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MARTHA COOPER: TAKING PICTURES zeichnet mithilfe von Fotografien und persönlichen Gegenständen Coopers Leben nach – angefangen von ihrer ersten Kamera im Jahr 1946 bis hin zu ihrem heutigen Renommee als weltberühmte Fotografin. Die dokumentarische Retrospektive zeigt die facettenreiche Sicht der Fotografin auf eine Welt, in der Kreativität an jeder Ecke zu finden ist. Die Ausstellung beginnt mit Bildern aus Subway Art, Martha Coopers richtungsweisendem Buch (zusammen mit Henry Chalfant,1984), das der weltweiten Urban-Art-Bewegung zum Durchbruch verhalf. Ihre Fotografien dokumentieren die damals noch verborgene Subkultur junger Graffiti-Künstler*innen und ihrer illegalen Kunstwerke auf tausenden Zügen in New York City. Viele ihrer Fotografien sind zu ikonischen Stellvertretern einer Zeit, eines Ortes oder einer Kultur geworden. Zudem zeigt die Ausstellung bisher unveröffentlichte Fotografien, Zeichnungen, Zeitschriften, Artikel, Briefe und Gegenstände – und bietet so einen seltenen Einblick in Coopers Archive. Skizzenhefte, Sticker, Kodak-Filmtaschen und Kinderspielzeug, die Martha Cooper ihr Leben lang eifrig gesammelt hat, werden ebenfalls zu sehen sein. Das Augenmerk gilt zudem ihren ausgiebigen Reisen und ihren Freundschaften mit Künstler*innen aus aller Welt. Der Eintritt ist frei.
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Eingeladene Künstler*innen:
Axel Anklam, Jenny Brockmann, Friederike Feldmann, Tom Früchtl, Ulrike Mohr, Matej Rízek, Gloria Zein. Raphael Beil, Birgit Cauer, Reinhard Haverkamp, Vanessa Henn, Kai Schiemenz, Marina Schreiber, Michael Konstantin “Herr” Wolke
In den vergangenen Jahren wurden nur sehr wenige Kunst-am-Bau Projekte im Bezirk Berlin-Spandau verwirklicht. Zukünftig soll der gesetzliche Auftrag umgesetzt werden, bei allen öffentlichen Baumaßnahmen Kunst-am-Bau Projekte zu realisieren. Dazu hat der Stadtrat für Kultur einen Referenten für Kunst am Bau berufen, der in Zusammenarbeit mit den zuständigen Fachämtern dem Thema Kunst am Bau eine neue Stellung im gesamtbezirklichen Kontext geben wird.
Kunst am Bau hat in Berlin eine lange Tradition: Als künstlerische Aufgabe mit unmittelbar öffentlichem Bezug ist sie ein wichtiger Bestandteil der öffentlichen Bauherrenaufgaben. Kunst am Bau setzt sich mit Ort und Raum, Inhalt und Funktion der Bauaufgabe auseinander. Sie kann einen Bau unterstreichen oder auf ihn reagieren, Akzeptanz und Identifikation fördern, Öffentlichkeit herstellen und Standorten ein zusätzliches Profil verleihen.
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Die Ausstellung not for sale verbindet im Zusammenspiel von Zeichnungen und Fotografien drei Positionen zum Thema „Wasser“. Die realen Bilder und Imaginationen basieren auf unserem menschlichen Wissen: Natur ist nicht unbegrenzt nutzbar, ohne Schaden zu nehmen. Der menschgemachte Klimawandel beweist es längst in seinen vielfältigen Auswirkungen wie zum Beispiel dem ansteigenden Meeresspiegel oder Wassermangel in vielen Teilen der Erde infolge von Erderwärmung.
Antonia Bisig lässt ihre großformatigen Zeichnungen „angezählt“ sensuell erlebbar von der Decke in den Raum schweben, einer scheinbaren Leichtigkeit der Arbeit zum Trotz mit schwerem Inhalt beladen. Ihre eindringliche Botschaft lautet in all ihren hier gezeigten Arbeiten: Wasser ist nicht verhandelbar.
Doris Hinzen-Röhrig widmet sich in ihren Bildanordnungen aus Zeichnungen und kleineren Fotografien dem bedrohten Ökosystem der Weltmeere, mit Fokus auf sterbende Korallenriffe. Ihre Arbeiten changieren zwischen ästhetischer Überhöhung und Hinterfragung.
Silvia Sinhas Fotografien geben den Blick auf Ambivalenz in unserer emotionalen Beziehung zu Wasser frei: Wir fühlen uns von seiner natürlichen Schönheit angesprochen; empfinden es als erfrischend und beruhigend; wir fürchten es und wir brauchen es. Wasser verdient – so oder so – unseren verantwortungsvollen Umgang.
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Aiko Shimotsuma (*1987, Mie in Japan), die in Berlin lebt und arbeitet, erhält das Bernhard-Heiliger-Stipendium in diesem Jahr zuerkannt. Von einer Fachjury –bestehend aus Prof. em. Dr. Robert Kudielka (UdK Berlin), Dr. Uta Kuhl (Stiftung Schleswig-Holsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf), Christiane Meixner (Tagesspiegel, Feuilleton) und Dr. Sabine Ziegenrücker (Bernhard-Heiliger-Stiftung) – wurde die Meisterschülerin der Kunsthochschule Weissensee für ihre skulpturalen Installationen aus 30 Bewerbungen ausgewählt. Die Jury hebt in ihrer Begründung hervor, dass Shimotsuma sich in ihren ephemeren Arbeiten mit überzeugenden künstlerischen Mitteln anden Grenzen des Plastischen bewegt –eine Frage, die auch Bernhard Heiligers Werk im Laufe seiner Entwicklung prägte.
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Mit: aLifveForms (cared for by J.P. Raether), Jimmy DeSana, Sophia Eisenhut/ Christian Kölbl, Till Gathmann, Oliver Husain/ Kerstin Schroedinger, Jeroen Jacobs, KAYA, Richard Kern/ Lydia Lunch, Jutta Koether, Andreas Langfeld, Deana Lawson, Lee Lozano, N.O. Madski, Sidsel Meineche Hansen, Henrik Olesen, Ovartaci, Vika Prokopaviciute, Eran Schaerf, Alina Szapocznikow, Paul Thek, Wu Tsang, Clemens von Wedemeyer, Marianne Wex, Andrea Winkler u.a.
Die Ausstellung widmet sich in drei aufeinander folgenden ›Szenen‹ neuen Formen von Sensibilität und Fleischlichkeit in den Künsten. Das thematische Spektrum reicht von Auseinandersetzungen mit Schmerz, Sucht und Erregung (1. Szene) über die Idee eines neuen digitalen Fleisches (2. Szene) bis hin zu Fragen nach der gesellschaftlichen Formierung einer nicht mehr subjektzentrierten Empfindsamkeit (3. Szene).
Ausgangspunkt für die Ausstellung ist Paul B. Preciados biopolitische These, die Machtform der heutigen Gesellschaft sei ›pharmakopornografisch‹: Die Weise, in der man gegenwärtig subjektiviert wird, verlaufe zum einen über Pharmazeutika – gemeint sind Medikamente, Hormone, Aufputschmittel, Tranquilizer und Drogen. Zum anderen funktioniere die heutige Machtform über Erregung, wobei nicht nur die Pornoindustrie gemeint ist, sondern auch andere gesellschaftliche Mechanismen, die der masturbatorischen Logik: ›Erregung – Frustration – Erregung‹ gehorchen. Adressat dieser Regulierungen ist das sensible Fleisch in seiner nervlichen Ausgesetztheit, Passibilität und Verwundbarkeit.
Die gezeigten künstlerischen Arbeiten exponieren die Zusammenhänge von Macht, Krankheit, Sex, exzessiver Empfindsamkeit und Kunst. Sie lenken die Aufmerksamkeit auf das Unwillkürliche wie Hinfällige und hinterfragen Politiken der Affizierung. Neben Werken aus den 1960er und 1980er Jahren werden vor allem zeitgenössische Positionen gezeigt, die dasjenige thematisieren, was in Kunst und Leben nicht Gegenstand der Wahl und nicht im Möglichkeitsspielraum des Einzelnen vorgezeichnet ist. Schwäche, Altern, Erschöpfung oder Sterblichkeit, aber auch Geburt, Verletz- und Erregbarkeit sind Phänomene radikaler Passivität, die in ihrer künstlerischen Brechung als Kritik an einer vermeintlichen Regierbarkeit des fleischlichen Seins zu verstehen sind.
Szene 1 »Ästhetiken der Affizierung: Schmerz und Erregung« ab 11. Sept. 2020
Szene 2 »Digitale Fleischlichkeit: Mensch-Maschine-Sex« ab 2. Okt. 2020
Szene 3 »Politiken des Fleisches: Formierungen des Körpers« ab 16. Okt. 2020
Ein Teil der Ausstellung wandert in die HGB-Galerie Leipzig.
Ein Kooperationsprojekt der neuen Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) und der Gesellschaft für künstlerische Forschung in Deutschland (gkfd)
Kuratorisches Team: Kathrin Busch und Ilse Lafer
Kuratorische Mitarbeit: Jonas von Lenthe
Finanziert aus Joint Venture Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
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Bárbara Wagner und Benjamin de Burca arbeiten vor allem in den Bereichen Film und Fotografie. Ihre Werke weisen dokumentarische wie auch fiktionale Züge auf. Insbesondere populäre Musik-Genres und deren identitätsstiftende Rolle für unterschiedliche Gruppierungen sowie deren Selbstdarstellung sind integrale Bestandteile der Recherche des Künstler*innen-Duos. Durch Rhythmus, Songtexte und Tanz verhandeln die Filme von Wagner und de Burca Aspekte wie Sichtbarkeit, Vorurteile und scheinbar marginale kulturelle Phänomene, die im Leben der porträtierten Menschen aber von großer Bedeutung sind.
Swinguerra, 2019, 21:00 Min.
Der Film „Swinguerra“ wurde in Zusammenarbeit mit Tanzgruppen aus den Außenbezirken von Recife entwickelt, abseits der wirtschaftlichen und politischen Macht des Nordostens Brasiliens. Eine vielfältige lokale Popmusikszene — die von einer Tradition festlicher und religiöser afrikanischer Rituale bis hin zur Einbeziehung amerikanischer Pop-Einflüsse reicht — wird hier anhand von drei Musik- und Tanzrichtungen beispielhaft präsentiert: Swingueira, Brega funk und Passinho do maloka.
In der traditionellen „Swingueira“ trainieren unabhängige Tanzgruppen, die aus bis zu 50 Jugendlichen bestehen, auf Sportplätzen eifrig darauf hin, bei jährlichen Wettbewerben gegeneinander anzutreten. Entstehend aus dem Bedürfnis nach sozialer Integration, erschaffen diese Wettbewerbe Erfahrungen von Zugehörigkeit. „Brega funk“ stammt von „Swingueira“ ab. Die Tänzer*innen treten im Unterschied aber kommerziell auf Bühnen in Nachtclubs und bei Konzerten mit einem MC auf. In der „Passinho do Maloka“ kreieren Jugendliche Choreographien zum Spaß und für soziale Medien.
Inmitten allgegenwärtiger politischer und gesellschaftlicher Kämpfe um soziale Gerechtigkeit und Wiedergutmachung mit der Vergangenheit ist der Film eine empathische Beobachtung lokaler — aber nicht einzelner — Konflikte. Die im Video repräsentierten Schwarzen Männer, Frauen und Transgender Künstler*innen nutzen den Tanz als ein Mittel zum Widerstand. In einem Land mit der weltweit höchsten Mordrate an Transvestiten, Transgender und Homosexuellen haben die Protagonist*innen die Chance, vor der Kamera und beim Tanzen sie selbst zu sein. „Swinguerra“ ist ein Fest der Vielfalt und ein Spiel aus zwei Worten: „Swingueira“, die Tanzrichtung, und aus dem portugiesischen „guerra“ für Krieg oder Kampf.
