Projekte aus der UdK Berlin kuratiert von designtransfer
Die Pop-Up-Ausstellung im Kunstgewerbemuseum in Kooperation mit designtransfer, Universität der Künste Berlin, gibt Einblicke in Experimente, Prototypen und Produktionsprozesse im 3D-Druck von UdK-Studierenden und Alumni der letzten Jahre: von individualisierten Schuhen, Brillen und Sport-BHs bis edukativen Keramikdruckern und filigranen Netzstrukturen.
Die Projekte erkunden die Gestaltungsmöglichkeiten der Digitaltechnik mit Algorithmen und Skripten, traditionellem Handwerk, neuen Materialien, Anwendungen und Typologien.
Mit Eric Esser, Daniel Valencia Ferrá, Sophia Guggenberger, Yair Kira, Laureanne Kootstra, Takuya Koyama & Kohei Kimura & Mizuki Tanaka, Vlasta Kubu?ová & Miroslav Král (crafting plastics! studio), Cathryn McAnespy, Anna Ryzhova & Nadia Narges Rezaei, Joana Schmitz & Denis Risse, Cindy Valdez
Die Ausstellung wird gefördert durch das Kuratorium Preußischer Kulturbesitz.
Anlässlich des 30. Jahrestages des Mauerfalls zeigt die Berlinische Galerie erstmalig ein besonderes Konvolut ihrer Sammlung. Für die Serie „Stadtrand Berlin“ (1993/1994) fotografierte der bekannte Fotograf André Kirchner (*1958) entlang der historischen Stadtgrenze des nun wieder vereinten Berlins.
Geografischer Ausgangspunkt der Serie war der ehemalige Grenzkontrollpunkt Drewitz. Als Perspektive wählte Kirchner den Blick vom Umland in Richtung Stadt. Gegen den Uhrzeigersinn fortschreitend bewegte er sich von März 1993 innerhalb eines Jahres bis zur Glienicker Brücke vor Potsdam. In 60 Einzelaufnahmen entstand so ein Bild von der Peripherie Groß-Berlins, wie sie 1920 mit der Eingemeindung festgelegt worden war und mit ihrer Länge von 234 km nahezu der heutigen Ausdehnung entspricht.
In Kirchners Panoramabildern werden auf subtile Weise die Spuren von 100 Jahren Stadtgeschichte sichtbar. Die dokumentarisch angelegte Serie zeigt neben Relikten der Berliner Mauer auch Gehöfte, die auf bäuerliches Leben verweisen, lange Chausseen, Ruinen von Fabriken, die durch die fortschreitende Industrialisierung im 20. Jahrhundert entstanden, und auch moderne Satellitenstädte.
„Lotte Laserstein gehört zu den allerbesten der jüngeren Malergeneration“, schwärmte die Presse 1929. Ihr glanzvoller Aufstieg Ende der 1920er Jahre endete schnell: Die an der Akademie in Berlin ausgebildete Malerin mit jüdischem Hintergrund wurde nach 1933 aus dem öffentlichen Kulturbetrieb ausgeschlossen. 1937 emigrierte sie nach Schweden, wo ihr Werk weitgehend in Vergessenheit geriet.
Zentrales Thema von Lotte Laserstein ist die Porträtmalerei. Akademisch-handwerklich geschult, schließt ihre Malerei am deutschen Naturalismus des späten 19. Jahrhunderts an. Dabei machen Nüchternheit in der Darstellung und Modernität im Bildausschnitt ihre Darstellungen einzigartig. Obwohl sich in Lasersteins Arbeiten Anklänge an die Neue Sachlichkeit finden, ist ihr Malstil weder objektivierend unterkühlt noch gesellschaftskritisch überzeichnet.
Die vom Städel Museum in Frankfurt organisierte und im Herbst 2018 dort gezeigte Ausstellung Von Angesicht zu Angesicht wird von der Berlinische Galerie 2019 übernommen und um weitere Leihgaben erweitert. Der Fokus der Schau liegt auf der Schaffensphase der 1920er und 1930er Jahre, die als Glanzpunkte von Lasersteins Karriere anzusehen sind. Darüber hinaus werden wichtige in der Emigration entstandene Arbeiten präsentiert.
Ausgewählte Werke aus der Sammlung der Berlinischen Galerie, etwa von Christian Schad, Jeanne Mammen, Anne Ratkowski oder Georg Neuschul, ergänzen Lasersteins Gemälde und stellen sie in den Kontext der Bildnis- und Aktmalerei der Neuen Sachlichkeit, um zugleich die Eigenständigkeit ihres Realismus heraus zu streichen.
Die Ausstellung wird unterstützt von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
Ist ein Schwules Museum ein guter Ort für eine Transgender-Sammlung? Zwischen den sehr viel größeren und besser erfassten Sammlungen des Schwulen Museums zur cis schwulen und zunehmend auch lesbischen und queeren Geschichte finden sich Archivalien, die unter den Stichworten Transsexualität, Transgender, Transvestitismus, Trans, “Transi” oder “Travestie” abgelegt wurden. Sie werfen viele Fragen auf. Unboxed ist eine Einladung an das Publikum, sich in die Erfassung von Archivalien mit Trans-Bezug einzubringen.
Die Ausstellung zeigt Archivmaterialien wie Fotos, Briefe, scrapbooks und Kunstwerke. Einige Objekte, wie z.B. jene aus dem Nachlass Charlotte von Mahlsdorf, sind gut dokumentiert. Andere Sammlungen haben keinerlei Dokumentation, so dass wir nichts über die gelebte Realität und Erfahrungen der abgebildeten Menschen wissen.
Unboxed zeigt diese Materialien, um die Archivpraxis des Schwulen Museums zu untersuchen. Wie sind die Objekte in die Sammlung gekommen? Wer entschied, dass sie aufbewahrt werden? Wie geht das Museum diskriminierungssensibel mit Leerstellen, Auslassungen und Unsichtbarkeiten um? Kann ein Museum Geschichten erzählen ohne entsprechende Objekte zu besitzen? Können Archive, also Orte in denen Bedeutung fest scheint und Menschen die “Wahrheit” suchen, herausgefordert werden, neue Stimmen und Perspektiven aufzunehmen?
Die Ausstellung gibt Besucher_innen Impulse, sowohl über eine Online-Plattform als auch in den Ausstellungsräumen direkt auf die ausgestellten Objekte zu reagieren und eigene Interpretationen einzubringen. Die gezeigten Objekte sind bisher aus einer Cis-Perspektive eingeordnet und interpretiert worden, und das gegenwärtige Projekt ist von einer Cis-Kuratorin und einem Cis-Kurator entwickelt worden. Wir hoffen daher, dass diese Ausstellung einen Ort für Trans*-Communities bietet, existierenden Strukturen am SMU zu widersprechen und in die gegenwärtige Archivpraxis einzugreifen. Diese Reaktionen und Dialoge werden in die derzeit stattfindende Neuerschließung der Transgender-Sammlungen eingehen.
Kurator_innen: Rebecca Kahn und Sebastian Felten
Mit nachträglicher Intervention und Beratung durch: Zoya.
Projektmanagement: Anina Falasca
Dr. Sebastian Felten arbeitet als Historiker an der Universität Wien. In den vergangenen 12 Monaten hat er ehrenamtlich an der Erschließung von Trans-Archivalien am SMU mitgearbeitet.
Dr. Rebecca Kahn arbeitet als Forscherin in Digital Humanities am Alexander von Humboldt Institut für Internet und Gesellschaft.
Eröffnung während der Berlin Art Week 2019
Bettina Pousttchi arbeitet an der Schnittstelle von Fotografie, Skulptur und Architektur. Ihre temporären fotografischen Interventionen im öffentlichen Raum bedecken oft ganze Häuserfassaden und nehmen Bezug auf den urbanen oder historischen Kontext eines Ortes.
Häufig verbindet Pousttchi Fragen nach der Wirkungsweise von Fotografie zwischen Abbild- und Konstruktionsmedium mit solchen nach dem Verhältnis von Erinnerung und Geschichte. Ihr Interesse an den Strukturen des öffentlichen Raumes setzt sich in ihren Skulpturen fort, die vielfach aus transformiertem Stadtmobiliar wie Absperrgittern, Straßenpfosten oder Fahrradständern bestehen. Die in Berlin lebende Künstlerin wird für die erste große Ausstellungshalle des Museums eine ortsspezifische Installation entwickeln.
Bettina Pousttchi wurde 1971 in Mainz geboren. Sie studierte an der Kunstakademie Düsseldorf und absolvierte das Whitney Independent Study Program in New York. Große Bekanntheit erlangte sie in Berlin durch ihre Fotoinstallation Echo (2009/2010) an der Fassade der Temporären Kunsthalle. In den vergangenen Jahren hat sie zahlreiche internationale Einzelausstellungen realisiert, so am Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington DC, dem Arts Club of Chicago, der Phillips Collection in Washington, D.C., dem Nasher Sculpture Center in Dallas und der Kunsthalle Basel.
Ausstellung wird ermöglicht durch den Hauptstadtkulturfonds.
„ZOO MOCKBA – Spielzeugtiere aus der Sowjetunion“ zeigt mit rund 100 Werken von elf KünstlerInnen eine exemplarische Auswahl von originalen Spielzeugtieren aus der Sowjetunion aus den Jahren zwischen 1950 bis 1980. Die Spielfiguren stammen aus der mehr als 400 Objekte umfassenden Sammlung Köpcke & Weinhold und sind vom 15. Februar bis zum 22. April 2019 in der Lounge des me Collectors Room Berlin zu sehen.
Im Russland der Zarenzeit gab es keine eigene Spielwarenindustrie. Wer es sich leisten konnte, verwöhnte seine Kinder mit Puppen und Spielzeug aus deutscher und französischer Produktion. Die Spielsachen der breiten Masse waren individuelle Handarbeiten, aus Holz geschnitzt, aus Ton geformt. In ihnen spiegelt sich die traditionelle Volkskunst, die vielfach bis heute unser Bild von russischem Spielzeug und russischer Kultur im Allgemeinen prägt.
Als dann ab den 1930er Jahren auch in der Sowjetunion die ersten industriell gefertigten Spielwaren vom Band liefen, orientierten sich diese an internationalen Vorbildern. Nach dem Zweiten Weltkrieg hatte die Produktion von Spielsachen nicht die erste Priorität. Dennoch waren Betriebe aufgefordert, neben Waren des täglichen Bedarfs auch Spielsachen herzustellen.
Anfang der 1950er Jahre wagten Absolventen der Leningrader Kunsthochschule den Aufbruch in die Moderne. In der sowjetischen Spielzeugindustrie boten sich ihnen gestalterische Freiräume, um Neues auszuprobieren und eine eigene Formensprache zu entwickeln, in der Zeitgeist und ein neues Lebensgefühl ihren selbstbewussten Ausdruck fanden. Auch wenn mancher Künstler heute nicht mehr gerne darüber spricht, dass er in jungen Jahren industrielles Spielzeug gestaltet hat, so war doch gerade darin zu einem frühen Zeitpunkt eine künstlerische Avantgarde erkennbar.
