Ausstellungen in der Übersicht

Von 22.10.2022 bis 31.12.2022, Musikinstrumenten-Museum

In der Ausstellung werden die Inhalte des Vermittlungsprojekts »Klaviatur – Tastatur – Interface« präsentiert. Modellhaft soll die Zugänglichkeit für blinde, sehbehinderte und sehende Menschen erprobt werden. Die thematische Tour durch das Museum führt zu fünf ausgewählten Musikinstrumenten mit tastenbasierten Interfaces und endet an der Interaktionsinsel auf der Sonderausstellungsfläche. Als sinnliche Ergänzung des digitalen Angebots dienen »Hands-on« – Stationen für alle Besucher:innen, zum Beispiel eine Drehleier zum Ausprobieren sowie eine Klang- und Taststation. An einer weiteren »Hands-on« – Station können die Samples einer Glasharmonika oder eines historischen Clavichords in der atmosphärischen Museumsumgebung in der Nähe der Originalinstrumente selbst gespielt werden.

»Klaviatur – Tastatur – Interface« wird entwickelt im Rahmen von »dive in. Programm für digitale Interaktionen« der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR.

Von 08.07.2022 bis 30.10.2022, Kunsthaus Dahlem

Zwei Künstler, ein Thema – als Wolf Vostell (1932–1998) und Boris Lurie (1924-2008), sich in den 1960er-Jahren kennenlernten, verband sie bald mehr als eine tiefempfundene Freundschaft. Beide bezogen mit ihrer Kunst politisch Stellung, beide beschäftigten sich mit der Aufarbeitung der unvorstellbaren Schrecken des Holocaust, beide traten Krieg, Grausamkeit und Verbrechen gegen die Menschlichkeit mit aller Kraft entgegen. Ihre rauen Arbeiten widersetzen sich einer einfachen Konsumierbarkeit, die ihnen als ein Gräuel des Kunstbetriebs erschien. Heute erscheinen die Werke der beiden Künstler aktueller denn je, setzen sie doch auf eine Art Schocktherapie, mit der sie das Publikum auf die Kontinuität von Gewalt und Menschenverachtung aufmerksam machen.

Wolf Vostell gehört zu den bedeutendsten deutschen Künstlern des 20. Jahrhunderts und ist insbesondere als Mitbegründer der Fluxus-Bewegung bekannt. Anlässlich seines 90. Geburtstages widmet das Kunsthaus Dahlem ihm und seinem Künstlerkollegen Boris Lurie eine Ausstellung, die auf seine künstlerische Aufarbeitung des Holocausts und der jüngsten deutschen Vergangenheit fokussiert.

Die Wahl des Ausstellungsortes ist keine zufällige: 1984 sprach die Stadt Berlin dem Künstler im ehemaligen Staatsatelier des NS-Bildhauers Arno Breker, dem heutigen Kunsthaus Dahlem, ein Arbeitsraum auf Lebenszeit zu. Breker hatte nicht nur zahlreiche Privilegien als Künstler genossen, sondern mit seinen Werken auch aktiv die Ideologie und Ästhetik des NS-Regimes bildnerisch zu übersetzen versucht. An diesem Ort setzte Wolf Vostell seine Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte im 20. Jahrhundert fort, die er in den ausgehenden 1950er-Jahren begonnen hatte. Die Aufarbeitung der nationalsozialistischen Diktatur und das Gedenken an den Holocaust sowie ihren Nachwirkungen hat Vostell in allen Schaffensphasen und in allen von ihm angewendeten Materialien realisiert und damit in einer Dichte wie kaum ein anderer Künstler seiner Zeit.

Im Dialog mit Wolf Vostell stehen ausgewählte Werke des Künstlers Boris Lurie (1924-2008), mit dem Vostell seit den 1960er-Jahren in intensiven Austausch stand. Boris Lurie, der russische Jude, der in Riga aufwuchs und die Schrecken der Shoah am eigenen Leib erlebte, wurde von Wolf Vostell, der diese traumatischen Erfahrungen als Deutscher nachempfinden wollte, sofort verstanden. Auch stilistisch und hinsichtlich des Umgangs mit Material waren die beiden Künstler-Freunde oftmals ähnlicher Ansicht. Die zahlreichen stilistischen und inhaltlichen Parallelen zeichnet die Ausstellung im Kunsthaus Dahlem erstmals detailliert nach.

Kuratiert wird die Ausstellung von Eckhart J. Gillen

Die Ausstellung wird gefördert durch die Stiftung Deutsche Klassenlotterie Berlin.

Von 08.07.2022 bis 15.01.2023, Bröhan-Museum

„Jewellery & Garment“ ist ein Zusammenspiel der beiden Schwesterdisziplinen Schmuck und Mode. Positionen zeitgenössischen Autorenschmucks werden gemeinsam mit Vintage- Avantgarde-Mode aus privaten Sammlungen gezeigt. Seit den 60er Jahren hat sich eine internationale Szene von Schmuckmacher/innen gebildet, die die künstlerische Idee ins Zentrum ihrer Arbeit rücken. Neben frühen Ansätzen, die mit einer traditionellen Schmuckauffassung radikal brechen, zeigt die Ausstellung auch Arbeiten einer jüngeren Generation von Künstlern/innen, die nicht nur gegen Konventionen ankämpft, sondern sich in dieser immer komplexer werdenden Gegenwart aktuellen gesellschaftsrelevanten Themen widmet. Es sind innovative und experimentelle Arbeiten mit individueller Handschrift, getragen vom Zeitgeist ihrer Entstehung, aber unabhängig von saisonalen Moden. Schmuck und Mode werden in der Ausstellung als gleichwertige, korrespondierende Einheit präsentiert.

Kuratorinnen: Svenja John und Petra Zimmermann

Werbemotiv: Gerwin Schmidt, unter Verwendung von: Helen Britton, Brosche „Dark Horse“, 2017; Martin Margiela, Circle Top, S/S 2002 (Leihgabe von Anne-Christine Köhler) — Foto: René Arnold, Model: Gloria Liebherr

Von 28.08.2022 bis 31.10.2022, Pomonatempel auf dem Pfingstberg

Die Klassik wird zeitgenössisch, aus dem Tempel für die Göttin der Baumfrüchte wird ein Tempel der Gegenwartskunst: Am 27. August 2022 eröffnet in Karl Friedrich Schinkels Erstlingswerk die Ausstellung des weltweit gefeierten Künstlers Georg Baselitz. Unter dem Titel „Schinkel nach Athen tragen“, der auf die griechischen Wurzeln des als Teesalons geplanten klassizistischen Tempels verweist, wird Georg Baselitz im Pomonatempel neun neue Arbeiten auf Papier in Rahmen nach dem Entwurf von Schinkel zeigen. Ein zartes, fast zärtliches Gipfeltreffen des wichtigsten deutschen Architekten des 19. Jahrhunderts und des Großmeisters der Malerei.
Es ist, wenn auch eine kleine, so doch die erste Einzelausstellung seit seiner gefeierten Retrospektive im Pariser Centre Pompidou, die auf Werkschauen in den wichtigsten Museen der Welt folgte – vom Hirshhorn in Washington, über die Fondation Beyerle in Basel bis zur Gallerie dell’Accademia in Venedig. Georg Baselitz ist seit den frühen 60er Jahren einer der zentralen Figuren der Malereigeschichte. Seine radikale Neuerfindung und auf-den-Kopf-stellen der Figuration hat ihn längst zu einer unangefochtenen Ikone der Gegenwartskunst gemacht. Sir Norman Rosenthal, der britische Kurator und langjährige künstlerische Leiter der Royal Academy in London, geht so weit, Baselitz als einen der größten Maler seit Picasso zu bezeichnen.
Baselitz selbst wird in Potsdam ruhige Töne anschlagen, und mit seinen Tusche-Zeichnungen in einen Dialog mit Preußens Stararchitekten treten. Kuratiert wird die Ausstellung von Cornelius Tittel.

Ausstellungszeitraum und Öffnungszeiten:
28. August – 31. Oktober 2022
Donnerstags bis sonntags und feiertags, 11 bis 17 Uhr
Eintritt frei, Spenden erwünscht

Von 03.07.2022 bis 29.01.2023, Museum Lichtenberg im Stadthaus

Am 30. Juni 1911 ließ der 17-jährige jugendliche Fußball-Enthusiast Wilhelm Wendt aus Rummelsburg als ältester seiner Mannschaft den Verein Sparta 1911 eintragen. Der Verein entwickelte sich bald zu einem der erfolgreichsten Arbeitersportvereine in Berlin und Deutschland und ging im 20. Jahrhundert durch Höhen und Tiefen. Die Sonderausstellung „111 Jahre Sparta Lichtenberg“ im Museum Lichtenberg spiegelt Facetten der Geschichte des Vereins anhand von Personen, Ereignissen und Objekten wieder. Die Ausstellung im Museum Lichtenberg in der Türrschmidtstraße 24 ist vom 3. Juli 2022 bis 29. Januar 2023 zu sehen.

In der DDR spielte Sparta als Betriebssportgruppe eine wichtige Rolle für den Breitensport. Die Wende bedeutete auch für Sparta einen schweren Neuanfang, den sie jedoch schnell überwanden. Ab 1990 stellte sich Sparta als modernen, weltoffenen und kiezverbundenen Verein auf und spielte seit 2017 in der Berlin-Liga. Neben Fußball gibt es heute die Abteilungen Volleyball, Prellball, Tischtennis, Gymnastik, Kegeln und Tauchsport – mit einer starken Jugendmannschaft ist der Verein auch für die Zukunft gut aufgestellt.

Die Sonderausstellung wird ergänzt durch eine Kinderebene „Mein Sparta“, die von Kindern und Jugendlichen aus Lichtenberg und Hohenschönhausen gestaltet wurde.
Das Projekt wird vom Museum Lichtenberg in Kooperation mit dem Albus e.V. und dem SV Sparta Lichtenberg e.V. realisiert. Gefördert wird das Projekt durch das Programm „Kultur macht stark. Bündnisse für Bildung“ des Bundesministeriums für Bildung und Forschung (BMBF) und dem Deutschen Museumsbund e. V. im Rahmen der Förderung „Museum macht stark“.

Eröffnung: Der Bezirksbürgermeister Michael Grunst, das Amt für Weiterbildung und Kultur und der Fachbereich Museum und Geschichte laden am Freitag, den 1. Juli um 19 Uhr zur Eröffnung der Ausstellung im Museum Lichtenberg ein.

Von 01.07.2022 bis 02.10.2022, Museum für Kommunikation Berlin

Ein Telefon in Form eines Duschkopfs, eine Briefmarke, die sich mit einem Plattenspieler abspielen lässt, ein Bierdeckel, der als Postkarte verschickt wurde, eine Jeansjacke, mit der sich das Smartphone steuern lässt – wenn Menschen Nachrichten übermitteln wollen, werden sie kreativ.

Kuriose Objekte, die durch eine ungewöhnliche Nutzung überraschen, eine außergewöhnliche Geschichte oder ein besonderes Design haben, sind Teil der Sammlung der Museumsstiftung Post und Telekommunikation. Durch alle Jahrhunderte von den Anfängen bis zur digitalen Gegenwart haben Techniker:innen, Erfinder:innen und Laien Dinge und Wege entwickelt, Botschaften zu überbringen.

Die Ausstellung widmet sich diesen besonderen Objekten und geht dabei ebenfalls der Frage nach, wie, warum und für wen Museen sammeln.

Hier gibt es alle Infos und geht es zur Anmeldung für die Ausstellungseröffnung am 30. Juni. 

Von 25.06.2022 bis 31.10.2022, Schloss Königs Wusterhausen

Mit Figurinen aus Draht, die farbig bemalte Papierkostüme mit vorgetäuschter französischer Spitze und Stoffen wie Samt und Seide tragen, wird die Illusion erzeugt, dass kurzzeitig wieder Leben in das Schloss einzieht: Einige der erwachsenen Kinder Friedrich Wilhelms I. kehren als lebensgroße Papierfigurinen zurück und lassen Geschichten und Begebenheiten aus der Zeit des 18. Jahrhunderts, die sich im Schloss Königs Wusterhausen zugetragen haben, wiederaufleben. Historische Fakten werden aufgegriffen, das Zusammentreffen der Protagonisten ist jedoch fiktiv. Das Schloss Königs Wusterhausen wird dabei zu einem idealen Bühnenbild.

Isabelle de Borchgrave schuf die prachtvollen Papierfigurinen ursprünglich für das Theaterstück „Der Modeaffe“, das 2012 im Rahmen der Ausstellung „Friederisiko“ im Neuen Palais in Potsdam als szenische Promenade umgesetzt und gezeigt wurde. Im Schloss Königs Wusterhausen wird mit einer Auswahl der Figurinen eine neue Geschichte erzählt.

Von 01.05.2022 bis 30.09.2022, Märkisches Museum

Junge Berliner:innen haben auf kreative Weise ihre Stadtgeschichten erzählt. Die Projektergebnisse werden im Museumslabor präsentiert.

Kinder und Jugendliche aus dem Übergangswohnheim Marienfelder Allee sowie aus den Gemeinschaftsunterkünften Stallschreiberstraße und Storkower Straße hatten Besuch von einem Fabeltier: Sisyphos, dem Flugelefanten! Zusammen haben sie Berlin neu entdeckt und sich auf eine Zeitreise in die Zukunft begeben, auf der sie dem alten Märkischen Museum begegnet sind – und das mitten in der Corona-Pandemie. Wie haben sie ihre Abenteuer festgehalten? Kommen Sie ins Museumslabor und finden Sie es heraus!

Ein Projekt von Sisyphos, der Flugelefant (SdF) und Bildungsflügel e. V. in Kooperation mit dem Stadtmuseum Berlin.

Von 04.11.2022 bis 05.03.2023, Kunstgewerbemuseum

In der Ausstellung, die in Kooperation mit Designforscher*innen des Exzellenzclusters „Matters of Activity. Bild-Raum-Material“ der Humboldt- Universität zu Berlin entstanden ist, werden Kontingenzen und Brüche zwischen traditionellem Handwerk und jüngsten Entwicklungen an der Schnittstelle von Materialforschung, Design, Technik und Architektur erkundet.

Das Ausstellungsprojekt bringt Artefakte aus der Sammlung des Museums mit Work-in-Progress-Installationen von Designer*innen und Forscher*innen aus dem Exzellenzcluster zusammen, um einen Dialog über die historischen, gegenwärtigen und zukünftigen Bedingungen von Materialität anzustoßen. „Material Legacies“ entfaltet die vielfältigen Wechselbeziehungen, die aus und mit Materialien entstehen. 

Materielle Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft

Durch die Auseinandersetzung mit einer Reihe unterschiedlicher Materialien und Techniken problematisiert die Ausstellung einerseits nicht-nachhaltige Vergangenheit und Gegenwart und entwirft andererseits Vorstellung von möglichen materiellen Zukünften. Das geschieht in der Auseinandersetzung mit formverändernden Oberflächen und phasenverändernden Textilien sowie mit den Prozessen Kalkbildung, Mineralisierung und Sedimentation. 

