Lösungen und finden ihre Wege aus der Wohnungsnot. Die gleichnamige Ausstellungsreihe im Schöneberg Museum und Tempelhof Museum beleuchtet diese Geschichte.
Die damals noch eigenständige Stadt Schöneberg plant schon während des Ersten Weltkriegs den Bau einer Kleinhaussiedlung am Lindenhof. Licht, Luft, weite Freiflächen und ein Garten für jede Wohnung kennzeichnen die von Martin Wagner entworfene Kolonie. Sie ist das erste große Wohnungsbauprojekt Berlins, das in der Weimarer Republik fertiggestellt wird.
Tempelhof ist zu Beginn der 1920er-Jahre größtenteils unbebaut. Durch das vorhandene Bauland und eine massive Förderung aus öffentlichen Mitteln setzt hier eine Welle im Wohnungsbau ein. Von der Gartenstadt Neu-Tempelhof bis zur Stadtrandsiedlung Marienfelde wird Tempelhof in kurzer Zeit zum Wohngebiet.

Wie prägt der Nationalsozialismus das heutige Stadtbild Berlins? Die Sonderausstellung "Belastete Orte" zeigt die Vergangenheit und Gegenwart von NS-Bauten in Tempelhof-Schöneberg. Die im Nationalsozialismus errichteten Gebäude werden noch heute als Mietshäuser, Kirchen und Rathäuser
genutzt. Ihre Geschichten bieten einen Einblick in den Umgang mit "belasteter" Architektur.

In Kooperation mit dem Public History Master der Freien Universität Berlin.

Das hippe Neukölln steht laut „Guardian“ vom 8. Februar 2020 auf Platz fünf der coolsten Nachbarschaften Europas. Wer hätte das vor 20 Jahren gedacht? Wer allerdings in den 1920er-Jahren Neukölln besuchte, kam aus dem Staunen nicht heraus. Der Mercedes-Palast an der Hermannstraße war das größte Kino, Karstadt das größte Kaufhaus Europas; die Hufeisensiedlung, heute Weltkulturerbe, wurde als Modellsiedlung des sozialen Wohnungsbaus konzipiert. Damit nicht genug: Der Flughafen Tempelhof, zu dessen Flugschauen die Neuköllner Bevölkerung sonntags in Scharen pilgerte, war 1930 der größte Flughafen der Welt.

Die Ausstellung veranschaulicht die Entwicklung des städtischen Lebens in Neukölln seit 1920. Besucher*innen können Großfotos von acht Orten im Bezirk aus unterschiedlichen Zeiten selbst zusammenbauen. Wie in einem Puzzle sind 96 Würfel mit Ausschnitten historischer Motive zusammengesetzt. Die Fotografien sind der Schlüssel, die Stadt zu „lesen“, zu verstehen, wie Neukölln großstädtisch wurde und dass es heute alle sozialen, kulturellen und wirtschaftlichen Widersprüche einer europäischen Metropole in sich vereint.

Friedrichshain und Kreuzberg sind Aushängeschilder des heutigen Berlins.
Von „Chicago an der Spree“, Berghain, SO36 bis Kreuzberg 61: In beiden Bezirksteilen gibt es viele Orte, die über die Stadtgrenzen hinaus bekannt sind und schillernde Images hervorrufen. Sie bilden aber nur Einzelaspekte der Geschichte und der Gegenwart ab.
Erst 1920 wurden Friedrichshain und Kreuzberg gegründet und bildeten „Pufferbezirke“ zwischen dem alten Berliner Stadtkern und neu zusammengeschlossenen Umlandgemeinden. In den vergangenen 100 Jahren entwickelten sie sich zu urbanen Bezirken mit neuen Zuschreibungen und Bezeichnungen. Diese knüpfen teilweise an Traditionen an und bieten Identifikation; sie verzerren und überdecken aber auch soziale Realitäten.
Die Ausstellung im FHXB Friedrichshain-Kreuzberg Museum erkundet Stadt-Räume und deren Zuschreibungen, soziale Realitäten sowie bekanntere und weniger bekannte Geschichten aus den vergangenen 100 Jahren, die den Bezirk bis heute prägen.

Die Jugendgeschichtswerkstatt Spandau forscht seit vielen Jahren im Archiv des „Bundesbeauftragten für die Unterlagen des Staatssicherheitsdienstes der ehemaligen Deutschen Demokratischen Republik“ (BStU) zu den Aktivitäten der Stasi in Spandau. Ein Schwerpunkt war dabei die Überwachung der innerdeutschen Grenze, aber die Stasi war auch in ganz Spandau aktiv. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl der Forschungsergebnisse, die im Rahmen von mehreren Projekten mit Schülerinnen und Schülern des Lily-Braun-Gymnasiums und des Freiherr-vom-Stein-Gymnasiums in den letzten Jahren entstanden sind. Ergänzt wird die Ausstellung durch Modelle einiger Mauerabschnitte in Spandau, die im Jugendmodellbauforum der JGW erarbeitet wurden.

Eine Ausstellung der Jugendgeschichtswerkstatt Spandau

Anlässlich des 100-jährigen Jubiläums der Gründung von Groß-Berlin im Jahr 1920 widmet sich der Fotokünstler Götz Lemberg (*1963 in Frankfurt/ M.) dem Verlauf der Spree als urbanem Rückgrat von Berlin: Von ihrem Eintritt in die City im Bezirk Friedrichshain über die Fluss-Mäander im Stadtzentrum bis hin zur Mündung in die Havel bei der Spandauer Zitadelle. Götz Lemberg entwickelt ein weit gefasstes Panorama, das die Entwicklungen der vergangenen 100 Jahre noch immer nachvollziehbar macht.
Die Ausstellung findet in zwei weiteren kommunalen Galerien Berlins statt: Kunstverein Tiergarten und projektraum Alte Feuerwache

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Das Museumsportal Berlin ist die gemeinsame Internetseite
der Museen, Ausstellungshäuser, Gedenkstätten und Schlösser in der Hauptstadtregion.

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