Viele ihrer bunten Spielfiguren sind große Kunst für kleine Kinder, Skulpturen aus Plastik, die ein traditionsreiches kulturelles Erbe in sich tragen. Aus Kunststoffen wie Zelluloid und Polyethylen erschufen die Spielzeuggestalter der Sowjetunion eine artenreiche Tierwelt, die in ihrer bunten Vielfalt ihresgleichen sucht. Diese preiswerten Industrieprodukte kündeten häufig von einem kultivierten Gestaltungswillen, der bis heute beispielgebend ist. Generationen von Kindern waren mit diesen Spielsachen vertraut. Hierzulande blieben sie jedoch weithin unbekannt.
Die Ausstellung zeigt eine exemplarische Auswahl. Neben Spielzeugen aus Zelluloid, Polyetylen und Gummi werden auch handgefertigte Entwurfsmodelle für Spielzeugtiere präsentiert. Viele Objekte lassen sich konkreten Künstlern zuordnen, die mit ihrer Biographie in der Ausstellung vorgestellt werden: Natalia Tyrkowa, Boris Worobjew, Lew Razumowsky, Lew Smorgon, Adolf Neystat, Galina Sokolowa, Tamara Fedorowa, Anatoli Borisow, sowie die tschechische Gestalterin Libuse Niklova. Zu den Objekten und Informationstafeln kommen großformatige Fotografien einzelner Spielfiguren und Figurengruppen, die die gestalterische Qualität dieser Industrieprodukte augenscheinlich machen.
Am Donnerstag, den 14.03.2019 um 18 Uhr findet eine Sammlerführung mit Sebastian Köpcke und Volker Weinhold statt.
Pressekontakt
me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht
Tina Volk, presse@me-berlin.com
Fon +49 (0)30 860085 -114, Fax -120
Die Ausstellung thematisiert Mode als Designprozess und gibt Einblicke in die vielfältigen Schritte des modischen Gestaltens: Von der Ideenfindung zur Anfertigung über die Auseinandersetzung mit Materialitäten und textilen Techniken bis hin zur Präsentation auf dem Laufsteg oder im Fotoshooting. Das Projekt ist eine Kooperation des Kunstgewerbemuseums, der weißensee kunsthochschule berlin, der Hochschule Trier, der ESAA Duperré Paris, der Esmod Paris, der Aalto University Helsinki sowie des Apolda European Design Awards.
Inspiriert vom Bauhaus als soziale Utopie stellen sich die beteiligten jungen Modedesigner*innen der Aufgabe, durch ihre Arbeiten gesellschaftliche Entwicklungen mitzugestalten. So suchen sie in der Tradition des Bauhauses nach wegweisenden Impulsen, um Modedesign weiter zu denken und dabei ihr individuelles Talent in der Ausarbeitung einer gemeinsamen, ressourcenschonenden und zukunftsfähigen Vorstellung von Mode einzusetzen.
Im Rahmen eines sechsmonatigen Arbeitsprozesses, welcher der Eröffnung der Ausstellung vorausgeht, werden die Entwürfe gemeinsam mit in der Manufakturtradition arbeitenden Textilunternehmen in Apolda, Thüringen, umgesetzt. In diesem Kontext wird die Beziehung zwischen traditionellen Techniken und innovativen Technologien im Textilbereich aktiv untersucht. Insbesondere wird nach Wegen gesucht, Hand und Maschine in Designprozessen kreativ miteinander zu verbinden.?
In ausstellungsbegleitenden Workshops haben Kinder und Jugendliche die Möglichkeit, den Entstehungsprozess von Mode zu erforschen und ihre eigene Kreativität auf die Probe zu stellen.
Das Projekt wird gefördert im Fonds Bauhaus der Kulturstiftung des Bundes.
Ob künstlerische Werke oder Forschungsergebnisse ? sowohl in der Wissenschaft als auch in der Kunst sind stets nur die Ergebnisse des Schaffensprozesses sichtbar. Was hinter den verschlossenen Türen der Labors und Ateliers geschieht, bleibt dabei so unsichtbar wie geheimnisvoll. Die Berliner Künstlerin und Professorin für Bildende Kunst Stefanie Bürkle (*1966) hat sich nun diesen Orten der Kreation angenommen und Berliner Labore und Künstlerateliers mit analogen Großbild- und Mittelformatkameras fotografiert.
Bürkles Fotoarbeiten sind Raumporträts, sie zeigen bühnengleiche, menschenleere Entwicklungs- und Denkräume voller Materialien, Werkzeuge, Versuchsanordnungen und Anlagen, deren Zweck dem Betrachter verborgen bleibt und die dennoch Großes erahnen lassen. Die Fotografie fokussiert dabei auf Verknüpfungen, Schnittstellen und Parallelen zwischen den Raumkonstitutionen von Labor und Atelier, an denen der enge Zusammenhang zwischen beiden, als Orten der Kreation von Forschung und Kunst, deutlich wird.
Stefanie Bürkles Fotografien zeigen gewissermaßen die Alchemistenküchen der Gegenwart. Sie erforscht die Analogien von Experiment und Prozess in Atelier und Labor und macht diese Werkstätten des Wissens erstmalig sichtbar.
Hito Steyerl erhält den Käthe-Kollwitz-Preis 2019. Mit dieser Auszeichnung ehrt die Akademie der Künste eine internationale Künstlerin, deren besonderes Interesse den Medien, der Technologie und der Verbreitung von Bildern gilt. Ihr Werk umfasst Texte, Performances, Multimedia-Installationen und essayistische Dokumentarfilme, in denen sie sich mit postkolonialer Kritik, feministischer Repräsentationslogik sowie den Einflüssen der Globalisierung auf den Finanz-, Arbeits- und Warenmarkt auseinandersetzt. Hito Steyerl, so die Jury, gelinge es wie kaum einer anderen bildenden Künstlerin auf provokante und scharfsinnige Weise physische, visuelle und intellektuelle Informationen in einem Werk zu bündeln. Die Juroren heben bei ihrer Wahl hervor, „dass Hito Steyerl mit ihren Bildmontagen aus Computeranimationen, aus Massenmedien und aus selbstgedrehten Szenen auf den Einfluss digitaler Informationen und digitalen Lebens reagiert und mit ihrer Arbeit auf gegenwärtige politische, gesellschaftliche und soziale Prozesse aufmerksam macht.“
Die mit 12.000 Euro dotierte Auszeichnung wird am 20. Februar 2019 in Berlin verliehen. Anlässlich der Preisverleihung zeigt die Akademie der Künste eine Ausstellung mit ausgewählten Arbeiten von Hito Steyerl am Pariser Platz.
Hito Steyerl (geb. 1966 in München) ist Professorin für Experimentalfilm und Video sowie Mitbegründerin des Research Centers for Proxy Politics an der Universität der Künste Berlin. Sie studierte in Tokio und München Kinematographie und Dokumentarfilmregie. 2003 schloss sie ihre Promotion in Philosophie an der Akademie der Bildenden Künste Wien ab. Ihre Werke wurden unter anderem auf der Biennale in Venedig, im Museum of Contemporary Art, Los Angeles, und im Museum of Modern Art (MoMA), New York, ausgestellt. Neben ihrer Tätigkeit als Künstlerin war sie am Center for Cultural Studies des Goldsmiths College in London sowie als Gastprofessorin an der Royal Danish Academy of Fine Arts, Kopenhagen, und der Academy of Fine Arts, Helsinki, tätig. Das Royal College of Art, London, zeichnete sie 2016 mit dem Titel „Honorary Doctorate“ aus.
Mit freundlicher Unterstützung der Kreissparkasse Köln, Trägerin des Käthe Kollwitz Museum Köln.
Zum hundertsten Jubiläum der Gründung des Bauhauses präsentiert das KMB in seiner 98. Sonderausstellung Arbeiten von Wilhelm Löber.
Nachdem im Juli und August in der Orangerie Putbus Einblicke in das Gesamtwerk dieses vielseitigen Künstlers geboten wurde, richtet das KMB in einer Kabinettausstellung sein Hauptaugenmerk auf dessen Keramikproduktion.
Löber arbeitete als Bildhauer, Keramiker, Schnitzer, Metalltreiber, schuf Holzschnitte u.v.m.
Er ist einer der wenigen Bauhaus-Künstler, die in Mecklenburg-Vorpommern ansässig wurden.
Sowohl die von ihm 1955 mitbegründete Fischland-Keramik als auch die Rügen-Keramik (ab 1967) genossen überregional große Beachtung. Löbers Sohn Friedemann führt seit 1967 die Tradition der Fischlandkeramik in Ahrenshoop-Althagen bis heute fort.
Nach dem Besuch der Staatlichen Kunstschule Berlin wurde Löber 1923 für eine Lehre in der der Dornburger Töpferwerkstatt des Staatlichen Bauhauses Weimar bei Gerhard Marcks und Otto Lindig aufgenommen und parallel dazu in der Bildhauerklasse bei Josef Hartwig als Holz- und Steinbildhauer ausgebildet. Im Dezember 1925 legte Löber die die Gesellenprüfung bei Otto Lindig ab.
Von 1926 bis 1929 war Löber Abendschüler an den Vereinigten Staatsschulen für freie und angewandte Kunst in Berlin-Charlottenburg und ließ sich in der Keramischen Fachklasse der Staatlichen Porzellanmanufaktur (KPM) zum Modelleur, Gips- und Porzellanformer ausbilden.
1927 entwarf er u.a. die noch heute von der KPM produzierte und nach ihm benannte „Löberschale“.
An der Kunstgewerbeschule Halle/Burg Giebichenstein war Wilhelm Löber von 1929 bis 1932 Meisterschüler in der Klasse für Plastik bei Gerhard Marcks.
Der Löber-Forscher Dr. Hartmut Gill schreibt im Katalog zur Ausstellung: Obwohl auch heute noch einige seiner Werke öffentlich zugänglich sind, so ist Wilhelm Löber doch ein wenig in Vergessenheit geraten. Nicht zuletzt weil viele seiner Arbeiten, vor allem aus der Zeit vor 1945, zerstört oder verschollen sind.
Der 109-seitige Katalog von Hartmut Gill, der zu den Ausstellungen in Putbus und Berlin erschienen ist:
Wilhelm Löber. Der vergessene Bauhausschüler und Rügenkeramiker
Edition Schwarzdruck (ISBN 978-3-935194-88-4) wird im Keramik-Museum Berlin für 19,90 € angeboten.