Materialien im Kontext

Im Projekt wurde jedes der Exponate in seinem soziokulturellen, wirtschaftlichen und politischen Kontext untersucht. Dabei standen Fragen wie diese im Vordergrund: 

• Wie können wir übrig gebliebenes Material besser nutzen?
• Was können wir von der Übertragung biologischer Prozesse auf die Materialverarbeitung lernen?
• Was lehren uns Materialien und Artefakte über unser Verhältnis zur Umwelt?

Beteiligte Forscher*innen

Michaela Büsse, Mason Dean, Karola Dierichs, Michaela Eder, Lorenzo Guiducci, Heidi Jalkh, Agata Kycia, Claudia Mareis, John A. Nyakatura, Felix Räsehorn, Iva Rešetar, Christiane Sauer, Igor Sauer, Maxie Schneider, Robert Stock, Josephine Shone, Emile de Visscher, Charlett Wenig. 

Das Exzellenzcluster „Matters of Activity. Bild-Raum-Material“

„Matters of Activity. Bild-Raum-Material“ ist eine interdisziplinäre Forschungsgruppe, die sich zum Ziel gesetzt hat, die Grundlagen für eine neue Kultur der Materialien zu schaffen. Sie ist an der Humboldt-Universität zu Berlin angesiedelt und forscht an der Schnittstelle von Biologie und Technik, Geist und Material, Natur und Kultur. 

Mit Unterstützung des Exzellenzclusters „Matters of Activity.  Bild-Raum-Material“, gefördert durch die Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG) im Rahmen der Exzellenzstrategie des Bundes und der Länder.

Über die Reihe „Design Lab“

Die Ausstellungsreihe „Design Lab“ lädt seit 2019 ausgewählte Designstudios, Studierende und Forscher*innen ein, aktuelle Projekte vorzustellen und in einen Diskurs mit der Sammlung des Kunstgewerbemuseums zu treten. Kuratiert wird die Reihe von Claudia Banz, Kuratorin für Design am Kunstgewerbemuseum. Sie wird gefördert durch das Kuratorium Preußischer Kulturbesitz.

Von 23.09.2022 bis 20.11.2022, Kunstgewerbemuseum

Das Design Lab #12 beleuchtet den traditionellen Werkstoff Metall von seiner weichen Seite. Zeitgenössische Entwürfe von Design-Student*innen aus Gusseisen und Bronze spiegeln die Möglichkeiten des Materials im Kunstguss wieder. Die Arbeiten treten in einen Dialog mit historischen Exponaten aus der Sammlung und bilden neue Narrative zwischen Tradition und Gegenwart. Das Design Lab #12 entstand in einer Kooperation des Kunstgewerbemuseums mit der Fachhochschule Potsdam unter der Leitung von Claudia Banz, Wibke Bornkessel und Hermann August Weizenegger.

Design trifft Handwerk

Eine junge Generation von Gestalter*innen hat in den letzten Jahren das Handwerk wieder für sich entdeckt. Sie können auf alte, handwerkliche Traditionen zurückgreifen, haben aber dennoch viel Spielraum für Experimente. Für die Studierenden der Fachhochschule Potsdam bestand die konkrete Herausforderung darin, ein Projekt zu entwickeln, das einerseits einen Dialog zu den historischen Exponaten aus der Sammlung „Eisenkunstguss“ eröffnet und anderseits Ideen für eine zeitgenössische Gestaltung des Materials Eisens und die traditionelle Technik des Eisengusses aufzeigt.

Regionale Produktion

Der Anspruch auf eine ganzheitliche Kontrolle des Produktionsablaufs wurde durch die Auswahl von zwei regionalen Kunstgießereien gewährleistet. Für das Ausstellungsprojekt konnten sowohl die bereits 1725 gegründete Kunstgießerei Lauchhammer als auch die Kunstgießerei Altglienicke gewonnen werden. 

Lauchhammer kann auf eine lange Tradition im Eisenguss zurückblicken. Nach Entwürfen von namhaften Künstlern und Gestaltern entstanden qualitativ hochwertige Dinge für den alltäglichen Gebrauch und zur Dekoration wie Leuchten, Schalen, Dosen, Spiegel sowie Plastiken, Brunnen oder architektonische Gitter. Bis heute werden noch Objekte von Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) in Serie produziert. 

Die Kunstgießerei Altglienicke – ehemals Kunstgießerei Flierl – ist eine noch recht junge Bronzegießerei, die sich der besonders engen, schöpferischen Zusammenarbeit mit Auftraggebern und Künstlern verschrieben hat. Das Spektrum der Arbeiten reicht von kleinen Skulpturen bis zu großen Objekten, wie beispielsweise die Kuppelkrönung des neuen Berliner Humboldt Forums.

Material als patriotischer Code

Anfang des 19. Jahrhunderts erlebte das Material Eisen vor allem im ehemaligen Preußen eine ökonomische, politische und ästhetische Blüte. Die Dekaden der Befreiungskämpfe von der napoleonischen Herrschaft galten als Eiserne Zeit. Entsprechend avancierte Eisen zum patriotischen Material. Wirtschaftlich wurde die Eisenproduktion von König Friedrich Wilhelm III. nachhaltig gefördert. Mit der 1804 gegründeten Königlichen Eisengießerei, entwickelte sich Berlin zum wichtigen Produktionsstandort und künstlerischen Zentrum für Eisenkunstguss.

Materialinnovationen

Die Industrialisierung beeinflusste das traditionelle Metallhandwerk nachhaltig: neue Rezepturen, effektivere Arbeitsschritte und eine höhere Produktionsquote führten zu einem größeren Marktabsatz und Gewinn. Viele Dinge des Alltagslebens, Möbel und Leuchter wurden in großer Stückzahl gegossen und auf den europäischen Markt gebracht. Zu den wichtigen Innovationen dieser Zeit gehört der Berliner Eisenschmuck, der aufgrund seiner internationalen Bekanntheit auch „Fer de Berlin“ genannt wurde.

Mit eigenen Arbeiten in der Ausstellung vertretene Studierende

Produktdesign: Alan Philippe Bietenholz, Constantin Schmidt, Djamal Okoko, Fritz Rahne, Hannah Fischer, Jasmin Kappler, Jonathan Wellmann, Levi Kollwitz, Lisa Sperber, Milan Friedrich, Toni Fluegel, Yasemin Walter. Grafik: Ricardo Mayer

Über die Reihe „Design Lab“

Die Ausstellungsreihe „Design Lab“ lädt seit 2019 ausgewählte Designstudios, Studierende und Forscher*innen ein, aktuelle Projekte vorzustellen und in einen Diskurs mit der Sammlung des Kunstgewerbemuseums zu treten. Kuratiert wird die Reihe von Claudia Banz, Kuratorin für Design am Kunstgewerbemuseum. Sie wird gefördert durch das Kuratorium Preußischer Kulturbesitz.

Von 03.06.2022 bis 28.08.2022, FHXB Friedrichshain-Kreuzberg Museum

Techno ist ein Genre der jüngeren Musikgeschichte. Entstanden aus unterschiedlichen Musikrichtungen hat Techno sich in Detroit und Berlin entwickelt, zwei urbane Orte mit sehr unterschiedlichen Geschichtsentwicklungen. Zum Zeitpunkt der Entstehung von Techno befinden sich beide Städte in drastischen Umbruchsphasen: in Detroit war die Großindustrie abgezogen; das ehemals geteilte Berlin stand im Zentrum der Wiedervereinigung Deutschlands.

Die Ausstellung „The Birth of Techno. From Detroit nach Berlin“ untersucht die Entwicklungen der Technobewegung in beiden Städten. Im Mittelpunkt steht, die Beziehungen zwischen den Technobewegungen in Detroit und Berlin zu zeigen.

Durch den Einbezug von Akteuren aus Detroit und Berlin werden neue Perspektiven auf die hierzulande meist „weißen“, eurozentrischen Erzählungen über Techno möglich und afro-amerikanische Einflüsse auf Techno sichtbar, auf die sich der Detroiter Techno bezieht. Hierbei zeigt sich, dass der Detroiter Techno seine künstlerischen und ästhetischen Bezüge aus dem Afrofuturismus und anderen utopischen Erzählungen bezieht. Die Berliner Technogeschichte ist stark von Detroit beeinflusst, nicht zuletzt durch Austausch und Auftritte von Künstler:innen aus Detroit. Gleichzeitig ist die Wendezeit, die von der Deindustrialisierung und einer fragmentierten Stadtentwicklung geprägt war, ein wichtiger Kontext für die Entwicklungen des Berliner Technos.

Die Ausstellung zielt als dekolonialisierender Erzählraum darauf, die oftmals vernachlässigten Geschichten und Stimmen des Detroiter Techno in den Vordergrund zu rücken, Aneignungen und Vermarktungsstrategien im deutschen Techno zu thematisieren und schließlich auf eigensinnige, z.T. kleinteiligen Strukturen der Berliner Technokultur zu blicken.

Im Vorfeld der Ausstellung haben die DJs Sarah Farina und SENU DJ-Workshops mit Jugendlichen gegeben. In Kooperation mit dem Berliner Club Tresor findet im Anschluss an die Ausstellungseröffnung am 2. Juni eine Party mit Detroiter und anderen DJs statt. Zudem werden Veranstaltungen mit anderen Berliner Clubs und Akteur:innen aus der Szene stattfinden. Mehr Informationen folgen.

Zur Eröffnung am 2. Juni ab 18 Uhr wird der Detroiter Künstler und Mitglied von Underground Resistance Abdul Qadim Haqq seine Sichtweise auf Techno in Malerei übersetzen. Während der Eröffnung entsteht ein Gemälde, was während der Dauer der Ausstellung zu sehen sein wird.

Kuratiert von Arastu Salehi.
Gestaltung von eckedesign.
Gefördert durch Mittel des Hauptstadtkulturfonds und die Checkpoint-Charly-Stiftung.

Von 20.07.2022 bis 13.11.2022, Alte Nationalgalerie

Anlässlich des 175. Geburtstags von Max Liebermann am 20. Juli 2022 rückt die Alte Nationalgalerie mit einer multimedialen Intervention Schlüsselwerke des bedeutenden Impressionisten aus der Dauerausstellung in den Fokus. In Videos mit kurzen Statements sprechen Menschen aus unterschiedlichster Perspektive – die Museumsaufsicht aus der Alten Nationalgalerie genauso wie die Künstlerin Valerie Favre oder der Filmschauspieler Tom Schilling – über ihre persönliche Begeisterung für Liebermann. Die Intervention beleuchtet 13 Werke der Sammlung der Nationalgalerie aus sehr individuellen Blickwinkeln und regt die Besucher*innen zur eigenen Auseinandersetzung mit dem Ausnahmekünstler an.

Die entstandenen Videos laden zum Eintauchen in ganz persönliche Liebermann-Momente der verschiedenen Protagonist*innen ein. Es berichten neben Museumsaufsicht, Künstlerin und Schauspieler unter anderem auch der Museumsdirektor ebenso wie Kinder und Jugendliche. Verfügbar sind die Videos in der Ausstellung via QR-Codes sowie über den YouTube-Kanal der Staatlichen Museen zu Berlin.

Der Künstler Max Liebermann

Die Sammlung der Nationalgalerie beherbergt mit 22 Gemälden, darunter „Gänserupferinnen“ (1871/1872), „Flachsscheuer in Laren“ (1887) und „Selbstbildnis mit Sportmütze an der Staffelei“ (1925) wesentliche Meilensteine der großen Kariere des berühmten Berliner Malers. Max Liebermann (1847-1935) war einer der bedeutendsten deutschen Maler auf dem Weg zur Moderne, dessen Malstil sich während seines langen Schaffens vom Naturalismus zum Impressionismus wandelte. Als Mitbegründer der Berliner Secession und Sammler hatte er an der Etablierung des Impressionismus ebenso Anteil wie als Freund und Berater des damaligen Direktors der Nationalgalerie Hugo von Tschudi. Der aus einer jüdischen Familie stammende Liebermann war eine der prägenden Gestalten im Kunstleben Berlins zwischen Kaiserreich und Weimarer Republik.

Von 23.06.2022 bis 08.08.2022, Humboldt Forum

Holzschnitte zum Kabuki-Theater aus dem 18. bis frühen 20. Jahrhundert und weitere Bilder, auf denen die Performanz des Geschlechts thematisiert wird, laden die Besucher*innen ein, die Frage nach dem Geschlecht jenseits von binären Zuordnungen kritisch zu hinterfragen und mit dem Blick von heute neu auf ausgewählte Bilder der Museumssammlung zu schauen.

Bereits im 12. Jahrhundert thematisierte der Text „Torikaebaya monogatari“ (Die vertauschten Geschwister), eine performative Auffassung von Geschlecht / gender in Japan. Im Zentrum des Textes steht ein Geschwisterpaar, deren biologisches Geschlecht als männlich bzw. weiblich angesehen wurde, die aber jeweils in Kleidung des anderen Geschlechts am Kaiserhof Karriere machten. Theaterformen wie Nō oder Kabuki, bei denen alle Rollen von Personen desselben Geschlechts dargestellt wurden, popularisierten diese Form der Geschlechter-Performanz. Auch in der visuellen Kultur und Kunst gibt es zahlreiche Beispiele für Darstellungen, bei denen sich die Frage nach dem Geschlecht nicht eindeutig beantworten lässt.

Im Zentrum dieser Wechselpräsentation innerhalb der Dauerausstellung des Museums für Asiatische Kunst im Humboldt Forum steht ein Rollbild eines Hofmalers aus dem Kyoto des 18. Jahrhunderts, das einen traditionellen jungen Mann in der Rolle einer weiblichen Tänzerin zeigt. Inzwischen mehreren sich die Stimmen, die fragen, ob es sich bei der Tänzer*in nicht um eine Frau handeln könnte, die sich an den modischen Idealen der ‚Frauendarsteller‘ orientierte.

Eine Wechselpräsentation des Museums für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin, zu sehen im Rahmen der Dauerausstellung „Ethnologische Sammlungen und Asiatische Kunst“ im Humboldt Forum im Raum 318, „Kunst aus Japan“

Von 07.07.2022 bis 08.01.2023, Neue Synagoge Berlin – Centrum Judaicum

Was wird sein, wenn keine Überlebenden der Schoah mehr leben und befragt werden können? Es bleiben jedenfalls ihre Zeugnisse in Form von Literatur, in historischen Filmdokumentationen, Audio- und Videointerviews.

Grund genug, den Blick auf die Geschichte der Zeitzeugenschaft zu richten und auf die komplexe Beziehung zwischen Überlebenden und der sie umgebenden Gesellschaft. Denn bald werden keine Zeitzeug*innen mehr an der Kommunikation über ihre Erinnerung teilnehmen können und damit verlieren sie ihre Einspruchsmöglichkeit in Bezug auf die Interpretation und den Gebrauch ihrer Zeugnisse. Die Ausstellung widmet sich daher der Frage, wie Museen, Gedenkstätten und andere Institutionen mit den verbleibenden Zeitzeugnissen verantwortungsvoll umgehen können. Direkt nach der Schoah waren die Überlebenden oft allein mit ihren Erinnerungen, das Interesse daran begann in Deutschland verstärkt erst seit den 1980er-Jahren. Die Ausstellung richtet den Blick auf die Geschichte dieser Interviews seit 1945, aber auch darauf, welche Funktion ihnen und den Überlebenden seitens Öffentlichkeit, Zuhörenden und Institutionen jeweils zugeschrieben wurde. Sie blickt auf die Intentionen der Zeitzeug*innen und hinterfragt gleichzeitig die „Gemachtheit“ der Interviews, die Rolle der Interviewer*innen und die gesellschaftliche Erwartungshaltung. Außerdem präsentiert sie in vier thematischen Segmenten zum ersten Mal die verschiedenen Erinnerungsnarrative überlebender Berliner Jüdinnen und Juden. Und sie stellt Fragen nach Zukunft der Zeitzeugenschaft im Kontext diverser Erinnerungskulturen.

