Die Initiative der Autorin Kathrin Röggla, der Konzeptkünstlerin Karin Sander und des Komponisten Manos Tsangaris, das Akademie-Gebäude am Hanseatenweg als ein Labor künstlerischer Forschung zwischen den Genres für einen Zeitraum von 10 Wochen zu nutzen, hat mehr als 50 Künstlerinnen und Künstler zusammengeführt, darunter die Filmemacherin und Akademie-Präsidentin Jeanine Meerapfel, den Raumbildner Mark Lammert oder die Hörspielkünstler Eran Schaerf, Oliver Sturm und Hermann Bohlen, Intellektuelle wie Gemina Picht, Karin Krauthausen oder Georg Seeßlen. Die künstlerischen Aktivitäten konzentrieren sich Anfang Mai auf das Utopische im Ausstellungsprojekt "Telling Art and Futures" von Karin Sander und auf die beiden letzten Mai-Wochen mit Uraufführungen von Manos Tsangaris (winzig und der Elefant), Kathrin Röggla (Der Elefant im Raum) sowie Floros Floridis und Jeanine Meerapfel (Moving Sand / Topos). Bespielt werden alle Räume der Akademie am Hanseatenweg mit Installationen aus Film, Text und Ton, als Stationen-Theater, in Per formances und diskursiven Formaten.
Ein Querschnitt durch 40 Jahre Produktion, mit teilweise noch funktionierenden Geräten.
Sehr geehrte Damen und Herren,
zur Ausstellungseröffnung am Mittwoch, den 10. April 2019, 19 Uhr, laden wir Sie herzlich ein.
»Sowjetisches Ehrenmal in Berlin. Modelle und Musen seines Schöpfers«
Eine Ausstellung des Wolgograder Museums »Stalingrader Schlacht« zum 70. Jahrestag der Einweihung des sowjetischen Ehrenmals im Treptower Park
Am 8. Mai 1949 wurde das sowjetische Ehrenmal im Treptower Park eingeweiht, am 15. Oktober 1967 fand die Eröffnung des Denkmal-Ensembles auf dem Mamajew-Hügel in Wolgograd zur Erinnerung an die Schlacht um Stalingrad statt. An beiden Projekten war an leitender Stelle der sowjetische Bildhauer Jewgenij Wutschetitsch beteiligt. Die Ausstellung dokumentiert die Entstehungsgeschichte der beiden Denkmal-Ensembles.
Die Ausstellung wird bis zum 22. Mai 2019 gezeigt.
Im Fokus der Schau steht die persönliche Bibliothek als bevorzugte Werkstatt und Inspirationsquelle von Kunstschaffenden. Illustrierte Künstlerbücher, Widmungs- und Arbeitsexemplare veranschaulichen künstlerische Arbeitspraktiken, Netzwerke und Vorlieben.
Führungen/Gespräche: Do+Sa 15–18.30 Uhr
Seit Anfang 2018 werden in der Ausstellungsreihe »Kreise ziehen« Verbindungen zwischen Hellersdorf und anderen Großsiedlungen hergestellt, in denen Künstler_innen mit Anwohner_innen zusammenarbeiten. Auf einer Brachfläche - dem so gennaten »Place Internationale« in Hellersdorf zeigen Tinatin Gurgenidze/Christian Hanussek und Stephan Willats auf acht Großplakatflächen künstlerische Arbeiten zu den Großsiedlungen Gldani (Tiflis, Georgien) und Gropiusstadt (Berlin). Willats Serie »In Isolation leben« von 1979/80 befasst sich damit, wie Einzelne gegen ihre persönliche Isolation, gegen die physischen Bedingungen ihres Lebensraums kämpften, um sich selbst organisierende soziale und kreative Netzwerke zu schaffen.
Gurgenidze/Hanussek beschäftigen sich mit Gldani, einer Großwohnsiedlung im Norden von Tiflis - insbesondere mit der postsozialistischen Überformung der ursprünglichen Siedlungsplanung durch Garagen (als ökonomische und soziale Räume), Stadtgärten an Erdgeschosswohnungen (als Import ländlicher Strukturen) und die Nutzung einer Landkartenfabrik als Flüchtlingsunterkunft. Für die Dauer der Ausstellung päsentiert sich die die station urbaner kulturen auf der nahe gelegenen Brachfläche mit Screenings, Gesprächsrunden und einer temporären Architektur.
nGbK-Projektgruppe ›station urbaner kulturen‹: Feben Amara, Jochen Becker, Fabian Bovens, Eva Hertzsch, Margarete Kiss, Constanze Musterer, Adam Page
Mit Unterstützung von: Christian Hanussek
Als Abschluss ihres Stipendiums 2018 präsentieren 15 internationale Künstlerinnen und Künstler aller sechs Sektionen der Akademie im Rahmen von Agora Artes ausgewählte Werke. Unterschiedliche Medien und experimentelle Ansätze veranschaulichen die Vielfalt der geförderten Positionen. Diese umfassen interaktive Installationen, Performances, Video, Literatur und Komposition und setzen sich thematisch mit Heimat und Identität, Deepfakes und Wahrheitsregimes, historischer Zeugenschaft sowie Erfahrungen von Krieg und Exil auseinander.
Für seine Arbeit ?Dear Bill Gates? von 1999 dokumentierte der Künstler Allan Sekula, wie er so nah wie möglich an das Uferanwesen des Microsoft-Gründers und damaligen Eigentümers der Bildagentur Corbis heranschwamm. In einem mit Schreibmaschine verfassten offenen Brief kommentierte Sekula darauf Gates? 30-Millionen-Dollar-Kauf eines Gemäldes von Winslow Homer zweier dem Tod geweihter Fischer im Meer (?Lost on the Grand Banks?, 1885), das zwar im Privathaus des Milliardärs hing, aber nicht im Netz aufzufinden war. Bill Gates wurde so als Vorreiter des neuen Paradigmas des globalen Archivars entlarvt, der die Bildströme durch digitale Reproduktion zu steuern suchte. Entgegen dem Versprechen des Internets ? ?the archive of everything for everybody? ? zwängte er den Bildverkehr in ein Lizenzkorsett und erklärte diesen zum Privateigentum.
Ausgehend von Sekulas Brief widmet sich die Ausstellung ?When you're on the Net, are you lost? Or found? And the rest of us?lost or found?are we on it, or in it?? den ambivalenten Dynamiken, die dem postfotografischen Bildreservoir und dem Wandel von der Speicher- zur Übertragungskultur zugrunde liegen. Dieses digitale Archiv eröffnet die Möglichkeit des kontinuierlichen Einschlusses von Angeeignetem und Abgelegtem; es schafft alternative Kreisläufe und entzieht sich den Ordnungen der kommerziellen oder institutionellen Indienstnahme. Gleichzeitig birgt es die Fähigkeit, im Akt des Bewahrens und Exponierens Bildmaterial auch außer Sichtweite zu halten und Unerwünschtes in Vergessenheit zu bringen.
Die Ku?nstler*innen gehen in ihren Arbeiten dem konstituierenden Gefüge von Bedeutung, Instrumentalität und Performativität des ausgestellten Bildes nach, das, getragen von Diskurs und Ideologie, zwischen Subjektivität und Objektivität existiert. Bei vielen der präsentierten Arbeiten rückt weniger das Bildzeichen, als der Akt des Schauens in den Vordergrund. Die Vorstellung, Realität als Bild repräsentieren und bewahren zu können, wird hierbei entkräftigt, um das Wahrnehmbare, Denkbare und Machbare zu hinterfragen. So erfordert die Interpretation von Bildern nach Ariella Azoulay ?multiple Kollaborationen, wobei jedes der eigenen Bilder eines Tages meist durch den Blick anderer als das fehlende Bild erscheinen kann?.
Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Erfan Aboutalebi, Pegah Keshmirshekan, Maximilian Klawitter, Daria Kozlova, Timon & Melchior Grau, Vanda Skacalova.
Die Ausstellung wird kuratiert von Elisa R. Linn.
SEEN BY #12 ist der zwölfte Teil der Ausstellungskooperation der Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin und der Universität der Künste Berlin im Museum für Fotografie. Sie hat zum Ziel, kuratorische und künstlerische Strategien im Umgang mit zeitgenössischer Fotografie neu zu denken.
Mitarbeiter*innen und Studierende der Universität der Ku?nste Berlin haben freien Eintritt.
Wie sieht Grafikdesign heute aus? Wer einen Überblick über aktuelle Trends und innovative Ansätze der grafischen Gestaltung im deutschsprachigen Raum sucht, ist mit der Schau ?100 beste Plakate? am Kulturforum auf der richtigen Wellenlänge.
In Zusammenarbeit mit dem Verein 100 Beste Plakate e.V. präsentiert die Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin die 100 besten Plakate des Jahres 2018 aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Die diesjährige Fachjury hat aus 2.353 Einreichungen in den Kategorien Auftragsarbeiten, Autorengrafik und studentische Projektaufträge ausgewählt. Die Kooperation zwischen dem Verein und der Kunstbibliothek hat eine inzwischen 18-jährige Tradition. Auch dieses Jahr findet der Auftakt der Ausstellungstournee mit Launch des Jahrbuchs am Berliner Kulturforum statt. Danach wandert die Schau nach Essen, Luzern, Wien, La Chaux-de-Fonds, Zürich und an andere Stationen.
Die Ausstellung wird für nur drei Wochen in der unteren Sonderausstellungshalle des Kulturforums gezeigt. Der Eintritt ist frei.
Schon lange sind die Standorte der ehemaligen Marzahner Mühlen bekannt. Ihre über zweihundertjährige Geschichte wurde bislang nur in Archiven und im Museum überliefert. Eine Neubebauung des historischen Standorts der Trillerschen Mühle an der heutigen Allee der Kosmonauten und der damit verbundene Abriss der Altbebauung gab die Gelegenheit zur Spurensuche. Sie förderte u.a. Teile der ältesten Windstromanlage Berlins von 1912, damals eine technische Meisterleistung, wieder ans Tageslicht. Die Ausstellung berichtet über die Grabungsarbeiten, zeigt ausgewählte Funde und lässt den historischen Mühlenstandort auf Grundlage der Funde virtuell neu entstehen.
Das Projekt »In the Blink of A Bird« wurde vom Künstler_innenkollektiv Sis* initiiert. In kollektiven Produktionsprozessen werden die Themen Meinungsfreiheit, Bürokratie und Einwanderung verhandelt. In der Türkei sind derzeit vor allem Print- und Rundfunkmedien verstärkt Regularien ausgesetzt, die die Redefreiheit einschränken. Deshalb wählen die Künstler_innen der Ausstellung ebenfalls Techniken aus den Bereichen Druck und Video für ihre Arbeit – auch um das subversive Potenzial dieser Medien aufzuzeigen.