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Schwule, Lesben, Trans* und bisexuelle Menschen in der DDR organisierten sich verstärkt ab Anfang der 1980er Jahre. Sie forderten eigene Räume, kämpften für Anerkennung und Teilhabe und setzten sich für ihre Rechte ein. Dabei war gerade die Szene in Ost-Berlin vielfältig: mal feierten Schwule, Lesben, Trans* und Bisexuelle gemeinsam, mal getrennt; es gab Wandergruppen genauso wie Künstler*innenkollektive. Auch die politischen Positionen zur DDR und später zu den politischen Veränderungen ab 1989/90 gingen stark auseinander. Die Menschen trafen sich in oppositionellen Kirchengemeinden, vereinzelten Clubhäusern und sie willkommen heißenden Kneipen – oder, in Ermangelung solcher Freiräume, in ihren Wohnzimmern. In den 1990ern verschwanden die meisten dieser Orte und oft auch die Gruppen, die sie erkämpft hatten. Die Ausstellung „Ost-Berlins Coming Out“ macht sie erneut sichtbar. Sie zeigt DDR-Geschichte einmal anders: es geht um Lesben und Schwule in der Kirche, transsexuelle Gesprächskreise, Bart-Gruppen und vieles mehr.
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Spätestens seit die Fotografin Nan Goldin in den 1980er Jahren begann, mit schonungsloser Nähe ihr eigenes Leben zu dokumentieren, gehört Intimität zu den zentralen Anliegen queerer Kunst. Mit ihr zeigt sich das Verhältnis von Öffentlichem und Privatem auf besondere Weise. Ist das Öffentlichmachen von Intimität für queere Minderheiten zwar riskant, haben sich hier auch stets neue Formen von Intimität herausgebildet, vor allem auch in Berlin – vom gemeinsamen Feiern über Darkroom-Sex zu polyamourösen Beziehungen. Gerahmt werden diese Lebensformen von medialen und pharmakologischen Entwicklungen. Die Digitalisierung hat hier Spuren hinterlassen wie die Medizingeschichte von HIV/AIDS bis zu Covid 19. Die Ausstellung Intimacy zeigt zu diesen Themen ca. 30 Positionen der queeren Gegenwartskunst: von Fotografien über Malerei und Skulpturen zu Videoinstallationen und Filmen. U.a. mit AA Bronson, Abel Burger, Elijah Burgher, Simon Fujiwara, Nan Goldin, Florian Hetz, Donna Huanca, Victor Luque, Michaela Melián, Slava Mogutin, Spyros Rennt, Paul Sepuya und Tejal Schah.
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Für die Ortsteile des heutigen Bezirks Marzahn-Hellersdorf war der Weg nach Groß-Berlin durchaus kompliziert und umstritten. Die Gemeinde Mahlsdorf beispielsweise sollte anders als Biesdorf, Hellersdorf, Kaulsdorf und Marzahn zunächst gar nicht einbezogen werden, da sie etwas mehr als 15 km vom Berliner Stadtzentrum entfernt lag. Letztlich setzten sich aber die Befürworter innerhalb und außerhalb des Ortes durch. Eines aber blieb - die Stadtrandlage des gesamten Territoriums. Den roten Faden der Ausstellung bildet daher die Frage: Wie veränderten die „100 Jahre in der großen Stadt“ die ehemals vorstädtischen bzw. ländlichen Orte?
Ausgehend von den Bedingungen und dem Verlauf der Eingemeindung der bis dahin zum Kreis Niederbarnim gehörenden Gemeinden umreißt die Ausstellung die wechselvolle Beziehungsgeschichte zwischen Marzahn-Hellersdorf und Berlin in historischen und aktuellen Beispielen - von A wie Alice-Salomon-Hochschule bis Z wie Zwangsarbeit.
Der Eröffnungstag am 16.8.2020 von 11 bis 17 Uhr wird unter Beachtung der Hygiene- und Abstandsregeln infolge der Corona-Pandemie stattfinden. Eventuell ist mit Wartezeiten zu rechnen.
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Eine Ausstellung von Caroline Adler & Eylem Sengezer im Kunstraum Kreuzberg/Bethanien.
Ein Ausstellungsprojekt mit Arbeiten von: Akbar Behkalam, Nathalie Anguezomo Mba Bikoro & Anaïs Héraud-Louisadat, Filipa César, Alice Creischer & Andreas Siekmann, Harun Farocki, Micz Flor & Merle Kröger & Philip Scheffner, Emily Hass, Juliane Henrich, Kämpfende Hütten, Aykan Safo?lu, Anri Sala, Hadas Tapouchi, Nasan Tur, P?nar Ö?renci, Ultra-red, Bárbara Wagner & Benjamin de Búrca
Der Kunstraum Kreuzberg präsentiert mit Poröse Stadt — Grenzgänge des Urbanen eine Ausstellung, deren unterschiedliche künstlerische und aktivistische Positionen den Stadtraum Berlin als Wohn-, Lebens- und Erfahrungsraum verhandeln und marginalisierte Räume mit ihren Erzählungen, Widersprüchen und Überlagerungen sichtbar machen.
Poröse Stadt eröffnet einen Blick auf das Bewohnen von Stadt als poröses und prekäres Beziehungsgeflecht, das immer wieder neu verhandelt werden muss. Die Ausstellung versucht, die (unsichtbaren) Grenzziehungen und Machtverhältnisse im städtischen Raum, aber auch die kreativen Möglichkeiten ihrer Umdeutung und Aneignung sichtbar zu machen. Gerade durch die Einblendung dieser Machtverhältnisse innerhalb städtischer Verwertungsprozesse wird die Verwicklung und Verdichtung unterschiedlicher Regime der Marginalisierung für bestimmte Körper und Erinnerungen in denselben Räumen einer Stadt deutlich. Die Auseinandersetzung mit der Stadt wird somit zu einer Auseinandersetzung mit der gelebten Erfahrung im Stadtraum, den sozialen Formen, die bestimmte Architekturen (v)er(un)möglichen, als auch der ‘wohnenden Gesellschaft’ als sozialer Architektur selbst.
Gefördert aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa: Fonds für Kommunale Galerien und dem Fonds für Ausstellungsvergütungen für Bildende Künstlerinnen und Künstler.
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In der Ausstellung „Orange over White“ des Künstlers Daniel Sambo-Richter nimmt ein acht Meter großes Bild die zentrale Wand des Ausstellungsraumes ein. Mit diesem Bild ist die Grundidee der Ausstellung formuliert. Das die gesamte Wandbreite überspannende Werk stellt eine riesige Eiswand dar, die dem Betrachter jeden Ausblick verwehrt. Das Bild ist in seiner Gänze nicht zu erfassen. Der Abstand zum Bild erlaubt dem Betrachter das Bild als einen Landschaftsausschnitt zu
erkennen, der sich aber bei nahem Herantreten zu einer reinen abstrakten Fläche auflöst. Über die Darstellung einer Eislandschaft hinaus geht es um reine Malerei.
Farbe, Rhythmus, Form. Der Betrachter soll sich in dem Bild vollkommen verlieren. Auf der inhaltlichen Ebene ist dieser mit einer Ruinenlandschaft konfrontiert, die den Zerfall eines ursprünglich in sich geschlossenen Systems zeigt.
Darum geht es in der Ausstellung: Um die Welt als Ruine. Zerbrechen, Zerfall, Auflösung.
Eine auf Papier gearbeitete Serie führt dieses Thema fort. Sie zeigt auf schwarz und weiß reduzierte Ausschnitte von Vulkaneruptionen, Bränden und Lavaströmen, düster
und unheilvoll, dennoch voller Kraft und energiereich. Verdichtung und Potenzial für Neues. Die Zeichnungen dieser Serie, obwohl sie in einem Spektrum von schwarzen und grauen Farben gehalten sind, thematisieren das Gegenteil von Eis: Feuer.
In der Ausstellung finden sich auch ältere Arbeiten, die in intensiven Gelb-, Orange- und Rottönen Feuersbrünste darstellen. Brennende Wälder, brennende Häuser. Einige Arbeiten in der Ausstellung erweitern den Gesamtkontext hin zu einem
irrationalen Moment, der unter der dystopisch und unheilvollen Szenerie, ein eigentliches mystisch/magisches Geschehen erkennen lassen.
Gefördert durch die DKB AG
Die soziale Not großer Teile der Bevölkerung durch die Folgen des Ersten Weltkrieges und der Inflation traf besonders Kinder und Jugendliche. Viele blieben ohne Ausbildung und Beschäftigung. Unter Leitung von Walter Friedländer setzten engagierte Mitarbeitende des neu gegründeten Jugendamtes Prenzlauer Berg zahlreiche Reformen für die Jugend um. Ihre Arbeit von überregionaler Strahlkraft ist heute weitgehend unbekannt. Die Ausstellung stellt die zentralen Akteure erstmalig in den Mittelpunkt. Exkurse zu den historischen Zäsuren 1933,1945 und 1990 ergänzen die Perspektive der Kinder- und Jugendhilfe bis in die Gegenwart.
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Der Maler K. H. Hödicke (*1938 Nürnberg) zählt zu Beginn der 1960er-Jahre zu den Wortführern einer kleinen Gruppe ungestümer jugendlicher Querdenker, die die Malerei revolutionieren wollen. Kaum dass die deutsche Nachkriegsmoderne wieder Anschluss an internationale künstlerische Tendenzen der Abstraktion gefunden hat, begehren sie gegen diese neuerliche Doktrin auf und halten mit einer Renaissance der für obsolet erklärten figurativen Malerei dagegen. Die retrospektiv angelegte Ausstellung K. H. Hödicke, die nach ihrer Premiere in der Staatlichen Graphischen Sammlung München nun in Berlin zu sehen ist, gibt einen Einblick in ein nahezu unerschöpfliches künstlerisches Werk und demonstriert in der Zusammenschau von Zeichnung, Gemälde und Skulptur, dass K. H. Hödicke heute zweifellos zu den Klassikern gehört, sein Jahrzehnte übergreifender Werklauf aber hat seine Frische und Aktualität bewahrt.
Eine kleine Auswahl.
Braun-Produktion 1950-2000
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Das Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung bekommt einen Neubau. Im „Talkshop Museum“ verhandeln wir Fragen, die uns auf dem Weg zum neuen Museum beschäftigen – mit Gästen und Publikum, live im temporary bauhaus-archiv und zum Nachhören vor Ort und im Netz. Wie erreicht man Menschen, die bisher nicht ins Museum kommen? Sollten Museen sich einen jugendlichen Beirat holen? Wie stellt man inklusiv aus? Und wie gestaltet man Ausstellungen nachhaltig?
Zu sechs Themen und Terminen laden wir Gäste aus der Museumspraxis, aus den Bereichen Bildung, Kunst und Design ins temporary bauhaus-archiv ein, die von ihrer Arbeit berichten und mit uns diskutieren. Audio-Aufzeichnungen der jeweiligen Talkshops werden online sowie im temporary längerfristig zur Verfügung stehen. Das Architekturlabor REFUNC gestaltet die Möbel für die Talks und Hör-Lounges aus Restmaterialien. Nach Ende der Veranstaltungsreihe können alle Objekte vom Publikum abgeholt werden und neue Verwendungen finden.
Anmeldung möglich ab 17. August 2020
Projektleitung:
Tullia Tarsia in Curia, Bauhaus Agentin am Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung
Moderation:
Ivy Nortey, freie Journalistin (u.a. Deutschlandradio, rbb Kultur, taz)
Elke Buhr, Chefredakteurin Monopol – Magazin für Kunst und Leben
In Kooperation mit Monopol – Magazin für Kunst und Leben
Die Ausstellung „Postscriptum – ‚Ostarbeiter´ im Deutschen Reich“ der Gesellschaft Memorial erinnert an die sowjetischen Frauen, Männer und Kinder, die während des Zweiten Weltkrieges Zwangsarbeit für das NS-Regime leisten mussten.
Sie wurde im Rahmen eines Bildungsprojekts mit Moskauer Schüler*innen und Studierenden erarbeitet und von der Stiftung „Erinnerung, Verantwortung und Zukunft“ gefördert.
Die Ausstellung ist erstmals in Deutschland zu sehen. Sie befindet sich im Außengelände des Museums und kann
außerhalb der Öffnungszeiten besichtigt werden.
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Bunny Rogers? künstlerische Praxis ist geprägt von persönlichen Erfahrungen und Erinnerungen. In ihren Arbeiten thematisiert die US-amerikanische Künstlerin Empfindsamkeit und Verletzlichkeit, Freundschaft und Außenseitertum und spielt mit Identitätsvorstellungen. Oft inspirieren sie Charaktere aus Fernsehserien, Videospielen und dem Internet.