Eine Ausstellung des Jüdischen Museum Hohenems und der KZ-Gedenkstätte Flossenbürg in Zusammenarbeit mit der Stiftung Neue Synagoge Berlin – Centrum Judaicum.

Die für Berlin adaptierte Version enthält Interviews mit überlebenden Berliner Jüdinnen und Juden.

Die Ausstellung wird gefördert durch die
Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien.

Von 25.11.2022 bis 09.01.2023, Berlinische Galerie

Im Arbeitsfeld Kunst treffen extreme Klassenunterschiede aufeinander. Armut und soziale Herkunft werden meist verschwiegen – oder fetischisiert. Die Lebensrealitäten von Künstler*innen werden dabei stark von jenen nicht glamourösen, nicht öffentlichen Seiten des Kunstbetriebs bestimmt: von prekären Produktionsbedingungen und finanziellen Abhängigkeiten.

Das Ausstellungsprojekt untersucht diese komplexen Beziehungen und die sich daraus ergebenden Widersprüche – sowohl in der Auswahl der gezeigten künstlerischen Arbeiten als auch in einem diskursiven Begleitprogramm.

Künstler*innen (Auswahl):
Douglas Boatwright, Verena Brakonier/Greta Granderath/Jivan Frenster, Vlad Brăteanu, Hannah Höch, Liang Luscombe, Verena Pfisterer, Jelka Plate, Margret Steenblock und Clara Rosa, Hito Steyerl/Giorgi Gago Gagoshidze/Miloš Trakilović, u.a.

Zusammensetzung der nGbK-Projektgruppe:
Frauke Boggasch, Silke Nowak, Anna Schapiro, Anna-Lena Wenzel, Norbert Witzgall

Das Projekt ist eine Kooperation der neuen Gesellschaft für bildende Kunst (nGbK) und der Berlinischen Galerie.

Von 15.07.2022 bis 31.10.2022, Berlinische Galerie

Die Künstlerin Tabea Blumenschein (1952–2020) ist dem Publikum vor allem als Darstellerin in den Filmen der international renommierten Regisseurin Ulrike Ottinger (*1942) bekannt. Blumenscheins künstlerische Kreativität fand in ihrer zweiten Lebenshälfte in der Zeichnung eine ebenso starke weitere Ausdrucksform. Es entstanden hunderte fiktive und stilisierte Porträts in einem flächigen, an Comic-Zeichnungen erinnernden Stil. Ihre Figuren sind meist androgyn und durch ihre Kostümierungen und Attribute wie farbige Tattoos in der Queer- und Subkultur-Szene verankert.

Mit einer Auswahl von etwa 40 großformatigen, farbigen Blättern stellt die Berlinische Galerie dieses bisher wenig bekannte zeichnerische Werk vor. Ergänzt um eine etwa gleichgroße Anzahl von Fotografien von Ulrike Ottinger, die Tabea Blumenschein in verschiedenen Filmprojekten zeigen, feiert die Schau zugleich die künstlerische Zusammenarbeit und Freundschaft dieser beiden wichtigen Protagonistinnen der Berliner Kunstszene der 1970er und 1980er Jahre.

Die Ausstellung findet aus Anlass der umfangreichen Schenkung von Werken Tabea Blumenscheins aus dem Besitz Ulrike Ottingers an die Berlinische Galerie statt. Damit vertieft die Berlinische Galerie ihr grundlegendes und beständiges Interesse an den Lebensleistungen von Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. Neben Positionen der klassischen Moderne wie etwa Jeanne Mammen und Lotte Laserstein hat sich das Museum in Retrospektiven stets auch für in Berlin lebende zeitgenössische Künstlerinnen wie etwa Dorothy Iannone oder Loredana Nemes eingesetzt.

Kämpfe und Widerstände gegen Rassismus sind Bestandteil der Geschichte dieses Landes. Ob eingewandert, durchreisend oder hier geboren - Menschen mit Rassismus-, Antisemitismus- und Diskriminierungserfahrungen kämpfen seit Jahrzehnten für Gleichberechtigung und gesellschaftliche Veränderung. Ihre Forderungen für Teilhabe und Projekte gegen Rassismus und Unterdrückung haben die Gesellschaft wesentlich mitgeprägt. Ihre Geschichten und Perspektiven bleiben jedoch meist unsichtbar und unerzählt. Ihr Wissen, ihre Erfahrungen und ihre Stimmen werden instrumentalisiert oder fehlen in der Erinnerungskultur und in offiziellen Archiven.

Zusammen mit vielen Menschen aus Ost-, West- und dem wiedervereinigten Deutschland arbeiten wir seit einiger Zeit daran, die Geschichten der Kämpfe gegen Rassismus und Antisemitismus zu erzählen. Gemeinsam suchen wir nach neuen Wegen des Sammelns, Aufarbeitens und Darstellens.

Im FHXB Friedrichshain-Kreuzberg Museum ist ein offenes Archiv mit ersten Ergebnissen dieses gemeinsamen Forschens entstanden. Es handelt sich um eine Sammlung an Bruch- und Fundstücken, die bei Workshops und durch Unterstützung der Besucher:innen weiter wachsen wird. Das offene Archiv soll zu einem Debattenraum werden, der vergangene Erfahrungen mit heutigen Debatten und Kämpfen gegen Antisemitismus, Rassismus und allen Diskriminierungen zusammenbringt.

Ein Kooperationsprojekt der Georg-August-Universität Göttingen, der Fachhochschule Kiel, des Dokumentationszentrums und Museums über die Migration in Deutschland e.V. (DOMiD) und des FHXB Friedrichshain-Kreuzberg Museums.

Informationen und Termine unter www.versammeln-antirassismus.org

Gefördert durch die Bundeszentrale für politische Bildung.

Von 04.07.2022 bis 18.11.2022, Mitte Museum

Zu sehen sind Fotos und Dokumente aus Peter Zanders Nachlass. Zur Eröffnung zeigt das Mitte Museum den Begleitfilm zum Projekt mit Jugendlichen der Theodor-Heuss-Gemeinschaftsschule am Montag, den 4. Juli 2022 um 17 Uhr.

Nach dem Machtantritt Adolf Hitlers emigrierte Peter Zander mit seinen Eltern 1933 nach London. Bis an sein Lebensende engagierte er sich als „Brückenbauer“ zwischen beiden Orten und bezeichnete sich als „Londoner Berliner“.

Die Ausstellung entstand gemeinsam mit Jugendlichen der Theodor-Heuss-Gemeinschaftsschule und dem Verein Tanz Theater Dialoge.

Von 13.08.2022 bis 09.10.2022, Schloss Sacrow

Museum für einen Sommer

Grenzüberschreitungen

13. August – 9. Oktober 2022

Ausstellung im Schloß Sacrow

Ausstellungseröffnung am 12. August 2022 um 18 h

Künstler

Carmantrand, Michel/Malerei

Früchtl, Tom/Installation

Grave, Laurence/Malerei

Göbel, Philipp Donald/Malerei

Knottenbelt, Marjolein/Konzeptkunst

Malcom-Smith, Charlotte/Installation

Meyer, Daniela/Malerei

Nies, Malte/Photographie

Tschirner, Antje/Graphik

Grenzüberschreitungen in der Kunst sind nichts neues. Das Wort wurde in der Geschichte der Kunst schon oft verwendet.

Eine Grenzüberschreitung ist die implizite und oft auch explizite Legitimation jeder Avantgardebewegung gewesen.

Die Behauptung basiert auf der Annahme, dass es nicht nur eine Grenze gibt, sondern diese sogar überschritten wird.

Aber gibt es sie wirklich? Wo könnte eine Grenze innerhalb der Kunst verlaufen und was ist denn eigentlich Kunst?
 

Die Gruppen-Ausstellung beleuchtet auf ihre Weise die Fragen zur Kunst mit Kunst. Jede Position der Ausstellenden nähert sich dem Thema auf ihre Weise mit den ureigenen Mitteln und stellt sie gleichsam in Frage.

Von 04.04.2022 bis 28.08.2022, Brücke-Museum

1910 war eines der prägendsten Jahre der Künstlergemeinschaft Brücke und ihr künstlerischer Höhepunkt. Fünf Jahre zuvor von den Architekturstudenten Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner und Karl Schmidt-Rottluff in Dresden gegründet, fand die Gruppe in diesem Jahr ihren gemeinsamen Stil. Im Atelier oder draußen in der Natur arbeiteten die Künstler intensiv zusammen und beeinflussten sich dabei gegenseitig. Schnelle Pinselstriche, kräftige Farben und eine unverstellte Energie kennzeichnen ihre Arbeiten in dieser Zeit. „Man sieht ein Suchen Zeitgenössisches, Gegenwärtiges zu einer traditionsfreien Gestalt zu formen […]“, bescheinigt der Kunstkritiker Paul Fechter der Künstlergruppe im Herbst 1910.

Nichts weniger als der Aufbruch gegen die damaligen Konventionen war das erklärte Ziel der gemeinsamen Aktivitäten.  So gründete sich 1910 unter der Führung des Brücke-Mitglieds Max Pechstein auch die sogenannte „Neue Secession“ als Gegenpol zu der bis dahin dominierenden „Berliner Secession“, dem Zusammenschluss einer älteren Generation an Künstlern.  Nur wenige Monate danach fand in der Galerie Ernst Arnold ihre wegweisende Ausstellung statt, die den Ruhm der Brücke weit über die Grenzen Dresdens verbreitete. Und Otto Mueller trat im Laufe des Jahres als neues Mitglied der Gruppe bei und verstärkte die Gemeinschaftsbande.

Besonders eng schlossen sich Kirchner, Heckel und Pechstein in diesem Jahr zusammen und verbrachten viele Wochen gemeinsam an den Moritzburger Teichen, in der Nähe von Dresden.  Jedoch zog es die Künstler nun – einzeln und zusammen – verstärkt aus der Enge Dresdens, nach Berlin, Hamburg, an die Nordsee. 1911 sollten dann alle nacheinander in die Hauptstadt umziehen, wo sich die frühe Vertrautheit und Verbundenheit nicht mehr einstellten.

Die Ausstellung ist Teil einer dreiteiligen Reihe, die zentrale Jahre der Künstlergruppe Brücke – neben 1910, auch 1905: Der Beginn (geplant 2024) und 1913: Berlin (2018) – kulturgeschichtlich untersucht. In welcher Zeit entstand diese Kunst, was ist an ihr so radikal anders gewesen, wie wirkt sie heute auf uns? Diesen Fragen geht die Ausstellung anhand des reichhaltigen Bestandes des Brücke-Museums nach.

Von 13.05.2022 bis 19.08.2022,

Reinickendorf entwickelt sich zu einem Ort für die Kunst. Seit 2021 bietet das AUGUSTE-Atelierhaus rund vierzig internationalen Künstler:innen und Musiker:innen Platz zum Arbeiten. „AUGUSTE Das Atelierhaus stellt sich vor.“ zeigt Einblicke in das Werk von neun Künstler:innen, die hier einen neuen Ort gefunden haben: Alby Estaeban Álamo, Nil Bräg, Donna Fei, Anna Fiegen, Miriam Kongstad, Estefanía Landesmann, María León, Johanna Silbermann und Katrin Wegemann.

In ein historisches Fabrikgebäude, dem W&H-Gebäude von 1926, mit dem die Degussa seinerzeit ihren Standort vergrößerte, wurden moderne, funktionale Studios mit gehobenem Standard eingebaut. Was normalerweise hinter verschlossenen Türen entsteht, zeigt die Ausstellung in der kommunalen Rathaus-Galerie anhand exemplarischer Positionen. „AUGUSTE Das Atelierhaus stellt sich vor.“ bietet einen Ausschnitt aus dem vielfältigen künstlerischen Schaffen in Reinickendorf, das mit der Eröffnung des nunmehr fünften Atelierhauses den Bezirk zunehmend prägen wird.

Von 19.07.2022 bis 09.10.2022, Museum Pankow / Prenzlauer Allee

Angefangen hat es am 27. Juni 1982 in Rummelsburg in Ostberlin. An diesem Tag fand auf dem Kirchengelände der Erlöserkirche, initiiert von Umwelt-, Friedens und Menschenrechtsgruppen unter Beteiligung von 3.000 Besucher*innen die erste Friedenswerkstatt statt.

Aktive für die Gründung eines Antikriegsmuseums in Ostberlin zeigten hier öffentlich ihre erste Ausstellung, weitere folgten kurz darauf an anderen Orten. 1984 wurde dann in der Bartholomäuskirche ein ständiger Ausstellungsraum, 1985 die Bibliothek eröffnet.

Bis heute konnten über 2.600 Ausstellungen an fast 600 verschiedenen Orten, zuerst in der DDR später auch in der vereinten Bundesrepublik und im Ausland einem Millionenpublikum gezeigt werden.

Im Mittelpunkt vieler Ausstellungen stehen Biografien von Personen, die im Verlauf ihres Lebens Mut und Haltung gezeigt, sich für andere Menschen eingesetzt und oftmals dafür mit dem Leben bezahlt haben.

Mit der Werkausstellung "einen gewaltigen Anstoß zum Handeln" würdigt das Museum Pankow die Arbeit der Friedensbibliothek/Antikriegsmuseum. Parallel zeigen die Immanuel-Kirchengemeinde und die Bibliothek am Wasserturm zwei Ausstellungen der Friedensbibliothek/Antikriegsmuseum in ihren Räumen.

Begleitend zu den Ausstellungen sind eine Reihe von Veranstaltungen geplant.

Weitere Informationen finden Sie auch unter:

https://immanuelgemeinde.de/

https://www.berlin.de/stadtbibliothek-pankow/aktuelles/ausstellungen/#baw

Eine Ausstellung des Museums Pankow in Kooperation mit der Friedensbibliothek/Antikriegsmuseum und der Evangelischen Immanuel-Kirchengemeinde

Von 18.06.2022 bis 21.08.2022, Kunstraum Kreuzberg/Bethanien

Die Ausstellung WERBEPAUSE – The Art of Subvertising versammelt zeitgenössische Akteur*innen der Subvertising-Bewegung im Kunstraum Kreuzberg: eine wilde Zusammenkunft von Künstler*innen zwischen Post-Situationismus, Aktivist*innenkunst, Parafiktion, Institutionskritik, Institutionsbefreiung, Hackingkultur, öffentlicher Kunst, direkter Aktion und gegenkultureller Öffentlichkeit.

Subvertising (auch bekannt als Adbusting) kann als eine Handlung definiert werden, die den Zweck der Werbung stört. Es ist der Versuch, in die visuelle Landschaft (Richard Gilman-Opalsky) einzugreifen und die kapitalozentrische Hegemonie (J. K. Gibson Graham) im öffentlichen Raum zu untergraben.