Im Mai 2017 wurde die erste Ausgabe von »In the Blink of A Bird« im Depo in Istanbul gezeigt. Teil der Installation waren die Formate »Incoming Papers« (Druckerzeugnisse) und »HisTV« (Videoarbeiten). Sie bilden nun auch in der nGbK die Pole, zwischen denen sich die Ausstellung entfaltet. Außerdem gibt es Erweiterungen durch Inhalte, die in den vergangenen zwei Jahren zusammengetragen wurden. In dieser Zeit sind viele Menschen aus der Türkei nach Europa und hauptsächlich nach Berlin gezogen. Deshalb wird auch der Moment des ›Umzugs‹ konzeptuell in der Ausstellung mitgedacht.
Neue Module, die für die nGbK entwickelt wurden, sind eine Wandzeitung und eine Druckerpresse sowie die »Bureaucratic Application Anxiety Consultation Agency« [Beratungsagentur für bürokratische Antragstellung und Angstzustände]. Für diese fiktive Agentur, die Neuankömmlingen Hilfe bei Problemen im Bürokratiedschungel anbietet, entwickelte Sis eine neue Performance, die während der Ausstellung zweimal aufgeführt wird.
* Sis ist ein Kollektiv von Künstler_innen aus der Türkei, das sich 2016 während eines Aufenthalts im Projektraum Apartment Project in Berlin gegründet hat. Die zunehmende Unterdrückung der Meinungsfreiheit in der Türkei zwang sie, mit indirekten Formen der Meinungsäußerung zu arbeiten. Seitdem erforscht Sis das kollektive Produzieren. Dabei kommen bei den großen Treffen des Kollektivs jeweils neue Mitglieder hinzu, während einige wieder in den Hintergrund treten.
Sis Collective und Kollaborateur_innen:
Selda Asal, Özgür Atlagan, Birgit Auf der Lauer & Caspar Pauli, Fatma Belk?s, Berk Asal, Emre Biri?men, Sava? Boyraz, ?afak Çatalba?, Onur Cerito?lu, Ece Gökalp, Yasemin Nur, Gümü? Özde?, Ceren Oykut, Melih Sar?göl, Özlem Sar?y?ld?z, Sandra Schäfer, Nihan Somay, Gökçe Süvari, Berkay Tuncay, Merve Ünsal, Seçil Yersel & Özge Aç?kkol
TheFirstPaperWorkers: Evrim Kavcar, Güne? Terkol
TheSecondPaperWorkers: ?ahika Aslantürkiyeli, Hakan Öktem, Hüseyin Varaha
TheThirdPaperWorkers: Zümrüt Çavu?o?lu, Senem Denli, Özgür Erkök Moroder, Sina Muehleisen
Publication Editors: Erden Kosova, Umut Y?ld?r?m
Incoming Papers Archive: Hera Büyükta?c?yan, Didem Erk, Bengi Güldo?an, Gülsün Karamustafa, Evrim Kavcar, Komet, Göksu Kunak, Ali Miharbi, Sevgi Ortaç, ?z Öztat, ?rem Tok
HisTV Archive: ?mre Azem, Mehtap Baydu, Elmas Deniz, Gaye Günay, Borga Kantürk, Evrim Kavcar, Zeynep Kayan, Ezgi K?l?nçaslan, Art?ki?ler Kolektifi, Julia Lazarus, Lara Ögel, Azra Deniz Okyay, Florian Wüst
Nachricht von SIS:
„Hallooooooooo! Haben Sie Probleme mit der Bürokratie? Brauchen Sie vielleicht ein Visum, eine Aufenthaltserlaubnis oder eine Finanzierungsmöglichkeit? Haben Sie keine Lust mehr, Ihr Zuhause mit Einreisepapieren, Empfehlungsschreiben oder Projektanträgen zu verunstalten? Denken Sie über andere Produktionsweisen nach, für den Fall, dass Sie niemals eine Finanzierung erhalten? Fragen Sie sich manchmal, wie es wäre, wenn Sie Ihr vorheriges Zuhause nicht verlassen hätten, um nach Berlin zu kommen? Fragen Sie sich jetzt, was Ihre Freund_innen wohl gerade tun – in dem Wissen, dass Sie sehr weit weg von ihnen sind und das auch eine Weile so bleiben wird? Möchten Sie Ihr restliches Leben ohne den Gedanken verbringen: „Oh Gott! Werde ich es diesmal schaffen?“ Möchten Sie das ein für allemal beenden? Na dann, komm zu uns in die nGbK. Wir sind SIS, die weltweit allerersten und allerbesten Berater_innen bei Angst vor bürokratischen Antragsverfahren. Jawohl, so ist es, ich höre, jajaja! Also kommen Sie schon, wir HELFEN IHNEN mit einer hochwertigen Therapie gegen bürokratische Antragsängste. Im Rahmen unseres „Post-Wahrheits-Wellness-Zentrums“ werden wir Ihre Papiere singen und aus Ihrem Antrag ein schönes Liedchen machen. Wir werden einen Film aus der Geschichte drehen, die Ihre Papiere erzählen. Wir werden Ihre Frustration über den Antragskram teilen und uns – bei Bedarf – mit Ihnen die Lungen ausschreien. Wir werden Ihren Unterlagen mit Liebe begegnen. Wir werden Ihnen Papierkram zeigen, wie Sie ihn noch nie zuvor gesehen haben. Wir werden Ihnen sogar unsere Papiere zeigen. Der Raum ist voller Papier.
Oh, und übrigens: Bitte bringen Sie keine tatsächlichen Antragsunterlagen mit, wenn Sie zu uns kommen. Keine Sorge, soweit wir können, geben wir Ihnen alles, was Sie brauchen!“
nGbK-Projektgruppe:
Berk Asal, Fatma Belk?s, Gümü? Özde?, Kristina Kramer, Özgür Atlagan, ?afak Çatalba?, Selda Asal, Yasemin Nur
Eine Ausstellung in Kooperation mit dem Georg Kolbe Museum Berlin.
Die erste Retrospektive des britischen Bildhauers Lynn Chadwick (1914 – 2003) in Deutschland versammelt rund 60 plastische Werke, zahlreiche Zeichnungen und Grafiken, sowie umfassendes Archivmaterial und zeigt die beeindruckende Werkentwicklung des für die britische Nachkriegsmoderne wegweisenden Künstlers von den frühen 1950er-Jahren bis zum Ende der 1990er-Jahre.
Im Haus am Waldsee wird Chadwicks Spätwerk mit dem seiner beiden deutschen Bildhauerkollegen Hans Uhlmann (1900-1975) und Katja Strunz (geb. 1970) in Beziehung gesetzt. Die Außenräume beider Häuser werden großformatige Werke von Lynn Chadwick eindrucksvoll zur Geltung bringen.
Der Kunstraum Kreuzberg/Bethanien präsentiert mit "Slow Motion Disasters" eine Einzelausstellung des in Berlin lebenden Künstlers Brad Downey. Beide verbindet eine lange Geschichte: Downey kam erstmals 2003 im Rahmen des Streetart-Festivals Backjumps nach Berlin. 2011 legte er hier als Teil der Ausstellung "Do Not Think" ein unter 20 Farbschichten verborgenes Werk des britischen Street-Art-Künstlers Banksy frei. Mit "Slow Motion Disasters" widmet sich der Kunstraum Kreuzberg/Bethanien nun den neusten Arbeiten Brad Downeys.
Polizisten beim AcroYoga, Drohnenflüge über militärische Übungsgelände in der kalifornischen Sonora-Wüste, ein bildgewordenes Stück Zaun der US-amerikanischen Grenze zu Mexiko, ein Melania-Trump-Memorial, das ihren Wurzeln in ihrer Heimatstadt nachspürt, mit brutalistischen Betonlandschaften verschmelzende Tiere – mittels sozialer Plastik kommentiert und unterwandert Brad Downey Gegebenheiten, gesellschaftliche Verhältnisse und politische Machtstrukturen.
International bekannt wurde der in Louisville, Kentucky, geborene Künstler durch seine subversiven Eingriffe und minimalistischen Interventionen im öffentlichen Raum: irritierende Verfremdungen und humorvolle Neuverbindungen scheinbar unzusammenhängender Dinge und Verhältnisse machten ?die starren Normen und Konventionen, die unsere urbane Umgebung dominieren, sichtbar. In seiner Einzelausstellung "Slow Motion Disasters" im Kunstraum Kreuzberg/Bethanien blickt Downey nun nicht mehr nur auf die Ordnung der Dinge in der Stadt und dem öffentlichen Raum. Anhand einer Bandbreite von Medien, die von Film, Fotografie, Skulptur, Zeichnung bis hin zu raumgreifenden Installationen reicht, nimmt Downey das Verhältnis von Individuum, staatlicher Autorität und politischen Machtverhältnissen in den Fokus. Dabei bewegen sich seine aktiven Eingriffe in ihren Größenordnungen zwischen minimal und megaloman.
Downey nimmt die Rolle eines Tricksters ein, der unsere Seh- und Lesegewohnheiten wie in einem Slapstick mittels Situationskomik und scheinbarer Zufälligkeit zu Fall bringt und den dahinterliegenden realen Wahnwitz offenlegt. Es eröffnet sich ein poetischer Raum für neue Sicht- und Handlungsweisen und nicht zuletzt für eine Begegnung mit dem eigenen tiefen Unwohlsein. Welche Möglichkeiten haben wir im Umgang mit den irrationalen, widersprüchlichen Phänomenen, die wir täglich wahrnehmen, aber nicht wahrhaben wollen? Wie begegnen wir den unausweichlichen Desastern unserer Zeit?
Kaum ein zeitgenössischer Künstler arbeitet so vielschichtig mit Versatzstücken und Referenzen, die aus dem Alltag und aus dem Fundus der Kunstgeschichte gleichermaßen stammen, wie Thomas Scheibitz (geb. 1968 in Radeberg bei Dresden). Seine dichten, oft leuchtend-farbigen Gemälde und seine schemenhaft, oft puristisch angelegten Skulpturen lassen sich als freie Realitäts-Montagen verstehen. Sie zeigen sich als komplexe Bild- oder Objektspeicher, in denen sich die visuelle Lebenskultur eingeschrieben hat, vom Künstler formal jeweils stark verdichtet. Unverkennbar ist der Einfluss von Pablo Picasso und dem Kubismus. ?Von allen großen Ismen des 20. Jahrhunderts?, erklärt Thomas Scheibitz, ?ist der Kubismus am radikalsten, am prägendsten geblieben.?
