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Demokratie und Vielfalt. Die bereits im November 1918 während der Revolution in Berlin initiierte Künstler*innenvereinigung Novembergruppe entwickelte sich rasch zum starken, innovativen Spieler in der Kunstwelt und auf dem Gesellschaftsparkett der Weimarer Republik. Der pluralistisch verfasste Verein war offen für alle Stilrichtungen der Bildenden Kunst, für Architekt*innen, Schriftsteller*innen, Komponist*innen und Filmemacher*innen. Eine Plattform für Freiheit, Demokratie und Vielfalt.
Von 1919 bis 1932 realisierte die Novembergruppe knapp 40 Ausstellungen, veröffentlichte Publikationen und veranstaltete Konzerte, Lesungen, Feste und Kostümbälle. So wurde die Gruppe auf vielen Ebenen zur Kunstvermittlerin der Moderne und sorgte für Gesprächsstoff und heftigen Streit.
Mit 119 Werken von 69 Künstler*innen, darunter 48 Gemälde, 14 Skulpturen, 12 Architekturmodelle und -zeichnungen, feiert die Berlinische Galerie mit dieser allerersten umfassenden Überblicksschau den 100. Geburtstag der bekanntesten unbekannten Kreativgemeinschaft in dramatischen Zeiten.
Neben den Stars der Avantgarde, Belling, Dix, Höch, Klee, Mendelsohn, van der Rohe, Pechstein u.a., bietet das Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur auch zahlreiche Entdeckungen und Wiederentdeckungen: u.a. Dungert, Dexel, Kulvianski, Roeder, Tappert, Völker, Wetzel.
Künstler*innen (Auswahl):
Rudolf Belling, Otto Dix, Max Dungert, Theo van Doesburg, Curt Ehrhardt, Otto Freundlich, Paul Goesch, Walter Gropius, George Grosz, Oswald Herzog, Hannah Höch, Issai Kulvianski, Paul Klee, El Lissitzky, Moriz Melzer, Erich Mendelsohn, Ludwig Mies van der Rohe, László Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Otto Möller, Max Pechstein, Iwan Puni, Hans Richter, Emy Roeder, Georg Scholz, Kurt Schwitters, Fritz Stuckenberg, Max Taut und Georg Tappert.
Ausstellungsarchitektur und Farbgestaltung: david saik studio
Zur Eröffnung der Ausstellung am 8. November 2018 laden wir Sie und Ihre Freunde herzlich ein.
Die Ausstellung findet statt im Rahmen des Themenwinters „100 Jahre Revolution – Berlin 1918|19“ in Kooperation mit Kulturprojekte Berlin. Sie steht unter der Schirmherrschaft von Michael Müller, Regierender Bürgermeister von Berlin. Ausstellung und Katalog werden unterstützt durch den Hauptstadtkulturfonds, die Lotto-Stiftung Berlin, die Ernst von Siemens Kunststiftung und den Förderverein der Berlinischen Galerie.
Die außergewöhnliche emotionale Wirkung des Pfingstberg-Ensembles ist im Großen, aber auch im Detail zu spüren und wirkt zeitlos. Natur, Architektur und Perspektive des Ortes wirken harmonisch zusammen, hier spiegeln sich in besonderer Weise Kunst-, Kultur- und Wissenschaftsgeschichte wider. Als Potsdamer Künstler reflektiert Olaf Thiede die Verbindung des tiefen emotionale Erlebens in der Kulturlandschaft mit dem historischen Wissen um seine Enstehung. Romantische Träumerei und nüchterne Betrachtung können durchaus eine magische Einheit eingehen. Das Thema der impressionistischen Bildserie Olaf Thiedes zum Pfingstberg in Öl auf Leinwand ist deshalb die Beschäftigung mit den atmosphärischen Lichtstimmungen der verschiedenen Tages- und Jahreszeiten – das Licht ist das verbindene Element.
Olaf Thiede arbeitet seit 1989 als freischaffender Maler und Buchautor in Potsdam. Seine Arbeiten entstehen vorwiegend in Pastell und Öl und zeichnen sich durch einen realistischen als auch impressionistischen Stil aus, der als still, sensibel und auch symbolisch bezeichnet werden kann.
Ausstellung im Pomonatempel, 8. September bis 31. Oktober 2018, immer samstags, sonntags und feiertags von 14 bis 17 Uhr
Eintritt frei, Spenden erwünscht
Die bildenden Künste sowie die künstlerisch informierte Stadtforschung bewegen sich im Feld der ›urban cultures‹ verstärkt aufeinander zu. Urbanität und gebauter Raum werden auch durch Kunst und Kultur erkundet, erlebt und erzählt.