Subvertising ist die Kunst, eine Sprache gegen sich selbst zu wenden, um Ambiguität zu schaffen. Dabei kommen immer wieder zwei Themen zum Vorschein: Wahrheit und Freiheit. Durch die Besetzung einer Werbefläche und die Nachahmung ihrer Sprache inszeniert das Subvertising seine eigene Strategie und gibt vor, etwas zu sein, was es nicht ist. Es schafft etwas Falsches, um uns etwas Wahres mitzuteilen: Unsere Vorstellung von Richtig und Falsch ist nie absolut, sondern hängt vom Kontext ab. Subvertising nutzt Fälschung als satirisches Element, um die Öffentlichkeit zum Nachdenken und zur Faktenprüfung anzuregen. Die zeitweise Wiederaneignung des öffentlichen Raums wird als befreiendes Moment erlebt.

Die Ausstellung zeigt einen vielfältigen Querschnitt des zeitgenössischen Subvertising. Zu sehen sind ästhetische Praktiken einzelner Künstler*innen sowie tatsächliche Aktionen und ihre Ergebnisse.

Dabei stellen sich Fragen: Was sind die Potenziale und Grenzen einer „gegenöffentlichen“ Kunst? Wie werden die Auseinandersetzungen um die sogenannten Öffentlichkeiten geführt? Welche Möglichkeiten gibt es, die Kommerzialisierung des öffentlichen Raumes zu unterlaufen? Kann durch eine Plakatwand Solidarität vermittelt werden? Wie können Strategien des visuellen Aktivismus über Generationen hinweg aktuell bleiben? Oder: Wo sind die Schlüssel zu den Werbekästen unserer Städte?

Featuring:

Vermibus
StealThisPoster.org
Spelling Mistakes Cost Lives
Special Patrol Group
East London Strippers Collective
Rocco und Seine Brüder
Oneslutriot
Michelle Tylicki
Matt Bonner
Luther Blissett
Illustre Feccia
Hogre
DoublewhY_Y
Black Sex Worker Collective
Berlin Strippers Collective
Berlin Buster’s Social Club

Kurator*innen:

StealThisPoster.org
Michelle Tylicki
Matt Bonner
Gavin Grindon
Darren Cullen
Craig Clark

Von 25.08.2022 bis 11.12.2022, Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank

Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank

25. August bis 11. Dezember 2022

Museum Nikolaikirche und Museum Ephraim-Palais

16. September bis 11. Dezember 2022

Die Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank zeigt zusammen mit der Stiftung Stadtmuseum Berlin im Herbst 2022 Aufbrüche. Abbrüche. Umbrüche. Kunst in Ost-Berlin 1985-1995. Beide Institutionen stellen damit nicht nur eine spannende Dekade in der Kunst in den Mittelpunkt, sondern gleichzeitig zwei wichtige Kunstsammlungen in Berlin. Mit Beispielen aus den umfangreichen Beständen der Kunstsammlung der Berliner Volksbank und des Stadtmuseums Berlin wird anhand von 55 Künstler:innen auf die lebendige und vielfältige Kunstszene Ost-Berlins in der Vor- und Nachwendezeit zurückgeblickt. Die Ausstellung ist an drei Orten zu sehen: in der Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank in Charlottenburg und an zwei Standorten der Stiftung Stadtmuseum Berlin in Mitte, dem Museum Nikolaikirche und dem Museum Ephraim-Palais.

In der Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank werden Gemälde, Grafiken, Skulpturen und Fotografien von rund 25 Künstler:innen ausgestellt. Mitte der 1980er-Jahre begann der Aufbau der heutigen Kunstsammlung der Berliner Volksbank, die bereits vor der Wende sowohl West- als auch Ost-Berliner Künstler:innen und zeitgenössische Kunst aus der DDR umfasste. Die Kunst der 1980er- und 1990er-Jahre bildet dabei einen besonderen Schwerpunkt.

Die Ausstellung am Kaiserdamm geht den Ursprüngen dieser einzigartigen Sammlung figürlicher Kunst nach und vereint Exponate aus damaligen und aktuellen Erwerbungen sowie Leihgaben aus der Stiftung Stadtmuseum Berlin. Mit rund 50 Werken dokumentiert die Ausstellung exemplarisch die künstlerischen Reflektionen auf ein widersprüchliches und ereignisreiches Jahrzehnt des Neubeginns sowie innovative Positionen von Künstlerinnen.

Das Ausstellungsprojekt wird von einem umfangreichen Katalog und Film-Interviews begleitet. In den Gesprächen erinnern sich die Maler:innen Sabine Herrmann, Klaus Killisch und Sabine Peuckert, der Bildhauer Berndt Wilde, die Fotografin Maria Sewcz, die Zeichnerin Uta Hünniger, und der Grafiker Manfred Butzmann an ihre Erfahrungen vor und nach dem Mauerfall 1989.

Künstler:innen der Ausstellung in der Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank sind u.a.: Tina Bara, Annemirl Bauer, Rolf Händler, Sylvia Hagen, Angela Hampel, Sabine Herrmann, Uta Hünniger, Ingeborg Hunzinger, Konrad Knebel, Walter Libuda, Werner Liebmann, Harald Metzkes, Helga Paris, Wolfgang Peuker, Cornelia Schleime, Baldur Schönfelder, Anna Franziska Schwarzbach, Heinrich Tessmer, Hans Ticha, Ulla Walter, Berndt Wilde.

Von 11.06.2022 bis 18.09.2022, KW Institute for Contemporary Art

Künstler:innen aus verschiedenen Teilen der Welt beschäftigen sich anlässlich der 12. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst unter dem Titel Still Present! mit den Hinterlassenschaften der Moderne und dem daraus resultierenden planetaren Notstand. Neben den künstlerischen Arbeiten sind in der Ausstellung historische Dokumente zu sehen, darunter politische und aktivistische Publikationen aus dem Archiv der Avantgarden – Egidio Marzona (AdA). Die Beiträge machen Verbindungslinien zwischen Kolonialismus, Faschismus und Imperialismus sichtbar und erproben dekoloniale Strategien für die Zukunft entlang einer Reihe von Fragen: Wie lässt sich eine dekoloniale Ökologie gestalten? Welche Rolle können feministische Bewegungen aus dem Globalen Süden bei der Wiederaneignung historischer Narrative spielen? Wie kann die Debatte um Restitution über die Rückgabe geplünderter Objekte hinaus produktiv gemacht werden? Lässt sich durch Kunst das Feld der Emotionen zurückgewinnen?

Die 12. Berlin Biennale findet vom 11. Juni bis 18. September 2022 statt und wird von Kader Attia in Zusammenarbeit mit Ana Teixeira Pinto, Đỗ Tường Linh, Marie Helene Pereira, Noam Segal und Rasha Salti kuratiert.
 
Die Ausstellung ist an folgenden Orten zu sehen: Akademie der Künste, Hanseatenweg und Pariser Platz, Dekoloniale Erinnerungskultur in der Stadt, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, KW Institute for Contemporary Art und Stasi-Zentrale. Campus für Demokratie.


Ausstellungsorte mit Künstler:innen
 
Akademie der Künste, Hanseatenweg 
Ausstellende Künstler:innen: Ammar Bouras, Calida Garcia Rawles, Clément Cogitore, DAAR – Sandi Hilal und Alessandro Petti, Dana Levy, Đào Châu Hải, Florian Sông Nguyễn, Forensic Architecture, Imani Jacqueline Brown, Lamia Joreige, Mai Nguyễn-Long, Sammy Baloji, Susan Schuppli, Sven Johne, Tammy Nguyen, Tejswini Narayan Sonawane, Temitayo Ogunbiyi, Tuấn Andrew Nguyễn, Yuyan Wang
 
Akademie der Künste, Pariser Platz
Ausstellende Künstler:innen: Deneth Piumakshi Veda Arachchige, Dubréus Lhérisson, Elske Rosenfeld, Jihan El-Tahri, Khandakar Ohida, Moses März, Prabhakar Kamble, Sajjad Abbas, Taloi Havini, The School of Mutants (Boris Raux, Hamedine Kane, Lou Mo, Stéphane Verlet Bottéro, Valérie Osouf), Uriel Orlow
 
Dekoloniale Erinnerungskultur in der Stadt 
Ausstellende Künstlerin: Nil Yalter
 
Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin 
Ausstellende Künstler:innen: Alex Prager, Amal Kenawy, Basel Abbas und Ruanne Abou-Rahme, Birender Yadav, Calida Garcia Rawles, Clément Cogitore, David Chavalarias, Driss Ouadahi, Elske Rosenfeld, Forensic Architecture, Jean-Jacques Lebel, Lawrence Abu Hamdan, Layth Kareem, Noel W Anderson, PEROU – Pôle d'Exploration des Ressources Urbaines, Praneet Soi, Raed Mutar, Sajjad Abbas, Tammy Nguyen, Thùy-Hân Nguyễn-Chí, Tuấn Andrew Nguyễn, Zach Blas
 
KW Institute for Contemporary Art 
Ausstellende Künstler:innen: Alex Prager; Amal Kenawy; Antonio Recalcati, Enrico Baj, Erró, Gianni Dova, Jean-Jacques Lebel, Roberto Crippa; Ariella Aïsha Azoulay; Asim Abdulaziz; Binta Diaw; Christine Safatly; Deneth Piumakshi Veda Arachchige; Etinosa Yvonne; Jeneen Frei Njootli; João Polido; Mai Nguyễn-Long; Maithu Bùi; Marta Popivoda/Ana Vujanović; Mathieu Pernot; Mayuri Chari; Mila Turajlić; Mónica de Miranda; Myriam El Haïk; Nil Yalter; Simone Fattal; Susan Schuppli; Taysir Batniji; Tejswini Narayan Sonawane; Zuzanna Hertzberg
 
Stasi-Zentrale. Campus für Demokratie
Ausstellende Künstler:innen: Haig Aivazian, Hasan Özgür Top, Ngô Thành Bắc, Omer Fast, Susan Schuppli, The School of Mutants (Valérie Osouf), Zach Blas

Öffentliches Programm

Die Ausstellung der 12. Berlin Biennale wird von einem umfassenden öffentlichen Programm begleitet. Neben thematischen Rundgängen, Workshops, Performances und Filmvorführungen untersucht eine Reihe von Konferenzen, wie Kolonialismus und Imperialismus in der Gegenwart fortwirken. 
 
 
Vermittlungsprogramm
 
Zur 12. Berlin Biennale wird eine Reihe kritischer Vermittlungsformate wie Workshops und thematische Fokus-Touren die Möglichkeit bieten, sich auszutauschen. In Dialogen mit lokalen dekolonialen Stimmen werden wir uns einer Vielzahl von Möglichkeiten dessen widmen, was eine dekoloniale Kunstvermittlung sein kann.

 
Diskursprogramm 
 
Der von Bénédicte Savoy und Felwine Sarr 2018 veröffentlichte Bericht über die Restitution afrikanischer Kulturgüter hat in Europa ein umfassenderes Gespräch über Kolonialismus angestoßen. Institutionen setzen sich mit ihrem kolonialen Erbe und den gewaltsam in ihre Sammlungen gelangten Objekten auseinander, Regierungen verpflichten sich zur Rückgabe. Das sind erste Schritte der kulturellen Wiederaneignung geraubten Erbes und auch in Richtung Dekolonisierung. Doch wie kann der Wille zur Auseinandersetzung mit der eigenen kolonialen Vergangenheit für eine Gegenwart produktiv gemacht werden, die fest im Griff dessen ist, was Cedric J. Robinson Racial Capitalism nennt? Robinson beschreibt damit den Kapitalismus als System, das auf der Ausbeutung eines rassistisch konstruierten Anderen basiert. 
 
In den Workshops und Konferenzen des Diskursprogramms der 12. Berlin Biennale kommen Wissenschaftler:innen, Aktivist:innen und Künstler:innen zusammen, um ausgehend von der Restitutionsdebatte zu untersuchen, wie Kolonialismus und Imperialismus in dieser Gegenwart fortwirken. Die Teilnehmer:innen befassen sich mit den Auswirkungen der imperialen Expansion Europas auf die Ökosysteme der Erde. Sie erörtern zeitgenössische Kämpfe und Strategien rund um Feminismen des Südens. Sie untersuchen, wie Rassismus in die Kulturtechniken und universalistischen Ideale der Aufklärung eingebettet ist. Sie setzen die Anliegen von im Globalen Norden lebenden BIPoC auf die Agenda und beschäftigen sich mit antirassistischen Praktiken sowie Routen der Solidarität. Sie fragen, wie die Restitution über die materielle Geste der Rückgabe kultureller Artefakte hinausgehen kann, und wie sich der Umgang mit kolonialen Sammlungen durch handlungsorientierte Forschung verändern lässt. Und schließlich beleuchten sie, wie die algorithmische Governance rassialisierte Zuschreibungen, Verelendung und Ausgrenzung fördert, die mit der digitalen Revolution eigentlich überwunden werden sollten.
 
Das Diskursprogramm knüpft an den Begriff der Reparatur an, wie ihn Kurator Kader Attia in seiner künstlerischen Praxis entwickelt hat – zunächst von Objekten und körperlichen Verletzungen und schließlich von individuellen und gesellschaftlichen Traumata. Die Reparatur hat sich dabei als eine Möglichkeit kulturellen Widerstands erwiesen, als eine Art der Handlungsmacht, die in unterschiedlichen Praktiken und Wissensformen Ausdruck findet. Es macht diesen Ansatz zum Ausgangspunkt, um die Teilnehmer:innen und das Publikum in eine kritische Debatte zu involvieren und gemeinsam nach Wegen zu suchen, für das Jetzt Sorge zu tragen.
 
Kurator: Kader Attia
 
Berater:innen: Ana Teixeira Pinto, Felwine Sarr, Françoise Vergès, Irit Rogoff, Jean Lassègue, Katrin Becker, Lukas Fuchsgruber, Paola Bacchetta, Noam Segal, Ramak Molavi, Rolando Vázquez, Stefania Pandolfo, Tarek El-Ariss, Thomas Oberender, Zakiyyah Iman Jackson
 
Das Diskursprogramm wird in Zusammenarbeit mit mehreren Institutionen und Organisationen realisiert: Afrolution Festival, Berlin; Haus der Kulturen der Welt (HKW), Berlin; La Colonie Nomade, Paris; Technische Universität Berlin
 
Der Besuch der Konferenzen ist an den jeweiligen Orten ohne Voranmeldung möglich, der Eintritt ist frei. 
 

Filmprogramm
 
Informationen zum von Rasha Salti kuratierten Filmprogramm werden zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.

Von 25.06.2022 bis 21.08.2022, f³ – freiraum für fotografie

Mit Arbeiten von: Mohamad Abdouni, Michael Bailey-Gates, Maika Elan, Milan Gies, Julia Gunther, Robin Hammond, Claudia Kent, Clifford Prince King, Laurence Rasti, Bradley Secker, Shahria Sharmin, Melody Melamed, Laurence Philomene, Pauliana Valente Pimentel, Soraya Zaman

New Queer Photography ist allen queeren Menschen gewidmet, die wegen ihrer Lebensweise leiden, die für diese kämpfen oder einfach nur ihre Art zu leben feiern.