Das Museum Berggruen, das der Kunst Picassos und seiner Zeit gewidmet ist, schlägt mit dieser Ausstellung einen Bogen von der Klassischen Moderne in die Kunst der Gegenwart. Anhand von circa 45 Werken jeweils zeigt sich, dass Picasso und Scheibitz zwar nicht die gleichen Motive verbinden, jedoch eine sehr ähnliche künstlerische Haltung. Beide Künstler begreifen ihre Arbeit als offenen Prozess, der unablässig zu neuen Varianten und Aktualisierungen der bereits gefundenen Lösungen führt. Nichts bleibt hier statisch. Beide Künstler halten zugleich an der grundsätzlichen Idee von Bild und Skulptur fest.
So ist die Ausstellung als direkte Gegenüberstellung von ?Picasso? und ?Scheibitz? angelegt, als offener Parcours durch das Museum Berggruen. Die Unterschiede des unterschwellig jeweils mitreflektierten Lebensalltags ? dem alten Paris und dem heutigen Berlin ? könnten kaum größer sein. Umso markanter sind die formalen und inhaltlichen Parallelen, das jeweilige Ringen um Glaubwürdigkeit oder Gültigkeit ? angesichts einer (bereits zu Picassos Zeiten) brüchigen, instabilen Welt.
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin.
Theodor Fontane im Schloss Sacrow - 12 Lyrics - 12 rooms - 12 artists
12 Künstler zeigen ihre Werke, die speziell für diese Ausstellung kreiert wurden.
Jeder der Künstler setzt ein Gedicht Fontanes in ein Kunstwerk um.
Nähere Informationen folgen.
Begleitprogramm.
Öffnungszeiten: Freitag - Montag 11 - 18 Uhr
Die Ausstellung „In guten Händen. Handwerk in Neukölln“ präsentiert zahlreiche Werkstücke und Produkte aus Neuköllner Handwerksbetrieben, darunter ein Waschbecken aus Holz, eine Orthese aus modernen Karbonfasern und filigranen Silberschmuck. Die Atmosphäre und der Umgang mit den Materialien in den verschiedenen Werkstätten werden durch detailreiche Fotoserien in Szene gesetzt. In kurzen Filmen berichten Handwerkerinnen und Handwerker von ihrem Alltag, der Faszination und den besonderen Anforderungen ihres Berufes.
Historisches Werkzeug, Ofenkacheln und ein Mosaik der Mosaikwerkstätten Puhl und Wagner aus der Sammlung des Museums verweisen auf die Neuköllner Handwerkskunst in der Vergangenheit. Trotz des grundlegenden Beitrags, den das Handwerk zu allen Zeiten für den Lebensstil der Gesellschaft in den Bereichen Mode, Architektur, Medizin, Mobilität und Ernährung geleistet hat, unterlag das Ansehen des Handwerks in seiner Geschichte stets starken Schwankungen. Heute gibt es in vielen Gewerken Nachwuchssorgen und die Digitalisierung stellt eine gewaltige Herausforderung dar – genau der richtige Zeitpunkt für eine Würdigung der Vielfalt und Produktivität des Handwerks in Neukölln.
Zur Ausstellung erscheint der Katalog:
Udo Gößwald (Hg.): In guten Händen. Handwerk in Neukölln. Berlin 2019, 152 Seiten.
Die Ausstellung "Flucht in die Bilder?" beschäftigt sich erstmals kritisch und ausführlich mit der künstlerischen Praxis, den Handlungsspielräumen und dem Alltag der ehemaligen Brücke-Künstler im Nationalsozialismus.
Die Situation von Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Max Pechstein und Ernst Ludwig Kirchner in den Jahren von 1933 bis 1945 wurde bislang zumeist auf die ‚Verfemung‘ ihrer Kunst durch die Nationalsozialisten reduziert. Dieser eindimensionale Blick wird weder der vielschichtigen Situation der Künstler noch den Widersprüchen innerhalb der nationalsozialistischen Kulturpolitik gerecht. Die meisten der ehemaligen Brücke-Künstler hatten zu Beginn die Hoffnung gehegt, mit ihrer Kunst Anerkennung unter den Nationalsozialisten zu finden – eine Hoffnung, die von letzteren teilweise genährt wurde. Trotz der Zäsuren durch die NS-Kunstpolitik, waren die ehemaligen Brücke-Künstler – mit Ausnahme von Kirchner, der sich 1938 das Leben nahm – bis in die letzten Kriegsjahre künstlerisch tätig. Um Brüche und Kontinuitäten im Werk der ehemaligen Brücke deutlich zu machen, endet die Aufarbeitung nicht im Mai 1945, sondern setzt sich im letzten Teil der Schau im Kunsthaus Dahlem fort. Wie wurde ab dem Sommer 1945 auf Jahre der nationalsozialistischen Gewaltherrschaft zurückgeblickt, welche Funktion hatten die ehemaligen Brücke-Maler beim Wiederaufbau des geteilten Deutschlands?
Im Zentrum der Ausstellung "Flucht in die Bilder?" stehen Arbeiten von Schmidt-Rottluff, Heckel, Pechstein und Kirchner aus dem Bestand des Brücke-Museums. Die Präsentation setzt auf einen vielschichtigen Blick und nähert sich der Komplexität des Themas – die "Brücke" zwischen Anerkennung und ‚Verfemung‘ – anhand von künstlerischen Werken und umfangreichem Dokumentationsmaterial.
Die Malerin Lotte Laserstein verlieh mit ihren Porträts und Selbstbildnissen der modernen Gesellschaft der Weimarer Republik ein Gesicht. Parallel zu ihrer Ausstellung in der Berlinischen Galerie zeigen wir weitere Porträts und Selbstbildnisse von Künstler*innen, die zur gleichen Zeit wie Laserstein in Berlin lebten und arbeiteten.
Wenige der hier dargestellten Personen gaben die Werke in Auftrag. Die Maler*innen porträtierten ihre Kinder, Künstlerkolleg*innen, ihre Geliebten oder sich selbst in Situationen privater Vertrautheit. Die Bilder verraten daher nicht nur etwas über die dargestellten Personen. Auch die Art der Beziehung zwischen Maler*in und Modell ist in vielen Fällen ablesbar oder sogar Thema. Und nicht zuletzt kann sich auch das jeweilige malerische Interesse in privaten Bildnissen oder Selbstporträts freier entfalten als in Auftragswerken.
Um den Vergleich mit Lasersteins Gemälden und Zeichnungen zu ermöglichen, liegt der Fokus auf realistischen, naturalistischen, neusachlichen, in Ausnahmen auch expressiven Arbeiten. Zusammen vermitteln sie einen Eindruck von der lebendigen Kunstszene der Weimarer Republik.
Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten 1933 und ihren brutalen Repressionen unter anderem gegen Menschen jüdischer Herkunft, politisch Andersdenkende und die kulturelle Avantgarde fand diese Vielfalt ein Ende.
Technische Form, Maschinenform, Zweckform, Form ohne Ornament – die Frage nach der Form prägt die programmatischen Auseinandersetzungen im Kontext von Werkbund und Bauhaus.
Welche Form wird als modern verstanden? Welche Rolle spielt dabei die Forderung nach einem neuen Stil? In welchem Verhältnis steht die Formgestaltung zu den Produktionsbedingungen? Welche formalen Eigenschaften hat das handwerkliche oder künstlerische Einzelstück und welche die industrielle Massenware?
Im zweiten Projekt der Ausstellungsreihe »111/99« mit dem Titel »Einzelstück oder Massenware?« wird an ausgewählten Objekten und Dokumenten das Ringen um ein Konzept der modernen Gestaltung im frühen 20. Jahrhundert anschaulich gemacht. In den zeitgenössischen Äußerungen zur Entwurfspraxis und der Produktion von Alltagsdingen ist ein Changieren zwischen dem Gefühl von Bedrohung durch die technischen Entwicklungen und einer Technikbegeisterung erkennbar, eine Zerrissenheit zwischen dem Wunsch nach individuellem Ausdruck und der Notwendigkeit die Bedürfnisse von Massen zu befriedigen, eine Unentschiedenheit zwischen dem Ideal einer vereinheitlichenden Formgestaltung und der Angst vor Gleichmacherei.
Mit dem Daumen nach oben signalisieren wir unser Okay, mit der Scheibenwischergeste unser Unverständnis, und wenn wir eine imaginäre Kurbel betätigen, möchten wir in der Regel, dass jemand seine Autoscheibe herunterlässt: Mit unseren Händen imitieren wir Objekte und wie wir mit ihnen umgehen. Sie begleiten unser Sprechen und sind ein wichtiger Teil der Alltagskommunikation. In einer zunehmend technisierten Welt revolutionieren Gesten unseren Umgang mit Fahrzeugen, Computern, Haushaltsgeräten und Spielekonsolen.
Die interaktive Ausstellung „Gesten – gestern, heute, übermorgen“ macht Gesten und ihre vielfältigen Bezugspunkte zu aktuellen kulturellen sowie technischen Entwicklungen und Wandlungsprozessen erfahr- und erlebbar. In dem von der Technischen Universität Chemnitz gemeinsam mit dem Ars Electronica Futurelab (Linz) und dem Sächsischen Industriemuseum entwickelten Projekt treffen interaktive Installationen auf geschichtsträchtige Exponate und auf Kunstwerke, die sich mit Gesten auseinandersetzen.
Wie hängen Gestik und Sprechen zusammen? Welche Rolle spielen Gesten in der menschlichen Kommunikation? Was teilen uns Gesten über unsere Sprache, Kultur und Technik mit? Neben einem Blick in die Geschichte der Gesten und der Gestenforschung lädt die Ausstellung auf rund 600 Quadratmetern unter anderem dazu ein, mit der flachen Hand virtuell um den Globus zu fliegen oder ein Kugellabyrinth zu steuern, sich gestikulierend in einer Holzwand zu spiegeln, einen virtuellen Tonkrug zu töpfern oder mit Hilfe von Gesten-Schmuck auszuprobieren, ob die „Merkel-Raute“ als Powergeste
tatsächlich das Selbstbewusstsein stärkt.
Eine wissenschaftlich-künstlerische Kooperation der TU Chemnitz und des Ars Electronica Futurelab (Linz) mit dem Sächsischen Industriemuseum im Museum für Kommunikation Berlin. Gefördert vom Bundesministerium für Bildung und Forschung.
Die Ausstellung „Tapetenwechsel“ liefert seit dem 14. Dezember 2015 in immer wieder neuen Inkarnationen einen Überblick über die Lesben- und Schwulenbewegung in Deutschland, beginnend mit der Verfolgung von „Sodomiten“ im Mittelalter bis hin zur Aids-Krise der achtziger Jahre. Eine Installation von Kurt Stark zur Geschichte des § 175 eröffnet die Ausstellung, es folgen die Geschichte und der Einfluss von Magnus Hirschfelds Institut für Sexualwissenschaft. Im Herzen der Ausstellung erinnert eine Wand an die schwulen Männer, die im KZ-Sachsenhausen ermordeten wurden. Konterkarierend erzählen wir von schwulen und lesbischen Karrieren im Dritten Reich und vom Leben im Verborgenen. In diesem Abschnitt der Ausstellung findet sich auch das originale Mahnmal, das in der Gedenkstätte Ravensbrück an lesbische NS-Opfer erinnern sollte – dort aber nach vielen Streitereien vor allem innerhalb der Community nie aufgestellt werden konnte.