Vortrag: So, 13. Januar 2019, um 17:30 Uhr (im Keramik-Museum Berlin)
Dr. Hartmut Gill: Wilhelm Löber. Vom Bauhaus zur Fischland- und Rügenkeramik
Heute scheint es so, als sei die Entscheidung für eine liberale und repräsentative Demokratie als politische Staatsform durch ein Zusammenwirken vielfältiger Entwicklungen ernsthaft gefährdet. Autoritäre und antipluralistische Parteien erstarken nicht nur in Ländern des ehemaligen Ostblocks, sondern auch in Ländern, in denen die Demokratie durch jahrhundertelange Traditionen gestützt wurde. Und es hat den Anschein, dass auch in Deutschland das Vertrauen in die Demokratie als politische Staatsform schwindet.
In der Ausstellung rücken wir die Frage „Was ist Demokratie“ am historischen Beispiel der Weimarer Republik ins Zentrum. Uns interessiert, wie sich die Weimarer Republik mit dem, was Demokratie ist und werden sollte, auseinandersetzte, wie essentielle Momente von Demokratie sich herausbildeten. So entwickelt sich aus der heutigen Situation, in der Demokratie neu definiert werden muss, eine neue Erzählung der Geschichte und Geschichten von Weimar.
Ab 8. März Führungen für Schulklassen und Gruppen
Demokratie lebt von Vielfalt. Das „Demokratie-Labor“ will ein Bewusstsein dafür schaffen, dass diese Regierungsform von der Partizipation und dem Engagement aller lebt, von dem kontinuierlichen Aushandeln verschiedener Meinungen und Positionen geprägt wird und sich deshalb beständig weiterentwickelt.
Das „Demokratie-Labor“ lädt in sieben Themenräumen zur kritischen Reflexion ein, wie Demokratie in Deutschland gelingt und auch in Zukunft gelingen kann. Welche Grundrechte müssen gewährleistet werden, was macht Wahlen zu einem Element der Demokratie, wer darf demokratische Rechte wahrnehmen, welche sozialen Voraussetzungen müssen für die Teilhabe an der Gesellschaft erfüllt sein, welche Bedeutung haben Medien und das Recht auf die freie Meinungsäußerung, welche Rolle spielt ziviles Engagement und wie werden Konflikte ausgetragen?
Diesen Fragen widmet sich das „Demokratie-Labor“ anhand von Originalobjekten aus Gegenwart und Zeitgeschichte. So wird zum Beispiel das DFB-Fantrikot von Mesut Özil mit der Frage nach Staatsbürgerschaft oder das Klaus Staeck-Plakat „Gegendarstellung“ mit der Thematisierung von Meinungsfreiheit und Hassnachrichten verknüpft sein. Aktivierende und partizipative Elemente regen zur Auseinandersetzung an und in einem Forum wird Einzelbesucher*innen und Gruppen die Möglichkeit geboten, eigene Meinungen zu äußern und zur Diskussion zu stellen. Schulklassen und Gruppen stehen vielseitige Vermittlungsangebote zur Verfügung, in denen unter anderem diskutiert wird, welche Folgen es haben kann, wenn einzelne Demokratie-Aspekte destabilisiert oder außer Kraft gesetzt werden.
Anmeldung:
Tel. 030-20304-750/-751
fuehrung@dhm.de
Im ZAK (Zentrum für Aktuelle Kunst) sind an mehreren Orten Malerei, Zeichnungen, Skulpturen und Objekte von drei Künstler*innen zu sehen.
Die Ausstellung wagt ein - für ein Stadtmuseum ungewöhnliches - Experiment: Mit dem Bildhauer Olaf Bastigkeit wurde ein junger Berliner Künstler eingeladen, sich in Sammlung des Stadtgeschichtlichen Museums Spandau umzusehen und eine ganz persönliche Auswahl von Objekten zu treffen, die sein künstlerisches Interesse wecken. Dabei geht der Blick des Künstlers über die Highlights der Sammlung hinweg und konzentriert sich vielmehr auf Objekte, die eine interessante Form aufweisen, die eine außergewöhnliche Farbigkeit besitzen oder von besonderer Qualität sind.
Ausstellungen im Zentrum für Aktuelle Kunst (ZAK):
Der Berliner Künstler Albert Weis (*1969 in Passau) bewegt sich mit seinen multidimensionalen Settings an der Schnittstelle zwischen Architektur und Display, zwischen technischer Konstruktion und künstlerischem Objekt.
Die Ausstellung der englisch-französischen Künstlerin und Theoretikerin Sharon Kivland (* 1955 in Deutschland) basiert auf einer intensiven Auseinandersetzung mit Artikeln von Karl Marx in der Rheinischen Zeitung von 1842.
Der Fotograf Fabian Heublein (* 1986 in Leipzig) interessiert sich für zeitgenössische Arbeitswelten. In seinem neuen Projekt portraitiert er Akteur*innen der Graffiti-Szenen in Leipzig und Berlin.
Mit einer umfangreichen Ausstellung wird der Weimarer Maler Paul Kother – ein Künstler der sogenannten „Verschollenen Generation“ - dem Vergessen entrissen und als ein wiederentdeckter Meister des deutschen Expressionismus vorgestellt. Erstmalig sind Hauptwerke des Künstlers aus den Jahren zwischen 1900 und 1935 aus seinem Nachlass und privaten Sammlungen im Kontext seiner Zeichnungen und Druckgrafiken zu erleben.
Seit sieben Jahrzehnten beschäftigt sich der Kunsthändler, Wissenschaftler, Sammler und Künstlerfreund Eberhard W. Kornfeld (*1923, Basel) mit dem Leben und Wirken von Ernst Ludwig Kirchner. Sein Interesse führte zum Aufbau einer der bedeutendsten Sammlungen von Werken Kirchners in Privatbesitz, deren Schweizer Teil nun erstmalig umfassend in Deutschland präsentiert wird.
Die Ausstellung im Brücke-Museum zeigt Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen, Druckgraphik sowie Skulpturen und Kunsthandwerk Ernst Ludwig Kirchners aus der Sammlung Kornfeld. Kunst, Kunsthandwerk und Archivmaterial werden dabei nicht getrennt betrachtet, sie sind gleichwertig vertreten und werden als Einheit verstanden. Viele der gezeigten Objekte, Bücher, Holzschnitte oder eine selbstgeschnitzte Kaffeemühle gehörten Kirchner selbst. Mit ihnen lebte der Künstler in der Schweiz tagtäglich zusammen, was er las, beeinflusste ihn genauso wie das, was er sah. Seine Wohnhäuser waren Gesamtkunstwerke.
Die Ausstellung macht diesen ‚Kosmos Kirchner‘ multimedial erlebbar: Audio- und Filmmaterial treten in Kommunikation mit den Kunstwerken.
Ernst Ludwig Kirchners Schweizer Jahre stellen eine im deutschen Ausstellungskontext selten beleuchtete Periode des Künstlers dar, der zu den Gründungsmitgliedern der Künstlergemeinschaft Brücke gehörte. Das Brücke-Museum möchte mit der Ausstellung für diese späte – und auch längste – Schaffensphase Kirchners sensibilisieren und neue Perspektiven auf sein Gesamtwerk anregen.
Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft der Schweizerischen Botschaft in der Bundesrepublik Deutschland
Stefan Moses (1928–2018) gehörte zu den großen Fotografen der Bundesrepublik. Seine Aufnahmen von Angehörigen verschiedenster Berufsgruppen – stets im Freien vor einem grauen Tuch entstanden – machten ihn Anfang der 1960er Jahre zu einem der bekanntesten Porträtfotografen Deutschlands. Wenig bekannt dagegen ist sein Frühwerk: Fotoreportagen, für die Moses seit 1950, meist im Auftrag illustrierter Zeitschriften des Münchner Kindler-Verlages, durch Deutschland, Europa und Übersee reiste. 1960 wechselte er zum "Stern". Die Hamburger Illustrierte entwickelte sich zur führenden deutschen Illustrierten, nicht zuletzt wegen seiner aufwendigen Fotoreportagen, für die das Magazin die besten Fotografen Deutschlands engagierte. Stefan Moses reiste im Auftrag des "Stern" unter anderem nach Israel, Großbritannien, Österreich und Chile. Immer wieder aber berichtete er auch aus dem "exotischen" Land Deutschland, das ihn faszinierte: Deutschland und die Deutschen wurde und blieb bis zuletzt sein fotografisches Lebensthema.
Die Ausstellung will den Weg des Fotografen, seinen Blick auf die Menschen, nachzeichnen und präsentiert neben diesen frühen Reportagen und Bildessays auch Motive der bekannten Porträtserien aus den Beständen des Deutschen Historischen Museums.
Erst im 18. Jahrhundert gelangt Porzellan aus China nach Europa. Das begehrte „weiße Gold“ wird zunächst über norddeutsche Häfen eingeführt und dann in fürstlichem Auftrag in deutschen und europäischen Manufakturen hergestellt. Im Laufe der Zeit befüllt Porzellangeschirr wie die Blauweiß-Ware auch die Kredenzen und Küchenschränke überwiegend bürgerlicher Haushalte in den Städten. Porzellan wird zu einem tradierten Kulturgut, birgt Geschichten von Wanderschaft, Flucht und familiärer Überlieferung. Als materieller Träger persönlicher Erinnerungen gelangt es auch in die Sammlung des Museums Neukölln.
Die Vielfalt des Porzellans beschäftigt die Künstlerin Martina M. Thies seit vielen Jahren und hat sie zu ihren selbstgedrehten, verformten, applizierten und bemalten Porzellanarbeiten inspiriert. In einer von ihr gestalteten Rauminstallation treten ihre Kunstwerke in einen Dialog mit historischen Objekten aus der Keramik-Sammlung des Museums Neukölln und persönlichen Erinnerungen von Neuköllner*innen. Dabei stoßen wir u. a. auf das Muster der „blauen Blume“, ein Motiv der Romantik, das Martina M. Thies bei ihrer Suche nach der tieferen Bedeutung der blau-weißen Keramik begleitet.
Am Kulturforum entsteht in den kommenden Jahren das Museum des 20. Jahrhunderts nach den Plänen des Schweizer Architekturbüros Herzog & de Meuron.
In dem Neubau und in der benachbarten Neuen Nationalgalerie werden künftig die Kunstbestände der Nationalgalerie aus dem 20. Jahrhundert ausgestellt. Außerdem werden dort neben Beständen des Kupferstichkabinetts und der Kunstbibliothek auch die Sammlung Marx und die Sammlung Ulla und Heiner Pietzsch zu sehen sein.
Seit Februar 2018 arbeitet ein Planungsteam unter Leitung der Architekten gemeinsam mit den Staatlichen Museen zu Berlin den Entwurf detailliert aus. Im Sommer 2018 wurde mit der Vorplanung eine erste Etappe der Entwurfsarbeit abgeschlossen. Die überarbeiteten Pläne und zwei große Modelle sind ab dem 27. November 2018 im Foyer des Kulturforums ausgestellt.