Julia Gunther nimmt uns in ihrer Serie Rainbow Girls mit auf einen lesbischen Schönheitswettbewerb in einem südafrikanischen Township, Bradley Secker porträtiert in SEXugees LGBTIQ+ Asylsuchende aus dem Mittleren und Nahen Osten, die sich in der Türkei mit Prostitution verdingen müssen, Shahria Sharmin dokumentiert das Leben von Hijras, die seit Jahrhunderten als transgender und intergeschlechtliche Menschen auf dem indischen Subkontinent geduldet werden, Milan Gies setzt sich in seiner Arbeit State of Identity mit vorherrschenden Körperbildern in Europa auseinander, Maika Elan zeigt in The Pink Choice alltägliches queeres Leben in Vietnam, und Clifford Prince King teilt mit uns intime Momente zwischen homosexuellen Schwarzen und People of Colour in den USA.

Obwohl aktuelle Filme, Serien und die westlich geprägte Kultur eine breite gesellschaftliche Akzeptanz suggerieren, bedeutet lesbisch-, schwul-, bisexuell-, trans-, intergeschlechtlich (LGBTIQ+) oder – als verbindender Überbegriff – queer zu sein in zahlreichen Ländern und Gesellschaften noch immer Diskriminierung, Stigmatisierung und Ausgrenzung. Dabei gilt es, den Blick nicht nur in die Richtung der nicht-westlichen und Nicht-Industriestaaten zu richten, auch in Europa wird nach wie vor jede zehnte Person, die offen damit umgeht, queer zu sein, Ziel körperlicher Gewalt oder sexueller Übergriffe, wie eine im Jahr 2020 veröffentlichte Umfrage der EU-Grundrechteagentur (FRA) bestätigt.

Über vier Jahre lang hat der engagierte Art Director und Editor Benjamin Wolbergs für seine Publikation New Queer Photography Positionen von queeren Fotograf*innen aus aller Welt zusammengetragen: neben Arbeiten aus Europa und den USA auch Serien aus Indien, aus dem Libanon, aus Südafrika, aus Vietnam und von den Kapverdischen Inseln. In ihrer experimentierfreudigen künstlerischen Praxis reflektieren die Bildautor*innen das Lebensgefühl einer neuen und jungen Generation queerer Menschen, die – trotz Diskriminierungen – ihre Identität selbstbewusst und stolz leben. Sie nutzen den künstlerischen Raum für das vorurteilsfreie und gefahrlose Spiel mit Geschlechtern und zugeschriebenen Rollenbildern. Die Ansätze reichen dabei von einer rein dokumentarischen Berichterstattung bis hin zu einer künstlerisch/inszenierten Auseinandersetzung mit dem eigenen Körperbild.

New Queer Photography zeigt bisher ungesehene Bildwelten und widersetzt sich ästhetisch dem heteronormativen Schubladendenken von Geschlechterrollen. Die fotografischen Positionen präsentieren dabei Antworten auf Fragen nach der eigenen Sexualität jenseits von Tabugrenzen, tradierten Normen und Erwartungen der Mainstream-Gesellschaft. Die Ausstellung mit ihrem Begleitprogramm rückt diejenigen in den Fokus, deren Lebensrealitäten, Interessen und Bedürfnisse in den Medien und in der Öffentlichkeit, aber auch im Privaten noch immer zu wenig Akzeptanz und Sichtbarkeit erfahren.

Die Ausstellung wurde von Benjamin Wolbergs und Katharina Mouratidi kuratiert.

Von 07.07.2022 bis 31.10.2022, Mitte Museum

Eine Leihgabe der Amadeu Antonio Stiftung:

Mit der Erklärung zum „antifaschistischen Staat“, befreite sich die DDR von Mitverantwortung an den Verbrechen der Nationalsozialisten. Man sei selbst Opfer des Faschismus gewesen, wodurch der Prozess der Vergangenheitsbewältigung weder öffentlich noch in den Familien stattfand. „Bis heute hält sich der Mythos, es hätte in der DDR keinen Antisemitismus gegeben“, so die Amadeu Antonio Stiftung.

Die Ausstellung thematisiert u.a. die staatlichen Verfolgungswellen in den 1950ern, die Debatten über Restitutionen, Anti-Zionismus sowie die Erinnerungskultur in der DDR. Durch Hör- und Videostationen kommen Zeitzeug*innen zu Wort und erzählen von ihren Erfahrungen mit Antisemitismus in der DDR.

Die Amadeu Antonio Stiftung setzt sich seit ihrer Gründung 1998 für eine Stärkung der demokratischen Zivilgesellschaft ein, und unterstützt und initiiert Projekte, die sich konsequent gegen Rechtsextremismus, Rassismus und Antisemitismus wenden.

Von 03.06.2022 bis 18.09.2022, Museum Reinickendorf

Das Museum Reinickendorf eröffnet am 2. Juni um 18.30 Uhr anlässlich des 700jährigen Jubiläums von Tegel eine Ausstellung und beleuchtet anhand der geografischen Räume Stadt, Wald und See nicht nur die Vergangenheit des Reinickendorfer Ortsteils, sondern fragt auch, was Tegel heute ausmacht und welche Ideen und Prognosen es für die Zukunft gibt.

So ist der Ortsteil geprägt durch seine Lage am See, die Tegel schon früh als Ausflugsort bekannt machte. Dampferfahrten, Strandbäder, Wassersport und Ausflugslokale beeinflussen die Atmosphäre bis heute. Der Tegeler Forst im Norden und Westen ist ein beliebtes Naherholungsgebiet und gilt als ökologisch vielfältiger Mischwald. Doch wie steht es um Kiefer, Eiche und Buche im Zuge des Klimawandels?

Eine vielfältige Bebauung kennzeichnet den Stadtraum – vom Schloss, über herrschaftliche Villen, Gründerzeitbauten, bis hin zu Mietskasernen oder Hochhäusern. Zukunftsweisendes Wohnen soll es bald im Schuhmacher-Quartier auf dem Gelände des ehemaligen Flughafens geben.

Großen Einfluss auf die Entwicklung Tegels hatten auch die zahlreichen Industrieansiedlungen, insbesondere die Borsigwerke. Viele Unternehmen sind weiterhin in Tegel ansässig, neue sollen sich bald in der „Urban Tech Republic“ rund um das ehemalige Flughafengebäude ansiedeln. Hier wird bald zu innovativen Technologien geforscht und umgesetzt. Neben historischen Objekten, Dokumenten und Fotos werden in der Ausstellung auch aktuelle Exponate gezeigt und es kommen unterschiedliche Menschen und Tegel-Expert*innen zu Wort.

Zur Ausstellung gibt es ein umfangreiches Begleitprogramm mit Stadtspaziergängen, Industriespaziergängen und Führungen durch die Ausstellung.
 

Das Begleitprogramm zur Ausstellung ist auf der Internetseite des Museums Reinickendorf unter Veranstaltungen zu finden.

Von 24.06.2022 bis 15.01.2023, Museum Europäischer Kulturen

Kurz nach Beginn des Krieges Russlands gegen die Ukraine im Februar 2022 ist die in Berlin lebende Künstlerin Mila Teshaieva in ihre Heimatstadt Kyjiw gereist. Das dabei entstandene Tagebuch, das zuerst auf der Internetplattform dekoder.org veröffentlicht wurde, enthält persönliche Aufzeichnungen der ersten Kriegsmonate in Bild und Wort.

Beginnend mit den ersten Kriegstagen, in denen die russischen Truppen Kyjiw einkesselten und Menschen in Panik flohen, bis hin zu den letzten Apriltagen, in denen die erdrückenden Folgen der Kriegsverbrechen in der Region um die Hauptstadt Kyjiw entdeckt wurden, dokumentiert Mila Teshaieva das Leben im Krieg, das sowohl von Zerstörung als auch von Zusammenhalt und Widerstand geprägt ist.

Die Künstlerin Mila Teshaieva

Mila Teshaieva ist 1974 in Kyjiw, Ukraine, geboren und aufgewachsen. Seit 2010 lebt sie auch in Berlin. Teshaieva nutzt Fotografie, Video und Text in Langzeit-Projekten, um die Spannung zwischen individueller und kollektiver Identität zu beschreiben. Ihre Werke werden in Museen weltweit ausgestellt und sind in einigen öffentlichen Sammlungen vertreten. Die umfassende Werkschau „Imagined Community“ von Teshaieva wurde im MIT Museum Boston 2018/2019 gezeigt. Seit 2016 ist sie Mitglied bei der Agentur Ostkreuz.

Die Ausstellung wird gefördert durch das Kuratorium Preußischer Kulturbesitz.

Von 11.06.2022 bis 18.09.2022, Akademie der Künste / Pariser Platz

Die 12. Berlin Biennale „Still Present!“ entfaltet sich entlang einer Reihe von Fragen. Wie lässt sich eine Dekolonisierung der Künste denken – von der Restitution geplünderter Güter bis hin zu einer antikolonialen Erinnerungskultur? Welche Rolle können feministische Bewegungen aus der nichtwestlichen Welt bei der Wiederaneignung von Geschichte und Identität spielen? Wie hängen Klimakrise und Kolonialismus zusammen?

Mit Werken von Ammar Bouras, Calida Garcia Rawles, Clément Cogitore, DAAR – Sandi Hilal and Alessandro Petti, Dana Levy, Đào Châu Hải, Deneth Piumakshi Veda Arachchige, Dubréus Lhérisson, Elske Rosenfeld, Florian Sông Nguyễn, Forensic Architecture, Imani Jacqueline Brown, Jihan El-Tahri, Khandakar Ohida, Lamia Joreige, Mai Nguyễn-Long, Moses März, Prabhakar Kamble, Sajjad Abbas, Sammy Baloji, Susan Schuppli, Sven Johne, Taloi Halvini, Tammy Nguyen, Tejswini Narayan Sonawane, Temitayo Ogunbiyi, The School of Mutants (Boris Raux, Hamedine Kane, Lou Mo, Stéphane Verlet Bottéro, Valérie Osouf), Tuấn Andrew Nguyễn, Uriel Orlow, Yuyan Wang
Neben den künstlerischen Arbeiten sind in der Ausstellung historische Dokumente zu sehen, darunter politische und aktivistische Publikationen aus dem Archiv der Avantgarden –Egidio Marzona (AdA).

Die Akademie der Künste ist das fünfte Mal einer der Ausstellungsorte der Berlin Biennale. Bereits 1998 fand die erste Ausgabe im damals noch verfallenen Akademiegebäude am Pariser Platz statt. Die 12. Ausgabe bespielt nun erstmals beide Standorte der Akademie der Künste.

Weitere Ausstellungsorte: Projektraum Dekoloniale Erinnerungskultur in der Stadt, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, KW Institute for Contemporary Art, die Stasi-Zentrale. Campus für Demokratie

Die Berlin Biennale wird organisiert vom KUNST-WERKE BERLIN e. V.

Von 31.05.2022 bis 11.07.2022, Musikinstrumenten-Museum

Das Werk des dänischen Komponisten Rued Langgaard (1893-1952), der als Einzelgänger und visionärer Idealist im Spannungsfeld zwischen Romantik und Modernismus charakterisiert wird, findet in letzter Zeit erhöhte Aufmerksamkeit. Dazu tragen sorgfältig edierte und kommentierte Neudrucke seiner Noten, zahlreiche CD-Produktionen, und nicht zuletzt auch die wachsende Schar von Interpret*innen bei, die es in ihr Repertoire aufnehmen.

Berlin war 1913 Ort eines ersten frühen Erfolges für Langgaard: Am 13. April 1913 spielte der junge Komponist an der großen Walcker-Orgel der Philharmonie sein eigens für den Anlass geschriebenes Preludio patetico, danach das Berliner Philharmonische Orchester unter Leitung von Max Fiedler das Tonbild Sfinx und die 1911 abgeschlossene Erste Sinfonie, die den Beinamen Klippepastoraler (Klippenpastorale) trägt.

Unsere Serie von Veranstaltungen zu Langgaard unter dem Titel Langgaard in Berlin hat drei Konzerte der Berliner Philharmoniker im Juni 2022 zum Anlass, in denen das Orchester unter der Leitung von Sakari Oramo Langgaards Erste nach 109 Jahren erneut aufführt.

Langgaard in Berlin ist eine Kooperation mit der Königlich Dänischen Botschaft in Berlin, der Stiftung Sankt Matthäus, Berlin, der Rued-Langgaard-Gesellschaft, Ribe, und Dacapo Records, Kopenhagen.

Am 16., 17., 18. und 19. Juni 2022 laden wir zu Konzerteinführungen und Kurzkonzerten mit Kammermusik von Langgaard ein und zeigen vom 31. Mai bis zum 11. Juli 2022 in einer kleinen Sonderausstellung das Partiturautograph des Werkes, das der Komponist 1923 dem Fürstlichen Institut für musikwissenschaftliche Forschung zu Bückeburg schenkte, dessen Rechtsnachfolger das SIM (Staatliche Institut für Musikforschung) ist. Bendt Viinholt Nielsen hat die Odysse des Manuskripts für das SIM-Jahrbuch aufgeschrieben.

Von 06.05.2022 bis 12.09.2022, Schwules Museum

José Pérez Ocaña (1947-1983) ist ein Vorbild für Selbstverwirklichung und kompromisslose queere Kreation während der politischen Umbrüche im Spanien der 1970er Jahre, und eine bleibende Inspiration für die nachfolgenden Generationen. Geboren in Zeiten der Franco-Diktatur in der andalusischen Kleinstadt Cantillana (Sevilla) zog er von dort nach Barcelona, wo er seine Kunst als Maler und Bildhauer, sowie mit Auftritten als cross-dressing Performer und Aktivist etablierte, für die man ihn heute am meisten kennt.

Ohne akademische Ausbildung und schon früh dazu gezwungen, sein eigenes Geld zu verdienen, ist Ocañas Werk stark geprägt von traditionellen, folklorischen und katholischen Bilderwelten und Ritualen. So spiegeln sich Volksfeste, Flamenco-Gesang und Begräbnisse wider in seinen farbenfrohen Werken, den Skulpturen aus Pappmaché, in seinen Performances und Filmrollen.

„Ocaña. Der Engel, der in der Qual singt“ ist die erste Ausstellung über Ocaña in Deutschland. Konzipiert für das Schwule Museum feiert sie sein Leben und seine Kunst in dem Jahr, in dem er 75 Jahre alt geworden wäre. Ein herausragender Platz wird dabei Ocañas kurzem, aber nicht weniger kreativem Aufenthalt in Berlin eingeräumt und damit den Spuren, die er in dieser Stadt hinterließ.

Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen drei audiovisuelle Werke: Der Dokumentarfilm„Retrat Intermitent“, bei dem Ventura Pons – eine Referenz der queeren spanischen Filmgeschichte – die Regie führte, und für dessen Vorführung auf der Berlinale Ocaña im Jahr 1979 nach Berlin kam. Außerdem die von Gérard Courant 1979 vor dem Brandenburger Tor gefilmte Performance „Ocaña. Der Engel, der in der Qual singt“, die der Ausstellung ihren Namen gibt. Und zuletzt ist der Film „Silencis“ mit Xavier-Daniel in der Regie zu sehen, der 1983 auf der Berlinale gezeigt wurde, wenige Monate vor dem viel zu frühen Tod Ocañas.