Tapetenwechsel ist vom SMU-Mitbegründer Wolfgang Theis kuratiert.
So viele dieser großen Dickhäuter besaß Jahangir (1605-1627), einer der bedeutendsten Herrscher der indo-islamischen Moghul-Dynastie. Ihr Auftreten bei Festen und Umzügen war Teil der repräsentativen Selbstdarstellung des Herrschers. Elefantenkämpfe waren eine beliebte Unterhaltung bei Hofe, sie auszurichten gehörte zu den Vorrechten des Herrschers. Die Lieblingselefanten des Herrschers hatten eine eigene Dienerschaft und wurden mit prächtigen Decken und Zaumzeug geschmückt.
Diese große Bedeutung der Elefanten spiegelt sich auch in der Miniaturmalerei, die im Auftrag der Moghul-Herrscher entstand. Das Spektrum reicht von individuellen Porträts einzelner Tiere bis zu erzählerischen Darstellungen berühmter Elefantenkämpfe oder der Jagd auf Elefanten.
Auch in anderen Teilen der islamischen Welt wurden Elefanten im Krieg eingesetzt, zur Schau gestellt oder in naturgeschichtlichen Abhandlungen studiert. Die Kenntnis der Tiere war jedoch weniger verbreitet und um ihre wundersamen Fähigkeiten rankten sich phantastische Geschichten wie die Erzählung vom Einhorn, das den Elefanten jagt. Darstellungen dieser eher mythologischen oder symbolischen Aspekte des Elefantenbildes finden sich im Architekturdekor oder auf Gebrauchsgegenständen.
Die Ausstellung illustriert Aspekte dieser vielschichtigen Beziehungsgeschichte von Mensch und Elefant. Neben Blättern aus moghulindischen Sammelalben des 17. Jahrhunderts werden auch iranische Keramikfliesen oder ägyptische Lüsterkeramiken gezeigt. Kurze Auszüge aus Originaltexten liefern die Geschichten zu den Bildern.
Das polnische Designerduo chmara.rosinke hat in den letzten zehn Jahren ein umfangreiches Oeuvre geschaffen, in dem sie ein Thema erstaunlich oft bearbeitet haben: die Küche. Das Berliner Kunstgewerbemuseum widmet diesen Projekten nun erstmals eine eigene Ausstellung.
Die präsentierten Projekte machen vor allem eines deutlich: chmara.rosinke spielen mit den gängigen Vorstellungen, die wir häufig mit Designerküchen und dazugehörigem Lifestyle verbinden und stellen etablierte Konzepte auf den Kopf. Sie denken ?Küche? nicht vom Raum her, sondern vom Objekt. Sie fragen, was die Küche in ihrer Essenz eigentlich ausmacht, was es wirklich braucht, damit sie funktioniert und wie die Interaktion zwischen Dingen und Menschen sinnvoll gestaltet werden könnte. So entstehen ?Küchen? jenseits des klassischen Möbelbaus, die sich vor allem durch ihre Mobilität und ihre Modularität auszeichnen. Inhaltlich spannt sich der Bogen dieser Designprojekte vom Sozialen bis zum Künstlerischen, ästhetisch von DIY bis zum professionell Handwerklichen.
Für chmara.rosinke ist die Küche keine Bühne der Selbstdarstellung oder gar Statussymbol, sondern ein Ort des Sozialen, an dem Gesellschaft gestaltet wird. Mit ihrer 2011 entworfenen ?mobilen Gastfreundschaft? reisten sie von Wien aus an verschiedene Orte in Österreich und weltweit, darunter auch Paris und New York. Ziel des Projektes war es, temporär eine neue Aufenthaltsqualität im öffentlichen Raum herzustellen und dadurch einander fremde Menschen für die Dauer einer Mahlzeit an einen Tisch zu bringen.
Auch das Projekt ?Co-cooking Caritas? stellt die soziale und kulturelle Bedeutung von Kochen und Essen in den Mittelpunkt. Denn Essen stiftet Gemeinschaft, Identität, Heimat und kulturelle Codes. Im Auftrag der Caritas entwarfen chmara.rosinke mobile Küchenblöcke für eine Gemeinschaftsküche, in der Kinder, Teenager und alte Menschen gemeinsam kochen, Wissen teilen und für die Bedeutung einer gesunden Esskultur sensibilisiert werden sollen.
Für Claude Levi-Strauss markiert das Kochen den Anfang von Zivilisation und Handwerk. Der erste Herd war eine Feuerstelle. Eine Art Neuinterpretation dieses archaischen Produzierens von Nahrung haben chmara.rosinke mit ?Time for oneself? unternommen. Es handelt sich um eine Fusion von Möbel, Rucksack, Picknickkorb, Kochstelle mit Angelset, kurzum um eine Art Toolbox, die es seinen Benutzerinnenn oder Benutzern erlaubt, in der Natur einer höchst angenehmen und erholsamen Art der Nahrungsbeschaffung und -zubereitung nachzugehen. Bei der Herstellung der verschiedenen Objekte arbeitete das Duo mit zahlreichen Handwerkern zusammen, deren Spektrum vom Bürstenmacher bis zum Schmied reichte. ?Time for oneself? ist ein Objekt für moderne Stadtnomaden, die sich dem raren Luxus der Frei-Zeit hingeben möchten.
Chmara.rosinke nutzen Design als Möglichkeit, um über das Verhältnis von Mensch und Umwelt, seine Grundbedürfnisse und seine Verantwortung, sowie über die Beziehung von Objekten und Raum nachzudenken. Soziales Design spielt eine wichtige Rolle, aber auch die Gestaltung ökologisch nachhaltiger und handwerklich qualitätvoller Dinge. Es geht ihnen um die Rückbesinnung auf das Archtetypische und die sinnlichen Qualitäten von Gestaltung als Voraussetzung für eine neue alternative Konsumkultur.
Im Mittelpunkt der Dauerausstellung »Topographie des Terrors« stehen die zentralen Institutionen von SS und Polizei im »Dritten Reich« sowie die von ihnen europaweit verübten Verbrechen. Entlang eines »Tafelbandes«, das überwiegend Fotomaterial präsentiert, sowie thematisch zugeordneter Pulte mit Dokumenten (Faksimiles) werden die Besucher durch die Themen der fünf Hauptkapitel geführt: I. Die nationalsozialistische Machtübernahme; II. Institutionen des Terrors (SS und Polizei); III. Terror, Verfolgung und Vernichtung im Reichsgebiet; IV. SS und Reichssicherheitshauptamt in den besetzten Gebieten sowie V. Kriegsende und Nachkriegszeit. Der Bereich der Vertiefungen enthält EDV-Stationen und Lesemappen und bietet Informationen, die thematisch zum Teil auch über die Ausstellung hinausgehen.
Der Essayist und Fotograf Michael Rutschky (1943–2018) war Enkel des Stadtbildfotografen Max Missmann. Aus Anlass seines ersten Todestages präsentieren wir in einer Sonderpräsentation seine 1974 begonnene Serie zum Berliner Tiergarten.
Die Arbeit liest sich wie ein zeitgemäßer Kommentar zu einem landschaftlichen Ort, der durch ständigen Wandel einer historischen Veränderung ausgesetzt war und ist. Der Tiergarten – von Rutschkys Großvater vielfach als Ort bürgerlichen Zeitvertreibs dargestellt – ist in Rutschkys Bildern etwas wie ein Niemandsland, die Abseitslage im Schatten der Mauer äußert sich in bedrückenden Bildern. Die Präsentation setzt im Foto-Grafischen Kabinett das Thema Stadtbild fort, das eines der Kernthemen der Fotografischen Sammlung des Stadtmuseums Berlin ist.
Erworben im Rahmen der Künstlerförderung aus Mitteln der Deutschen Klassenlotterie Berlin von der Senatsverwaltung für Wissenschaft, Forschung und Kultur, 2006.
Peter Brune hat seine Sozialisation in der DDR erhalten. Geboren in Magdeburg im Oktober 1964, als die Augen der Welt gerade auf die Olympischen Spiele in Tokio gerichtet waren. Aufgewachsen in der Reuter-Stadt Gardelegen (Sachsen-Anhalt). Die Schulferien und später seine Studienzeit verbringt er in Berlin, weshalb er einem auch in Tokyo wie ein waschechter Berliner entgegentritt.
Dem Mysterium der Fotografie begegnet er in den alten Alben seiner Großmutter. Die flüchtige, schon bald vergangene Zeit. Momente festhalten – das fasziniert ihn! Also fotografiert der self-made Autodidakt frühzeitig alles, was ihm vor die Linse kommt. Bei seinen Fotos von Hiddensee 1988 denkt man unwillkürlich an „Kruso“. Nach der Wende ist er ab 1991 als freischaffender Fotograf tätig, arbeitet im Sommer im Roten Salon der Volksbühne und hat 1994 das Geld zusammen für eine mehrmonatige Asienreise. Seine erste Begegnung mit Japan ist so nachhaltig, dass er 1997 ein Studium an der Japanologie der Humboldt-Universität aufnimmt und der Mori-Ogai-Gedenkstätte als EDV-Hiwi den Weg von der Schreibmaschine ins digitale Zeitalter eröffnet. Über das Austauschprogramm mit der Tôkai-Universität kommt er im August 2000 für zehn Monate nach Japan. Und bleibt. Am renommierten Magazine House arbeitet er zunächst als Fotograf, fängt an Webseiten zu gestalten und ist heute Art Director dieses Verlagshauses. Inzwischen ist er „japanisiert“, hat seinen dauerhaften Wohnsitz in Tokio, darf also als re-entry permit holder am stets freien „Zwitter-Schalter“ zwischen dem für Japaner oder Touristen einreisen und wird vertraut-höflich mit „Okaerinasaimase - Willkommen wieder zu Hause“ begrüßt.
Seit 25 Jahren spürt er mit der Kamera seinem Japan nach. Ein Japan fern aller touristischen und Hightech Klischees. Zu seinen Lieblingsmotiven gehören der Himmel über Tokyo oder die Atmosphäre in den kleinen Seitengassen der down town, die ihn manchmal an die Hinterhofromantik der DDR erinnern. Die Ergebnisse könnte man auch als „Foto-Features“ bezeichnen: Jedes seiner Fotos erzählt eine Geschichte, als verberge sich dahinter ein ganzer Film. Dank seiner offenen, unprätentiösen Art und seiner Sprachkenntnisse kommt der stets neugierige Weltbürger Brune sofort in Kontakt mit Menschen, die ihm vertrauen und die Nähe des Fotografen ganz natürlich zulassen.