Die neue Kabinettausstellung »Jahrgang ‘89 – Die Kinder der Wende« zeigt in 26 Vitrinen spannende Biografien und Exponate des letzen kompletten Jahrgangs, der in der DDR geboren wurde, sowie Objekte zu wichtigen Ereignissen des Jahres.
Oft war von der Generation die Rede, die durch Mauerfall und Wiedervereinigung geprägt wurde. Was aber ist aus den Wendekindern geworden, die noch in der DDR geboren wurden? Unsere neue Kabinettausstellung porträtiert daher 16 junge Erwachsene des Geburtsjahrgangs 1989. Wie gestalten sie ihr Leben? Was erwarten sie von ihrer Zukunft in Ostdeutschland? Spielen »Ostgefühle« für sie noch eine Rolle? Die Ausstellungsmacher wollen zeigen, wie der letzte komplette DDR-Jahrgang sein Leben in den Neuen Bundesländern selbst sieht.
Titel: Jahrgang ‘89 – Die Kinder der Wende
Laufzeit: 10.11.2018-28.02.2019
Ort: Foyer des DDR Museum, Karl-Liebknecht-Str. 1, 10178 Berlin
Kuratoren: Sören Marotz, Ausstellungsleiter des DDR Museum, sowie Dr. Stefan Wolle, wissenschaftlicher Leiter des DDR Museum
Eintritt Kabinettausstellung: kostenfrei
Informationstexte: Deutsch und Englisch
Die neue Dauerausstellung präsentiert im Schloss Charlottenburg verschiedene Aspekte der jahrhundertelangen Herrschaft der Hohenzollerndynastie
Zum ersten Mal setzt die SPSG die Hohenzollerndynastie in den Fokus einer Dauerausstellung, die in den Räumen im Obergeschoss des Schlosses Charlottenburg (Altes Schloss) zu sehen ist. Vier große Themenblöcke bilden den Auftakt. Die Anfänge der Dynastie und die Rückbesinnung des 19. Jahrhunderts auf diese Wurzeln sowie der Aufstieg der Hohenzollern von Nürnberger Burggrafen bis hin zu Deutschen Kaisern werden ebenso beleuchtet wie das Netzwerk mit anderen europäischen Dynastien und das preußische Militär.
Dabei geht es u.a. um folgende Fragen: Wer waren die Herrscher auf dem preußischen Thron? Woher kamen sie, und was zeichnete sie aus? Was bewirkte ihren beispiellosen Aufstieg – zunächst als Kurfürsten in Brandenburg, dann als preußische Könige und schließlich als Kaiser des Deutschen Reichs? Und warum war 1918 ihr Schicksal besiegelt? Auf diese und andere Fragen erhalten Besucher ab dem 9. November 2018 Auskunft.
Kostbare Ausstellungsstücke und eine Medienstation informieren erhellend und anschaulich über die Familie der Hohenzollern. Herausragendes Glanzstück ist der Kronschatz der Dynastie, bestehend aus herrschaftlichen Insignien wie den aus purem Gold gefertigten Kronkarkassen für den ersten König in Preußen, Friedrich, und seine Gemahlin Sophie Charlotte. Der edelsteinbesetzte Reichsapfel, das Zepter und zwei kostbare Zeremonialschwerter vervollständigen den Schatz.
Ein weiterer Höhepunkt ist das 1870 von Wilhelm Camphausen geschaffene Monumentalgemälde Friedrichs des Großen zu Pferde in der Schlacht von Leuthen, das im Nebenraum unter den Augen der Besucher restauriert wird und bis zum Abschluss der Arbeiten als Reproduktion in annähernd originaler Größe in der Ausstellung zu sehen ist. Weitere Gemälde, Medaillen, wertvolle Objekte höfischer Kultur sowie Animationen ergänzen die Präsentation und vermitteln einen Überblick über die Geschichte und Geschicke einer der ehemals mächtigsten Familien Europas.
Die angesprochenen Themen beleuchten nur einen Teil der facettenreichen Geschichte der Hohenzollerndynastie. Eine geplante Fortsetzung der Ausstellung soll das Augenmerk auf die Bautätigkeit der Hohenzollern und die daraus resultierende Residenzlandschaft Berlin-Brandenburg richten, aber auch Fragen des höfischen Zeremoniells betrachten.
Zum ersten Mal weltweit wirft ein Museum das Schlaglicht auf die queere Geschichte von Videospielen: Die Ausstellung RAINBOW ARCADE eröffnet im Dezember 2018 im Schwulen Museum Berlin und zeigt vielfältige Exponate aus gut 30 Jahren Mediengeschichte, unter anderem spielbare Titel, Konzeptzeichnungen, von Fans selbst geschriebenen Modifikationen und Dokumentationen von Online-Communities. RAINBOW ARCADE macht eine popkulturelle Bestandsaufnahme zu Fragen von Repräsentation, stereotyper und diskriminierender Erzählweisen in Unterhaltungsmedien und unserem kulturellen Gedächtnis. Erstmals werden dabei Exponate des LGBTQ Game Archives der Öffentlichkeit präsentiert.
Roter Faden der Ausstellung ist dabei der bemerkenswerte Umstand, dass Videospiele zwar ein selbstverständlicher Teil unserer Gegenwartskultur geworden sind, aber jeder neue Titel, der LSBTIQ* und ihre Lebensrealitäten nicht negativ darstellt, schnell als bahnbrechend gefeiert oder als ideologische Politisierung diffamiert wird. Und das, obwohl sich sensible Coming-Out Storylines und geöffnete Ehen bereits in Mainstream-Titeln der 1990er Jahre finden lassen. Die Ausstellung fragt nicht nur, wie sich gesellschaftliche Diskurse und Entwicklungen in Videospielen niedergeschlagen haben und welche Entwicklungen dabei zu beobachten sind, sondern auch, was es eigentlich über unser digitales Gedächtnis und die Archivierung unserer Gegenwartskultur aussagt, wenn mediale Zeitgeschichte so schnell in Vergessenheit gerät.
Die Ausstellung wird von einem umfangreichen Rahmenprogramm mit internationalen Entwickler_innen, Künstler_innen und Wissenschaftler_innen begleitet. Ebenfalls wird es einen Katalog geben, für den gerade eine Crowdfunding-Kampagne auf Kickstarter läuft.
Kuratiert wird RAINBOW ARCADE von einem international vernetzten Kurator_innenteam, bestehend aus Sarah Rudolph (herzteile.org), Jan Schnorrenberg (Schwules Museum) und Dr. Adrienne Shaw (Temple University, LGBTQ Game Archive). Für weitergehende Presseanfragen stellt die Presseabteilung des Schwulen Museums jederzeit gerne Kontakt mit den Kurator_innen her.
Die Ausstellung RAINBOW ARCADE wird gefördert von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Europa. Schirmherr der Ausstellung ist Dr. Klaus Lederer, Senator für Kultur und Europa des Landes Berlin.
RAINBOW ARCADE ist ein Ausstellungsprojekt des Schwulen Museums und entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem LGBTQ Game Archive, dem Computerspielemuseum Berlin und der Temple University. Es ist Programmbestandteil der gamesweekberlin 2019 (8. – 14. April 2019). Weitere Projektpartner_innen sind Booster Space, Jugend im Museum e.V. und Feminist Frequency.
Offizielle Medienpartner_innen sind SIEGESSÄULE, L.MAG, exberliner, BerlinGameScene.com und KALTBLUT Magazin.
Zum Jahr der Frau_en ehrt das Schwule Museum die Aktivistin Mahide Lein mit einer Sonderausstellung. Diese wird im Rahmen der historischen Übersichtsausstellung Tapetenwechsel präsentiert, die die schwul-lesbische Emanzipationsbewegung vom Mittelalter bis in die Jetztzeit nachzeichnet.
Zur Sonderausstellung sagt Kurator Wolfgang Theis:
„Wärme, Verständnis, Neugier, Anarchie, Zuneigung – das alles ist Mahide Lein. Sie ist eine wunderbare Projektionsfläche queerer Sehnsüchte, Ansprüche und Überforderungen. Vor längerer Zeit fuhr ich mit Mahide eine lange Strecke in der U-Bahn. Mein Verhältnis zu ihr war bis dahin distanziert – wie halt Schwule auf lesbische Allmacht reagieren. Mahide war in melancholischer Stimmung. Schlagartig überkam es mich, Mahide braucht auch mal Streicheleinheiten. Die Idee einer Würdigung der Institution Mahide Lein war in der Welt. Nun also endlich die Hommage der unglaublichen Königin der lesbischen Subkultur zum Abschluss des Jahres der Frau_en im Schwulen Museum.
Mahide war überall dabei: beim Frauentreff Café Niedenau ab 1970 im besetzten Haus im Kettenhofweg Frankfurt am Main, bei der Gründung des Frankfurter ersten Lesbenzentrums. Die Liebe trieb sie nach Berlin, wiederum in ein besetztes Haus, hier übernahm sie mit anderen den Frauentreff Kaffee Winterfeldt. Mahide engagierte sich als Kulturvermittlerin von 1983 – 86 bei den Berliner Lesbenwochen, der Frauen-Sommeruni, organisierte Bars und begleitende Cafés zu Ausstellungen und Filmreihen der Frauenbewegung und fand ein neues Betätigungsfeld im PELZE-multimedia. Hier war ein Raum, Ladies only, entstanden, eine Legende der neuen Frauenbewegung. Ausstellungen, Lesungen, Diskussionen, Filme und Performances bildeten das Gerüst für sagenhafte Partys. Hier wurden Grenzen überschritten, alles war erlaubt – eine wilde Zeit. Es gab heftige Situationen, aber nie Hausverbote. Ein machtfreier Raum der auch Exzesse provozierte, Scheiben gingen zu Bruch. Die Szene braucht Leitbilder, Mahide war ein solches, aber Leitbilder werden auch gestürzt. Die Community ist nur bedingt dankbar. Der queere Filmpreis TEDDY der Berlinale Sektion Panorama hat Mahide als Jury Betreuerin und Best-Girl fast zwei Jahrzehnte lang beschäftigt. 1991 gründete Mahide das erste lesbische Fernsehmagazin auf diesem Planeten: LÄSBISCH-TV und produzierte mit 100 Frauen 27 einstündige Sendungen auf dem Kabelsender FAB, Fernsehen aus Berlin. Zusammen mit Andreas Strohfeldt, dem Frauenzentrum und der Tschaikowsky-Foundation St. Petersburg organisiert sie im Mai 1992 den ersten russischen CSD, 1994 das erste Lesbischschwule Filmfestival, brachte die russischen Aktivist_innen nach Berlin und krönte die alljährliche Wiederholung 1995 mit einer Filmretrospektive von Rosa von Praunheim und Elfi Mikesch in St. Petersburg und Moskau.