Die Ausstellung wird kuratiert von Samuel Perea-Díaz und Pepe Sánchez-Molero.

Mit freundlicher Unterstützung durch die Botschaft von Spanien in Deutschland.

Von 11.03.2022 bis 18.07.2022, Schwules Museum

Encantadas beschreibt die Suche nach ursprünglichen lateinamerikanischen Identitäten eines jungen Kollektivs mit drei brasilianischen trans* Kuratorinnen. A TRANSÄLIEN, Sanni Est und Ué Prazeres präsentieren sieben Künstler*innen aus dem Norden und Nordosten Brasiliens, deren Arbeiten und Lebensnarrative sich um mystische Kosmovisionen drehen.

Ihre audiovisuellen Kunstwerke, Skulpturen und multimedialen Installationen gestalten einen lebendigen Raum. Das Spiel mit Licht und Schatten sowie die Verwendung von Pflanzen und Erde erwecken alle Sinne der Besucher*innen zu Leben und verkörpern eine kollektive Stärke.

Kuratiert von: A TRANSÄLIEN, Sanni Est, Ué Prazeres

Mit: Aoruaura, Borblue, Rastros de Dyógenes, Porca Flor, Sy Gomes, Daniel Lie, Jonas Van

Eine Initiative von Sanni Est. Mit freundlicher Unterstützung des Hauptstadtkulturfonds und der Senatsverwaltung für Kultur und Europa

Von 01.07.2022 bis 31.10.2022, Schwules Museum

Mitten unter den anschwellenden „Wir sind ein Volk“- und „Deutschland Deutschland“-Rufen, die die Straßen der Hauptstadt der DDR beschallen, besetzen am Abend des 1. Mai 1990 Kreuzberger Tunten die Mainzer Straße 4 in Ostberlin. Schnell wächst das Tuntenhaus Forellenhof um Ostberliner Tunten sowie Tunten aus aller Welt und entwickelt sich zur antipatriarchalen Großkommune voller Träume, Utopien und konkreter Projekte im Kiez. Ein gemeinsames Spielplatzprojekt mit den alteingesessenen Nachbar*innen, das Max-Hoelz-Antiquariat für DDR-Literatur und die Nachtbar Forelle Blau finden alle ihren Platz im und um das besetzte Haus herum. Ein jähes Ende nimmt der kurze Sommer des schwulen Kommunismus nach einer dreitägigen Straßenschlacht mit der Polizei und der darauffolgenden Räumung am 14. November.

Die Ausstellung Tuntenhaus Forellenhof 1990 porträtiert das Tuntenhaus als Ort des kollektiven Alltags im Spagat zwischen Einkauf, Kochen, Abwasch und der Verteidigung der Häuser gegen Nazis sowie rauschenden Festen und politischen Aktionen. Sie verschweigt aber auch nicht die internen Auseinandersetzungen zwischen Ost- und Westberliner Tunten, Autonomen, schwulenbewegten Studis und den Nachbar*innen des Frauen-/Lesbenhauses. Im Zentrum der Ausstellung reinszeniert die Bühnenbildnerin Bri Schlögel einen wichtigen Ort dieser Besetzung, das Esszimmer des Tuntenhauses – inklusive zeitgetreuer Details wie angebrochenem Drehtabak (BRD) und filterlosen KARO‑Zigaretten (DDR), Originalexemplaren der damaligen Besetzerzeitung und ein stumm für das nächste Plenum werbenden Gips-Lenin an der Wand. Die Ausstellung versammelt Stimmen, Anekdoten und Relikte, die seit 2020 aus Deutschland, der Schweiz, dem Vereinigten Königreich und den USA zusammengetragen wurden. Beiträge von Juliet Bashore, Ronald M. Schernikau, Katrin Rothe, Guy Parente, Ingo Hasselbach, Wolfgang Tillmans, Hajo Beer, Helga Krenz u. a. laden zum Betrachten, Zuhören und Anfassen ein.

Kuratiert von Bastian Krondorfer, veranstaltet vom Forellenquintett e. V. in Zusammenarbeit mit dem SMU und unterstützt vom Hauptstadtkulturfonds.

Von 18.06.2022 bis 24.12.2024, Urban Nation

URBAN NATION präsentiert TALKING... & OTHER BANANA SKINS, kuratiert von Michelle Houston. Die lebendige und bunte Ausstellung fordert mit urbaner und zeitgenössischer Kunst provokant einen Dialog ein. Sie wirkt als Katalysator und lädt zum Diskurs über die drängendsten Fragen unserer Zeit ein. Zum Auftakt wird vom international bekannten Kollektiv BROKEN FINGAZ CREW aus Israel (Haifa) die Fassade des Museums neu gestaltet. Die Ausstellung zeigt Gemälde, Installationen, Skulpturen und Videoarbeiten, die die gesamte Bandbreite der urbanen und zeitgenössischen Kunst abdecken. Zu den Künstlern gehören unter anderem ROCCO AND HIS BROTHERS (Berlin), ICY AND SOT (Tabriz/NY), VARIOUS AND GOULD (Berlin), JOSÉPHINE SAGNA (Hamburg) und LOW BROS (Hamburg).

TEILNEHMENDE KÜNSTLERINNEN UND KÜNSTLER
1UP, AEC INTERESNI KAZKI, AMARTEY GOLDING, ANA BARRIGA, ANDREAS ENGLUND, ANNA LUKASHEVSY, BILL POSTERS, BJÖRN HEYN, BROKEN FINGAZ CREW, DAVE THE CHIMP, DENIS CHERIM, DISNOVATION, EL MAC, FAISAL HUSSAIN, FAUST, FRANCO FASOLI AKA JAZ, HIJACK, HIN, HOT TEA, HUGO BAUDOUIN, HUH?, ICY AND SOT, IDA LAWRENCE, ISAAC CORDAL, JAN VAN ESCH, JEFF HONG, JIMMY TURRELL, JOSÉPHINE SAGNA, KNOW HOPE, LE FOU, LOOK THE WEIRD, LOW BROS, NOEMI CONAN, OLEK, RICH THORNE, ROCCO AND HIS BROTHERS, SEPE, SIMON MENNER, SPLASH AND BURN, SPY, TEZZ KAMOEN, THE WA, VARIOUS AND GOULD, VERA KOCHUBEY, YOANN BOURGEOIS.

Talking... & Other Banana Skins thematisiert die Polarisierung unserer Gesellschaft. Sie er-mutigt die Besucher, ihre eigene Perspektive zu hinterfragen. Konflikte und Themen sind vielschichtig und lassen sich nicht in eine Schublade stecken. Die Kunstwerke, die in den acht Kapiteln der Ausstellung präsentiert werden, hinterfragen, wie und was in der Gesell-schaft und im urbanen Umfeld kommuniziert wird. Sie stellen den Austausch und den Dialog wieder in den Mittelpunkt.

#1 WE NEED TO TALK - Ist meine Sichtweise der Dinge die einzig korrekte?
#2 FORTY-TWO - Sind wir noch in der Lage, mit uns selbst ins Zwiegespräch zu kommen?
#3 SHIFTING PERSPECTIVES - Sind wir bereit, in dieser differenzierten Form auf die Welt zu schauen?
#4 THE FORUM - Würde mehr Öffentlichkeit zu einem Mehr an Miteinander führen?
#5 DEEP FAKE - Wann trauen wir Informationsquellen und Bildern und wann misstrauen wir ihnen?
#6 I AM AN X BUT… - Wie lerne ich, eine Toleranz zu entwickeln, die mir selbst und anderen hilft?
#7 HYBRID HISTORIES - Sind wir bereit, aus der Geschichte unter Berücksichtigung aller Perspektiven zu lernen?
#8 FAIL AGAIN, FAIL BETTER - Eröffnet ein Scheitern nicht die Chance für einen Neuanfang?

Anlässlich der Eröffnung der Ausstellung findet rund um das Museum das UNARTIG - 
Kunstfest im Quartier statt. Das Programm umfasst von 21 Künstlern gestaltete Wandgemälde, Workshops und Performances von Künstlern wie YOANN BOURGEOIS sowie geführte Urban Art Touren durch die Nachbarschaft des URBAN NATION Museums. Dazu gibt es Diskussionsrunden, Street Food, Musik und vieles mehr. 

Die STIFTUNG BERLINER LEBEN, Veranstalter und Initiator des Programms 
Stadtraum!Plus und des URBAN NATION Museums, verknüpft soziale und künstlerische Projekte für Berliner Wohnquartiere mit Streetart und zeitgenössischer Kunst. 
Dazu laden wir Sie herzlich ein.
 

Von 11.06.2022 bis 18.09.2022, Akademie der Künste / Hanseatenweg

Die 12. Berlin Biennale Still Present! entfaltet sich entlang einer Reihe von Fragen. Wie lässt sich eine Dekolonisierung der Künste denken – von der Restitution geplünderter Güter bis hin zu einer antikolonialen Erinnerungskultur? Welche Rolle können feministische Bewegungen aus der nichtwestlichen Welt bei der Wiederaneignung von Geschichte und Identität spielen? Wie hängen Klimakrise und Kolonialismus zusammen?

Mit Werken von Ammar Bouras, Calida Garcia Rawles, Clément Cogitore, DAAR – Sandi Hilal and Alessandro Petti, Dana Levy, Đào Châu Hải, Deneth Piumakshi Veda Arachchige, Dubréus Lhérisson, Elske Rosenfeld, Florian Sông Nguyễn, Forensic Architecture, Imani Jacqueline Brown, Jihan El-Tahri, Khandakar Ohida, Lamia Joreige, Mai Nguyễn-Long, Moses März, Prabhakar Kamble, Sajjad Abbas, Sammy Baloji, Susan Schuppli, Sven Johne, Taloi Halvini, Tammy Nguyen, Tejswini Narayan Sonawane, Temitayo Ogunbiyi, The School of Mutants (Boris Raux, Hamedine Kane, Lou Mo, Stéphane Verlet Bottéro, Valérie Osouf), Tuấn Andrew Nguyễn, Uriel Orlow, Yuyan Wang
Neben den künstlerischen Arbeiten sind in der Ausstellung historische Dokumente zu sehen, darunter politische und aktivistische Publikationen aus dem Archiv der Avantgarden –Egidio Marzona (AdA).

Die Akademie der Künste ist das fünfte Mal einer der Ausstellungsorte der Berlin Biennale. Bereits 1998 fand die erste Ausgabe im damals noch verfallenen Akademiegebäude am Pariser Platz statt. Die 12. Ausgabe bespielt nun erstmals beide Standorte der Akademie der Künste.

Weitere Ausstellungsorte: Projektraum Dekoloniale Erinnerungskultur in der Stadt, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin, KW Institute for Contemporary Art, die Stasi-Zentrale. Campus für Demokratie

Die Berlin Biennale wird organisiert vom KUNST-WERKE BERLIN e. V.

Von 11.06.2022 bis 28.08.2022, Georg Kolbe Museum

Welchen Raum können Natur, Skulptur und Architektur in der Kunst schaffen? Was für eine Lebensgesellschaft entsteht, wenn organische Prozesse die schöpferische Kraft sind? Und welche biologischen Formen lassen sich in Ästhetik übersetzen? Die neue Ausstellung Künstliche Biotope verbindet die Werke von Wilhelm Lehmbruck und Georg Kolbe mit den architektonischen Ideen Ludwig Mies van der Rohes. Die Künstlerin Anne Duk Hee Jordan reagiert mit einer für das Georg Kolbe Museum geschaffenen Installation auf die aktuelle Frage nach der Beziehung von Mensch und Natur. Neben architektonischen, installativen und skulpturalen Arbeiten – wie das berühmte Werk Kolbes Der Morgen – werden auch zahlreiche Fotografien zu sehen sein.

Die Ausstellung untersucht die fruchtbare Beziehung von Architektur, Skulptur und Natur in ihrem energetischen Wechselspiel und geht so einer Lebensfrage nach, die Wilhelm Lehmbruck, Georg Kolbe und Ludwig Mies van der Rohe miteinander verband. „Ich verlange vom Architekten nicht Wandfläche, sondern Raum“, lautete eine Anweisung Kolbes während des Baus seiner Sensburg, dem heutigen Georg Kolbe Museum. Auch der Architekt Ernst Rentsch bezeichnet die Funktionalität des Gartens damals als Freiluftatelier: "Die Wände sind unterbrochen durch hohe breite Fenster, um alle im Raume entstehenden Werke mit der äußeren umgebenden Natur in Beziehung bringen zu können." Dieser freie Gestaltungsgedanke, der auch das Museum selbst als ein künstliches Biotop beschreibt, lässt sich in den Kunstbegriff der drei Protagonisten der Ausstellung übertragen: Ludwig Mies van der Rohe entwickelte in den 1920er-Jahren eine radikal moderne, international weit ausstrahlende Architektursprache. In sein europäisches Hauptwerk wirken Plastiken von Lehmbruck und Kolbe zugleich als eigenständige Skulpturen wie auch als Elemente eines Organismus aus Raum, Licht, Material, Wasser und Pflanzen. Die Bildhauer Wilhelm Lehmbruck (1881–1919) und Georg Kolbe (1877–1947) schufen mit ihren figurativen Skulpturen ein Menschenbild, das neue Formen für die existenziellen menschlichen Fragen suchte. Die Ebnung der Kunst in eine organische Gesamtheit schafft nun in der Ausstellung Künstliche Biotope einen Dialog zwischen figürlicher Plastik und naturgemäßer Architektur.

Eine Installation der Künstlerin Anne Duk Hee Jordan (geb. 1978), Meisterschülerin von Olafur Eliasson, überführt das Thema der Ausstellung in einen zeitgenössischen Diskurs von Mensch und Natur: In ihrer für das Georg Kolbe Museum geschaffenen Installation treffen pflanzliche Systeme auf zeitgenössische Materialien wie farbiges Acrylglas und Kupferblech. Indem sie das Erbe der klassischen Moderne spielerisch aufnimmt und auch kritisch hinterfragt, weist sie auf die Fragilität des Lebendigen und die Grenzen planetaren Wachstums hin. Im Sinne von Donna Haraways „naturecultures“ imaginiert sie eine Welt, in der verschiedenen Agenten jenseits des Menschen miteinander interagieren und das Organische mit dem künstlich Geschaffenen eine neue Lebensgemeinschaft eingeht.

Von 23.06.2022 bis 04.09.2022, Bröhan-Museum

Von den mehr als 20.000 Sammlungsobjekten des Bröhan-Museums stammen nur etwa 1.500 von Frauen – rund 7,5%. Den knapp 1.000 männlichen Künstlern der Sammlung stehen 99 Künstlerinnen gegenüber. Was sind die Gründe für dieses Ungleichgewicht? Und wer waren diejenigen, die sich im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert trotz aller Widrigkeiten für eine Laufbahn als Künstlerin oder Designerin entschieden?

Ausgehend von diesen Fragen widmet sich das Bröhan-Museum erstmals speziell den Künstlerinnen der Sammlung: Malerinnen der Berliner Secession wie Maria Slavona und Julie Wolfthorn, Künstlerinnen der Wiener Werkstätte wie Vally Wieselthier und Hilda Jesser, Bildhauerinnen wie Chana Orloff, Keramikerinnen wie Margarete Heymann-Loebenstein und Ursula Fesca, außerdem Silberschmiedinnen, Glaskünstlerinnen, Möbel-, Porzellan- und Textildesignerinnen.