Zu seinem besonderen Blick gehören die harten Kontraste des Lebens. Er spürt sie auf und hat den Mut, sie gerade in seinen schwarz-weiß-Fotografien ungeschönt wieder zu geben. Dennoch haben die Bilder eine ganz eigene Poesie und Schönheit.
peterbrune.com
Mit Krzysztof Jungs zeichnerischem Œuvre zeigt das Schwule Museum erstmals einen Künstler aus Polen. Jung wurde 2010 in der großartigen Ausstellung Ars Homo Erotica, die Pawe? Leszkowicz im Nationalmuseum Warschau kuratierte, als ein wichtiger Akteur homosexueller Kunst gewürdigt. Noch vor der Show Queer British Art 1861 – 1967, die im Jahr 2017 in der Tate Galerie in London stattfand, war die Warschauer Ausstellung ein Fanal. Unvorstellbar bisher, dass die Neue Nationalgalerie in Berlin eine Ausstellung nur zu diesem Thema präsentieren könnte. Der Performance-Künstler Krzysztof Jung wurde 2016 in der Galerie Salon Akademii an der Akademie der Schönen Künste in Warschau vorgestellt. Jungs Performances rücken den bis dahin tabuierten nackten menschlichen Körper in den Fokus. In seinen Aktionen geht es um Nähe , Solidarität, Kommunikation und deren Dekonstruktion. Jung webte zwischen den Akteuren Netze aus Baumwollbindfäden, die Zusammenschnüren, Trennen, Verbinden und Grenzen schmerzhaft erfahrbar machen. Von diesen Happenings existieren nur noch Rezensionen, Reste der Fäden und Fotos. Im Mittelpunkt unserer Ausstellung steht Krzysztof Jungs Serie über den Heiligen Sebastian, die wahrscheinlich von Derek Jarmans Film „Sebastiane“ aus dem Jahr 1976 inspirierte wurde. Das Thema hat ihn seit Mitte der 1970er Jahre bis in die 1990er Jahre beschäftigt. Auch bei ihm ist das Faszinosum der männliche Akt, die Hingabe an den Schmerz. Von Blatt zu Blatt wechseln feinste Bleistiftschraffuren mit furios aufgetragenem Ölpastell, zartem Aquarell in Rosa und akribisch gestricheltem Kugelschreiber. Das Thema der Hingabe zum Tode kommt ganz ohne Pfeilspitzen aus. Der Tod scheint in diesen Variationen ausgespart, unsichtbar.
Das Utopische steht im Zentrum des Ausstellungsprojekts der Konzeptkünstlerin Karin Sander. Dabei steckt viel uneingelöste Zukunft in der Vergangenheit, und Zukunftsbilder wachsen auf den Schichten des Vergangenen. Gemeinsam mit dem Soziologen Harald Welzer werden zwei sowohl in die Vergangenheit als auch in die Zukunft weisende Ergebnisse von Befragungen vorgestellt und inszeniert. Dabei durchkreuzen sich wissenschaftliche und künstlerische Systematiken in neuen und unerwarteten Rollen.
Eine Ausstellung im Rahmen von „Wo kommen wir hin“.
Kuratiert von einem Kollektiv von Sexarbeiter*innen werden alltägliche Geschichten der Sexarbeit präsentiert. Zentrale Protagonisten der Schau sind dabei Objekte, die die Gruppe über umfassende Feldforschung im vergangenen Jahr in Berlin zusammengetragen hat – vom handbemalten Teelichthalter über ein Fahrrad mit Highheel-Apparatur zum hochwertigen Analtunnel. Jedes Artefakt erzählt einen anderen Blickwinkel aus der Sexarbeit als Arbeit. Die Exponate changieren zwischen Alltäglichem, Skurrilem und Poetischem und unterstreichen mit ihren Geschichten aus der Praxis die materiellen Politiken der Berliner Sexarbeit. Es entsteht ein dichtes und komplexes Porträt, das die unterschiedlichen Arten und Weisen betont, mit denen Sexarbeiter*innen ihre Beziehungen zu Kund*innen, Liebhaber*innen, ihren Familien, der Öffentlichkeit und der Gesetzeslage organisieren.
In der liebevoll illustrierten Ausstellung erfahren wir, wie sich das Küken im Ei entwickelt, wie Hühner am besten leben und lernen die Bedeutung der Zahlen auf den Eiern im Supermarkt kennen.
Was ist eigentlich eine Hasenschule? Welche Tiere legen überhaupt Eier? Wer legt das kleinste und wer das größte Ei? Was macht ein Osterhase? Wie essen wir unsere Eier am liebsten und in welchen Lebensmitteln sind sie zu finden? Kann ein Osterzopf auch vegan gebacken werden?
Wir besuchen lebendige Kaninchen, Blattschneiderameisen und Regenwürmer und lernen Interessantes über ihre Lebensweise.
Führungen für Gruppen aus Kita, Grundschule und Hort Dienstag bis Freitag ab 8.45 Uhr nach telefonischer Voranmeldung.
In ihrem Erstlingswerk, dem Haus E.1027, das sie 1926–1929 in Roquebrune-Cap-Martin am Mittelmeer erbaute, gestaltete Eileen Gray (1878–1976) nahezu alle Teile selbst. Die begehbare Installation des Schlafzimmers in der Passage des Akademie-Gebäudes am Pariser Platz gibt eine unmittelbare Vorstellung der Architekturkonzeption einer zu Unrecht vernachlässigten Pionierin der Moderne.
Das Schlafzimmer wurde rekonstruiert an der University of Texas at Austin, School of Architecture, O’Neil Ford Chair in Architecture; Kurator: Wilfried Wang, Ko-Kurator: Peter Adam, Paris.
Von Anfang an haben Pressefotografen die Internationalen Filmfestspiele Berlin begleitet und dokumentiert. Auch dadurch wurde das Image der Berlinale, 1951 im damaligen Westberlin als ausgesprochenes Publikumsfestival gegründet, nachhaltig geprägt.
Den Mittelpunkt der Ausstellung bilden die hier erstmals präsentierten Aufnahmen des Berliner Pressefotografen Mario Mach (1923–2012), der die Berlinale von Beginn an und bis in die 1990er Jahre professionell begleitet hat. Ähnlich wie seine Kollegen Heinz Köster (1917–1967) und Joachim Diederichs (1924–2010) war Mach bei Presseterminen von der Ankunft der Stars bis zu deren Abreise dabei: Das Eintreffen im Hotel, die Filmpremieren, die Stadtspaziergänge und das Fangedränge, Filmball und Preisverleihung gehörten zum festen Programm.
Mario Machs filmbezogener Nachlass wird, ebenso wie die Sammlungen von Köster und Diederichs, im Fotoarchiv der Deutschen Kinemathek bewahrt. Dort befinden sich auch weite Teile des Werkes von Erika Rabau (?–2016), der offiziellen Berlinale-Fotografin, die ihre Tätigkeit in den 1970er-Jahren begann, sowie die Bilder der japanischen, in Berlin lebenden Fotografin und Filmemacherin Fumiko Matsuyama (1954–2014), die seit den 1990er-Jahren auf der Berlinale präsent war.
Ergänzt durch die Fotografien heutiger Berlinale-Fotografen wie Gerhard Kassner und Christian Schulz ist ein umfangreicher fotografischer Fundus nicht nur zur Berlinale-, sondern zur Alltags- und Kulturgeschichte der Bundesrepublik vor und nach dem Mauerfall entstanden, aus dem diese Ausstellung sich speist.
Mit »Open, Closed, Open« gewannen die Künstler*innen Liat Grayver, Yair Kira und Amir Shpilman 2018 den DAGESH-Kunstpreis des Jüdischen Museums Berlin und des ELES Studienwerks. Ihre multimediale Installation erstreckt sich über zwei Räume. Zusammen mit einem Roboter bearbeiten die Besucher*innen im Raum »The Sandbox« eine Sandfläche mit Formen hebräischer Buchstaben. Das interaktive Geschehen wird in den »Video Room« projiziert, wo es selbst zum Objekt der Betrachtung wird. Eine Komposition menschlicher Stimmen, die kabbalistische Aspekte enthält, lässt die gesamte Installation zu einer besonderen Raumerfahrung werden.
Der DAGESH-Kunstpreis wird vom Ernst Ludwig Ehrlich Studienwerk in Kooperation mit dem Jüdischen Museum Berlin vergeben. Das Preisgeld wird gestiftet vom Freundeskreis des Jüdischen Museums Berlin.
Aus der Perspektive von zwölf internationalen Fotokünstler*innen nähert sich die Ausstellung der Komplexität Israels und des Westjordanlandes – der Topografie, den Bewohner*innen und ihrem Alltag.
Den Ansatz seines Projektes beschreibt der Initiator und Fotograf Frédéric Brenner als Wunsch, den aus der Berichterstattung über die Region bekannten Bildwelten neue künstlerische Motive hinzuzufügen. Dafür konnte er namhafte Fotograf*innen gewinnen: Wendy Ewald, Martin Kollar, Josef Koudelka, Jungjin Lee, Gilles Peress, Fazal Sheikh, Stephen Shore, Rosalind Solomon, Thomas Struth, Jeff Wall und Nick Waplington sind über mehrere Jahre hinweg immer wieder in die Region gereist.
Die insgesamt mehr als 600 Fotografien setzen sich zu einem vielschichtigen visuellen Portrait zusammen. Themen wie Identität, Familie, Heimat und Landschaft rücken in den Fokus, während der Nahostkonflikt mal mehr und mal weniger sichtbar ist. Die Betrachter*innen sind durch die sehr unterschiedlichen Arbeiten dazu eingeladen, über die Heterogenität der Region ins Gespräch zu kommen.
Die Ausstellung ist nach Stationen u. a. im DOX Center für zeitgenössische Kunst in Prag, im Tel Aviv Museum of Art in Israel und im Brooklyn Museum of Art erstmals in Deutschland zu sehen.
Die Ausstellung wurde organisiert von der Chronicle of a People Foundation, Inc., New York.
Wie werden Bühnen in der Zukunft aussehen? Welche Gestalt können diese zentralen Orte der kollektiven kulturellen Begegnung haben? Nicht nur die technischen Möglichkeiten und Anforderungen unterliegen einem Wandel, auch die Inszenierungen und die Wünsche des Publikums.