Seit 1995 gibt es nun Mahide Leins Künstler_innen-Agentur AHOI, die international agiert. Anfangs betreute sie afrikanische Frauenbands, setzte sich aber bald, neue Herausforderungen suchend, für afrikanische Künstler_innen ein. Die erste Afrikareise führte sie nach Zimbabwe. Zusammen mit Sue Pakeipei Maluwa-Bruce entstand das Video Send me a Postcard sometimes über die Situation von Lesben, Schwulen u. a. in Afrika. Diese Reise veränderte Mahides Leben: fortan wird sie sich mit allen Menschen dieser Welt in Liebe verbunden fühlen. Mahide kennt keine Berührungsängste: Sie arbeitet für die Rechte der Sexarbeiter_innen, der Psychiatrie-Erfahrenen, setzt sich entschieden gegen Genitalverstümmelungen bei Frauen ein, holt afrikanische Homo-Aktivist_innen nach Berlin, fördert die Kultur Tibets und bereist mit ihren Künstler_innen aus aller Welt die Welt. Nebenher führt sie ihren Salon, veranstaltet Kulturprogramme und zumeist finanziell desaströse Konzerte. Unbeirrt wirbelt sie durch Berlins Kulturszenen. Kaum ein Event ohne Mahides Künstler_innen. Es gibt Filme von, mit und über Mahide. Nun also auch endlich die Ausstellung zur Person unserer Zuneigung. Feiern wir Mahide, lassen wir sie hochleben, würdigen wir ihre mütterliche Allmacht, lassen wir uns betören von der erotischen Künstlerin und der politischen Feministin, die sogar Schwule mag.“
Es wird rund um die Ausstellung ein Veranstaltungsprogramm geben, mit Lesungen, Diskussionsabenden, Filmvorführungen und Sonderführungen von Mahides vielen Wegbegleiterinnen.
Die Ausstellung ist Teil des Programms Jahr der Frau_en, das gefördert wird von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa.
Das Bauhaus bestand in Deutschland nur 14 Jahre, seine Ideen werden jedoch seit 100 Jahren weitergetragen, seine Produkte neu aufgelegt, imitiert oder weiterentwickelt.
Anlässlich des 100. Gründungsjubiläums des Bauhauses zeigt die Ausstellung des Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung in der Berlinischen Galerie berühmte, bekannte und vergessene Bauhaus-Originale und erzählt die Geschichte hinter den Objekten.
Ausgehend von 14 Objekten entfaltet „original bauhaus“ 14 Fallgeschichten: Wie wurde die Sitzende im Stahlrohrsessel zur berühmtesten Unbekannten des Bauhauses? Hat das Haus am Horn in Weimar einen heimlichen Zwilling? Wieso blieb das Tee-Extraktkännchen, als Prototyp für die Industrie geschaffen, immer Unikat? Zu sehen sind Kunst und Design aus der Sammlung des Bauhaus-Archivs, besondere Leihgaben aus internationalen Sammlungen und künstlerische Positionen, die das Bauhaus-Erbe neu betrachten.
Die Jubiläumsausstellung des Bauhaus-Archivs / Museum für Gestaltung, Berlin, in Kooperation mit der Berlinischen Galerie wird gefördert durch das Land Berlin und die Kulturstiftung des Bundes.
Die Ausstellung Fazit ist der Auftakt für ein gleichnamiges künstlerisches Projekt von realities:united. Anlässlich der beginnenden Abschaltung der großen und zentralen Wärmekraftwerke in Deutschland wird deren künstlerisches Potential für den damit einhergehenden industriellen, kulturellen und sozialen Wandel thematisiert.
Der Vorschlag: Noch aktive Kraftwerke sollen in dieser Phase so modifiziert werden, dass sie nicht mehr nur Energie und Schadstoffe produzieren, sondern auch weithin sichtbare Zeichen in die Luft abgeben – als Symbol und Leitbild dieser Transformation.
Die gesellschaftliche Debatte rund um die Energiewende und die damit einhergehenden Chancen und Herausforderungen sollen im Rahmen der Ausstellung in der Berlinischen Galerie mit Vertreter*innen der Energiebranche, von Umweltverbänden, Künstler*innen und Besucher*innen weitergeführt werden. Die Ausstellung fungiert als Inkubator für das langfristige künstlerische Projekt und für eine nachhaltige kulturelle Auseinandersetzung mit dem Thema.
realities:united wurde 2000 von Jan Edler und Tim Edler als Studio für Kunst und Architektur gegründet. Internationales Renommee erfuhren sie u.a. mit BIX, einer Licht- und Medienfassade für das Kunsthaus in Graz. Die beiden Brüder sind auch die Initiatoren von Flussbad Berlin, einem von Bund und Land getragenen Stadtentwicklungsprojekt zur gemeinschaftlichen Nutzung des Spreekanals im Zentrum Berlins.
Frieden war im November 1918 eine zentrale Forderung nicht nur der Revolutionäre. Wie aber konnte ein solcher Friede nach einem jahrelangen alles vernichtenden Mahlstrom der Gewalt, angesichts von Millionen von Opfern des Ersten Weltkrieges geschaffen und gesichert werden? Als Vorsitzender des Finanzausschusses der deutschen Waffenstillstandsdelegation und Hauptdelegierter bei den Verhandlungen mit den Alliierten versuchte dies Carl Melchior auszuhandeln – und bewahrte dabei, wie einer seiner Gegenüber, John Maynard Keynes, es fasste, »große Würde in der Niederlage«.
Melchior stammte aus einer alten Altonaer Rabbinerfamilie und war der erste Mitinhaber des Hamburger Bankhauses M. M. Warburg & Co, der nicht aus der Familie stammte. 1918 war er Mitbegründer der Deutschen Demokratischen Partei. Rastlos reisend setzte er sich nach der Enttäuschung von Versailles für faire Reparationsbedingungen und einen Ausgleich mit Frankreich und Großbritannien ein. 1926 wurde er zum deutschen Repräsentanten des Völkerbunds. Zusammen mit Leo Baeck trat er Anfang 1933 für die Belange von Juden in Deutschland ein und wurde so Mitbegründer des Zentralausschusses der deutschen Juden für Hilfe und Aufbau. Er starb am 30. Dezember 1933 – an Überarbeitung.
Im Rahmen des Themenwinters »100 Jahre Revolution - Berlin 1918/19« erinnert das Jüdische Museum Berlin an das Wirken dieses lange übersehenen jüdischen Vorkämpfers eines europäischen Friedens mit einer Intervention im Gebäude der W.Michaek Blumenthal Akademie (auf der gegenüberliegenden Straßenseite des Museums).
In Zusammenarbeit mit dem Stiftung Warburg-Archiv, gefördert von der Warburg-Melchior-Olearius-Stiftung
Karl-Eckhard Carius (*1942) studierte in den späten 1960er Jahren an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin bei Bernhard Heiliger. An der 68er-Bewegung, die damals einen gesellschaftlichen Umbruch in der Bundesrepublik einleitete, nahm er unmittelbar teil. Fünfzig Jahre nach der Studentenrevolte greift Carius mit seiner Ausstellung »BODENWORTE // URWORTE ’68: Geblieben auf dem Schlachtfeld der Begriffe« auf diese bewegten Zeiten zurück. Im Kunsthaus Dahlem, im ehemaligen Atelier Heiligers, schafft Carius mit einhundert betexteten Betonplatten eine Bodeninstallation, die Bazon Brock als ein »Generationen- und Epochendenkmal« bezeichnet. Bereits 1970 begann Carius mit »BODENWORTEN« Denkräume zu schaffen. »BODENWORTE« zielen darauf, sinnespsychologische Aspekte menschlicher Wahrnehmung zu erweitern, philosophische Fragestellungen zu inspirieren in grundlegender Bezugnahme auf die Erde als Boden, zu welchem der moderne Mensch den Kontakt verloren hat, so dass er im »Bodenlosen« schwebt.
Zudem enthält die Ausstellung Zeichnungen und fotografische Arbeiten aus der Zeit um 1968, die von Kunstauffassungen, Motiven und Ideen dieser Phase des Umbruchs zeugen.
Thomas Lucker nennt seine Objekte »Steinarchiv«, seine künstlerischen Materialien sind Licht und Stein, sein Motive entstammen privaten Fotosammlungen, setzen sich häufig mit Biografie und Familiengeschichte auseinander. Er belichtet Kalksteinplatten mit Fotografien vorzugsweise aus den 1950er und 1960er Jahren, arbeitet aus dem Stein die Darstellung heraus, bringt mit Schwamm und Pinsel Farben auf. So entstehen Köpfe, Figuren und Reliefs, deren Schichtungen, Überarbeitungen und Überlappungen in Analogie zu Prozessen der Speicherung von Erinnerung stehen und zugleich Zeugnis einer Art kollektiver Erinnerung sind, wie sie sich in unserem Gedächtnis eingeschrieben hat.
Thomas Lucker, geboren 1959 in der Nähe von Cuxhaven, stammt aus einer Seefahrerfamilie. Aufgewachsen auf dem Schiff seines Vaters, absolvierte er zunächst eine Lehre zum Steinmetz und Steinbildhauer. 1986-1994 studierte er freie Kunst in Hannover. Seit 1996 lebt und arbeitet Lucker in Berlin. 2008 begann er mit der Arbeit am »Steinarchiv«, einer offenen Werkreihe über Erinnerung und Vergänglichkeit, die Fotografie und Skulptur verbindet.
Utopische Programme und Raumvorstellungen der Moderne und Nachkriegsmoderne stehen im Fokus von Albert Weis’ Werk. Die Architekten Bruno Taut (1880-1938) und Hans Scharoun (1893-1972) haben in dieser Zeit die Identität der Stadt Berlin maßgeblich geprägt. Weis zeigt ihre Architektur, etwa die Berliner Philharmonie (1960-1963) und die Siedlung Onkel Toms Hütte (1926-1931), aus ungewöhnlichen Blickwinkeln. Seine Fotografien und Papierarbeiten bilden nicht die Bauten ab, sondern erforschen ihre architektonische Sprache. Dabei nähert sich Weis mit dem Blick des Bildhauers seinen Motiven an, seine Fotografien legen die skulpturalen Qualitäten architektonischer Details offen.
Albert Weis (*1969 in Passau) lebt und arbeitet in Berlin. Er studierte Bildhauerei an der Akademie der Bildenden Künste München und wurde 1997 Meisterschüler bei James Reineking. Weis wurde mit renommierten Preisen ausgezeichnet; Stipendien führten ihn nach Paris, Los Angeles und Dublin.