Ein Feld der Auseinandersetzung der letzten Jahre sind Großsiedlungen der 1960er bis 1990er Jahre. Sie haben Dimensionen, die der Größe einer Kleinstadt entsprechen. Zentrale Funktionen einer Stadt wie etwa die Künste und das Kulturleben werden jedoch vorrangig im Zentrum verortet. Die Großsiedlungen bleiben deswegen vielen Menschen einer Stadt merkwürdig fremd.
Es braucht neue Narrative und Bilder, um die scheinbare Homogenität von Großsiedlungen zu hinterfragen und Widersprüchlichkeiten nachzuzeichnen.
Großsiedlungen sind miteinander vergleichbar – auch über Kontinente hinweg. Oft sind sie in konzentrischen Kreisen um die Kernstadt herum organisiert. Doch selbst innerhalb einer Stadt haben die Großsiedlungen kaum Kontakt miteinander.
Das Ausstellungsprojekt KREISE ZIEHEN in Berlin-Hellersdorf schlägt Brücken innerhalb und auch jenseits der Stadtgrenzen mit Partnersiedlungen. Wie entstehen Stereotypen von Orten, wie werden sie von außen gesetzt und von innen angenommen und weitergeführt? Wie können Bilder in der Peripherie entstehen, die nicht von außen ein ›Image‹ überstülpen, sondern von den Bewohner_innen mit Eigensinn erarbeitet wurden? Der Kunst soll hier eine besondere Bedeutung zukommen, da sie über Strategien der Bildererzählung und des Bildwissens verfügt. Zunehmend verlässt sie ihre bisherige Komfortzone durch gemeinschaftsorientierte Forschung und Produktion und zieht weitere Kreise in der Stadtgesellschaft.
KREISE ZIEHEN - Teil 2
Renaud Epstein (FR)
Stadtteilforum IDEE 01239 (DE, Dresden-Prohlis)
mit Ulf Aminde, Torsten Birne, Margit Czenki, Thilo Fröbel, Andreas Fohr, Eva Hertzsch und Adam Page, Matthew Houlding, Felix Liebig
Im zweiten Teil der Ausstellungsreihe werden die Bildsammlungen französischer Stadtrand-Großsiedlungen des Soziologen Renaud Epstein und künstlerische Arbeiten des von Anwohner_innen und Künstler_innen geführten Stadtteilforums IDEE 01239 in der Großsiedlung Dresden-Prohlis gezeigt.
Renaud Epstein besitzt ein umfangreiches Archiv an historischen Postkartenansichten französischer Stadtrand-Großsiedlungen, den sogenannten »Banlieues«. Im Kurznachrichtendienst Twitter sendet er unter dem Namen @renaud_epstein Tag für Tag einen dieser Schätze in alle Welt.
»Die Zirkulation dieser Bilder in den sozialen Netzwerken, in dem Moment, in dem man die Siedlungen aus dem urbanen Raum physisch ausradieren will, leistet Erinnerungsarbeit und führt eine historische Perspektive in die ständig wiederkehrenden Debatten über die Quartiere ein – Quartiere, die man oft zu Unrecht als ›Ghettos‹ präsentiert.« (R. Epstein)
Nun wird ein Teil der Sammlung Epsteins erstmals außerhalb des Internets präsentiert. Ausgestellt in der station urbaner kulturen lädt sie dazu ein, Hellersdorf in einem internationalen Zusammenhang zu denken.
Im Jahr 2006 gründeten Anwohner_innen gemeinsam mit den Künstler_innen Eva Hertzsch und Adam Page in einem ehemaligen Getränkeladen der am Stadtrand gelegenen Großsiedlung Dresden-Prohlis den Verein IDEE 01239. Unter der Bezeichnung »Stadtteilforum« gestaltete der Verein Ausstellungen, Diskussionsveranstaltungen, Workshops und Interventionen im öffentlichen Raum. Die Beteiligten schafften damit ihre eigenen Produktionsbedingungen und ein gemeinsames Arbeitsmodell als Alternative zum Regelwerk des zweiten Arbeitsmarktes der Agenda 2010. Gemeinsame Motivation waren die Bearbeitung der eigenen gesellschaftlichen und wirtschaftlichen Prekarität und die Schaffung neuer Räume, jenseits der durch Stadtmarketing und fortschreitender Kommerzialisierung besetzten Innenstadt.
Der Rückblick auf den Verein IDEE 01239 und seine Beschäftigung mit der Produktion von Bildern aus der Peripherie öffnet einen Raum der Reflexion zur Rolle der Kunst in der Gesellschaft und zur Aufgabe der nGbK in Hellersdorf.
initiative urbane kulturen:
Feben Amara, Jochen Becker, Christian Hanussek, Eva Hertzsch, Adam Page
Kuratorische Unterstützung: Oliver Pohlisch, Birgit Schlieps
Mit dem Objektlabor wird die Humboldt-Universität 2019 eine innovative Forschungseinrichtung in Betrieb nehmen, mit der unterschiedlichste materielle Dinge und Sammlungen interdisziplinär und angewandt untersucht werden können. Besucher_innen des Tieranatomisches Theaters können bereits einen ersten Blick auf dieses Projekt werfen und Wissenschaftler_innen und Künstler_innen des Exzellenzclusters »Bild Wissen Gestaltung« bei der Arbeit über die Schulter schauen und mit ihnen ins Gespräch kommen. Im Temporären Objektlabor wird ab Oktober an Objekten der Sammlungen der Humboldt-Universität zu Berlin und des Museums für Naturkunde öffentlich geforscht.