Eine Ausstellung des Deutschen Architekturmuseums DAM Frankfurt/Main wirft einen Blick auf Theater, Opernhäuser und Konzertgebäude sowohl in Deutschland wie auch in Europa. Darunter sind Sanierungen historischer Anlagen ebenso wie spektakuläre Neubauten, die einen städtebaulichen Akzent gesetzt haben. Auch die Sanierung der Berliner Staatsoper Unter den Linden wird ausführlich beleuchtet.
Das Deutsche Architekturmuseum, die Senatsverwaltung für Kultur und Europa, die Senatsverwaltung für Stadtentwicklung und Wohnen sowie Kulturprojekte Berlin präsentieren diese Ausstellung für eine kurze Zeit auch in Berlin.
Lars Preisser filmte 2016/17 Brandmauern und brach liegende Grundstücke in Berlin. Sie haben eine besondere Bedeutung für ihn, als Kindheitserinnerung und signifikantes Merkmal der sich rasant ändernden Stadt. Er versteht sie als Denkmäler und sieht in ihnen ein Stück Wildnis abseits der geordneten Stadtflächen und Parks.
Die Leere der Brachfläche bietet eine Architektur, auf der keine Regeln zu herrschen scheinen und auf die jede_r Zutritt hat. Bis zu ihrer erneuten Bebauung scheint die Brache undefiniert und ohne eingeschriebene Funktion.
Die auf ausrangiertem 16mm-Filmmaterial gedrehten Sequenzen sind durch Lichteinfall bei bewusster Nutzung defekter Apparaturen zusätzlich angegriffen. Sie erinnern an Bilder des Krieges und der Nachkriegszeit, an Umbruch und Wende, an längst vergangene Zeiten einer ruinösen Stadt. Die beiden Teile Berlins sind sich in der Brache auffallend gleich. Vorbeifahrende Betonmischer erinnern an das Hier und Jetzt sowie die Vergänglichkeit poröser Schönheit.
Im letzten Herbst wurden sieben Filmstills von Lars Preisser vergrößert und als Sequenz in der U-Bahnstation Alexanderplatz ausgestellt (Wettbewerb: Kunst im Untergrund, nGbK). Nun bildet eine Installation seines filmischen Ausgangsmaterials den Auftakt für das Programm 2019 in Hellersdorf, das im Sommer auf der nahegelegenen großen Brachfläche stattfindet. Dort, wo einst Kitas und Schulen abgerissen wurden, wird dann im Grünen Cricket gespielt.
nGbK-Projektgruppe ›station urbaner kulturen‹: Feben Amara, Jochen Becker, Fabian Bovens, Eva Hertzsch, Margarete Kiss, Constanze Musterer, Adam Page
Mit Unterstützung von: Christian Hanussek
Die Ausstellung zeigt, in welchem Ausmaß das bisher meist als einflusslos dargestellte Reichsarbeitsministerium die nationalsozialistische Diktatur stützte. Es beteiligte sich an der Diskriminierung einzelner Bevölkerungsgruppen und wirkte maßgeblich an der Organisation des Zwangsarbeitereinsatzes mit. Welche Auswirkungen die Arbeits- und Sozialpolitik auf die Menschen im Deutschen Reich, aber auch in den deutsch besetzten Gebieten hatte, machen Fallbeispiele deutlich. Durch die Darstellung einzelner Biografien von Beamten des Reichsarbeitsministeriums wird deren Handlungsspielraum in der NS-Zeit ersichtlich.
Die Ausstellung basiert auf Ergebnissen einer Unabhängigen Historikerkommission, die seit 2013 die Geschichte des Reichsarbeitsministeriums in der NS-Zeit erforscht.
(Gefördert durch das Bundesministerium für Arbeit und Soziales aufgrund eines Beschlusses des Deutschen Bundestages)
"Sechs Fuß hoch aufgeschossen,
Ein Kriegsgott anzuschaun,
Der Liebling der Genossen,
Der Abgott schöner Fraun, ?"
Mit diesen Versen beginnt Theodor Fontanes 1857 erschienene Ballade über den Prinzen Louis Ferdinand von Preußen (1772?1806), den Enkel des ?Soldatenkönigs? Friedrich Wilhelm I. und Neffen Friedrichs des Großen. Feinsinniger Kunstfreund und ruhmsüchtiger Krieger, leichtsinniger Lebemann und umschwärmter Liebhaber ? der Prinz war eine der schillerndsten Persönlichkeiten seiner Zeit, geradezu ein ?Star? auf dem gesellschaftlichen Parkett.
Als führender Kopf der ?Berliner Kriegspartei? bekämpfte Louis Ferdinand aktiv die Neutralitätspolitik König Friedrich Wilhelms III. gegenüber Napoleon. Er war gern gesehener Gast in den Berliner Salons und stand in Kontakt mit vielen Geistesgrößen und Künstlern seiner Zeit. Zudem war Louis Ferdinand ein gefeierter Pianist und begabter Komponist, bekannt ist seine Freundschaft mit Ludwig van Beethoven, der ihm sein 3. Klavierkonzert widmete. Das gedruckte musikalische ?uvre des Hohenzollernprinzen umfasst zwar nur 13 Werke, diese waren jedoch weit verbreitet und haben spätere Komponisten wie Robert Schumann maßgeblich beeinflusst. Louis Ferdinands Bedeutung als ?der erste Romantiker der Musikgeschichte? wird noch immer weitgehend unterschätzt.
Die gemeinsam vom Kunstgewerbemuseum der Staatlichen Museen zu Berlin und dem Verein Musik in Brandenburgischen Schlössern in zwei Räumen des Schlosses Köpenick veranstaltete Ausstellung widmet dem musikalischen Schaffen des Prinzen besondere Aufmerksamkeit und verknüpft es mit der Darstellung wichtiger Stationen seines turbulenten Lebens in einer Zeit tiefgreifender historischer Umbrüche. Äußere Erscheinung und musische Begabung, vor allem aber sein früher Tod im Kampf gegen die napoleonischen Truppen im Gefecht bei Saalfeld haben wesentlich dazu beigetragen, Louis Ferdinand schon bald als heldenhaften ?preußischen Apoll? zu verklären. Im Hause Hohenzollern dagegen galt der Prinz wegen seines Lebenswandels und seiner oppositionellen Haltung noch lange als Enfant terrible.
Wichtige biografische, musikgeschichtliche und historische Aspekte werden in der Ausstellung auf informativen Text-Bild-Tafeln und anhand ausgewählter Originaldokumente vorgestellt. Eine eindrückliche Vorstellung von der kunstvollen Möblierung und sonstigen Ausstattung der Berliner Salons zur Zeit Louis Ferdinands vermitteln selten gezeigte Werke aus den reichen Beständen des Kunstgewerbemuseums.
Begleitend zu der kleinen Ausstellung werden zahlreiche Kompositionen des Prinzen Louis Ferdinand und seiner Zeitgenossen im Rahmen des Festivals ?Berliner Frühlingsklassik? im Gobelin-Saal im Bode-Museum sowie in der Konzertreihe ?Musik der Salons? im Aurorasaal des Köpenicker Schlosses aufgeführt. Gemeinsam vermitteln Ausstellung und Konzerte ein vielschichtiges und eindrucksvolles Bild einer der faszinierendsten Persönlichkeiten Preußens an der Wende zum 19. Jahrhundert.
2019 feiert die Städtepartnerschaft von Beijing und Berlin ihr 25. Jubiläum. Initiiert vom GeKA e.V. in enger Zusammenarbeit mit der Nationalgalerie wird im Kulturforum ein Ausstellungsprojekt mit Medienkunstwerken von vier in China lebenden Künstler*innen realisiert, das von einem chinesisch-deutschen Kurator*innenteam organisiert wird. Bereits 2001 wurden Positionen der Gegenwartskunst aus China mit der Ausstellung ?living in time? von einem chinesisch-deutschen Kurator*innenteam in der Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof gezeigt. Die schon in dieser Ausstellung vertretenen Cao Fei und Zhang Peili treten nun in ?Micro-Era? mit Fang Di und Lu Yang in einen Dialog.
Das Verhältnis zwischen Geist, Körper und Technologie gehört ebenso wie die Auseinandersetzung mit der klassischen Filmsprache zu den Untersuchungsgebieten der in der Ausstellung gezeigten künstlerischen Werke. Historisch wird Videokunst oft als demokratisierende Kunstform betrachtet. Denn durch die schnell zugängliche Technik ermöglichen Videos eine rasante Verbreitung von Informationen sowie globalen Ereignissen. Die beteiligten Künstler*innen Cao Fei (*1978), Fang Di (*1987), Lu Yang (*1979) und Zhang Peili (*1957) hinterfragen die verführerische These von dieser Demokratisierung, indem sie in ihrer Bildsprache ebenso die Massenproduktion von Waren reflektieren, wie die Art und Weise wie Bilder produziert und konsumiert werden oder wie wir unsere Welt durch bildgebende Technologien verstehen.
Kuratiert von Anna-Catharina Gebbers mit Pi Li, Victor Wang, Yang Beichen / Kuratorische Assistenz: Alexander Wilmschen
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie der Staatlichen Museen zu Berlin und der Gesellschaft für Deutsch-Chinesischen kulturellen Austausch e.V. (GeKA e.V.), anlässlich des Jubiläums der Städtepartnerschaft Berlin-Beijing, gefördert von der Lottostiftung.
Führung Mo 14 Uhr sowie nach Vereinbarung.
Eintritt frei, Spende erbeten.
Die audiovisuellen und installativen Arbeiten von Lawrence Abu Hamdan (*1985 in Amman, Jordanien) machen die politischen Dimensionen von Sprache und Kommunikation zum Thema. Spuren von staatlicher oder industrieller Gewalt und Mechanismen der Überwachung und Propaganda zeigen sich im Horizont der auditiven Wahrnehmung.
Lawrence Abu Hamdan ist Gewinner des Baloise Kunst-Preis 2018. Damit verbunden ist ein Ankauf für die Sammlung der Nationalgalerie. Im Mittelpunkt der Ausstellung im Hamburger Bahnhof ? Museum für Gegenwart ? Berlin steht diese Video- und Soundinstallation. This whole time there were no landmines (2017) beschäftigt sich auf eindringliche Weise mit physischen und emotionalen Grenzen.
Das filmische Material bilden Handyaufnahmen, die 2011 im Bereich der Golanhöhen entstanden sind, einem hügeligen dünn besiedelten Landstrich im Nahen Osten. Seit 1960 sind die Golanhöhen zum überwiegenden Teil unter israelischer Kontrolle. Aufgrund der besonderen Akustik wurde eine Stelle des Landstrichs als ?shouting hill? bzw. ?shouting valley? bekannt. Das akustische Phänomen von wandernden und sich verstärkenden Stimmen dieser Topografie ermöglicht eine Kommunikation mit Megaphonen über die Grenze hinweg und war vor der Verbreitung von Mobiltelefonen wichtig für die bei der Grenzziehung getrennten Familien. Der Schall schafft eine akustische Brücke.