So adaptiert Rogers die Figur Joan of Arc aus der Kult-Zeichentrickserie Clone High, in der eine Schule von Klonen historischer Persönlichkeiten bevölkert wird. In 15 Prints ihrer Installation "Self Portrait as clone of Jeanne d?Arc" (2019) wandelt sie sich zu Joan of Arcs Alter Ego in unterschiedlichen Situationen voller persönlicher wie popkultureller Referenzen. In diesem Spiel mit Maskeraden reflektiert Rogers die Vielschichtigkeit jugendlicher Weiblichkeit, mit ihr verbundener Angst, Intensität und Narzissmus, und verwandelt den Raum in eine intime Stimmungsbühne.
Der Hamburger Bahnhof ? Museum für Gegenwart ? Berlin freut sich über die Schenkung dieses zentralen Werks von Bunny Rogers durch private Förder*innen als Dank an den im Herbst 2020 scheidenden Direktor der Nationalgalerie Udo Kittelmann.
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Was vereint eine Sänfte und einen sogenannten ?Lotosschuh? mit Gemälden und Druckgraphiken, die Szenen der Arbeit und Jagd, des Spiels und Sports darstellen? Sie alle erzählen von den Möglichkeiten und Zwängen der abgebildeten Personen bzw. der Besitzer*innen des Objektes den eigenen Körper zu bewegen und zeugen von deren Status. Die Ausstellung ?STATUS MACHT BEWEGUNG. Lust und Last körperlicher Aktivität? beleuchtet das Potenzial der Bewegung als Mittel der Statusrepräsentation über verschiedene kulturelle, zeitliche und geografische Räume hinweg.
Die fünf Ausstellungskapitel untersuchen, wie sich zum einen Status und Macht und zum anderen Notwendigkeit und Pflicht durch bestimmte Bewegungsformen ausdrücken können:
In der ersten Sektion steht zunächst Bewegung, die der Existenzsicherung dient, im Fokus. Die Exponate ? vom Lederschuh bis zur Fliese, von Amphoren bis zur Druckgraphik ? erzählen von arbeitenden Menschen und den Mühen des Nahrungserwerbs.
Daran anknüpfend wird veranschaulicht, dass sich die Jagd von einer ursprünglich der Existenzsicherung dienenden Bewegung hin zu einem Statussymbol gewandelt hat und in vielen Kulturen mit großem Prestige und Privilegien verbunden war.
Über Jahrtausende hinweg war die Überwindung von Distanzen bestimmt durch das, was tierische und menschliche Körper physisch leisten konnten. Bis in die Gegenwart ist es wichtig, sich nicht nur komfortabel, sondern auch dem eigenen Status angemessen fortzubewegen, wie die Markenturnschuhe oder die prunkvolle Sänfte, die in der Ausstellung gezeigt werden, bezeugen können.
Die Abwesenheit von zielorientierter, zweckgebundener Bewegung wird in der vierten Sektion beleuchtet. Die Exponate ? u. a. Fotografien mit Freizeitmotiven, Trinkgefäße, Brettspiele aus Babylon und ein Game Boy Classic ? geben Aufschluss darüber, wie bestimmte Bewegungsarten im Kontext von freier Zeit und Muße, aber auch die demonstrative Nicht-Bewegung den sozialen Status repräsentieren können.
Abschließend gilt es, eine gezielte Beeinflussung des menschlichen Körpers durch Bewegung oder ihre gezielte Einschränkung in den Blick zu nehmen. Die Kultivierung des Körpers durch z. B. Sport, die in zahlreichen Kulturen ursprünglich Teil der aristokratischen Erziehung war, spiegelt sich oftmals in der Herausbildung markanter Körperformen wider, die physische Überlegenheit und Leistungsfähigkeit signalisieren. Im Gegensatz dazu schränkt etwa der Gebrauch eines Korsetts die Möglichkeiten des Körpers stark ein und kann seine Integrität teilweise unumkehrbar verletzen.
Die Ausstellung ist ein gemeinschaftliches Projekt von Nachwuchswissenschaftler*innen der Staatlichen Museen zu Berlin sowie des Musikinstrumenten-Museums des Staatlichen Instituts für Musikforschung. Sie vereint Objekte aus den vielfältigen Beständen der verschiedenen Häuser. Die sammlungsübergreifende Schau ermöglicht neuartige Interpretationen und Sichtweisen auf die ausgestellten Exponate, wodurch die Besucher*innen angeregt werden, gängige Vorstellungen von Bewegung neu zu befragen.
Durch die Corona-Pandemie gewinnt Bewegung zusätzlich an Aktualität: Die Möglichkeiten, sich zu bewegen, sind für Menschen weltweit stark eingeschränkt. Die Art und Weise, wie wir uns bewegen, wie wir zur Arbeit gehen, wie wir reisen oder wie wir unsere Freizeit gestalten, hat sich grundlegend verändert. Was noch vor wenigen Monaten selbstverständlich war, gilt derzeit nur noch bedingt. Als Ein- und Rückblick auf die Entwicklung von Bewegungsformen im Laufe der Zeit und der Kulturen bietet die Ausstellung einen Denkraum, um über Bewegung als ein Privileg oder eine Last zu reflektieren.
Zur Ausstellung ist die Publikation ?STATUS MACHT BEWEGUNG. Lust und Last körperlicher Aktivität? (herausgegeben von Frederik Grosser, Teresa Laudert, Silvia Massa und Philipp Zobel, 104 Seiten, ca. 50 Abbildungen) erschienen. Anhand von 16 von den Volontär*innen verfassten Essays sowie einem vollständigen Objektverzeichnis wird das Ausstellungsprojekt dokumentiert und bietet so einen interdisziplinären, sammlungsübergreifenden Ausblick auf das Verhältnis von Status, Macht und Bewegung.
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IIn seinem fotografischen Projekt „Haut, Stein“ thematisiert Jakob Ganslmeier den Ausstieg ehemaliger Neonazis sowie den Umgang mit historischen NS-Symbolen in der Architektur des öffentlichen Raums. Dabei geht es um Einschreibungen von Zeichen: Bei den Tätowierungen um Einschreibungen in die Haut, bei den baulichen NS-Symbolen um Fixierungen im Gebäude. Farbfotografien dokumentieren den Ausstieg ehemaliger Neonazis. Individuelle Portraits stellen den Prozess des Ausstiegs dar, indem sie die langwierige Entfernung von rechtsextremen Tattoos und damit die Entwicklung des Ausstiegs ehemaliger Neonazis aufzeigen. Schwarzweißfotografien zeigen historische NS-Symbole in der Architektur unseres öffentlichen Raums, die trotz der Entnazifizierung entweder belassen wurden oder trotz Übermalungen und anderer Verfremdungen immer noch erkennbar sind. Sie bilden die NS-Symbole im Einzelnen, an Häusern, Schmuckbändern, Fassaden, und in ihrem räumlichen Zusammenhang, im Dorf, an Straßen, in Siedlungen,ab.
Die Ausstellung stellt individuelle Geschichten in einen gesellschaftlich-politischen Zusammenhang. Aus der Zusammensetzung von einerseits den Werdegängen, Geschichten und Portraits der Aussteiger*innen und andererseits den Architektur-Fotografien entsteht eine Analyse, die den Umgang mit Zeichen und Praktiken aus dem Nationalsozialismus von damals bis heute reflektiert. Oftmals wird die deutsche Vergangenheit wie ein abgeschlossenes Kapitel behandelt; „Haut, Stein“ stellt diesen Umgang mit der Geschichte in Frage.
Mit Kommunikationsmittlung in deutschen Gebärden.
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Ein Nilpferd gegen eine Schlange gesetzt, ein Affe auf Filz, Naturformen, die zu japanischen Schriftzeichen werden, Linien, Reflexionen, Spiegelkästen, die das Leben in mechanischen Bahnen symbolisieren; Fotografien, die Abgründe eröffnen. In der Sonderausstellung dominieren die Farben Schwarz + Weiß und erzeugen eine Atmosphäre der Einkehr und Besinnung.
Die acht ausstellenden Künstlerinnen des Vereins der Berliner Künstlerinnen 1867 repräsentieren einen Querschnitt der 54 aktuellen Mitglieder dieses Traditionsvereins, dem Käthe Kollwitz einst selbst angehörte. Der Verein spielte auch im Leben von Käthe Kollwitz eine wesentliche Rolle und ermöglichte ihr in seiner 1868 gegründeten Zeichen- und Malschule eine professionelle Ausbildung. In der Sonderausstellung „Schwarz + Weiß“ sind Alt und Jung vertreten, aus Berlin stammende Künstlerinnen wie auch aus dem In- und Ausland zugezogene. Der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867 ist Motor, Netzwerk und Schaufenster für kunstschaffende Frauen. Viele bekannte Künstlerinnen der Moderne standen mit dem Berufsverband als Mitglieder, Schülerinnen, Lehrerinnen oder Teilnehmerinnen an den Vereinsausstellungen in enger Verbindung. „Da der Verein der Berliner Künstlerinnen 1867, obwohl er zu den ältesten Kulturinstitutionen Berlins gehört, keinen festen Ausstellungsort hat, sind wir sehr dankbar, dass wir bereits zum zweiten Mal im Käthe-Kollwitz-Museum zu Gast sind,“ sagt Ute Gräfin von Hardenberg, 1. Vorsitzende des Vereins.
Die monochrome Arbeitsweise hat eine lange Tradition und fand im Werk von Kollwitz eine nie zuvor dagewesene Ausschließlichkeit. Waren es bei Kollwitz hauptsächlich schwarze Linien und Flächen auf weißem Papier, loten die zeitgenössischen Künstlerinnen die Möglichkeiten des Umgangs mit den Nichtfarben Schwarz und Weiß sowie allen dazwischenliegenden Grautönen in verschiedenen Techniken aus und wie bei einem Orchesterstück ergibt sich ein harmonischer und zugleich eindringlicher Gesamtklang. Vertreten sind Kohlezeichnungen, Collagen, Fotografien, Skulpturen, Installationen sowie Spiegelkästen. Dr. Anna Havemann, Kuratorin der Ausstellung verspricht, „die Abstinenz der Farbe wird die Betrachtenden herausfordern, über ihre Wahrnehmungsmuster in unserer Welt der Farbenflut zu reflektieren.“
Dr. Josephine Gabler (Direktorin Käthe-Kollwitz-Museum Berlin):
„Wir freuen uns sehr, den VdBK 1867 erneut im Käthe-Kollwitz-Museum zu Gast zu haben. Es wird nach dem Corona-Ausbruch die einzige Sonderausstellung des Museums im Jahr 2020 sein. Alle anderen auswärtigen Präsentationen wurden abgesagt oder verschoben. Es ist dem Kollwitz-Museum aber gerade in dieser schwierigen Zeit ein besonderes Anliegen, Künstlerinnen eine Öffentlichkeit zu bieten. Als weitere Unterstützung können während dieser Ausstellung im Museum erstmalig Werke der Mitglieder des VdBK 1867 von den Besucher*innen auch käuflich erworben werden. Wir hoffen sehr, dass von diesem einmaligen Angebot reger Gebrauch gemacht wird.“
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Die Ausstellung zeigt künstlerische Perspektiven auf die Geschichte und Gegenwart Berlins. Zehn hier lebende deutsche und internationale Künstlerinnen und Künstler nahmen dafür Entwicklungen und Debatten der Stadt in den Blick und erarbeiteten jeweils ein neues, großformatiges Bild.
Im Hauptschiff der Nikolaikirche fügen sich diese individuellen Kunstwerke zu einem Bildfries zusammen, der auf vielfältige Weise die Entwicklung Berlins seit 1987 reflektiert. In jenem Jahr, dem 750. Stadtjubiläum, vollendete der Bildhauer Gerhard Thieme seinen Betonfries für das Nikolaiviertel im Osten der geteilten Stadt. Im Mittelpunkt steht der jahrhundertelange Kampf der Volksmassen um Selbstbestimmung, die erst im Sozialismus erreicht wird.
Die Art, in der Thieme die Geschichte Berlins interpretiert, unterscheidet sich deutlich von der ebenfalls stadtgeschichtlichen Erzählung in dem um 1870 entstandenen Terrakottafries am Roten Rathaus. Dort sind es fleißige, begabte Männer, die die Stadt im Sumpf errichten und zu Größe und Erfolge führen. Features knüpft mit den Mitteln der Malerei an diese historischen Friese zur Stadtgeschichte an.