Das Museum in der Kulturbrauerei Berlin präsentiert vom 14. Februar bis 25. August 2019 ein bisher unveröffentlichtes Konvolut privater Bilder des Fotografen Daniel Biskup (geb. 1962), die auf Reisen durch Ostdeutschland nach der Wiedervereinigung von 1990 bis 1995 entstanden sind. In einer Zeit nachhaltiger gesellschaftlicher, politischer und kultureller Transformationen nimmt Daniel Biskup die Menschen in den Blick: Seine Fotos zeigen den Alltag mit Hoffnungen, Visionen, Ängsten und Utopien als eindrucksvolles Stimmungsbild der Atmosphäre der ersten Jahre nach dem Fall der Mauer im Osten.
Wie gestaltete sich die Zeit nach der Wiedervereinigung? Wie erlebten die Menschen den Wandel der Konsumwelt? Der Alltag der Menschen ist auch geprägt von einem ambivalenten Umgang mit der Vergangenheit, einer neuen politischen Landschaft und tiefgreifenden Veränderungen in der Arbeits- und Berufswelt. Dabei wirft die Ausstellung auch einen Blick auf den desolaten Zustand der Infrastruktur der DDR, zugleich zeigt sie beeindruckende Porträts und Szenen des Alltags – und damit die Dynamik und Energie der Menschen in der Zeit der Transformation.
Das Ende des 1. Weltkrieges im November 1918 führte in ein Jahr der Revolution, das auch in Berlin bürgerkriegsartige Unruhen hervorrief. Am 15. Januar 1919 wurden die Sozialdemokraten Karl Liebknecht und Rosa Luxemburg ermordet. Käthe Kollwitz zeichnete Liebknecht auf seinem Totenbett und lernte die Familie des Ermordeten kennen.
Der 16-Jährige Sohn Robert Liebknecht wurde wenige Wochen nach der Ermordung seines Vaters Karl Liebknecht im Januar 1919 bei Käthe Kollwitz vorstellig, sie sollte sich ein Bild von seinem Talent machen und riet ihm zur weiteren künstlerischen Ausbildung.
Robert Liebknecht schlug diesen Weg ein, lernte in Berlin bei Hans Baluschek und Willy Jaeckel und später an der Dresdner Kunstakademie bei Robert Sterl. Als Motive interessierten ihn die Landschaft, die Stadtlandschaft und der Mensch im urbanen Umfeld.
Parallel zu der Sonderausstellung Robert Liebknechts frühe Arbeiten der Dresdner und Berliner Zeit präsentiert das Kollwitz-Museum in einer Studioausstellung Zeichnungen, Variationen und Zustandsdrucke von Käthe Kollwitz, die in ihren Holzschnitt „Gedenkblatt für Karl Liebknecht“ münden.
Olga Lander (1909–1996) gehörte zu den fünf Frauen unter 200 sowjetischen Kriegsfotokorrespondenten während des Zweiten Weltkrieges. Seit 1935 arbeitete sie als Fotokorrespondentin bei der sowjetischen Jugendzeitung »Komsomolskaja Prawda«. Auch nach Kriegsbeginn im Juni 1941 führte sie ihre Arbeit bei der »Komsomolka« fort. Schließlich gehörte sie ab Januar 1943 der Redaktion der Zeitung »Sowjetskij Woin« (Sowjetischer Kämpfer) als Fotografin an. Die Zeitung der 3. Ukrainischen Front berichtete täglich über das Frontgeschehen. Lander begleitete die Truppen von der Ukraine über Moldawien, Bulgarien, Jugoslawien und Ungarn bis nach Österreich, wo sie auch das Kriegsende erlebte. Erst 1948, nach Auflösung der Redaktion – der »Sowjetskij Woin« war bis dahin Zeitung der in Bulgarien und Rumänien stationierten sowjetischen Südgruppe der Truppen – kehrte Lander nach Moskau zurück und arbeitete von 1956 bis zur ihrer Pensionierung 1974 weiter als Fotokorrespondentin der Zeitung »Sowjetskaja Rossija«.
Für die Ausstellung und den Katalog traf das Deutsch-Russische Museum eine repräsentative Bildauswahl aus dem Kriegswerk Olga Landers, das erstmals auch in Deutschland vorgestellt wird.
Am 13. November wird im MACHmit! Museum die Sonderausstellung »Pipapo – Ausflug ins Pipi-Kacka-Land«, eine interaktive Ausstellung aus dem Kl!ck Kindermuseum Hamburg eröffnet. Die Vernissage findet im Beisein der neuen Schirmherrin des MACHmit! Museums Claudia Kittel, Leiterin der Monitoring-Stelle UN-Kinderrechtskonvention beim Deutschen Institut für Menschenrechte statt.
Alle müssen aufs Klo, also reden wir einmal darüber Wie wird das Essen verdaut? Wie lang ist ein Darm? Wieso heißt es Stuhlgang? Wohin verschwinden unsere Hinterlassenschaften? Wieso kann man mit Toilettenbau Menschenleben retten? Klo ohne Wasser, schon mal gesehen? Und wie werden die Häufchen in der Tierwelt eigentlich beseitigt? Antworten lassen sich bei einem Ausflug in die Sonderausstellung finden, z.B. bei einer Rutschpartie durchs Abflussrohr einer riesigen Toilette oder beim Besuch eines der Herzhäuschen.
Von Dienstag bis Freitag werden Führungen für Gruppen aus Kindergärten, Schule und Hort angeboten.
Das 18. Jahrhundert war das Jahrhundert des Porzellans. Unter Fürsten, Aristokraten und vermögendem Bürgertum war man regelrecht süchtig nach dem ?weißen Gold?, man sprach von der ?maladie de porcelaine?. Wer sich das exklusive Porzellan nicht leisten konnte, griff zur Fayence, um seine Tafeln, Konsolen, Kaminsimse und Kommoden zu schmücken.
In der Ausstellung gibt es verschiedene Themenfelder:
- Wie verlief der Weg des Porzellans von Asien nach Europa?
- Inwieweit spiegeln sich in der Porzellan- und Fayencekunst die aristokratischen Lebensweisen des Rokoko wider?
- Welche gestalterischen Besonderheiten gab es, und wie waren die Herstellungstechniken?
Dass Porzellan bis heute für Gestalterinnen und Gestalter aktuell ist, wird exemplarisch unter dem Aspekt ?Porzellan und 3 D Druck? beleuchtet.
Das Kunstgewerbemuseum arbeitet kontinuierlich an der Neupräsentation seiner Bestände, der Vielfalt der Sammlungsteile entsprechend in unterschiedlichen Formaten. Die europäischen Porzellane und Fayencen des 18. Jahrhunderts bilden einen Kernbereich des Museums und sind von herausragender Qualität. Ihre Neupräsentation innerhalb des historischen Rundgangs grenzt direkt an das 2014 neu eingerichtete Kabinett mit Mode und Accessoires des Rokoko, so dass sich hier viele Querbezüge ergeben.
CAREFUL UNREST nimmt das diesjährige Jubiläum der Novemberrevolution zum Anlass nach zeitgenössischen Ästhetiken des Aufbegehrens zu fragen. Wie können Kämpfe um gesellschaftliche Teilhabe heute dargestellt werden? Wer oder was sind die revolutionären Subjekte und wie lassen sich diese (re)aktivieren?
Nach Bini Adamzcak sollten kommende Aufstände von unseren Beziehungsweisen ausgehen, Umwälzung nicht ausschließlich von unten nach oben gedacht sonder auf ein zwischen und miteinander konzentriert sein. Die Ku?nstler*innen der Ausstellung befragen Aktivist*innen, spielen mit politischer Erinnerungs- und Repräsentationskultur, lassen kollektiven Ungehorsam auffu?hren, erproben neue Beziehungsmodelle der Fu?rsorge und zeigen wie Solidarität zwischen Mensch und Umwelt heute gedacht werden könnte.
Kann unser Aufstand zugleich radikal und behutsam sein?
Die Ausstellung zeigt Arbeiten von David Amberg, Umut Azad Akkel, Pharaz Azimi, Charlotte Eitelbach & Lou Hampel, Cornelia Fachinger, Mania Godarzani-Bakhtiari, Georgina Hill, Fee Hollmig, Itsthevibe Annkathrin Kluss & Florian Mehmeti Löffler, Matthias Planitzer, Inia Steinbach und Lisa Thieler. Die Ausstellung wird kuratiert von Anna Voswinckel.
Seen By #10 ist Teil der Ausstellungsreihe Seen By, einer Kooperation zwischen der Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin und der Universität der Künste Berlin im Museum für Fotografie. Sie hat zum Ziel, kuratorische und künstlerische Strategien im Umgang mit zeitgenössischer Fotografie neu zu denken.
MitarbeiterInnen und Studierende der Universität der Ku?nste Berlin haben freien Eintritt.
Wie würden Bilder klingen, wenn sie Musik wären? Wie würden sie aussehen, würden sie von Tänzern zum Leben erweckt? Und was entsteht, wenn sich die Künstler ihrer Zeit über Genregrenzen hinweg inspirieren und ihre Kunst verschmelzen?
Nach den Erfolgsproduktionen ?Flying Bach? und ?Flying Illusion? laden die Berliner FLYING STEPS zu ihrer neuen Produktion ein, die in Berlin ihre Premiere feiert. In Zusammenarbeit mit der Nationalgalerie, die durch Udo Kittelmann die FLYING STEPS bereits 2010 in die Neue Nationalgalerie einlud, entsteht im April 2019 ?Bilder einer Ausstellung? im ?Hamburger Bahnhof ? Museum für Gegenwart ? Berlin?. Inszeniert von den FLYING STEPS und dem brasilianischen Künstlerduo OSGEMEOS, verbindet ?Bilder einer Ausstellung? Elemente von Kunst, Musik und Tanz-Performance.
Karten sind an allen bekannten Vorverkaufsstellen erhältlich.
Leben und sterben, lieben und loslassen – Bilder, Filme, Bücher oder Musik, die sich mit dem Tod beschäftigen, rühren an unsere größten Ängste angesichts der Endlichkeit des Seins und der eigenen Vergänglichkeit. Die Fotografie ist nicht das erste Medium, das eingesetzt wurde, um den Tod zu bannen, ihn abzuwehren und auszuhalten. Aber kein anderes Medium hat seit seiner Erfindung um 1839 eine vergleichbare Auseinandersetzung in solcher Vielfalt an Anwendungen, Bildstrategien und Techniken hervorgebracht. Viele davon haben mit den spezifischen Eigenschaften der Fotografie zu tun: Einerseits wird ihr zugeschrieben, dass sie einen Schnitt durch Raum und Zeit lege und einen Moment festhalte, zum anderen werden die Bilder als unmittelbare Abbilder der Wirklichkeit wahrgenommen. Fotograf*innen zeigen einerseits die Dramen des Tötens, des Sterbens und des Todes in solch einer Intensität und Vielschichtigkeit, dass die Toten noch zu leben scheinen. Für medizinische oder forensische Zwecke werden jedoch distanzierte und leidenschaftslose Dokumente produziert, in denen der tote Körper nunmehr als ein Ding anmutet. Fotograf*innen schaffen Allegorien des Todes, in denen vom Tod selbst nichts zu sehen ist oder fast unerträglich viel. Und manche der Bilder sind so eindringlich, dass wir unserer eigenen Sterblichkeit ins Auge schauen.