Abu Hamdans Bild- und Tonmaterial stammt vom 15. Mai 2011, dem Jubiläum der israelischen Staatsgründung. Eine Gruppe von palästinensischen Demonstranten überschritt erstmals die Grenze und drang in drusische Gebiete vor, was ein gewaltsames Eingreifen des israelischen Militärs zur Folge hatte. In der raumgreifenden Videoinstallation This whole time there were no landmines sind auf acht gegenüberliegenden quadratischen Bildschirmen Aufnahmen von Handykameras zu sehen ? Augenzeugenberichte inmitten einer verstörenden Klangkulisse aus lauten Rufen, Sprachfetzen (?Hey. Stop ? Genug ? Hier sind Landminen?) und technischen Signalen.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Baloise Group.
1999, vor 20 Jahren, veröffentlichte der TASCHEN-Verlag sein erstes monumentales Kunstbuch: Helmut Newton?s SUMO. Es kam in einem ungewöhnlich großen Format von 70 x 50 cm auf den Markt, in einer Auflage von 10.000 Exemplaren, alle vom Fotografen persönlich signiert, und wurde mit einem von Philippe Starck entworfenen Metallständer ausgeliefert. Etwas später wurde der von zahlreichen Prominenten signierte SUMO auf einer Charity-Auktion zum teuersten Buch des 20. Jahrhundert.
2009, vor zehn Jahren, organisierte die Helmut Newton Stiftung eine ungewöhnliche, gewissermaßen adäquate Ausstellung zu dieser legendären Publikation: die 460 Buchseiten hingen gerahmt an der Wand, Seite an Seite, in drei Reihen übereinander. Der Besucher konnte in der Ausstellung sprichwörtlich alles auf einmal sehen. Die mehr als 400 ikonischen Bilder von Newton aus den Genres Mode, Porträt und Akt in Schwarz-Weiß und Farbe konnten so individuell und gleichzeitig miteinander in Beziehung gesetzt werden.
Nun, erneut zehn Jahre später und 20 Jahre nach dessen Entstehung, wird SUMO erneut in der Helmut Newton Stiftung präsentiert: Wir begegnen im Buch und in der Berliner Ausstellung unter anderem Newtons berühmten Big Nudes, vielen Modebildern für die unterschiedlichen Ausgaben der Vogue, für Elle, Stern oder Vanity Fair sowie Porträts von bekannten Schauspielerinnen oder Künstlern, darunter Liz Taylor und Jodie Foster oder Salvador Dalí und Andy Warhol.
Ergänzt wird Newtons SUMO-Ausstellung durch die erweiterte Präsentation der ?Three Boys from Pasadena?. Während vor zehn Jahren die drei ehemaligen Assistenten von Helmut Newton ? Mark Arbeit, George Holz und Just Loomis ? mit jeweils einer oder mehrerer Werkgruppen innerhalb eines Ausstellungsraumes gezeigt wurden, wird nun jedem der drei amerikanischen Fotografen, die mittlerweile ein eigenständiges und vielschichtiges ?uvre geschaffen haben, ein eigener Raum zur Verfügung gestellt.
Mark Arbeit ergänzt als neue Serien lebensgroße Fotogramme von weiblichen Modellen sowie kleinformatige Fotogramme von Spielzeug-Puppen, die als Hommage an Helmut Newton und seine Sammelleidenschaft zu verstehen sind.
George Holz zeigt ? neben den Schwarz-Weiß-Aktbildern der früheren Ausstellung ? zahlreiche seiner bekannten Hollywood-Porträts, darunter Madonna, Andy MacDowell, Jack Nicholson oder Steven Spielberg, von denen viele zuvor in renommierten Zeitschriften und auf deren Titelseiten publiziert wurden.
Just Loomis schließlich hat einige seiner ?Backstage?-Arbeiten ausgewählt, die seine ?Americana?-Serie aus der Berliner Ausstellung 2009 ergänzen. Mit ?Backstage? zeigt uns Loomis die andere Seite des strahlenden Modebusiness, die Konzentration und Hektik vor dem Auftritt auf dem Laufsteg, aber auch Emotionen unterschiedlicher Art.
Erstmals wird auch die exquisite private Fotosammlung von Helmut und June Newton öffentlich gezeigt, die sich seit kurzem als Depositum in der Helmut Newton Stiftung befindet. In ?June?s Room? hängen ? parallel zu SUMO und Three Boys from Pasadena ? nun über 50 wertvolle Vintage Prints in der originalen Rahmung.
Darunter befinden sich Porträts von August Sander, Brassaï, Ralph Gibson, Mary Ellen Mark, Irving Penn oder George Hurrell, Aktbilder von Man Ray, Robert Mapplethorpe, Henri Cartier-Bresson, Frantisek Drtikol, Diane Arbus und Chris von Wangenheim, Modeaufnahmen von Horst P. Horst, George Hoyningen-Huene, Richard Avedon sowie Landschaften von Franco Fontana und Peter Beard ? kurzum, eine Auswahl der bedeutendsten Fotografen des 20. Jahrhunderts.
Kunst haucht toten Materialien seit Jahrtausenden Leben ein. Menschen erschaffen dabei ganze Tierwelten. Sie vermitteln zwischen Natur und Kultur. Abstrahierende Zugänge wetteifern mit naturalistischen. Die Renaissance feierte die Antike, und ?das sensible, lebendige Wesen der Tiere? (HD) wurde seither auch zu einem Motiv für die Kunstmedaille.
Heide Dobberkau schuf ihre Tierwelten aus Metall, aber auch aus Holz und auf Papier. Über Jahrzehnte hinweg entwickelte sie so ihren persönlichen Stil. Das Münzkabinett würdigt die Künstlerin aus Anlass ihres 90. Geburtstages. Heide Dobberkaus ?Bronzen wie Tiere? begegnen dabei Tierwesen antiker Münzbilder und treten mit aktuellen Annäherungen an ihr Werk in Dialog.
Eine Sonderausstellung des Münzkabinetts ? Staatliche Museen zu Berlin in Kooperation mit der Deutschen Gesellschaft für Medaillenkunst
Im Frühjahr 2019 startet das Wunderkammerschiff wieder mit seiner Tour durch Brandenburg. Das Schiff fährt von 2019 bis 2021 als mobiler, interaktiver Museumsraum auf dem Seeweg zu Grundschulen in ländliche Regionen Brandenburgs und wird für drei Jahre gefördert mit Mitteln des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kultur des Landes Brandenburg. Über 9.000 Kinder haben seit Juni 2016 an dem Programm teilgenommen.
Auf dem Schiff sind historische Objekte aus aller Welt - aus den Bereichen der Kunst, Wissenschaft und Natur aus der Sammlung Olbricht und aus dem Bode Museum - der Skulpturensammlung und dem Museum für Byzantinische Kunst, Staatliche Museen zu Berlin – zu sehen. In der interaktiven Ausstellung, die in Zusammenarbeit mit der FH-Potsdam entstanden ist, übernehmen zu Wunderkammerexpert*innen ausgebildete Grundschüler*innen die Vermittlung an Bord und animieren die Besucherkinder dazu, den Raum individuell mitzugestalten.
Das auf Langfristigkeit angelegte Projekt verfolgt das Ziel, Grundschulen in ländlichen Regionen Brandenburgs kulturelle Bildung niedrigschwellig zu ermöglichen und Museen als Raum des Wissens, der Welterkundung und der kulturellen Debatten erfahrbar zu machen. Bei der Vermittlung auf „Augenhöhe“ wird spielerisch Wissen weitergegeben, werden kulturelle Kompetenzen erweitert und vor allem Kreativität, Fantasie und das Erforschen mit allen Sinnen gefördert.
Der Besuch an Bord ist in ein fächerübergreifendes Gesamtprogramms (Natur-wissenschaften, Deutsch, Kunst, Sachkunde) eingebunden, für das sich Grundschulen unter wunderkammerschiff@me-berlin.com anmelden können. Das Programm ist kostenfrei.
Die inhaltliche Vor- und Nachbereitung des Besuchs erfolgt durch die Lehrer*innen in der Schule mit vorab bereitgestellten Lehrmaterialien („Logbücher“).
Mit diesem Projekt ermöglicht die Stiftung Olbricht in Kooperation mit der Helga Breuninger Stiftung, der Gemeinschaftsschule Campus Hannah Höch, der Gustav-Falke-Grundschule, der Grundschule am Koppenplatz und der Evangelischen Schule Berlin Mitte ein einmaliges Programm der kulturellen Bildung.
Im Jahr 2018 wurde das Projekt durch das Bundesministerium für Ernährung und Landwirtschaft aufgrund eines Beschlusses des Deutschen Bundestages gefördert. Zudem ist das Projekt 2017 mit einer Nominierung durch den BKM-Preis ausgezeichnet worden.
Vormittags können nach Terminvereinbarung Grundschulklassen das Wunderkammerschiff besuchen, an den Nachmittagen ist das Schiff zwischen 15.00 und 17.00 Uhr für die Öffentlichkeit zugänglich.
Aktuelle Anlegetermine:
08.04.2019 - 11.04.2019, Berlin
06.05.2019 - 07.05.2019, Gartz/Oder
08.05.2019 - 10.05.2019, Schwedt/Oder
13.05.2019 - 17.05.2019, Fürstenberg
20.05.2019 - 24.05.2019, Rheinsberg
Kontakt und Anmeldung:
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht
Charlotte Esser
wunderkammerschiff@me-berlin.com
Fon 0179 7865083
Fax +49 (0)30 860085-120
Mit „The Black Image Corporation“ hat Theaster Gates eine partizipative Ausstellung entworfen, die das weitreichende Erbe der Archive der Johnson Publishing Company erforscht. Die Archive des Verlags versammeln über vier Millionen Bilder und haben zur Gestaltung der ästhetischen und kulturellen Sprache afroamerikanischer Identität beigetragen.
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen die Werke der Fotografen Moneta Sleet Jr. und Isaac Sutton, die beide für Johnson Publishing tätig waren. Der Verlag brachte in den 1940er und 50er Jahren zwei richtungsweisende Publikationen für ein Schwarzes Publikum auf den Markt: die Monatszeitschrift „Ebony“ und ihr wöchentlich erscheinendes Schwesterblatt „Jet“, die schnell zu zwei der wichtigsten Plattformen für die Auseinandersetzung mit Schwarzer Kultur wurden. Die Magazine berichteten über historische Meilensteine wie den Marsch auf Washington 1963 und den ersten afroamerikanischen Astronauten, über Politik, Sport und Prominente, aber auch über die komplexen Lebensrealitäten Schwarzer Amerikaner*innen in den USA der Nachkriegszeit.