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Lichtenberg wurde 1920 als eine von acht Stadtgemeinden Teil der Metropole Groß-Berlin. Der 17. Bezirk zählte nun 182.870 Einwohner und besaß mit fast 79 km2 die größte flächenmäßige Ausdehnung seiner Geschichte. Biesdorf,
Mahlsdorf, Kaulsdorf, Marzahn und Hellersdorf gehörten bis 1979 ebenso zum Bezirk, wie große Teile von Friedrichsberg, Boxhagen und Rummelsburg, die
1938 ausgegliedert wurden. Mit grafischen und anderen Bildwerken gehen 33 Künstlerinnen und Künstler des Graphik-Collegiums Berlin e.V. in diesen ehemaligen und den heutigen Ortsteilen Lichtenbergs den Spuren der Geschichte nach. Der in Lichtenberg entstandene und hier auch ansässige Verein kann in diesem Jahr gleichfalls ein Jubiläum begehen – das seines 5-jährigen Bestehens.
Durch die Kontaktbeschränkungen muss leider auf eine Eröffnung verzichtet werden. Die Ausstellung ist ab Freitag, den 04.09.2020 im Rahmen der 13. Lichtenberger Langen Nacht der Bilder geöffnet. Bitte beachten sie die Hygienevorschriften vor Ort.
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Wenn in den USA antirassistische Protestbewegungen Columbus-Statuen zu Fall bringen und nunmehr auch in Europa längst überfällige Auseinandersetzungen um das Erbe des Kolonialismus geführt werden, steht nicht weniger als der Blick auf die gesamte Neuzeit und Moderne auf dem Prüfstand. Errata verknüpft eine Reihe von zeitgenössischen Positionen, die die kolonialen Strukturen der Gegenwart unterlaufen und Formen der Erinnerungen zum Vorschein bringen, die sich von imperialem Gedankengut bewusst absetzen.
Der Titel Errata ist einer archivalischen Intervention der Theoretikerin und Filmemacherin Ariella Azoulay entliehen, die die Gewalt durch imperiale Grenzziehungen und das Verhältnis der Wissensordnungen euro-amerikanischer Museen zur Geschichte des Imperialismus und der Migration thematisiert.
Die Filmarbeit Never Settle von New Red Order (NRO) präsentiert sich als Rekrutierungskampagne für eine öffentliche Geheimgesellschaft, die Bemühungen um Solidarität und das Verlangen nach indigenen Epistemologien auf satirische und doch ernsthafte Weise hinterfragt. Das Video Culture Capture: Crimes Against Reality von NRO verwandelt mittels ritualisierter, fotogrammetrischer Erfassung und virtueller Manipulation Denkmäler in metastasierendes Fleisch und schafft Raum für indigene Zukünfte. Pauline Curnier Jardin zeigt Studien zu einer Arbeit über Macht- und Geschlechterverhältnisse in heidnischen wie auch katholischen Ritualen und Prozessionen. Ein audiovisueller Essay u. a. mit Ryan Smith, Erhard Schüttpelz und Anselm Franke befasst sich mit rituellen Widerstands- und Regenerationstechniken jenes „unzerstörbaren Heidentums“, das Aby Warburg, ausgehend von seiner Reise in die USA 1895/96, zum Maßstab der gesamten Kulturgeschichte – einschließlich der europäischen Moderne – zu erheben suchte.
Im Rahmen von Das Neue Alphabet
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Der Grafiker und Maler KP (= Klaus Peter) Brehmer wurde in den 1960er-Jahren durch seine Auseinandersetzungen mit Bildern aus Werbung oder Illustrierten sowie für seine präzisen politischen Diagramme bekannt. Gemeinsam mit Konrad Lueg, Sigmar Polke, Gerhard Richter, K.H. Hödicke und Wolf Vostell stellte er 1964 unter dem Namen „Kapitalistischer Realismus“ in der Galerie René Block in Berlin aus. Brehmer selbst bezeichnete seine politische Kunst als „Trivialgrafik“ oder auch „Sichtagitation“. Vor allem mit seinen Montagen von Druckvorlagen für Zeitschriften, sogenannten Fotoklischees, hat Brehmer eine spezielle Version deutscher Pop Art geschaffen. Als Reprotechniker ausgebildet, studierte er 1959–61 an der Werkkunstschule Krefeld und 1961–63 an der Kunstakademie Düsseldorf. Zweieinhalb Jahrzehnte (1971–97) war KP Brehmer Professor an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. In jüngster Zeit haben Einzelausstellungen in Berlin und London sowie die Retrospektive von 2019/20 mit mehreren Stationen (Nürnberg, Hamburg, Den Haag und Istanbul) das Gesamtwerk Brehmers gewürdigt und in die Diskussion um politische Kunst heute eingebracht.
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106. KMB-Ausstellung
Geschenke an das KMB und Neuerwerbungen.
Coronabedingt startete das Keramikmuseum am 12. Juni - ohne Vernissage - seine
106. Sonderausstellung.
Eine exquisite Auswahl von 90 Gefäßen und Objekten, die dem Museum geschenkt
oder aus Spendenmitteln erworben wurden, können bis 24. Mai 2021 im denkmalgeschützten Teil (300 Jahre altes Bürgerhaus) des vom KMB genutzten
Anwesen bewundert werden.
Das Gros der Schenkungen stammt aus drei Quellen:
Von dem KMB-Vereinsmitglied Frau Elisabeth Sontag, das schon über viele Jahre hinweg regelmäßig dem Museum zahlreiche Stücke aus ihrer eigenen großen Sammlung hat zukommen lassen und mitunter auch gezielt Ankäufe für das KMB tätigt.
Frau Gabriele Rauschning (1935-2018) hinterließ dem Förderverein KMB ihre feine Keramiksammlung als testamentarisches Vermächtnis, darunter auch interessante Arbeiten der Hamburg-Volksdorfer Keramikerin Monika Maetzel (1917-2010), von denen wir alleine
17 Stücke vorstellen (darunter auch die lebensgroße Katze auf unserem Plakat).
Von Herrn Heinrich Bülhoff/Berlin erhielt das Museum zum wiederholten Male wertvolle Unikate zeitgenössischer Keramik-Künstler geschenkt, die er in den 1980er und 1990er Jahren erworben hatte und nun als willkommene Bereicherung und Ergänzung der KMB-Sammlung dienen.
Alle Exponate wie auch deren Präsentation in den Vitrinen sind auf der Facebook-Seite
des KMB in einem Album zur Ausstellung zusammengefasst.
https://www.facebook.com/pg/keramikmuseum.berlin/photos/?tab=album&album_id=2576240962594272
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„Die Kunstwerke wandern. Das war und ist ihr Schicksal, und niemals wird es sich ändern.“ Mit dieser grundlegenden Feststellung führte schon 1925 der Berliner Kunstkritiker Adolph Donath (1876 – 1937) in eine Beschreibung der Provenienzforschung ein.
Die Dimensionen dieses Forschungsfeldes bleiben Museumsbesucher*innen in der Regel verborgen. Heute dient es Museen der Klassischen Moderne vorrangig dazu, Kunstwerke aufzuspüren, die jüdischen Verfolgten des Nationalsozialismus geraubt oder abgepresst worden sind. Im Fokus steht dabei, wer Gemälde, Skulpturen oder Zeichnungen vor 1945 besaß und was ab 1933 mit ihnen geschah.
In Ausstellungen bietet sich nur selten Raum, die oft verschlungenen Pfade nachzuzeichnen, die einzelne Werke genommen haben. Wie facettenreich ihre Herkunftsgeschichten sein können, beschreibt die Ausstellung „Provenienzen. Kunstwerke wandern“ exemplarisch an einem 1912 entstandenen Selbstbildnis von Max Liebermann (1847 – 1935). Zugleich werden in einer Salonhängung selten oder noch nie gezeigte Werke aus der Sammlung der Berlinischen Galerie präsentiert.
Die Auswahl führt an die aktuell laufende Erforschung der Provenienz der Bestände heran. Über digitale Medien werden Recherchestände vermittelt, aber auch noch bestehende Wissenslücken dokumentiert. Es wird deutlich: Jedes Werk ist gewandert, und das Wissen um diese Wege erweitert den Blick auf die Kunst.
Künstler*innen (Auswahl): Ima Breusing (1886 – 1968), Lovis Corinth (1858 – 1925), Jacoba van Heemskerck (1876 – 1923), Ludwig von Hofmann (1861 – 1945), Martel Schwichtenberg (1896 – 1945), Felix Nussbaum (1904 – 1944)
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Barbara Marcel ist eine brasilianische Künstlerin und Filmemacherin. Sie beschäftigt sich in ihren Werken mit historischen Auffassungen von Natur und deren Verbindungen zu kolonialen Bildwelten.
Die Künstlerin promovierte über die Gattung des Essayfilms als ein historiographisches Werkzeug dekolonialer Positionen. Sie konzentriert sich auf Fragen zur Geschichte und den Verbindungen zwischen Deutschland und Lateinamerika. Parallel zu ihrer Forschung arbeitet sie kontinuierlich mit anderen Künstler*innen, Forscher*innen und Aktivist*innen an Projekten über gesellschaftliche Debatten in Zeiten zunehmender Umweltkonflikte und sozialer Ungleichheiten. In der Berlinischen Galerie zeigt sie drei Essayfilme: „Victoria Amazonica“ (2015, 22 Min.), „The Open Forest“ (2017, 24:35 Min.) und „Arara“ (2017, 9:35 Min.).
„Victoria Amazonica“ (2015, 22 Min.)
„Victoria Amazonica“ ist das erste Kapitel eines fortlaufenden Projektes über den Botanischen Garten in Berlin-Dahlem und die Herkunft der sich dort befindenden tropischen Pflanzen. Die Künstlerin stellt ihre eigene Stimme historischen sowie zeitgenössischen Aufnahmen zur Amazonischen Seerose aus Archiven und dem Internet gegenüber. Marcel thematisiert die Krise des kulturellen Erbes, indem sie ihr persönliches Wissen, das durch koloniales Denken geprägt ist, über den Amazonas und dessen Seerose hinterfragt.
„The Open Forest“ (2017, 24:35 Min.)
„The Open Forest“ entstand nach einem Aufenthalt im Adolpho-Ducke-Reservat des nationalen Forschungsinstituts Amazoniens (INPA), einem der wichtigsten Orte für die Erforschung des brasilianischen Amazonasgebiets. Marcels Film zeichnet eine Reise von der Sahara bis zum Amazonas nach; von Gewächshauseffekten bis hin zu den Ursprüngen der Ausbreitung Europas in den Tropen der „Neuen Welt“; von Kautschukhandel bis zur Brega-Popmusik in den Straßen des Steuerparadies Manaus. Die Videoarbeit ist eine Komposition gefundener Bilder und Aufnahmen aus dem Amazonasgebiet, die über die Geschichte des Waldes als Ware sowie über seine Ausbeutung durch Technologien und seine Bedeutung als eine natürliche Ressource reflektiert.
„Arara“ (2017, 9:35 Min.)
„Arara“ zeigt eine Frau, die mit ihrem Smartphone in ein Spiel eintaucht, in dem sie mit ihrem Ara-Vogel-Avatar schwebende Goldmünzen verschlingen muss. Umgeben von Pflanzen verraten die Bewegungen der Protagonistin allmählich, wo sie sich befindet und stellen diesen Raum dem virtuellen gegenüber. Was bedeutet es für den Menschen, wenn Natur zunehmend über den virtuellen Raum wahrgenommen wird?
Biografie
Barbara Marcel (*1985, Rio de Janeiro, Brasilien) hat an der Bauhaus-Universität Weimar, am Institut für Kunst im Kontext der Universität der Künste in Berlin und an der Universidade Estácio de Sá in Rio de Janeiro studiert. Ihre Arbeiten wurden u.a. im ZKM, Karlsruhe; nGbK, Berlin; Savvy Contemporary Berlin; Espacio Pla, Buenos Aires; Tieranatomisches Theater, Humboldt Universität Berlin; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; CeNak - Zoologisches Museum Hamburg; Athens Biennale und Galerie für Zeitgenössische Kunst, Leipzig gezeigt. Sie ist Stipendiatin der Heinrich-Böll-Stiftung und lebt seit 2009 in Berlin.
Virtueller Videoraum
In unserem virtuellen Videoraum zeigt Barbara Marcel online die Arbeit „Maniok, reibe ich dir, Schwesterchen“ (2015-19, zwei-Kanal-Video, 13 Min. + 43 Min.), die sie zusammen mit der Künstlerin Ana Hupe gemacht hat: bg.berlin/virtueller-videoraum
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Das Museum Barberini in Potsdam zeigt vom 7. September 2020 an dauerhaft die umfangreiche Sammlung impressionistischer Gemälde des Museumsgründers Hasso Plattner: über 100 Meisterwerke von Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Henri-Edmond Cross, Paul Signac und weiteren Malern des Impressionismus und Nachimpressionismus. Mit 34 Gemälden von Claude Monet sind außerhalb von Paris nirgends in Europa mehr Werke dieses Künstlers an einem Ort zu sehen. Potsdam wird damit eines der weltweit wichtigsten Zentren impressionistischer Landschaftsmalerei. So bietet das Museum Barberini neben seinen Wechselausstellungen in internationalen Kooperationen eine in Deutschland einmalige Sammlung.