Die Ausstellung "Das letzte Bild . Fotografie und Tod" kuratiert von Felix Hoffmann, präsentiert mit über 400 Exponaten ein in Umfang und Vielfalt bislang noch nie dagewesenes Spektrum an fotografischen Bildern vom Tod, die von den Anfängen der Fotografie bis in die Gegenwart
reichen. Erstmalig werden einer großen Auswahl an künstlerischen Arbeiten eine Vielzahl von Beispielen aus der privaten, journalistischen, wissenschaftlichen Fotografie sowie der Studiofotografie gegenübergestellt.
In der Ausstellung werden Arbeiten gezeigt von Christian Boltanski, Bertolt Brecht, Broomberg/Chanarin, Larry Clark, Tacita Dean, Thomas Demand, Hans-Peter Feldmann, Jochen Gerz, Nan Goldin, Douglas Gordon, Peter Hendricks, Thomas Hirschhorn, Damien Hirst, Peter Hujar, Spring Hurlbut, Erik Kessels, Adolf Laazi, Brigitte Maria Mayer/ Heiner Müller, Arwed Messmer, Duane Michals, Lee Miller, Mark Morrisroe, Nadar, Arnold Odermatt, Arnulf Rainer, Timm Rautert, Dirk Reinartz, Gerhard Richter, Walter Schels/Beate Lakotta, Andres Serrano, Andy Warhol und Weegee.
Andreas Mühe (geb. 1979, Chemnitz, vormals Karl-Marx-Stadt, lebt in Berlin) wurde international bekannt durch seine Auseinandersetzung mit der deutschen Vergangenheit und Identität. Seinen Fotografien, die er ausschließlich analog herstellt, ist oftmals eine Ambivalenz, fast düstere Andeutung, inhärent, die auf die nicht mehr sichtbaren aber noch immer spürbaren Folgen der deutschen Geschichtsschreibung verweisen. Die sorgsam konzipierten Bildkompositionen suggerieren dabei eine gewisse Verwandtschaft zu Theater und Inszenierung. Die Nähe zu Schauspiel, Bühne und Film erschließt sich unter anderem aus Mühes persönlicher Biografie; sein Vater war der bekannte Schauspieler Ulrich Mühe, seine Mutter ist die renommierte Theaterintendantin Annegret Hahn. Diese beiden Persönlichkeiten, Mühes engste familiäre Bande, gemeinsam mit weiteren Verwandtschaftsmitgliedern, bilden die Protagonisten seiner für den Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin konzipierten neuen Werkserie. In zwei großformatigen fotografischen Familienportraits vereint Mühe die lebenden wie verstorbenen Mitglieder seiner Familie, mütterlicher- und väterlicherseits. Die bereits verstorbenen Personen ließ er, von Fotovorlagen ausgehend, in einem komplexen und intensiven Produktionsprozess als verblüffend lebensecht anmutende Skulpturen nachbilden.
Es offenbart sich hierbei eine sehr persönliche Auseinandersetzung mit den innerfamiliären Geflechten der Familie Mühe, die – berufsbedingt – teilweise auch ein Leben in der Öffentlichkeit führten. Der psychologisch, sozial geladene Aspekt der Familienaufstellung steht gleichzeitig einer kunsttheoretischen Abhandlung gegenüber. Denn Mühes künstlerischer Prozess von Fotografie als Ausgangsmaterial, zu plastischen Nachbildungen in Form von Skulpturen, und schlussendlich zu einer choreografierten Gruppierung, an dessen Ende ein fotografisches Familienportrait steht, macht die ambivalente Bedeutung von Fotografie – zwischen Wahrheit und Konstruktion – überdeutlich. Persönliche Geschichte, soziale und gesellschaftliche Verhältnisse sowie künstlerische Tradition vereinen sich zum Portrait einer Familie, dem Zeit- wie Kunstgeschichte tief eingeschrieben sind.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie.
Johanna Jura, die im Jahr 2018 ihren 95. Geburtstag gefeiert hätte, lebte und arbeitete von 1964 bis 1994 als freischaffende Bildhauerin in Berlin-Mahlsdorf.
Zu ihrem plastischen Werk gehören neben baugebundener Kunst im öffentlichen Raum auch das Porträt, die Skulptur, das Relief und die Kleinplastik.
Das kleine Format war in ihrer letzten Schaffensperiode das bevorzugte Ausdrucksmittel. Im Mittelpunkt steht das Menschenbild als Einzelfigur und in Skulpturengruppen.
Die Ausstellung widmet sich den Bronzeskulpturen und der keramischen Kleinplastik. Die gezeigten Arbeiten gehören zum Nachlass der Künstlerin und repräsentieren verschiedene Perioden ihres Schaffens.
Der Hamburger Bahnhof ? Museum für Gegenwart ? Berlin zeigt erstmalig in Europa eine institutionelle Einzelausstellung mit Werken des US-amerikanischen Künstlers Jack Whitten (1939-2018). In enger Absprache mit dem Künstler konzipiert, macht die Präsentation deutlich, wie Whitten über eine Zeitspanne von sechs Jahrzehnten die Grenzen der abstrakten Malerei immer wieder neu definierte.
Ausgehend von gestischen Bildern, die unter dem Einfluss des abstrakten Expressionismus entstanden, zeichnet die Ausstellung die Entwicklung von Whittens malerischem Stil über die slab paintings der 1970er-Jahre bis hin zu seinen späteren Experimenten mit Struktur und Materialität nach, die in seinem unverkennbaren Mosaiken-Stil mündeten. Um den zeitgeschichtlichen Kontext der Arbeiten zu beleuchten, liegt der Fokus auf Gemälden, die historischen Ereignissen und prominenten Persönlichkeiten wie Martin Luther King, Barack Obama, Andy Warhol, John Coltrane oder Prince gewidmet sind.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie.
Die Ausstellung ?Emil Nolde. Eine deutsche Legende. Der Künstler im Nationalsozialismus? zeigt Emil Noldes künstlerisches Werk erstmals im historischen Kontext seiner Biografie und ideologischen Haltung. Seine Sympathien für die NS-Bewegung sind in Expertenkreisen seit langem bekannt, spielten jedoch in der öffentlichen Präsentation seiner Werke bisher kaum eine Rolle. Die Ausstellung soll daher sowohl eine künstlerische als auch historische Auseinandersetzung mit Noldes Werk und Leben ermöglichen, die den dynamischen Charakter des Verhältnisses zwischen Künstler, Werk und Rezeption thematisiert.
Nolde selbst veranlasste gar testamentarisch die Veröffentlichung seiner schriftlichen Erzeugnisse, darunter seine Autobiografien und Briefe. Offensichtlich war er davon überzeugt, dass ein besseres Verständnis der Innenwelt des Künstlers beim Betrachter auch zu einem tieferen Verständnis der betrachteten Werke führen würde. Tatsächlich lässt sich die Frage Künstler und Werk in der Öffentlichkeit aber nicht vom Thema Nolde und Nationalsozialismus trennen ? während der NS-Diktatur, aber auch in den Jahren nach 1945.
Die Nationalgalerie spielt historisch eine zentrale Rolle in der Konstruktion der Noldeschen Künstlerlegende. Das Nolde-Ausstellungsprojekt knüpft nun ? durchaus selbstkritisch ? an jüngst gezeigte Ausstellungen wie die ?Entartete Kunst?-Rekonstruktion und ?Die Schwarzen Jahre. Geschichten einer Sammlung. 1933 ? 1945? an und führt die ?aufklärerische? Tradition des Hauses fort.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie und der Nolde Stiftung Seebüll, sowie mit finanzieller Unterstützung der Friede Springer Stiftung.
Die Ausstellung „Simply Danish“ präsentiert die Sammlung des Berliner Ehepaars Marion und Jörg Schwandt mit etwa 170 Silberschmuck-Arbeiten von 48 dänischen Künstlern, darunter Ikonen wie Georg Jensen oder Henning Koppel. Die Sammlung gibt einen Überblick der verschiedenen Strömungen des dänischen Schmuck-Designs im 20. Jahrhundert. Das Spektrum reicht von floral gestalteten Gürtelschließen des Jugendstils, über konstruktive Arbeiten aus den 1930er Jahren bis hin zu den typisch organischen Formen der 1950er Jahre. Silberschmuck der späteren Jahrzehnte spiegelt die Vorliebe der dänischen Schmuckkünstler und Werkstätten für geometrische Formen und Materialkombinationen wider. Die Ausstellung zeigt, wie die Fixierung auf den materiellen Wert eines Schmuckstücks vom dänischen Bürgertum zugunsten des künstlerischen Werts aufgegeben wurde und wie dieser Sinneswandel die dänische Schmuckgestaltung nun schon seit über hundert Jahren zu ästhetischen Höchstleistungen animiert.
Die Entwicklung des Designs wird nach dem zweiten Weltkrieg ganz entscheidend von Skandinavien und hier besonders von Dänemark geprägt. Das dänische Design steht für einen Neuansatz des Funktionalismus, der die ideologischen Streitereien der 20er und 30er Jahre überwunden hat. Hohes handwerkliches Können und die absolute Kennerschaft des zu verarbeitenden Materials definieren einen völlig neuen funktionalistischen Ansatz. Die Form folgt nicht der wie auch immer zu definierenden Funktion, sondern die Form folgt den Gesetzmäßigkeiten des Materials und der Perfektion der Verarbeitung. Schönheit wird durch die außergewöhnliche Verarbeitung des Materials erzielt, wobei es meist natürliche und unedle Materialien sind.
Was generell für das skandinavische Design gilt, trifft im Besonderen auf den dänischen Schmuck zu. Seit 45 Jahren beschäftigt sich das Berliner Sammlerehepaar Schwandt mit dem dänischen Schmuck-Design und offenbart in dieser Ausstellung und dem dazugehörigen Katalog erstmals in Deutschland ihr einmaliges Wissen.
Die Ausstellung steht unter der Schirmherrschaft des Botschafters des Königreichs Dänemark in Deutschland.
Mit dem Gemälde „Straße in Paris, Regenwetter“ von Gustave Caillebotte (1848-1894) zieht eine Ikone des Impressionismus in die Alte Nationalgalerie ein. Caillebottes Gemälde gilt als Hauptwerk des Malers und ist eines der Aushängeschilder des Art Institute of Chicago. Aufgrund seiner imposanten Größe ist es in der Vergangenheit kaum und nach der umfassenden Restaurierung 2013 noch gar nicht nach Europa gereist.