„The Black Image Corporation“ zeigt im ersten Stock des Gropius Bau zehn großformatige Abzüge von Sleet und Sutton sowie über hundert Fotografien in vier eigens angefertigten Kabinetten. Auf vielen Bildern sind Schwarze Frauen, Schauspielerinnen und Models abgebildet; andere zeigen die Rückseite von Fotografien mit Informationen über den Ort, das Datum und den Fotografen. Neben Original-Ausgaben von „Ebony“ und „Jet“ ist in der Ausstellung das von Gates gedrehte Video „Michigan Avenue In Full Bloom“ (2018) zu sehen, das die realen Räume dokumentiert, in denen sich die Redaktionsbüros befanden. Das Publikum ist eingeladen, dieses umfangreiche Bildarchiv zu entdecken und einzelne Bilder aus den Kabinetten auszusuchen, um so anderen Besucher*innen eine ganz persönliche Auswahl von Fotografien zu hinterlassen. Im Gropius Bau werden außerdem Vaginal Davis, Mac Folkes und Wu Tsang eine eigene Form der Auseinandersetzung mit den präsentierten Werken entwickeln.
Konzipiert von Theaster Gates
Assoziierte Kurator*innen: Mario Mainetti und Daisy Desrosiers
„The Black Image Corporation“ ist initiiert und organisiert von der Fondazione Prada, Mailand.
Zeitgleich mit der Öffnung des Gropius Bau im März, kuratiert die Buchhandlung Walther König eine Ausstellung von Künstler*innenbüchern, die das Sammeln und Archivieren thematisieren. Dabei wird das Künstler*innenbuch als eigenständiges Kunstobjekt betrachtet, das spezielle Formen des Wissens und der Kreation hervorbringt. Viele der Bücher wurden im Verlag der Buchhandlung Walther König veröffentlicht, die langjähriger Partner des Gropius Bau ist.
Unter anderem mit Werken von Hanne Darboven, On Kawara, Sol LeWitt, Gerhard Richter, Ed Rusha und Hans-Peter Feldmann.
Lange bevor PowerPoint Einzug in die Vorlesungen hielt, demonstrierten aufwändig illustrierte Wandtafeln die äußere Gestalt und Anatomie der Tierwelt. Bärtierchen, Kopffüßer und Co. wurden künstlerisch und wissenschaftlich präzise mal in sanftem Pastell, mal in kontrastreichen Farben in Szene gesetzt. "Zoologie in Bildern" im Tieranatomischen Theater zeigt zoologische Wandtafeln aus dem 19. und 20. Jahrhundert. Seit Mitte des 19. Jahrhunderts in Schulen und Universitäten in der Lehre eingesetzt, offenbart sich in den Wandtafeln der spezifische biologische sowie künstlerische Blick auf die tierische Anatomie und Morphologie im Spiegel der jeweiligen Zeit. Sie bilden eine interessante Schnittstelle zwischen Wissenschaft und Kunst, da sie in enger Zusammenarbeit von Forscher_innen und Graphiker_innen gestaltet wurden. Die Ausstellung beleuchtet nicht nur wissenschaftliche Perspektiven auf Tierkörper, ihre Entwicklung und Klassifikation, sondern auch die künstlerischen Techniken, mit denen diese ins Bild gesetzt wurden, wie Lithographie, Tusche- oder Stiftzeichnung.
Die Chronologie der Wandtafeln führt vor Augen, wie sich die Art und Darstellung zoologischen Wissens im Laufe der Zeit verändert haben. Im 19. Jahrhundert wurden die Tiere in naturnahen Bildern gezeigt, die detailreich anatomische Zusammenhänge illustrierten. Im 20. Jahrhundert dagegen wurden zoologische Darstellungen in zunehmenden Maße schematisiert und ihre ‚Gegenstände‘ auf das Wesentliche reduziert. Zeithistorische Zusammenhänge und Vergleiche ergeben sich auch bei der Gegenüberstellung von Wandtafeln aus der Humboldt-Universität in Ost-Berlin und der Freien Universität in West-Berlin nach dem zweiten Weltkrieg.
Zoologische Wandtafeln wurden entweder bei kommerziellen Anbietern erworben oder an den zoologischen Instituten Berlins als Unikate gefertigt und stießen in ihrer jeweiligen Zeit auf großes Interesse. Heute sind sie begehrte Sammelobjekte, die teilweise hohe Marktpreise erzielen. Sie stellen seit über 150 Jahren ein hervorragendes zoologisch-didaktisches Instrument dar, welches auch durch digitale Medien nicht ersetzbar ist.
Kurator
Die Ausstellung wurde kuratiert von Prof. Dr. Gerhard Scholtz, Professor für Vergleichende Zoologie am Institut für Biologie der Humboldt-Universität.
Führungen zur Langen Nacht der Wissenschaften
Zur Langen Nacht der Wissenschaften am 15. Juni 2019 (17 – 24 Uhr) werden Führungen in deutscher (19:30 Uhr, 21:30 Uhr) und englischer Sprache (20:30 Uhr, 22:30 Uhr) angeboten. Die Dauer beträgt etwa 30 Minuten. Um Anmeldung wird gebeten via E-Mail.
Die Bilderserie ist ein fotografischer Streifzug auf den Spuren Fontanes durch die Region am Schwielowsee. Der Fotograf benutzte dabei eine Lochbildkamera, die die Historie der festgehaltenen Orte durch einen fototechnisch schon zur Zeit Fontanes veralteten Ansatz zeigt.
In Kooperation mit Cultura Schwielowsee e.V.
Weitere Infos zu Ausstellung und Begleitprogramm unter www.cultura-schwielowsee.de
Barock und Klassizismus, Neugotik und Historismus: Epochen hindurch orientierte sich der deutschbaltische Adel beim Ausbau seiner Rittergüter und der Errichtung repräsentativer Gutshäuser an der westeuropäischen Architektur. Die Bautätigkeit begann im 17. Jahrhundert und erlebte, nicht zuletzt bedingt durch den Zugang zu den russischen Märkten, einen ersten Höhepunkt um 1800. Sie endete am Vorabend des Ersten Weltkriegs.
An das reiche gemeinsame gesellschaftliche und kulturelle Erbe der heutigen baltischen Nationalstaaten Estland und Lettland erinnert die Ausstellung in Caputh. Sie stellt baltische Herrenhäuser und Gutsanlagen vor, die exemplarisch sind für verschiedene bauhistorische Epochen und Stile. Begleitend wird ihre Geschichte erzählt und ihr aktueller Zustand und ihre Nutzung dokumentiert.
Die von Margret Eicher und Mark Gisbourne konzipierte Ausstellung in Schloss Caputh mit Margret Eicher, Luzia Simons, Rebecca Stevenson und Myriam Thyes basieren auf der Wahrnehmung kultureller Symptome, die unsere gegenwärtige psychopolitische Situation in einer globalisierten Welt charakterisieren und gleichzeitig bereits in der Epoche des Barock besonders wirksam waren.
Ähnlich wie im 17. Jahrhundert erleben wir heute vielschichtige gesellschaftliche, religiöse und politische Verwerfungen, die miteinander korrelieren und sich in den letzten Jahren zu einem apokalyptischen Weltgefühl verdichtet haben.
In der Epoche des Barock leistete die Kunst eine Visualisierung dieses Welt- und Lebensgefühls in einer bis heute eindringlichen und mitreißenden Weise.
Barocke und zeitgenössische Kunst beziehen ihre Wirkungsmacht aus der Überwindung des Normativen in Inhalt und Ästhetik und im Spiel mit den Grenzen des Darstellbaren.
Das Erleben von weltweitem, teils virtuellem Krieg, die zerstörerische Hybris der Finanzmärkte, die Furcht vor dem Untergang der Zivilisation – Szenarien, die Action-Film und Computerspiel schon vollzogen haben – evozieren neue Bilder des Memento Mori und damit die Aufforderung zum Innehalten.
Indem sie auf die Räume des Schlosses eingehen, verwirklichen Stevenson, Simon, Thyes und Eicher in ihren Werken eine zeitgenössische Wiederkehr von Vorstellungen und Bildern der ‚Vergänglichkeit‘ (vanitas) in gleichzeitiger Schönheit. Die vier Künstlerinnen verwenden und variieren Leitsymbole und Metaphern, in denen Simultanität von Schönheit und Verlust, die vage Stabilität der Dinge, die Absehbarkeit des Untergangs sinnlich formuliert werden. Die gezeigten, ins Schlossinterieur integrierten Werke zeugen vom Glanz und Elend unserer, der posthumanen Epoche.
In der Zeit vom 27. April bis 18. August 2019 findet parallel eine Ausstellung der Künstlerinnen in der Wunderkammer des me Collectors Room in Berlin statt.
Margret Eicher
Plakate der SPSG und ihrer Vorgängereinrichtungen gehören seit Jahrzehnten zum visuellen Erscheinungsbild des öffentlichen Raums unserer Region. Die Ausstellung „Einfach plakativ – 70 Jahre Werbung für die Preußischen Schlösser und Gärten“ widmet sich der Plakatkunst und bietet einen kulturhistorischen Einblick in die annähernd 70-jährige Geschichte der Gestaltungsmöglichkeiten und Designideen zur Bewerbung des von der SPSG bewahrten UNESCO - Welterbes. Im Mittelpunkt stehen dabei Plakate und Plakatentwürfe für Ausstellungen und Veranstaltungen. Ein exemplarischer Überblick über das Sammlungsspektrum und Höhepunkte der Sonderausstellungen werden neben Beispielen von Entscheidungs- und Entwurfsprozessen sowie den sich verändernden Techniken des Plakatdruckes präsentiert. Für ausgewählte Exponate werden Geschichten und Hintergrundinformationen präsentiert. Langjährig für die Einrichtung tätige Gestalter wie Herbert Sander, Waldemar Strempler und Julius Burchard werden mit ihrer Plakatkunst in den Blickpunkt gerückt.
Neben der Ästhetik und Aussagekraft jedes einzelnen Exponats soll die Bandbreite der Arbeits- und Gestaltungsweise der Berliner und Potsdamer Schlösserverwaltungen, die Vielfalt ihrer Ausstellungsthemen, der kulturelle Austausch sowie die Arbeit an einem einheitlichen Gestaltungsbild der SPSG und ihrer Vorgängereinrichtungen präsentiert werden. Darüber hinaus geben die Exponate nicht nur einen Einblick in das Design ihrer Zeit, sondern auch in die Geschichte der Plakatgestaltung. Das Spektrum reicht von einer sachlich-informativen bis hin zu illustrativen, konstruktiven oder sogar experimentellen Gestaltungen. Mit der Präsentation soll die besondere kulturelle und künstlerische Bedeutung dieses Kulturerbes den Besucherinnen und Besuchern nahegebracht werden.
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Quelle:
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