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Ludwig van Beethoven wird am 17. Dezember 250 Jahre alt. Er gilt als Revolutionär, der nicht nur um Freiheit auf dem Gebiet der Tonkunst rang, sondern auch für die Ideale der Französischen Revolution eintrat. Im Jubiläumsjahr 2020 holt das DHM den Komponisten zurück in seine Zeitumstände: Über Etappen der Beethoven-Rezeption im SED-Regime, der NS-Diktatur und im Kaiserreich führt der Themenpfad zu den Kernthemen im Leben und Werk des Komponisten – Aufklärung und Revolution, Befreiung und Restauration, Liebe und Leiden. Die Intervention stützt sich auf Exponate der Dauerausstellung und auf Objekte der eigenen Sammlung, die bislang noch nicht gezeigt wurden. Partizipative und inklusive Stationen laden dazu ein, Beethoven mit verschiedenen Sinnen kennenzulernen.
Der Themenpfad wird kuratiert von Christian Kämpf.
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Parasiten – Life Undercover ist eine Reise in die Welt der Parasiten. Mit echten Parasitenpräparaten und spektakulären Objekten beleuchtet die Ausstellung wie sich Parasiten im Laufe der Evolution entwickelt haben, warum ihre Anpassungen und Lebenszyklen so unglaublich sind, welchen Einfluss sie auf ganze Ökosysteme haben, warum sie äußerst spannende Forschungsobjekte und manchmal medizinische Helferlein sind. Sie zeigt aber auch, dass menschengemachte Faktoren wie der fortschreitende Klimawandel, die Globalisierung und wachsende Megacities der Verbreitung von Parasiten, sowie alten und neuen Krankheiten Vorschub leisten. Damit ist die Ausstellung in Zeiten von COVID-19 aktueller denn je.
Als Wanderausstellung ist Parasiten – Life Undercover in den letzten Jahren bis nach Australien gereist und wurde von 1,5 Millionen Menschen besucht. Zurück in Berlin, ist sie jetzt mit zusätzlichen Inhalten zu sehen und schlägt so einen Bogen zur aktuellen Corona-Pandemie. Dabei kommen Forschende aus verschiedenen Bereichen zu Wort, unter anderem der bekannte Virologe Christian Drosten und die Fledermausforscherin Mirjam Knörnschild. Darüber hinaus erfahren Besucherinnen und Besucher warum Fossilien, wie der Schädel von T.rex Tristan Otto, dabei helfen können, heutige Krankheitsbilder besser zu verstehen und warum die Digitalisierung der Insektensammlung ein wichtiger erster Schritt ist, um künftige Forschungsfragen zu beantworten.
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Im September 1944 überschreiten alliierte Truppen südlich von Aachen die Grenze des Deutschen Reichs. Einen Monat später rückt die Rote Armee in Ostpreußen ein. Trotz der alliierten Übermacht ruft die NS-Führung dazu auf, den Krieg bis „zum letzten Blutstropfen“ fortzusetzen. Jeder Ort soll ohne Rücksicht auf die Zivilbevölkerung verteidigt werden. Wer sich den Befehlen widersetzt, Kritik am Regime übt oder Zweifel am „Endsieg“ äußert, riskiert sein Leben.
Einzelne stellen sich den nationalsozialistischen Zerstörungsbefehlen jedoch entgegen und versuchen, die sinnlose Verteidigung ihrer Heimatorte zu verhindern. Das Spektrum der Widerstandshandlungen kurz vor Kriegsende reicht von spontaner Verweigerung bis hin zu geplanten Aktionen politischer Gegner des Nationalsozialismus, die versuchen, die nationalsozialistischen „Führer“ vor Ort zu entmachten.
Zahlreiche Menschen bezahlen ihren Widerstand gegen den „Krieg bis zur letzten Patrone“ mit dem Leben. Viele von ihnen werden standrechtlich verurteilt und zur Abschreckung öffentlich gehängt. Dies geschieht häufig nur wenige Stunden vor der Ankunft der Alliierten.
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Eine Ausstellung von Nahed Mansour mit Fatima Abdo, Raed Alhameed, Kifan Alkarjousli, Nagham Hamoush und Mohammad Rabee Alskif
Das Qasr Al-Mshatta-Relief, eine der Attraktionen des Pergamonmuseums, steht zwischen Mo?beln einer Erstaufnahmeeinrichtung am Rande Berlins. Am Ishtartor ha?ngen rote Plastikteller. Welche Geschichten werden hier erza?hlt, die sonst unerwa?hnt bleiben?
Wa?hrend in Museen historische Artefakte von Menschen und ihrer Gegenwart isoliert bleiben, werden in Unterku?nften Menschen von ihrer Geschichte getrennt. In dieser Ausstellung schaffen die Ku?nstler*innen von FASAHAT einen Zwischenort in der Galerie im Turm, an dem sie mit hybriden Monumenten einen Bru?ckenschlag zwischen Vergangenheit und heutigen Lebensrealita?ten ermöglichen.
Fasahat bezeichnet im Arabischen leere Ra?ume, aber auch Spazierga?nge, die Hoffnung geben. In dem von Nahed Mansour initiierten Community Art Projekt bauten Bewohner*innen des Refugiums „An der Havel“ einen Teil der Unterkunft in ein Museum um. Dafu?r entwarfen sie zusammen mit weiteren Ku?nstler*innen mit und ohne Fluchterfahrung eigene Monumente und Ra?ume. Sie beziehen sich auf mehrere Besuche im Pergamonmuseum und auf jene Artefakte, zu denen die Teilnehmer*innen aufgrund ihrer Herkunft eine enge Verbindung haben. In selbstgestalteten Monumenten und Ra?umen sind diese mit den Architekturen und Lebensrealita?ten der Unterkunft verwoben und bilden fortan Anlass zu Begegnung und kulturellen Bildung.
In diesem Sommer wird FASAHAT fortgesetzt und eine neue Ausstellung ero?ffnen - die Galerie im Turm wird als dritter Raum erprobt, der jenseits von musealen Institutionen und Unterku?nften die Mo?glichkeit zu neuen Nachbarschaften, Bedeutungen und Formen der Geschichtsschreibung gibt.
Eingeladen von Jorinde Splettsto?ßer
VERANSTALTUNGEN
Mi, 19.08. | 18 Uhr
Ku?nstler*innengespra?ch mit Fatima Abdo, Raed Alhameed, Kifan Alkarjousli, Nagham Hamoush, Nahed Mansour und Kristina Leko
Fr, 04.09.20 | 18 Uhr
ICH TAR
Performance von Nagham Hamoush
Alle Veranstaltungen finden unter strenger Beachtung der Hygiene- und Abstandsregeln statt.
Zugänglichkeit
Die Galerie befindet sich im Erdgeschoss und ist über eine mobile Rampe mithilfe des Aufsichtspersonals erreichbar (030 – 4229426). Der Anschluss an öffentliche Verkehrsmittel befindet sich in 300m Entfernung gegenüber der Galerie (U-Bhf. Frankfurter Tor, als barrierefrei ausgezeichnet). In der Galerie gibt es keine Toilette. Die nächste öffentliche und rohlstuhlgerechte Toilette ist 850 Meter entfernt: city Toilette, Eldenaer Str. 12A, 10247 Berlin.
Sprachen in der Ausstellung: Arabisch und Deutsch. Texte zur Ausstellung auch in Englisch. Es gibt visuelle, auditive und taktile Aspekte der Ausstellung, die erfahren werden können. Die Ausstellung ist kinderfreundlich.
Bei weiteren Fragen können Sie sich gern an uns wenden.
Mit freundlicher Unterstu?tzung der Senatsverwaltung fu?r Kultur und Europa: Ausstellungsfonds Kommunale Galerien und Fonds Ausstellungsvergu?tungen fu?r bildender Ku?nstlerinnen und Ku?nstler. Die Galerie im Turm ist eine Einrichtung des Bezirksamts Friedrichshain-Kreuzberg.
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Zwei Aspekte stehen im Mittelpunkt der aktuellen Schau Revolutions of Choice mit dem deutsch-amerikanischen Architektenteam Barkow Leibinger: das Experimentelle und das Skulpturale. Frank Barkow (*1957) und Regine Leibinger (*1963) zeichnen sich in ihrer über 20-jährigen Zusammenarbeit durch ein ausgeprägtes Talent für Materialinnovationen sowie für installative Gebäude aus. Im Skulpturenpark des Hauses am Waldsee bildet ihr „Summer House“, eine Neuinterpretation des 2017 im Außengelände der Serpentine Gallery in London gezeigten Pavillons, das Zentrum der aktuellen Schau. Im Innenbereich des Ausstellungshauses finden sich hunderte von kommentierten Materialuntersuchungen und Architekturmodellen, die die BesucherInnen eingehend studieren können. Hier wird vor allem die materialbezogene Forschungsarbeit des Architekten-Teams und seine Suche nach immer wieder neuen Fertigungstechniken, Raumorganisationen und -strukturen anschaulich.
Ihr Studium haben Frank Barkow und Regine Leibinger unter anderem an der Harvard University in Cambridge USA absolviert. Danach übersiedelten sie nach Berlin und gründeten 1993 ein gemeinsames Büro. Neben ihrer weltweiten Bautätigkeit lehrte Frank Barkow seither als Gastprofessor an führenden amerikanischen Hochschulen sowie in London und Lausanne. Regine Leibinger unterrichtete ebenfalls international, bevor sie von 2006 bis 2018 eine Professur an der Technischen Universität Berlin wahrnahm. Heute teilen sich beide eine Professur an der Princeton University. Mit Bauprojekten wie etwa der Biosphäre in Potsdam, dem Tour Total in Berlin oder der Trumpf Smart Factory in Chicago haben sie die internationale Architekturdiskussion beflügelt. Auf Ausstellungen waren ihre Entwürfe 2009 in der prominenten AA, Architectural Association in London, bei den Architektur-Biennalen 2008 und 2014 in Venedig, der Marrakesch Biennale 2012 sowie der Chicago Architecture Biennial 2017 präsent. Einzelne Objekte und Modelle befinden sich im Deutschen Architektur Museum in Frankfurt a.M., in den Sammlungen des Centre Pompidou in Paris und des Museum of Modern Art in New York.
Nach GRAFT, Haus-Rucker-Co und J. MAYER H. ist dies die vierte international herausragende Architekturposition in Berlin, die seit 2010 im Haus am Waldsee ein großes Publikum erreicht.
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Was heißt das: der Vergangenheit zuhören? Das Zentrum von A Slightly Curving Place ist ein mehrstimmiges, räumlich inszeniertes Hörstück. Das Projekt geht von den Experimenten des Klangarchäologen Umashankar Manthravadi aus, der als Autodidakt mit selbstgebauten ambisonischen Mikrofonen antike und vormoderne Aufführungsstätten akustisch ausmisst. In der Ausstellung erzeugt eine Kuppel aus 21 Lautsprechern ein dreidimensionales Klangfeld und bringt Beiträge aus Literatur, Tanz, Musik und Sounddesign zusammen.
Umgesetzt in Zusammenarbeit mit und mit Beiträgen von Umashankar Manthravadi, Bani Abidi, Mojisola Adebayo, Vinit Agarwal, Sukesh Arora, Anurima Banerjee, Moushumi Bhowmik, Arunima Chatterjee, Madhuri Chattopadyay, Padmini Chettur, Emese Csornai, Padma Damodaran, Hugo Esquinca, Jenifer Evans, Eunice Fong, Tyler Friedman, Janardan Ghosh, Brooke Holmes, Alexander Keefe, Sukanta Majumdar, Robert Millis, Farah Mulla, Rita Panjatan, Ayaz Pasha, TJ Rehmi, RENU, Uzma Z. Rizvi, Sara, Yashas Shetty, The Travelling Archive, Maarten Visser u.a.