Die Ausstellung zeichnet die vielfältigen Werke und spannenden Biografien dieser Künstlerinnen nach und verdeutlicht dabei ihre entscheidenden Beiträge zur europäischen Kunst- und Designentwicklung. In einem Kunstbetrieb, der Kreativität und Schöpferkraft als vorrangig männliche Eigenschaften definierte und Frauen bestenfalls dekorative Talente zubilligte, sind diese Leistungen umso beachtlicher.

Die Sammlungsrevision ermöglicht eine neue Perspektive auf weibliche Gestaltung zwischen 1880 und 1940. Neben der historischen Betrachtung wirft die Schau auch einen Blick in die Gegenwart und reflektiert über heute wie damals relevante Themen – wie zum Beispiel Mutterschaft, Care-Arbeit oder den Gender Pay Gap. In einem Raum, der zum Austausch und zum Nachdenken einlädt, entsteht im Laufe der Ausstellung ein interaktives Künstlerinnen-Lexikon.

Mit ihrem breiten Panorama an Gestaltungspositionen möchte die Ausstellung einen aktuellen Beitrag zur Sichtbarkeit von Künstlerinnen und Designerinnen der Moderne leisten.

Von 14.06.2022 bis 02.10.2022, Gemäldegalerie

Sind Holzschnitte holzschnittartig? Entsprechen sie tatsächlich den klischeehaften Vorstellungen, die bis heute mit dem Medium verbunden werden? Welche Möglichkeiten bietet das technische Verfahren und wie haben Künstler*innen diese Möglichkeiten zu verschiedenen Zeiten genutzt? Begleitend zur groß angelegten „Holzschnitt“-Ausstellung im Kupferstichkabinett nehmen sich Studierende der Technischen Universität Berlin parallel mit einer komprimierten Kabinettausstellung in der Gemäldegalerie der Thematik an.

„Holzschnittartig“ steht laut Duden für „grob, ohne Feinheiten“ und charakterisiert undifferenzierte, stark vereinfachende oder derbe Darstellungen. Auf den Holzschnitt, der den Begriff geprägt hat, treffen diese Eigenschaften aber nur bedingt zu. Obwohl der Herstellungsprozess arbeitsteilig erfolgt und weniger gestalterische Freiheiten erlaubt als beispielsweise die Zeichnung, zeichnen sich viele Werke durch nuancierte Schilderungen und technische Virtuosität aus. Die Beschränkungen durch die Technik wurden sogar als besondere Herausforderung verstanden: Bisweilen ist nur auf den zweiten Blick zu erkennen, dass es sich um Holzschnitte handelt. Erst die Künstler*innen, die um 1900 die Holzschnitte des 15. Jahrhunderts als vermeintlich „volkstümliche“ oder „ursprüngliche“ Kunst für sich entdeckten, setzten Formvereinfachungen und Arbeitsspuren als bewusstes Gestaltungsmittel ein. 

Kooperationsprojekt mit der Technischen Universität Berlin

Die Ausstellung lädt zu einer kleinen Entdeckungsreise in die Welt des Holzschnitts ein: 23 Blätter aus dem 15. bis 20. Jahrhundert berichten von den technischen Fertigkeiten der an der Produktion beteiligten Künstler*innen, der Freude am Experiment und der Vielfalt der Lösungen. Gezeigt werden unter anderem Werke von Albrecht Altdorfer, Ernst Barlach, Luca Cambiaso, Hendrick Goltzius, Ernst Ludwig Kirchner, Sabina Grzimek, Giuseppe Scolari, Giuseppe Vicentino und Hans Wechtlin. Die Ausstellung ist im Rahmen eines Seminars im Masterstudiengang Kunstwissenschaft an der Technischen Universität Berlin sowie in Kooperation mit dem Kupferstichkabinett der Staatlichen Museen zu Berlin entstanden und begleitet die dortige Ausstellung Holzschnitt. 1400 bis heute (3. Juni bis 11. September 2022). 

Eine Sonderausstellung des Kupferstichkabinetts in der Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin 

Von 15.09.2022 bis 22.01.2023, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin

cameron clayborn hat im September 2021 den Baloise Kunst-Preis erhalten. Wie schon in den vergangenen drei Ausgaben mit Sam Pulitzer, Lawrence Abu Hamdan und Xinyi Cheng ist diese Auszeichnung mit einem Ankauf der Baloise Group für die Sammlung der Nationalgalerie, einer Ausstellung im Hamburger Bahnhof und einer Publikation verbunden. Die erste Einzelausstellung in Europa von clayborn „nothing left to be“ zeigt unter anderem die beiden Skulpturen aus der Serie „homegrown“ (2021), die als Schenkung an die Nationalgalerie kommen.

cameron clayborn (* 1992) arbeitet mit Materialien wie Papier, Gipsdeckenfarbe oder Dämmmaterial aus recycelter Kleidung. clayborns künstlerische Praxis umfasst neben Skulptur auch Zeichnung und Performance. Die nach unten stark verjüngten Skulpturen „homegrown #1“ und „homegrown #2“ scheinen auf dem Boden zu stehen, hängen aber wie Kokons von der Decke des Ausstellungsraumes. Während die unsicher wirkende Position Abstand einfordert, ziehen die Beschaffenheit und die Oberfläche die Betrachtenden an, um die Werke genauer zu betrachten. Dieses Wechselspiel aus Distanz und Nähe, Massivität und Zerbrechlichkeit, Körperhaftigkeit und Abstraktion zeichnet clayborns skulpturale Arbeiten aus.

Die Ausstellung wird von der Baloise Group ermöglicht.

Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin 

Von 21.05.2022 bis 21.08.2022, Schloss Britz – Gutshaus, Schlosspark, Gutshof

Die Kulturstiftung Schloss Britz präsentiert in Kooperation mit der Galerie Geuer und Geuer (Düsseldorf) und der Galerie Saal (Ludwigshafen) Werke des US-amerikanischen Künstlers Danny Minnick.

Nach einer Karriere als Profi-Skateboarder und Schauspieler hat sich Minnick seit Jahren als erfolgreicher bildender Künstler in den USA etabliert. Er wird als veritabler Shootingstar gehandelt. Dabei ist er der Ästhetik und dem Lebensgefühl der StreetArt verpflichtet.
In seinen Gemälden adaptiert er die Formensprache der subversiven Kunst eines Jean-Michel Basquiat oder Keith Haring und stellt diese kongenial in den Kontext kanonisierter Stilrichtungen wie den „abstrakten Expressionismus“ eines Willem de Kooning.
Der in New York und Los Angeles lebende Minnick ist weiterhin auf der Straße aktiv und gestaltet eindrucksvolle Wände. Im Schloss Britz wird selbst der Boden zum Kunstwerk und begehbaren „Bild“.

Von 04.11.2022 bis 06.02.2023, Berlinische Galerie

Die Ausstellung würdigt erstmals umfassend den ungarischen Beitrag zur Klassischen Moderne in der deutschen Hauptstadt. In der Geschichte der Kunst und Kultur Ungarns spielt Berlin eine besondere Rolle: Bereits vor dem Ersten Weltkrieg nutzten ungarische Künstler*innen die wachsende Metropole als Ausstellungsbühne, auf der sie sich einem internationalen Publikum präsentieren konnten. Nachdem reaktionäre Kräfte 1919 der politischen Neugestaltung Ungarns ein Ende setzten, erwies sich das kosmopolitische Berlin der Weimarer Republik als Exil für progressive Künstler*innen. An der Spree fanden sie einen Ort kreativer Freiheit und zeigten in verschiedensten Kontexten der Avantgarde große Präsenz. Berlin prägte viele ungarische Künstler*innen ebenso wie diese den Kunstbetrieb mitbestimmten. Die wechselseitige kulturelle Inspiration wieder bekannt zu machen, ist das zentrale Anliegen der Ausstellung. Sie versammelt Gemälde, Grafiken, Skulpturen, Fotografien und Architekturzeichnungen und bereichert die Kunstwahrnehmung nachhaltig um künstlerische Leistungen aus Ostmitteleuropa.

Künstler*innen (Auswahl):

Béla Balázs, József Bató, Róbert Berény, Aurél Bernáth, Éva Besnyő, Vera Biller, Mihály Biró, Dezső Bokros Birman, Sándor Bortnyik, Marcel Breuer, Béla Czóbel, Lajos d’Ébneth, Sándor Ék, Jenő Feiks, Béni Ferenczy, Károly Ferenczy, Noémi Ferenczy, Alfréd Forbát, Imre Góth, Gyula Hincz, Béla Kádár, György Kákai Szabó, Ernő Kállai, Judit Kárász, Lajos Kassák, Oskar Kaufmann, Alfréd Kemény, György Kepes, Károly Kernstok, János Mattis Teutsch, László Moholy-Nagy, Martin Munkácsi, József Nemes Lampérth, Gyula Pap, László Péri, Bertalan Pór, György Rauscher, József Rippl-Rónai, Hugó Scheiber, Jolán Szilágyi, Lajos Tihanyi, Béla Uitz, Andor Weininger

Die Ausstellung ist eine Kooperation der Berlinischen Galerie mit dem Museum der Bildenden Künste, Budapest – Ungarische Nationalgalerie. Rahmenprogramm in Kooperation mit dem Collegium Hungaricum Berlin.

Von 12.05.2022 bis 15.08.2022, Berlinische Galerie

Zum 125. Geburtstag von Conrad Felixmüller (1897–1977) präsentiert die Berlinische Galerie in einem Raum der Dauerausstellung 37 grafische Arbeiten und Archivmaterial aus der Sammlung Wilke. Hans-Jürgen Wilke war der letzte Drucker Felixmüllers und hat mit ihm von 1970 bis zu dessen Tod 1977 zusammengearbeitet. Wilkes umfangreiche Sammlung an Druckgrafiken zeigt das vielseitige Werk Felixmüllers, der zwei Weltkriege und unterschiedliche politische Systeme miterlebt hat. Im Zentrum seiner Darstellungen stand immer der Mensch. Ergänzt werden die Leihgaben durch ein Aquarell und ein Gemälde aus der Sammlung der Berlinischen Galerie.

Ausgestellte Werke

Selbstporträts ziehen sich durch das gesamte Werk von Conrad Felixmüller und verdeutlichen seine künstlerische Entwicklung von einer expressiven Bildsprache hin zu klaren Formen. Ab Mitte der 1920er Jahre fertigte Felixmüller zudem viele repräsentative Bildnisse von Intellektuellen und Sammler*innen wie Carl Sternheim oder Max Liebermann an. Diese großen Porträtholzschnitte gelten als Höhepunkte seines druckgrafischen Werks.

1920 wurde Felixmüller der Sächsische Staatspreis verliehen, der in der Regel mit einem zweijährigen Aufenthalt in Rom verbunden war. Der Künstler nutzte das Stipendium jedoch alternativ für einen längeren Aufenthalt im Arbeitermilieu im Ruhrgebiet. Die dort entstandenen sozialkritischen Bilder, von denen einige in der Ausstellung zu sehen sind, veranschaulichen die teils prekären Arbeits- und Lebensbedingungen des Proletariats.

Ein weiterer Teil der Ausstellung widmet sich den Landschafts- und Stadtansichten. Nachdem die Berliner Atelierwohnung des Künstlers 1944 zerbombt wurde, zog er nach Tautenhain in die sächsische Provinz. Felixmüller interessierte sich sehr für das ländliche Leben und die der Dorfbewohner*innen und hielt dieses in vielen Druckgrafiken fest. 1961 kam er nach Berlin und widmete sich in den letzten Schaffensjahren vermehrt urbanen Motiven.

Biografie

Conrad Felix Müller, der ab 1917 den Künstlernamen Felixmüller annimmt, wurde am 21. Mai 1897 in Dresden geboren. Früh bemerkte er seine Leidenschaft für die Zeichnung und konnte durch eine Sondererlaubnis von Carl Bantzer schon mit 15 Jahren in dessen Malklasse an der Königlichen Kunstakademie in Dresden studieren.

Als Autodidakt eignete Felixmüller sich verschiedene grafische Techniken an. Mit 18 Jahren ließ er sich als freischaffender Maler in Dresden nieder und wurde nach dem Ersten Weltkrieg zu einem Wortführer des Expressionismus. Er veröffentlichte Aufsätze und Druckgrafiken in politisch links ausgerichteten Zeitschriften wie „Der Sturm“ oder „Die Aktion“. Als sich seine revolutionären Vorstellungen nicht erfüllten, beendete er seine politischen Aktivitäten und distanzierte sich zunehmend von seinem expressionistischen Frühwerk.

Von 1934 bis 1941 wohnte Felixmüller mit seiner Frau Londa und seinen zwei Kindern Titus und Luca in Berlin. Wegen seiner früheren politischen Haltung wurde er von den Nationalsozialist*innen zunehmend aus dem Kunstbetrieb ausgegrenzt. 40 seiner Bilder wurden in der Ausstellung „Entartete Kunst“ in Dresden gezeigt und über 150 Werke aus deutschen Museumssammlungen beschlagnahmt.

1949 erhielt Felixmüller eine Professur für Malen und Zeichnen an der Martin-Luther-Universität in Halle. 1961 zog er zurück nach Berlin in den Bezirk Köpenick. Da sich seine Arbeiten auch in der DDR nicht mit der offiziellen Staatskunst in Einklang bringen ließen, reiste der Künstler 1967 in den West-Berliner Bezirk Zehlendorf aus. Dort verstarb er kurz vor seinem 80. Geburtstag am 24. März 1977.

Von 17.06.2022 bis 02.10.2022, Altes Museum

Am Kulturforum, in Dahlem, in Köpenick und auf der Museumsinsel Berlin präsentiert die Ausstellungsintervention „Jeden Tag im Museum“ die Lieblingswerke des Sicherheitspersonals. Kaum jemand verbringt so viel Zeit mit den Objekten der Museen wie das Sicherheitspersonal. Tagein, tagaus beschützen sie die Werke, begrüßen Besucher*innen und entwickeln eine ganz eigene Beziehung zu den Sammlungen. Aus unterschiedlichster Herkunft und mit einer großen Bandbreite an Interessen und Erfahrungen, haben die Teilnehmer*innen eine je eigene emotionale, alltägliche Sicht auf die Werke und eröffnen damit vielfältige Perspektiven, die nun sichtbar gemacht werden sollen. 

So betont Daniela Böttcher, Aufsichtsleiterin im Alten Museum, in Bezug auf die antike Statue eines Knaben: „Ich habe immer das Gefühl, den Kleinen muss man an die Hand nehmen und beschützen“. „Öl und Leinwand. Das ist alles einfach nur Material. Aber dann entsteht durch den Künstler mit diesen Materialien eine Seele“, bemerkt Gerard Janssen, Mitarbeiter am Infostand in der Gemäldegalerie, beim Betrachten eines Bildnisses von Velázquez. „Es erinnert mich an mein Zuhause, das ehemalige Jugoslawien, weil dort diese Gegenstände bis heute benutzt werden“ berichtet Amela Jusufovic beim Anblick einer sizilianischen Karre im Museum Europäischer Kulturen. So werden diverse Einblicke und emotionale Bindungen zu Werken deutlich, die vielen Besucher*innen entgangen wären.