Das zukunftsweisende Werk mit seinen fast lebensgroßen Figuren und der unkonventionellen Perspektive wurde 1877 auf der dritten Impressionisten-Ausstellung präsentiert und hat bis heute nichts an seiner großen suggestiven Anziehungskraft eingebüßt. Caillebottes eigenständige Interpretation des Impressionismus besticht durch seine frappierende Unmittelbarkeit und den kühnen Bildausschnitt.
Die fokussierte Ausstellung befasst sich zugleich mit dem Mäzenatentum Caillebottes, der als Sammler und Förderer die ersten Ausstellungen der Impressionisten mit finanzierte und organisierte. Insbesondere in Caillebottes Bestreben, den Impressionismus in öffentlichen Sammlungen zu etablieren, zeigen sich auch Parallelen zu Hugo von Tschudi, der eben dies durch seine Ankaufspolitik für die Alte Nationalgalerie realisierte.
DAS VERBORGENE MUSEUM widmet sich dem Leben und Werk der niederländischen Fotografin Maria Austria. Zu sehen sind ca. einhundert Schwarz-Weiß-Fotografien und Dokumente, die zuvor im Joods Historisch Museum, Amsterdam ausgestellt waren: Bilder vom Leben auf der Straße in den 1950er und 1960er-Jahren, Szenen von den Bühnen der Experimentaltheater und – zum ersten Mal zu sehen – Aufnahmen vom „Achterhuis“, dem Versteck der Familie von Anne Frank während der Zeit ihrer Verfolgung.
Maria Austria (Marie Karoline Oestreicher) wird 1915 in eine gutsituierte, jüdische Familie in Karlsbad (Karlovy Vary) hineingeboren. Im Sommer 1933 reist sie mit Leica und Rolleiflex im Gepäck nach Wien, um an der »Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt« eine Ausbildung zur Fotografin zu machen, die sie mit der Note »gut« abschließt. Von Anfang an war sie an den Prozessen in der Dunkelkammer interessiert, hat sie ihre Negative selbst entwickelt. Als freie Fotografin erprobt sie sich beim Portraitieren, macht Reportagen für Zeitschriften und entwickelt besonderes Interesse an den avantgardistischen Theaterbühnen um den Wiener Naschmarkt. Innerhalb der Fotografie entwickelte sich europaweit der Neorealismus, der von Menschlichkeit und Mitgefühl getragenen Idee einer besseren Gesellschaft, von der auch Maria Austrias Fotografien der 1950er Jahre erzählen.
Bekannt geworden ist die Fotografin auch durch ihre Portraits aus der internationalen Künstler- und Künstlerinnenszene, z.B. von Benjamin Britten, Maria Callas, Albert Schweitzer, Josefine Baker, Martha Graham, die wie sie selbst davon überzeugt waren, in Wort, Bild und Ton am Aufbau einer neuen, besseren Welt mitzuwirken. Noch nie zuvor zu sehen waren Austrias Aufnahmen vom sogenannten »Achterhuis«. Dabei handelt es sich um das Hinterhaus in der Prinsengracht 263-267, in dem sich unter acht jüdischen Verfolgten auch die Familie Frank mit den beiden Töchtern Anne und Margot von 1942 bis zum Verrat 1944 vor der Gestapo versteckt gehalten haben.
Die Ausstellung Womb Life von Tamara Henderson (*1982 in Sackville, CA) erschließt sich über mannigfaltige Erzählstränge, wovon einer sich auf eine Begegnung am Londoner Flughafen Gatwick Airport am Sonntag, den 27. Mai 2018 morgens um 10 Uhr zurückführen lässt. Im Zimmer eines im Tokio-Stil gehaltenen Kapselhotels erhält Henderson eine spontane Hypnotherapie des Hypnotiseurs Marcos Lutyens. In dem von Lutyens verfassten Therapiebericht heißt es, die Aufmerksamkeit Hendersons habe sich während der Sitzung zunehmend nach innen gerichtet: „ […] in den Schlamm, den Lehm, das Rutschen. Sie löst sich abwärts in Lehmerde auf, ausgestattet mit einem Röntgenblick für Zeit, Raum und Körper.“
Tamara Hendersons Schaffensprozess entwickelt mittels einer kontinuierlichen Praxis des Schreibens, Zeichnens und Aufzeichnens von Alltagsgegenständen eine eigenständige Mythologie. Indem Henderson die Muster von Objekten und atmosphärischen Phänomenen festhält und ihr Auftreten in Träumen protokolliert, versucht sie, die konventionellen Kategorien von Bewusstsein zu erweitern. Die Hypnose am Londoner Flughafen war Auslöser für eine Vielzahl von Entwicklungen, die in die Arbeit Womb Life mündeten – geboren aus der Sprache des Schlamms, herangereift im Körper der Künstlerin, wurde die Arbeit schließlich von der Nabelschnur dekodiert und vom Puls der Plazenta geerdet.
Die Künstlerin verfolgt in ihrer Arbeitsweise einen instinktgesteuerten Ansatz. Leblose Objekte werden häufig in den Akt des Geschichtenerzählens eingebunden und bahnen sich ihren gestaltwandlerischen Weg durch die verschiedenen Werkkomplexe, Zeitzonen und Räume. Im Rahmen der Ausstellung in den KW präsentiert Henderson ihren neuen Film Womb Life, für den der Ausstellungsraum in ein unterirdisches Kino umgestaltet wird. Begleitet wird der Film von einer achtköpfigen Gruppe, die als performatives Mobiliar getarnt und mit Instruktionen für die willigen TeilnehmerInnen ausgestattet ist. Die von maßgefertigten Vorhängen verdeckten Fenster bilden einen Theaterraum, in dem aufflammende und erlöschende Lichter den BesucherInnen gestatten, den Möbeln als Skulpturen zu begegnen, wenn der Film gerade nicht läuft.
Die Ausstellung Durch Mauern gehen zeigt mit Werken von Jose Dávila, Mona Hatoum, Nadia Kaabi-Linke, Christian Odzuck, Anri Sala, Regina Silveira und weiteren Künstler*innen ein zeitgenössisches Panorama der künstlerischen Reaktionen auf von Menschen geschaffene Barrieren, Trennungen, Grenzen und Mauern. In Auseinandersetzung mit der Lage des Gropius Bau entlang der ehemaligen Berliner Mauer bietet die Ausstellung sowohl eine nationale als auch eine internationale Perspektive auf die physischen und psychischen Folgen des Zusammenlebens in gespaltenen Gesellschaften. Im Kontext des 30. Jahrestages der deutschen Wiedervereinigung beschreibt sie, wie Mauern Gefühle von Verletzlichkeit und Angst artikulieren und individuelle und kollektive Identitätsvorstellungen repräsentieren können.
Mit Werken von Jose Dávila, Mona Hatoum, Nadia Kaabi-Linke, Christian Odzuck, Anri Sala, Regina Silveira und weiteren.
Kuratiert von Till Fellrath und Sam Bardaouil.
Seit Jahren sammelt das Deutsche Historische Museum Weihnachtsbaumschmuck, zuletzt erwarb es einen modern und international ausgerichteten Teilbestand der Sammlung Stille aus Frankfurt am Main. Dass diese Objekte der Alltagskultur weitaus mehr als banal und schön sind, zeigt die Intervention in der Dauerausstellung: Der geschmückte Lichterbaum wurde zum Beispiel im NS-Staat politisch vereinnahmt und in der Bundesrepublik der 1960er-/1970er-Jahre in mancher Familie als Teil des weihnachtlichen Zeremoniells kontrovers diskutiert. Neben wirtschafts-, technik- und bildungsgeschichtlichen Aspekten zeigt die Präsentation Design und regt zu einer weltweiten Entdeckungsreise an. Denn der Schmuck des „deutschen Weihnachtsbaums“ ist international geworden: Tourismus, Internet, die Migrationen von Menschen und ihrer Kultur haben ihn beeinflusst und bereichert.
Garten der irdischen Freuden ist gleichermaßen Raum für Inspiration und kritische Reflexion. In dieser groß angelegten Gruppenausstellung interpretieren Künstler*innen wie Pipilotti Rist, Rashid Johnson, Maria Thereza Alves, Uriel Orlow, Jumana Manna, Taro Shinoda und Heather Phillipson das Motiv des Gartens als eine Metapher für den Zustand der Welt und als poetische Ausdrucksform, um die komplexen Zusammenhänge unserer zunehmend prekären Welt zu erforschen. Ihre raumgreifenden Installationen behandeln soziale, politische und ökologische Phänomene wie Migration, die postkoloniale Neubetrachtung des botanischen Gartens und die technisierte Nutzung von Pflanzen durch den Menschen. Neben der bekannten Lesart des Garten als Sehnsuchtsort voller meditativer, spiritueller und philosophischer Möglichkeiten thematisiert die Ausstellung den Garten auch als einen Ort des politischen Widerspruchs sowie als Grenzbereich zwischen Realität und Fantasie, Harmonie und Chaos, Lust und Perversion sowie Utopie und Dystopie.
Mit Werken von Maria Thereza Alves, Rashid Johnson, Jumana Manna, Uriel Orlow, Heather Phillipson, Pipilotti Rist, Taro Shinoda und weiteren.
Kuratiert von Stephanie Rosenthal mit Clara Meister.
Im Fokus der Ausstellung And Berlin Will Always Need You steht die zeitgenössische künstlerische Szene Berlins. Den thematischen Rahmen bietet der Gropius Bau selbst, der 1881 als erstes Kunstgewerbemuseum in Deutschland eröffnet wurde und sich ausgehend davon auch als Lehr-, Produktions- und Ausstellungsstätte etablierte. Die Gruppenausstellung lädt mehr als 20 in Berlin lebende Künstler*innen wie Chiharu Shiota, Dorothy Iannone, Nevin Alada? und Theo Eshetu ein, bestehende und neue Installationen und Arbeiten zu zeigen, die sich mit Handwerk, Dekor, Materialität und Artefakten auseinandersetzen. Die Werke geben sowohl Einblicke in handwerkliche und künstlerische Techniken innerhalb gegenwärtiger Produktionskreisläufe als auch in das Konstrukt der Institution eines Ausstellungshauses mit seinen Displays, Deutungshoheiten und Machtstrukturen.
Mit Werken von Nevin Alada?, Leonor Antunes, Alice Creischer und Andreas Siekmann, Mariechen Danz, Haris Epaminonda, Theo Eshetu, Olaf Holzapfel, Dorothy Iannone, Antje Majewski und Olivier Guesselé-Garai, Willem de Rooij, Chiharu Shiota und weiteren.
Kuratiert von Natasha Ginwala, Julienne Lorz und Stephanie Rosenthal.
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Quelle:
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