Kuratiert von Nida Ghouse
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Im Rahmen der Berlin Art Week und European Month of Photography 2020
Vor über zwanzig Jahren organisierte Ulrich Domröse (heute Kurator für Fotografie an der Berlinischen Galerie) die Ausstellung »Peripherie als Ort – Das Hellersdorf-Projekt«, die erstmals in der nGbK in Kreuzberg gezeigt wurde. Nun präsentiert die nGbK noch einmal zwei der damals gezeigten Fotoserien – die Stadtaufnahmen von Ulrich Wüst sowie die Jugendlichen-Porträts von Helga Paris – in ihrer Zweigstelle station urbaner kulturen, in Hellersdorf. Die Arbeiten sollen erneut dem Publikum vorgestellt und diskutiert werden. Hinzu kommen ergänzende Werke beider Fotograf_innen.
Ulrich Domröse lud für die Ausstellung 1999 mit Helga Paris und Ulrich Wüst (sowie Jens Rötzsch und Max Baumann) hochkarätige Künstler_innen ein, um die Großsiedlungen von Hellersdorf zu erkunden und ihre Beobachtungen zu fotografischen Serien zu entwickeln. Das Projekt kam auf Initiative der Wohnungsbaugesellschaft Hellersdorf zustande.
Die Friktionen zwischen dem Hellersdorf-Projekt 1999 und dem Heute sollen nun als Revision in der station urbaner kulturen zum Thema gemacht werden: Wie hat sich das Quartier seither weiterentwickelt, welche Beziehungen bestehen zwischen Mitte und Pampa, und was machen die damaligen Akteur_innen heute? Nicht zuletzt werden die Fotoserien in einen künstlerischen Werkkontext gestellt.
1999 wurde die Ausstellung einem fotokünstlerisch und urbanistisch interessierten Publikum in der nGbK in Kreuzberg sowie in Hellersdorf selbst präsentiert. Nach einer Ausstellungsexkursion in Turin gingen die Bildserien in die Sammlung der Berlinischen Galerie ein.
Die Wohnungsbaugesellschaft Hellersdorf (WoGeHe), die sich Ende der 1990er Jahre gegen den rapiden Imageverfall der ›Plattensiedlungen‹ im Osten Berlins auch mit Mitteln der bildenden Kunst zu erwehren suchte, förderte Skulpturen im öffentlichen Raum sowie das groß angelegte fotografische Erkundungsprojekt in der Peripherie.
Das »Hellersdorf-Projekt« wurde in einem umfangreichen Katalog mit Essays von Alexander Osang, Rolf Schneider und Gerwin Zohlen dokumentiert.
An der Umsetzung des Ausstellungsvorhabens mitgewirkt hatten seinerzeit u.a. die Fotokuratorin Inka Schube (heute Kuratorin Sprengel Museum Hannover), die nGbK-Geschäftsführerin Leonie Baumann (heute Rektorin der weißensee kunsthochschule berlin), die Kuratorin Karin Scheel (heute Künstlerische Leiterin Schloss Biesdorf) oder Jack Gelfort, ehemaliger Geschäftsführer der Wohnungsbaugesellschaft Hellersdorf und heutiges Mitglied im Kreisverband der AfD in Freiburg.
nGbK-Projektgruppe station urbaner kulturen:
Jochen Becker, Fabian Bovens, Eva Hertzsch, Margarete Kiss, Constanze Musterer, Adam Page
Mitarbeit: Jana Müller
Finanziert mit Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
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In den 1920er Jahren entwickelte der Kunst- und Kulturwissenschaftler Aby Warburg (1866–1929) seinen Bilderatlas Mnemosyne, der wiederkehrende visuelle Themen und Muster von der Antike über die Renaissance bis zur Gegenwartskultur nachzeichnet. Sein Ansatz ist Inspiration für die visuell und digital dominierte Welt von heute. Das HKW präsentiert alle 63 Tafeln des Atlas – erstmals wiederhergestellt mit Warburgs originalem Bildmaterial.
Aby Warburg studierte die Wechselwirkungen von Bildern aus verschiedenen Epochen und kulturellen Kontexten. Er entwickelte den Bilderatlas Mnemosyne, um die Einflüsse der Antike auf die Renaissance und weit darüber hinaus bildlich darstellbar zu machen. Der Atlas bestand in seiner letzten Version aus 63 großen schwarzen Tafeln, auf denen Warburg fotografische Reproduktionen von Kunstwerken aus dem Nahen Osten, der europäischen Antike und der Renaissance neben zeitgenössischen Zeitungsausschnitten und Werbeanzeigen anordnete. In den Jahren vor seinem Tod 1929 experimentierten Warburg und seine engsten Mitarbeiter*innen Gertrud Bing und Fritz Saxl mit Form und Funktion des Bilderatlas. Ihr Ziel war eine Publikation, die für die Diskussion zwischen Expert*innen ebenso wie für das breitere Publikum gedacht war. Im Entstehungsprozess entwickelte sich der Atlas zu einem Erkenntnisinstrument.
Warburgs Methode setzte neue Maßstäbe: Sie bestand darin, kanonisierte Bilder neu anzuordnen und sie epochenübergreifend zu betrachteten; sein Projekt überschritt die Fachgrenzen zwischen Kunstgeschichte, Philosophie und Anthropologie und war grundlegend für die heutigen Disziplinen der Bild- und Medienwissenschaften. Heute bietet sein Umgang mit dem Bildgedächtnis Inspiration und alternative Routen durch eine von visuellen Medien bestimmte Realität.
Die Ausstellung im HKW stellt die letzte dokumentierte Version des Atlas von 1929 nahezu vollständig mit den Originalabbildungen wieder her: Dafür haben die Kuratoren Roberto Ohrt und Axel Heil in Zusammenarbeit mit dem Warburg Institute London den größten Teil der originalen, teils mehrfarbigen 971 Abbildungen in der 400.000 Objekte zählenden Photographic Collection des Instituts aufgespürt – und präsentieren so zum ersten Mal nach Warburgs Tod die 63 Tafeln seines unvollendeten Hauptwerks.
Anlässlich der Ausstellung erscheinen zwei Publikationen im Hatje Cantz Verlag: Bereits erhältlich ist eine Publikation im Folio-Format, die die 63 Bildtafeln sowie 20 Tafeln aus den Vorversionen von Warburgs Atlas versammelt – neu fotografiert mit dem originalen, vielfarbigen Bildmaterial, mit Texten von Axel Heil, Roberto Ohrt, Bernd Scherer, Bill Sherman, Claudia Wedepohl. Die Bildlegenden wurden von den Autoren Roberto Ohrt, Axel Heil und der Forschungsgruppe Mnemosyne seit 2012 aktualisiert und ergänzt und zeigen den Forschungsstand von Februar 2020. Daneben erscheint ein Textband mit ausführlichen Kommentaren der Kuratoren im Frühjahr 2021.
Die Ausstellung wird kuratiert von Roberto Ohrt und Axel Heil in Zusammenarbeit mit dem Warburg Institute, London.
Im Rahmen von Das Neue Alphabet
Parallel zur HKW-Ausstellung zeigt die Gemäldegalerie in der Ausstellung Zwischen Kosmos und Pathos Kunstwerke von der Vor- und Frühgeschichte bis zur Neuzeit, die Warburg als Vorlagen seiner enzyklopädischen Bildersammlung dienten.
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Mit der Einladung an die argentinisch-schweizerischen Künstlerin Vivian Suter (geb. 1949 in Buenos Aires, lebt und arbeitet in Panajachel, Guatemala) tritt die Sammlung des Brücke-Museums zum ersten Mal in den direkten Dialog mit einer zeitgenössischen Position. In einem raumgreifenden Arrangement stellt Suter ihre freihängenden Leinwände den Gemälden und kunsthandwerklichen Arbeiten der Künstlergruppe "Brücke" gegenüber.
Die Auswahl der Werke aus der Sammlung des Brücke-Museums traf noch die Künstlerin Elisabeth Wild (geb. 1922 in Wien; gest. 2020 in Panajachel, Guatemala), Vivian Suters Mutter. Auch eine Reihe ihrer präzise komponierten, kleinformatigen Collagen sind Teil der Präsentation. Die Gegenüberstellung der zeitgenössischen künstlerischen Positionen mit den "Brücke"-Werken ermöglicht neue Perspektiven auf Suters Oeuvre, ebenso wie für die Sammlungsbestände des Museums.
Vivian Suter, geb. 1949 in Buenos Aires, studierte von 1967 bis 1972 an der Kunstgewerbeschule Basel. Sie hatte in den letzten Jahren Einzelausstellungen, u.a. in Tate Liverpool (2019-2020), Camden Art Centre, London (2019-2020), Institute of Contemporary Art, Boston (2019) und Art Institute of Chicago (2018-2019).
Die Ausstellungseröffnung findet im Rahmen der Berlin Art Week (9.–13. September 2020) statt.
Bildmaterial erhalten Sie auf Anfrage per E-Mail an: presse(at)bruecke-museum.de
Wir bitten um eine Anmeldung zum Presserundgang.
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In der Berliner Helmut Newton Stiftung im Museum für Fotografie sind in der Ausstellung ?America 1970s/80s? Werke von Evelyn Hofer, Sheila Metzner, Joel Meyerowitz und Helmut Newton zu sehen.
Nach seiner Festanstellung bei der französischen Vogue im Jahr 1961 arbeitete Helmut Newton parallel auch für die amerikanische Ausgabe des Modemagazins. Einige dieser Aufnahmen entstanden in Europa, andere in den USA. In New York lieferte Newton seine Bilder direkt an Alexander Liberman, der die amerikanische Vogue von den 1960ern bis in die 1990er Jahre leitete ? und nebenbei sehr erfolgreich als Maler, Bildhauer und Fotograf arbeitete.
Newton mochte die Vereinigten Staaten und die sprichwörtliche Freiheit in jenen Jahren, und so pendelte er regelmäßig zwischen der Alten und Neuen Welt hin und her. In den 1970er-Jahren fotografierte Newton Mode und Akt in Amerika vor allem in New York, Las Vegas, Miami oder Los Angeles; diese Aufnahmen wurden sowohl in unterschiedlichen Magazinen als auch teilweise in seinem zweiten Bildband (?Sleepless Nights?, 1978) publiziert.
Nach 1980, als Helmut und June Newton regelmäßig nach Los Angeles reisten, um im Chateau Marmont die Wintermonate zu verbringen, kamen zahlreiche Porträts der "Berühmten und Berüchtigten" in und um Hollywood hinzu, entstanden für Zeitschriften wie Egoïste, Interview, Vanity Fair oder New Yorker, sowie einige Aktbilder für den Playboy. Die Fokussierung innerhalb der Ausstellung zeigt deutlich, dass sich Newtons Bildsprache während seiner Arbeit in den USA in diesen Jahren verändert hat und insbesondere das Genre Porträt für ihn immer wichtiger wurde.
Etwa parallel zu den gezeigten Newton-Bildern entstanden die Porträts von Joel Meyerowitz in Provincetown, Massachusetts. Der Fotograf zog sich in den späten 1970er- und frühen 1980er-Jahren von New York aus jeden Sommer in das ehemalige idyllische Fischerörtchen zurück ? und porträtierte dort mit seiner Großbildkamera, meist plein air, gleichgesinnte Freigeister, die ebenfalls die Sommerfrische, die Erholung am Meer und die Natur suchten, Männer und Frauen, Junge und Ältere, allein oder als Paar. Wir sehen intensive und neugierige Blicke zurück in die Kamera und nur wenige Posen; die Menschen, darunter zahlreiche Freunde und Bekannte von Meyerowitz, wirken offen, unverstellt, authentisch.
Die groß angelegte Porträtserie hatte seinerzeit keinen Auftraggeber, es war ein freies Projekt. So entstand ein faszinierendes Gesellschaftsporträt einer liberalen, individualistischen Community an der amerikanischen Ostküste. Es zeigt ein anderes, freieres, mitunter freizügigeres Amerika, als wir es heute kennen. Meyerowitz hat diese Porträts vor Kurzem in seinem Archiv wiederentdeckt, eine Auswahl ist im Herbst 2019 erstmals in Buchform erschienen ? und wird nun in der Helmut Newton Stiftung zum ersten Mal öffentlich ausgestellt.