Ausstellungsorte

In der sammlungsübergreifenden Ausstellungsintervention sind Werke in Dauerausstellungen in einer Auswahl, die vom Sicherheitspersonal getroffen worden ist, durch eine Markierung hervorgehoben. „Jeden Tag im Museum“ ist zu sehen im Alten Museum, in der Gemäldegalerie, im Museum Europäischer Kulturen, im Neuen Museum, im Pergamonmuseum und im Schloss Köpenick. 

Beteiligte Sammlungen

Eine Ausstellungsintervention des Ägyptischen Museums und Papyrussammlung, der Antikensammlung, der Gemäldegalerie, des Kunstgewerbemuseums, des Museums Europäischer Kulturen, des Museums für Islamische Kunst und des Vorderasiatischen Museums der Staatlichen Museen zu Berlin. 

Mit Beiträgen der Aufsichten Daniela Böttcher, Michael Buchholz, Thomas Burghardt, Azzad Ismail Dhif, Klaus Fritzsche, Volkmar Gauger, Wladimir Gluchow, Jochen H., Gerard Janssen, Amela Jusufovic, Simone K., Johanna Lange, Christiane Lehmert, Mathias Menzel, Alina-Diana Mindrila, Harmut Peters, Sylvia Pflüger, Christian Pischel, Thomas R., Ollha Savielieva, Volker Schmidt, Thomas S., Uwe Teßmann, Jeannette Wolf u.a. 

Konzipiert von Lisa Botti und Catalina Heroven, in Zusammenarbeit mit Jill Praus, entwickelt im Rahmen der Veranstaltungsreihe „Weitwinkel. Globale Sammlungsperspektiven“ mit Unterstützung des Projekts „Diversität als Narrative, Diversität als Wirklichkeit“ am Museum für Islamische Kunst.

Das Projekt wird gefördert im Programm 360° – Fonds für Kulturen der neuen Stadtgesellschaft der Kulturstiftung des Bundes. 

Von 08.04.2022 bis 30.09.2022, Tieranatomisches Theater

Die Ausstellung „200 Jahre archäologische Spurensuche in Ostia: Ein Heiligtum wird entdeckt“ präsentiert die Ergebnisse der Grabungen des Ostia Forum Projekts und insbesondere des damit verknüpften, von der Stiftung Humboldt-Universität geförderten Graduiertenkollegs wider.

Die Ausstellung beinhaltet neben einer ausführlichen und abbildungsreichen Einführung in die Grabungsaktivitäten des Ostia Forum Projekts sechs Posteressays der Promovierenden, in denen die Dissertationsprojekte im Detail vorgestellt werden.

Mehrere Vitrinen mit Originalzeichnungen und archäologischem Werkzeug veranschaulichen die Darstellung des Arbeitsalltags von Archäolog:innen. Zudem sind 3D-Drucke des Ausgrabungsbereichs und einzelner Fundobjekte sowie digitale Rekonstruktionen des neuentdeckten Heiligtums mitsamt mehrere Tempel- und Altarphasen zu sehen.

In Zusammenarbeit mit der TU Berlin sind zwei Virtual Reality (VR) Umgebungen entstanden, die die Inhalte der Ausstellung virtuell ergänzen. Während es die VR Umgebung „Ostia Forum Virtual Deposit“ Besucher:innen ermöglicht, archäologische Fundstücke aus der römischen Hafenstadt virtuell „in die Hand zu nehmen“ und ihre Bedeutung kennen zu lernen, verschafft die Anwendung „Ostia Forum Altar: Sacrificing in Ostia’s First Sanctuary“ dem Betrachtenden einen Eindruck von der Ausgrabungsstätte, den Rekonstruktionen und den Opferritualen, die an jenem Ort stattgefunden haben.

PARTNER

Ostia Forum Projekt
Stiftung Humboldt-Universität
REALITAETENLABOR
TU Berlin, Fachgebiet Informations- und Kommunikationsmanagement
Vinn:Lab (TH Wildau) für die 3D-Drucke

Von 07.05.2022 bis 12.07.2023, Alice - Museum für Kinder

Das Ausstellungsprojekt „Susi und Wir. Vom Hingucken und Wegschauen“ setzt sich mit der Zeit des Nationalsozialismus und der Verfolgung von Jüdinnen und Juden nach Motiven des Kinderbuchs "Susi, die Enkelin vom Haus Nr. 4" von Birgitta Behr auseinander. In sieben interaktiven Stationen – begleitet durch Iris Berben als Erzählerin – erhalten Kinder, Jugendliche und interessierte Erwachsene einen Blick auf die authentische Geschichte von Susanne „Susi“ Collm und ihrer Familie aus Berlin-Charlottenburg.

Gerade mal sechs Jahre alt musste sich Susi von 1942 bis 1945 gemeinsam mit ihren Eltern im Untergrund von Berlin und der Region vor den Nazis verstecken. Sie überlebten, weil es engagierte Menschen gab, die halfen – und weil sie trotz des Grauens der Nazizeit nicht aufgaben. Im Zentrum der Ausstellung steht die bis heute aktuelle Frage: Hingucken oder Wegschauen? Die in eine begehbare Stadtkulisse verwandelte Ausstellungslandschaft verknüpft Fragmente der Geschichte der Familie Collm mit historischen Bezügen und schlägt die Brücke zu gegenwärtigen Themen wie z.B. Ausgrenzung und Widerstand, Zivilcourage und Utopien. 
Die Aktionsschauplätze der Ausstellung öffnen den Besucher*innen eigene Räume für ihre Annäherung an die historischen Protagonist*innen des Kinderbuchs und deren Leben während der NS-Zeit. So werden über rotgefärbte „Gedankenlesebrillen“ unsichtbare Texte in „Gedankenblasen“ sichtbar und damit die Meinungen, Vorurteile und geheimen Wünsche, aber auch die Optionen der handelnden oder passiv-zögernden Personen ablesbar. Das eigens für die Ausstellung produzierte Begleitheft unterstützt die eigenständige Meinungsbildung mit weiterführenden Fragen und Inhalten zu Verfolgung, Widerstand, Zuschauer- und Täterschaften.

"Susi und Wir. Vom Hingucken und Wegschauen" ist eine Ausstellung des Alice - Museum für Kinder im FEZ und der Senatsverwaltung für Jugend, Bildung und Familie, nach Motiven des Kinderbuchs "Susi, die Enkelin von Haus Nummer 4" von Birgitta Behr. Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Anne-Frank-Zentrum, Berlin, und wird gefördert von PS Sparen und Gewinnen der Berliner Sparkasse.

Von 21.05.2022 bis 30.07.2022, Gotisches Haus

Charakteristisch für die Arbeiten von Inge Thiess-Böttner (* 1924 Dresden, † 2001 ebenda) ist die Auseinandersetzung mit der Moderne sowie der Bauhaustradition. In ihren Druckgrafiken dominieren kristalline Strukturen, die sich aus der Verschränkung klarer Linien und Grundformen ergeben. Die Bildkompositionen sind hermetisch geschlossen. Als Module werden sie mehrmals auf den Bildträger gebracht,  dabei systematisch gespiegelt und gedreht, sodass neue Konstellationen und Farbräume entstehen. Anders als in den Druckgrafiken emergieren die Motive der Scraperboards durch die Freilegung von Negativformen.

Das Arbeiten in Serien ermöglicht es der Künstlerin, die Variationenvielfalt und das Formenrepertoire sichtbar zu machen. Mehr noch referiert Thiess-Böttner durch ihre methodische Grundlage auf Arnold Schönbergs Dodekaphonie. Dem Komponisten und Musiktheoretiker widmet sie mehrere Blätter. Thiess-Böttners Malerei wirkt dagegen wie ein „poème simultane“. Die Farbschichten, die im Sprühverfahren auf die Leinwand aufgetragen werden, oszillieren und brechen durch die sichtbaren Farbtropfen die lineare und technoid anmutenden Strenge ihrer konstruktiv-konkreten Kompositionen.

In Abgrenzung zu ihrem Künstlerkollegen Karl-Heinz Adler, der als Architekt u. a. mit Kunst im öffentlichen Raum sichtbar vertreten war, stand Thiess-Böttner mit ihrer „formalistischen Abstraktion“ abseits jeglicher DDR-nahen Kunst. Stattdessen entwickelte sie eine einzigartige künstlerische Position, welche sie zu einer der interessantesten Vertreterinnen konstruktiv-konkreter Kunst Ostdeutschlands macht.

Mit „Modern Friction“ zeigt das Spandauer Kulturamt in Kooperation mit der Galerie Mitte (Dresden) eine Auswahl an Werken aus dem  Nachlass der Künstlerin, die im Zeitraum von 1984 bis 2001 entstanden sind. Im Gotischen Haus treffen klare druckgrafische Formen auf geschwungene gotische Netzgewölbe. Sinnlich verschränken sich Inge Thiess-Böttners Arbeiten mit den architektonischen Besonderheiten des im 15. Jahrhundert entstandenen Bauwerks und erzeugen eine spannungsvolle Reibung historischer Ebenen.

Kuratiert von Maria Weber

Von 20.05.2022 bis 28.08.2022, Haus am Waldsee

Thomas Florschuetz, geboren 1957 in Zwickau, gilt als einer der wichtigsten Vertreter zeitgenössischer Fotografie. Er ist ein präziser Beobachter seiner Umgebung und ihrer Erscheinungsformen. Wie in einer „Schule des Sehens“ fordert er seine Betrachter*innen auf, dem eigenen Blick – zuweilen verstellt durch ein raffiniertes Geflecht von formalen Überlagerungen und Verschränkungen – zu folgen.

Für Florschuetz besteht die Komplexität der Fotografie darin, direkt auf Objekte oder Situationen zu reagieren und gleichzeitig über den rein abbildenden Aspekt hinauszuweisen. Er wählt An- und Ausschnitte, Durchblicke in Räume, Spiegelungen, konzentriert sich auf Überlagerungen und Verschränkungen von architektonischen Formen und Objekten, die in vielbeachteten, oft großformatigen Werkserien münden. Damit löst er das Abgebildete bewusst aus seinem ursprünglichen Kontext und stellt neue Zusammenhänge her.

Die Ausstellung legt den Schwerpunkt auf die letzten zehn Schaffensjahre von Thomas Florschuetz. Zu sehen sind unter anderem Arbeiten aus der Werkgruppe „Elephant’s Breath”, in der sich der Fotograf mit der Auflösung des Ethnologischen Museums am Standort Berlin-Dahlem auseinandersetzt. Anlässlich der Ausstellung entstanden außerdem eine Reihe neuer Arbeiten, darunter Aufnahmen der UNESCO-Welterbestätte Sítio Roberto Burle Marx in der Nähe von Rio de Janeiro.

Von 19.05.2022 bis 31.10.2022, Werkbundarchiv – Museum der Dinge

Mit der Sonderausstellung DINGE ORDNEN will das Werkbundarchiv – Museum der Dinge ganz konkret Analogien zwischen alltäglichen Ordnungssystemen und musealen Strukturen aufzeigen. 

Im Alltag sind wir bemüht, dem Chaos Einhalt zu gebieten – mittels Ordnungshelfern, Ordnungshütern und Ordnungsrastern, mithilfe von Ordnungsratgebern oder Ordnungs-coaches, Sie alle geben bestimmte Strukturierungen vor: als Kästen, Schubfächer und Schränke oder als Regeln, Koordinaten, Systeme, Auszeichnungen, Register, Anleitungen und Gebote. Die Betrachtung dieser Ordnungsvor- und -verrichtungen macht die Allgegenwart von Strukturierungsaufgaben deutlich.

Im Museum ist Ordnung ein unverzichtbarer Aspekt, vielleicht der wesentlichste. Die Ordnung der Dinge und die Ordnung des Wissens bedingen sich hier gegenseitig. Theoretische Strukturierungsmodelle lassen den praktischen Zugriff oft vergessen, der beim musealen Ordnen deutlich wird: im Sammeln, Auspacken und Sichten, Einordnen, Inventarisieren und Katalogisieren von Objekten und Dokumenten. Auf Grundlage der vergleichenden Betrachtung und Analyse, des Unterscheidens, des Trennens und Zusammenfügens agiert das Museum als eine Art „Ordnungsmaschinerie“. Eine „Ordnungsmaschinerie“, die in Abhängigkeit vom jeweiligen Auftrag,einer wissenschaftlichen Systematik und dem aktuellen Wissensstand funktioniert.

Die Sonderausstellung DINGE ORDNEN bildet einen kommentierenden Rahmen für die nach Art eines offenen Depots angelegte Dauerausstellung des Museums. Zu Beginn der Ausstellung steht die „Registratur“ – eigentlich eine Protokollinstanz für administrative Vorgänge – für den Prozess, den Objekte mit der Integration in die musealen Sammlungen durchlaufen. Im zweiten bildhaften Teil der Ausstellung steht das Museum als Behältnis im Vordergrund – symbolisiert durch Kästen mit diversen Schubladen, die zum geordneten musealen Aufbewahren genutzt werden und wurden. Diese schweren materiellen Gebilde sind mit zwei künstlerischen Installationen von Sibylle Hofter und Moritz Fehr verknüpft.

Mit dem Projekt soll vor dem Hintergrund vielfältiger Ordnungsdinge ein Raum für die eigene Reflexion und darüber hinaus auch für einen Diskurs von und mit Spezialist*innen der Wissens- und der Alltagsordnungen geöffnet werden. Vorträge, Gespräche und Workshops widmen sich dem Thema aus ganz unterschiedlichen Blickwinkeln und laden ein zu einem mit der Ausstellung DINGE ORDNEN angestrebten Erkenntnisprozess. 

Das Projekt DINGE ORDNEN bildet den Auftakt für weitere Aktivitäten anlässlich des 50. Jubiläums der Gründung des Werkbundarchivs in den Jahren 1972/73.

Von 01.03.2022 bis 22.08.2022, Humboldt Forum

„Bu bai“ ist ein traditioneller Begriff der chinesischen Kalligraphie. Er bezieht sich auf das Konzept der Anordnung vom Weiß des Hintergrunds in Verhältnis zum Schwarz der Tuschestriche.

Die Methode wird auf drei Ebenen bezogen: auf das einzelne Zeichen, eine Spalte oder Gruppe von Zeichen und das gesamte Layout. Die schwarzen und weißen beziehungsweise gefüllten und leeren Bereiche sind zwei sich ergänzende Kräfte, die ineinandergreifen und sich gegenseitig bedingen – wie Yin und Yang in der chinesischen Philosophie.

Dabei ist „Bu bai“ eine unersetzliche Ausdrucksform in der chinesischen Malerei, die mindestens seit der Song-Dynastie (960 – 1279) kalligraphische Pinselführung verwendet. Dies ist insbesondere in der Malerei von Orchideen, Felsen und Bambus, aber auch Landschaften der Fall. 

Eine Wechselpräsentation des Museums für Asiatische Kunst der Staatlichen Museen zu Berlin kuratiert von Birgitta Augustin, zu sehen im Rahmen der Dauerausstellung „Ethnologische Sammlungen und Asiatische Kunst“ im Humboldt Forum.