Die amerikanische Fotografin Sheila Metzner verband eine sehr enge Freundschaft mit Helmut und June Newton. Die gegenseitigen, bislang unveröffentlichten Porträts aus Südfrankreich, die in der Ausstellung in zwei Vitrinen ausgebreitet werden, bezeugen dieses besondere Verhältnis. Sheila Metzner arrangiert in ihrem Werk ansonsten minimalistische Dinge auf einer ebensolchen Bühne als pure Form; in der fotografischen Nahansicht wirken sie wie eine Erscheinung ihrer selbst, verdichtet als metaphysische Essenz. Die zarte Tonung der Fotografien, entstanden als Fresson-Prints, die an Bromöldrucke der Avantgardisten der 1910er-Jahre erinnern, entrückt den Bildinhalt, die floralen und künstlerischen Formen, ins Tagtraumhafte.
Aber auch Menschen tauchen im Werk von Sheila Metzner wiederholt auf, seien es die eigenen fünf Kinder, weibliche und männliche Modelle, etwa für ihre raffinierten Modeinszenierungen oder nackte, odaliskenhafte Schönheiten. Metzner, die noch immer in New York lebt, besuchte Joel Meyerowitz Ende der 1970er-Jahre in Provincetown und wurde dort von ihm porträtiert, wie wir hier sehen. So schließt sich in dieser Ausstellung, die einer Art Zeitreise in ein progressives und cooles Amerika entspricht, gleich mehrfach ein Kreis.
In June?s Room schließlich werden 30 Aufnahmen von Evelyn Hofer präsentiert, die in den 1960er und 70er-Jahren in New York entstanden sind, eine Art subjektives Stadtporträt mit Straßenszenen und Panoramen, Interieurs und Porträts, in Schwarz-Weiss und Farbe. Insbesondere ihre subtilen Farbbilder des New Yorker Alltagslebens, ausgeführt im DyeTransfer-Verfahren, sind neben denen von Saul Leiter oder Helen Levitt Pionierleistungen eines poetisch-magischen Realismus in der Street Photography, die nachfolgende Fotografengenerationen prägen sollten.
Hofer wurde in Deutschland geboren, verließ ihre Heimat mit der Familie 1933 Richtung Madrid, später nach Paris, Zürich und Mexiko, um 1946 schließlich nach New York überzusiedeln. Dort arbeitete sie im Auftrag unter anderem für Modemagazine und frei an eigenen Buchprojekten, stets mit großformatiger Plattenkamera und Stativ. Daraus resultierte ein bewusstes, konzentriertes und langsames Arbeiten, das spontane Reaktionen vor und hinter der Kamera ausschloss.
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Die aktuelle Diskussion um die Veränderung der politischen Kultur durch das Internet ist für das Deutsche Historische Museum Anlass, den Zusammenhang von Medien, Politik und Öffentlichkeit zu thematisieren – schließlich waren mediale Innovationen stets ein wichtiges Mittel politischer Akteure, die Öffentlichkeit in bis dato ungeahnter Weise zu beeinflussen und zu prägen.
Die Ausstellung „Von Luther zu Twitter. Medien und politische Öffentlichkeit“ spannt den Bogen von der Frühen Neuzeit bis in die Gegenwart. Ausgehend vom Buchdruck und seiner Bedeutung für die Reformation werden das Zeitungswesen des 18. und 19. Jahrhunderts, die besondere Rolle des Rundfunks in den 1920er bis 1940er Jahren und die des Fernsehens der ersten Nachkriegsjahrzehnte beleuchtet. Die Kontinuitäten und Brüche eines immer auch medial bewegten Strukturwandels der Öffentlichkeit – zwischen Repression und Emanzipation – werden dabei bis in die heutigen Entwicklungen verfolgt.
Die Ausstellung wird kuratiert von Harald Welzer und Melanie Lyon.
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In Berlin gibt es eine einzigartige Dichte von bemerkenswerten Bauten aus den 1980er Jahren, deren Bedeutung es nach mehr als 30 Jahren zu überprüfen gilt. Ihre vielfältige und bunte Architektursprache stellte bisherige Vorstellungen einer modernen Lebenswelt in Frage.
Gerne mit dem Etikett der „Postmoderne“ versehen, kennzeichnet sie die Verwendung von Bautypen und Stilmitteln der Vergangenheit sowie die Erprobung alternativer Lebensweisen in der Großstadt. Als Beiträge zur Internationalen Bauausstellung 1984/87 (West) und der Bauausstellung 1987 (Ost) im Rahmen der 750 Jahr-Feier entstanden, glich Berlin einer Art Architekturlabor, das weit über die Stadtgrenzen hinaus wahrgenommen wurde. Bereits zur Entstehungszeit als kunstvolle Fehlgriffe kritisiert sind wichtige Zeugnisse dieser Bauepoche heute verschwunden, überformt oder vom Abriss bedroht. Die Ausstellung untersucht erstmalig, was und wer die für Ost- und West-Berlin im letzten Jahrzehnt vor dem Mauerfall entwickelten Bauten und Visionen prägte.
Beteiligte Architekt*innen (Auswahl):
Hinrich und Inken Baller; Christian Enzmann und Bernd Ettel; John Hejduk mit Moritz Müller; Josef Paul Kleihues; Michael Kny und Thomas Weber; Hans Kollhoff; Dorothea Krause; Rob Krier; Peter Meyer; Frei Otto mit Hermann Kendel, Martin Küenzlen, Günther Ludewig; Manfred Prasser; Günter Stahn; Helmut Stingl; James Stirling und Michael Wilford; Peter Stürzebecher, Kjell Nylund und Christof Puttfarken; Oswald Mathias Ungers; Solweig Steller-Wendland.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Kulturstiftung des Bundes.
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Welchen Einfluss hatten der Expressionismus und die sachliche Moderne auf die staatliche Ästhetik der ersten deutschen Demokratie? Wie wurde über die Gestaltung nationaler Symbole wie Adler oder Flagge entschieden? Und welches Symbol braucht eine Demokratie heute?
Der Kunsthistoriker und Werkbund-Akteur Edwin Redslob hatte in der Weimarer Republik das Amt des Reichskunstwarts inne. In dieser bis heute einmaligen Funktion versuchte er, Prinzipien moderner Gestaltung und Architektur auf ein nationales Erscheinungsbild zu übertragen, das auf Wappen, Schildern, Geldscheinen, Briefmarken, Urkunden und Siegeln sichtbar werden sollte. Alle staatlichen Symbole sollten neu – im Sinne einer parlamentarischen Demokratie – gestaltet werden und sich vom Kaiserreich abgrenzen.
Das Werkbundarchiv – Museum der Dinge spürt auf der Basis von Edwin Redslobs Nachlass den künstlerischen Entwurfs- und politischen Entscheidungsprozessen nach und hinterfragt dabei deren Grundlagen damals wie heute.
Heute stehen die Nationalflagge und der Bundesadler für eine gesellschaftliche Einheit auf der Basis einer demokratischen Verfassung. Die in der Ausstellung gezeigten historischen Adler-Entwürfe laden zum Vergleichen, Verwerfen und Nachdenken ein und werfen grundsätzliche Fragen über eine staatliche Selbstdarstellung auf.
Welches Symbol braucht eine Demokratie? Die Besucher*innen werden aufgefordert, über ein geeignetes Symbol nachzudenken. Dies eröffnet die Möglichkeit, die Entwürfe als künstlerische Erzeugnisse ihrer Zeit betrachten zu können.
Das Werkbundarchiv – Museum der Dinge zeigt in der Ausstellung u.a. Leihgaben aus dem Nachlass Edwin Redslobs aus dem Bundesarchiv Berlin-Lichterfelde und dem Germanischen Nationalmuseum Nürnberg.
Einladung zu regelmäßigen Ausstellungsgesprächen mit den Kurator*innen:
Jeden Donnerstag um 19 Uhr bietet das Werkbundarchiv – Museum der Dinge eine kostenlose Führung (bei regulärem Eintritt) durch die Sonderausstellung an. Bis zu 10 Personen können teilnehmen.
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Die Ausstellung im Museumsgarten beleuchtet die Kapitel: Kriegsende, Erste Unterzeichnung der Kapitulation in Reims, Zweite Unterzeichnung in Berlin, Kapitulationsakt am 8./9. Mai, Erinnerungen, Reaktionen, Legenden und Fakten sowie biografische Schlaglichter.
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Das Deutsch-Russische Museum Berlin-Karlshorst zeigt ab Freitag, dem 12. Juni 2020 im Museumsgarten die Kunstinstallation „White Root“ – eine mächtige Eichenwurzel vom Schlachtfeld der Seelower Höhen.
Die Kunstinstallation „White Root“ ist von dem Osnabrücker Bildkünstler Volker-Johannes Trieb. Der Künstler installierte für sein Werk die drei Meter hohe Wurzel einer 211 Jahre alten Eiche auf einem Stahlgestell und gab ihr einen weißen Anstrich. Der Baum stand ursprünglich auf dem Gebiet der Seelower Höhen in Brandenburg, wo im April 1945 durch die Rote Armee die Schlacht um Berlin eingeleitet wurde. Das Holz trägt Spuren der Kämpfe und ist somit ein Zeitzeuge der Schlacht an der Oder.
Im Rahmen einer Guerilla-Aktion platzierte Trieb die Kunstinstallation am 8. Mai 2020 vor dem Brandenburger Tor, am 75. Jahrestag des Endes des Zweiten Weltkrieges in Europa. Die Installation ist Teil des Zyklus „Not then, not now, not ever!“ („Damals nicht. Jetzt nicht. Niemals!“). Die entsprechende Ausstellung war von November 2018 bis Januar 2019 im Reichstagsgebäude in Berlin zu sehen und erinnerte an das Ende des Ersten Weltkriegs mit dem Waffenstillstand von Compiègne am 11. November 1918. Trieb ist der Initiator dieser Ausstellung, die auch bei der EU in Brüssel und am Sitz der Vereinten Nationen in New York zu sehen sein wird.
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Am 12. Februar 1930 wird in Dresden der Bildhauer und Schriftsteller Wieland Förster geboren. Als junger Mann erlebt er den Krieg und die Bombardierung seiner Heimatstadt. Im Alter von 16 Jahren wird er wegen angeblichen Waffenbesitzes für drei Jahre in Bautzen inhaftiert. Nach seiner Entlassung widmet er sich zunächst in Abendkursen der Bildhauerei, bevor er an der Dresdner Hochschule bei Walter Arnold (1909–1979) studiert. Später geht er nach Ostberlin, um seine Ausbildung bei Fritz Cremer (1906–1993) fortzusetzen. Unbeeindruckt von stilistischen Vorgaben und Richtungsweisungen der ostdeutschen Hochschulen verfolgt er seine eigene bildhauerische Auffassung – ihn inspirieren Aristide Maillol (1861–1944), Alberto Giacometti (1901–1966) und Henry Moore (1896–1986).
Auch nach Westberlin zieht es ihn, um dort den Bildhauer Bernhard Heiliger (1915–1995) zu treffen. Die öffentliche Feme, die Heiliger an der Dresdner Hochschule entgegenschlägt, hat Förster auf den Berliner aufmerksam werden lassen. So beginnt Anfang der 1950er Jahre ein freundschaftlich kollegialer Austausch, der bis zu Heiligers Tod andauern soll.
Försters eigenständiger Weg fordert die Regierung der DDR heraus. Im Kopf der Gelähmten sieht der damalige Kulturminister Klaus Gysi 1965 gar eine Beleidigung des sozialistischen Menschen. Förster erhält Ausstellungsverbot. Doch der Künstler hat auch prominente Fürsprecher und seine Bedeutung im Kunstgeschehen kann nicht in Abrede gestellt werden. Aus diesem Grund wird er schließlich Vizepräsident und ordentlicher Professor an der Kunstakademie der DDR.
Anlässlich seines 90. Geburtstages widmet das Kunsthaus Dahlem diesem bedeutenden Bildhauer nun eine Werkschau mit Skulpturen aus 50 Jahren, in denen sowohl formale und stilistische Entwicklungen dargestellt werden, als auch auf Försters Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte und seiner eigenen Biografie Bezug genommen wird.
Die Werkauswahl im ehemaligen Atelier Bernhard Heiligers, das sich im Ostflügel des Hauses befindet, hat Wieland Förster ebenfalls getroffen. Er stellt damit dar, welche Ansätze im Werk des älteren Künstlers für ihn beeindruckend, prägend oder bedeutsam gewesen sind und zum eigenen Œuvre in einem formalen Dialog stehen.
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Als im Mai 1945 der Zweite Weltkrieg endete, waren unter der in Berlin verbliebenen Bevölkerung jede oder jeder Siebte Zwangsarbeiterin oder Zwangsarbeiter. Zwangsarbeit war Voraussetzung der nationalsozialistischen Kriegswirtschaft und Teil des Berliner Alltags. Ein Dreivierteljahrhundert später zeigt die Stadt nur noch wenige Spuren dieser einstigen Gegenwärtigkeit. Die Künstlerin Hadas Tapouchi hat für diese Ausstellung ehemalige Tatorte der Zwangsarbeit in Charlottenburg-Wilmersdorf ins Bild gesetzt. Die Ausstellung verortet die Fotografien in einer Topographie der Zwangsarbeit im Bezirk, zeichnet die Überlieferung des Zwangsarbeitssystems nach und gibt Erinnerungen von ehemaligen Zwangsarbeitenden wieder. SCHICHTEN eröffnet damit einen Raum für Fragen nach dem Verhältnis von Zwangsarbeit, Sichtbarkeit, Stadt und Erinnerung.
Am 13. Juni 1990 begann an der Bernauer Straße der systematische Abbau der Berliner Mauer. Eines der symbolträchtigsten Grenzsysteme der Welt verschwand aus dem Stadtbild, nachdem es seine Funktion verloren hatte. Die Stiftung Berliner Mauer nimmt den Jahrestag zum Anlass, um den Blick auf Europas Grenzen vom Mauerfall bis Corona zu richten. Mit dem Abbau des Eisernen Vorhangs entstanden große Hoffnungen auf ein einiges, wohlhabendes und grenzenloses Europa. Diese Erwartungen erfüllten sich nur zum Teil. Zwar verschwanden die Systemgrenzen des Kalten Krieges, doch seit einigen Jahren erleben wir die Rückkehr der Zäune. Neue Grenzanlagen sichern die Außengrenzen, an der Grenze im Mittelmeer sterben Flüchtlinge und in Zeiten der Pandemie entstehen neue Begrenzungen.
Die Sonderausstellung mit dokumentarischen Fotos fragt vor dem Hintergrund der Teilungserfahrung nach Europas Grenzen und Europas Werten heute. Mit großen Bild- und Texttafeln folgt sie einem coronatauglichen Konzept.
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Die Ausstellung „urbainable – stadthaltig“ setzt sich mit der Rolle der europäischen Stadt und ihrer Architektur in Zeiten der Klimaerwärmung, der Digitalisierung, des demografischen Wandels und der Auflösung traditioneller sozialer Netzwerke auseinander. Die Wortschöpfung ‚stadthaltig’ im Titel der Ausstellung nimmt Bezug auf ihre Hypothese, dass Sustainability / Nachhaltigkeit und Stadt nicht als Gegensatz gesehen werden sollten, sondern der verantwortungsbewusstere Umgang mit den Funktionsmechanismen der Stadt auch der Schlüssel für eine nachhaltigere Existenz ist.
„urbainable – stadthaltig“ ist eine Gruppenausstellung: Mitglieder der Sektion Baukunst der Akademie der Künste stellen sich anhand von Projekten, Visionen und Initiativen vor und präsentieren ihre Positionen für das 21. Jahrhundert. So gibt die Ausstellung einen Einblick in die europäische Architektur und Stadtplanung zu Beginn der zwanziger Jahre des neuen Jahrhunderts. Neben realisierten und in Planung befindlichen Architekturprojekten, sind Themen der Ausstellung u. a. die Digitalisierung im Entwurfsprozess, Mobilität, Umbau des Neuen und Bewahrung des Alten, Kulturtechniken der Dichte, Umgang mit der Natur sowie technische Innovationen. Die Mitglieder kommen aus den Sparten Architektur, Landschafts- und Stadtplanung sowie der Geschichte und Theorie der Architektur. Eingeleitet wird die Ausstellung durch ein Rechercheprojekt der Leibniz Universität Hannover in Zusammenarbeit mit dem Berliner Fotografen Erik-Jan Ouwerkerk. Hier werden den Ausstellungsbesuchern anhand von Fotografien, Zeichnungen und Texten die Potenziale vermittelt, die unsere Städte für eine nachhaltige Entwicklung bereithalten. Die Publikation zur Ausstellung erscheint bei ArchiTangle.
Die Ausstellung wurde vor der Corona-Krise geplant und konzipiert, bei ihrer Durchführung kann die Erfahrung der Pandemie nicht ausgeklammert werden. Noch ist unklar, was zum Zeitpunkt der Eröffnung an öffentlichem und kulturellem Leben möglich sein wird und was nicht. Und dennoch zeigen sich in der Corona-Krise schon jetzt die enorme Anpassungsfähigkeit und das kreative Potential unserer Städte.
Kuratoren
Tim Rieniets, Matthias Sauerbruch, Jörn Walter
Beteiligte Mitglieder
Fritz Auer, Thomas Auer, Klaus Bollinger, Michael Bräuer, Arno Brandlhuber, Winfried Brenne, Kees Christiaanse, Annette Gigon, Almut Grüntuch-Ernst, Guido Hager, Peter Haimerl, Thomas Herzog, Regine Keller, Karla Kowalski, Anne Lacaton, Pierre Laconte, Regine Leibinger, Hilde Léon, HG Merz, Günther Nagel, Florian Nagler, Irina Raud, Ian Ritchie, Matthias Sauerbruch, Jörg Schlaich, Helmut C. Schulitz, Thomas Sieverts, Enrique Sobejano, Volker Staab, Christiane Thalgott, Kjetil T. Thorsen, Marco Venturi, Jörn Walter, Winfried Wang
Eine Ausstellung der Akademie der Künste, gefördert von der Wüstenrot Stiftung. Mit freundlicher Unterstützung durch die PERI GmbH und die Euroboden GmbH.
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Schloss Britz präsentiert vom 05. Juni bis zum 20. September 2020 die Sonderausstellung Neukölln - historische Ansichten. Anlässlich des Jahresmottos „100 Jahre Groß-Berlin“ werden aus eigenen Archivbeständen großformatig aufgezogene historische Ansichtkarten mit Motiven aus dem Bezirk Neukölln, die überwiegend vor der Eingemeindung von Britz, Buckow, Rudow und Rixdorf aufgenommen wurden gezeigt.
Die Ansichtskarten zeigen deutlich, wie stark noch heute Teile des Bezirks durch die zum Teil monumentalen Bauten dieser Phase geprägt sind. Die Ausstellung bietet eine Entdeckungsreise in die Vergangenheit, bei der das Publikum viele Seiten des Bezirks wiedererkennen wird, während andererseits nur noch die alten Fotografien von den verschwunden Stadtbildern zeugen.
Die Ansichten sind geprägt von dem neuen Selbstbewusstsein und Repräsentationswillen der staatlichen Institutionen, Firmen und der damaligen Bevölkerung. Die Ansichtskarten dienten sowohl als bloße touristische Werbemaßnahme, als auch als stolze Abbildung bestimmter repräsentativer Bauten bis hin zu Erinnerungsmotiven wie dem böhmischen Dorf. Das schon damals großstädtische Leben in Rixdorf/Neukölln tritt uns ebenso vor Augen wie auch das noch ländliche, jedoch bereits touristisch erschlossene Buckow, Rudow und Britz, wo die Familie Wrede noch das Rittergut bewirtschaftete.
Die Ausstellung kann auch als Aufforderung verstanden werden, den Bezirk Neukölln mit Spaziergängen und Fahrradtouren zu erobern und sich zu den jeweils dargestellten Orten und Bauwerken zu begeben, um die historischen Ansichten mit der Gegenwart zu vergleichen. Vielleicht wird dabei so manches unbekannte Eckchen neu entdeckt.
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Berlin-Märkisches Viertel
AG Spielclub
Litauen, Schottland, Ungarn
Marija Nem?enko & Anna Tüd?s
Im vierten Teil der Reihe KREISE ZIEHEN wird das Leben von Kindern und Jugendlichen in einer Großsiedlung thematisiert. Wie kaum eine andere Gruppe prägen junge Menschen den öffentlichen Raum der Großsiedlung. Ihre Schulen und Jugendeinrichtungen liegen direkt im Quartier. Die Freiflächen der Siedlung sind großzügig gestaltet und sollen einen Ausgleich für die kleinen Wohnungen bieten. Aber welche Freiräume können Jugendliche jenseits der Kontrolle der Erwachsenen selbst erschaffen? Wie eignen sie sich die Großsiedlung an?
Seit 2016 gestalten die Initiator_innen der station urbaner kulturen mit Kindern und Jugendlichen auf der Grünfläche Place Internationale einen informellen Sportplatz mit Sitzgruppen. Dieser ist zu einem Treffpunkt für junge Menschen mitten in der Großsiedlung geworden, vor allem abends und nachts - und besonders in diesem Jahr, wenn nicht nur in den benachbarten Geflüchteten-Unterkünften die Sommerferien zuhause stattfinden werden.
In diesem Sommer werden im Rahmen von KREISE ZIEHEN 4 zwei künstlerische Positionen zum Thema »Kinder und Jugendliche in der Großsiedlung« auf Billboards ausgestellt. Die Arbeitsgruppe Spielclub zeigt Bilder einer Spielstadt, die 1971 im öffentlichen Raum im Märkischen Viertel Berlin von Künstler_innen mit und für Kinder gebaut wurde. Unter dem Titel »Fest« war die Spielstadt damals zehn Tage lang Erprobungsraum für Produktion, Verkauf, Monopolismus und Revolution.
Marija Nem?enko (Künstlerin, Kaunas / Litauen und Glasgow / Großbritannien) und Anna Tüd?s (Kuratorin, Budapest / Ungarn und Glasgow / Großbritannien) werden während einer Residency im Sommer 2020 auf der Grünfläche eine Arbeit zum Thema Spielen und Bewegung entwickeln und bauen. Auf einem Billboard präsentieren sie ihre Recherche »BRUT Boredom. High-rises, emptiness and play« über die utopischen Momente des sogenannten ›Brutalismus‹ – einem Baustil der internationalen Moderne. »Wir verstehen Langeweile (engl. Boredom) als einen produktiven, kreativen Zustand, der mit Spiel und Experimentieren, aber auch mit Muße und Leere verbunden ist.«
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KREISE ZIEHEN. Großsiedlungen und die Produktion von Bildern ihrer selbst
Ausstellungsreihe seit Mai 2018
Die bildenden Künste sowie die künstlerisch informierte Stadtforschung bewegen sich im Feld der ›urban cultures‹ verstärkt aufeinander zu. Urbanität und gebauter Raum werden auch durch Kunst und Kultur erkundet, erlebt und erzählt.
Ein Feld der Auseinandersetzung der letzten Jahre sind Großsiedlungen der 1960er bis 1990er Jahre. Sie haben Dimensionen, die der Größe einer Kleinstadt entsprechen. Zentrale Funktionen einer Stadt wie etwa die Künste und das Kulturleben werden jedoch weiterhin im Zentrum verortet. Die Großsiedlungen bleiben deswegen vielen Menschen einer Stadt merkwürdig fremd.
Es braucht neue Narrative und Bilder, um die scheinbare Homogenität von Großsiedlungen zu hinterfragen und Widersprüchlichkeiten nachzuzeichnen. Großsiedlungen sind miteinander vergleichbar – auch über Kontinente hinweg. Oft sind sie in konzentrischen Kreisen um die Kernstadt herum organisiert. Doch selbst innerhalb einer Stadt haben die Großsiedlungen kaum Kontakt miteinander.
Das Ausstellungsprojekt KREISE ZIEHEN in Berlin-Hellersdorf schlägt Brücken innerhalb und auch jenseits der Stadtgrenzen mit Partnersiedlungen. Wie entstehen Stereotypen von Orten, wie werden sie von außen gesetzt und von innen angenommen und weitergeführt? Wie können Bilder in der Peripherie entstehen, die nicht von außen ein ›Image‹ überstülpen, sondern von den Bewohner_innen mit Eigensinn erarbeitet wurden?
Der Kunst soll hier eine besondere Bedeutung zukommen, da sie über Strategien der Bildererzählung und des Bildwissens verfügt. Zunehmend verlässt sie ihre bisherige Komfortzone durch gemeinschaftsorientierte Forschung und Produktion und zieht weitere Kreise in der Stadtgesellschaft.
nGbK-Projektgruppe station urbaner kulturen: Jochen Becker, Fabian Bovens, Eva Hertzsch, Margarete Kiss, Constanze Musterer, Adam Page
Finanziert mit Mitteln der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
Änderungen vorbehalten! - Angaben ohne Gewähr!
Quelle:
Das Museumsportal Berlin ist die gemeinsame Internetseiteder Museen, Ausstellungshäuser, Gedenkstätten und Schlösser in der Hauptstadtregion.
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