Stellen Gesteine und Mineralien ‚steinerne Argumente‘ für die Entstehung der Erde dar? Im sogenannten Basaltstreit, vergleichbar mit der Kopernikanischen Wende, debattierten Gelehrte der Goethezeit diese Frage. Heute erforscht die Historikerin Angela Strauß die Mineralien- und Gesteinssammlung des Arztes und Mineralogen Carl Wilhelm Nose (1753–1835) aus der mineralogisch-petrographischen Sammlung des Museums für Naturkunde.
In der sogenannten Tatbestandsdiagnostik wurde zwischen den Weltkriegen unter Psychologen, Kriminologen und Juristen verhandelt, inwiefern die Bewertungen von Zeugen- und Verhöraussagen technisch realisierbar und damit objektivierbar sind und wie sie letztendlich die Entscheidung zwischen Lüge und Wahrheit beeinflussen. Denn mit der Technisierung der Aussagen geht ein Bedeutungsverlust menschlicher Entscheider, wie die des Richters, in einem Strafprozess einher. Im Temporären Objektlabor baut der Medienwissenschaftler Sebastian Döring historische Versuche zur Tatbestandsdiagnostik auf.
Der Künstler Oliver Thie nutzt zeichnerische Praktiken, um mit den Dingen in Dialog zu treten. Steine aus der Sammlung des Naturkundemuseums unterzieht er einer intensiven Analyse, um sie bildnerisch mit den historischen Fundberichten des Sammlers ins Verhältnis zu setzen. Indem er Materialien einsetzt, die auch auf den ‚Selbstschreibern‘ zur Tatbestandsdiagnostik genutzt wurden, versucht er die Perspektiven und Projekte der Wissenschaftler_innen medial zu verknüpfen.
In der Tradition der Kulturtechnikforschung im Hermann von Helmholtz-Zentrum für Kulturtechnik versuchen die wissenschaftlichen Mitarbeiter_innen im Temporären Objektlabor ein Problembewusstsein für den Zwischenraum der Übersetzung zwischen Wahrnehmung und Projektion zu schaffen. Im Temporären Objektlabor werden neben der Projektarbeit, begleitenden Vorlesungen und Seminaren weitere Veranstaltungen stattfinden wie Workshops und öffentliche Restaurierungen.
Teilnehmende Wissenschaftler_innen:
Angela Strauß erforscht seit 2018 Objekt-Geschichten und deren politische Relevanz, nachdem sie ihre Dissertation zum Wandel des Amts- und Religionsverständnisses der preußischen Feldprediger im 18. Jahrhundert abgeschlossen hat. Während ihrer Promotionszeit war sie 2011/12 Stipendiatin des Leibniz-Instituts für Europäische Geschichte in Mainz; 2014/15 war sie Volontärin am Deutschen Historischen Museum in Berlin. Ihr Studium der Geschichtswissenschaft, Kunstgeschichte und Religionswissenschaften absolvierte sie an der Universität Potsdam und der Freien Universität Berlin.
Sebastian Döring studierte Kultur- und Medienwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin. Seit 2007 bringt er Medien auf die Bühne des Medientheaters. Von 2009 bis 2012 war er Kurator des Medienarchäologischen Fundus’ der Humboldt-Universität zu Berlin. Von 2012 bis 2015 konzipierte er mit Jan-Peter E.R. Sonntag das »conceptual art project apparatus operandi«. Seit 2013 ist er Herausgeber für die Schaltungen in der Edition »Friedrich Kittlers Gesammelte Schriften« (Arbeitstitel).
Oliver Thie zeichnet, um das Sichtbare erkennbar zu machen. 2012 hat er an der Kunsthochschule Berlin Weißensee ein Diplom abgelegt und dafür Phänomene beim Betrachten von Bewegungen untersucht. Seitdem erforscht er in Kooperationsprojekten mit Wissenschaftler_innen die Relevanz der Handzeichnung als Erkenntniswerkzeug und nutzt sie als visuelle Ausdrucksweise, die einen interdisziplinären Austausch möglich macht. Von 2014 bis 2016 hat er in einem öffentlichen Zeichenlabor am Berliner Museum für Naturkunde Mikrostrukturen auf der hawaiianischen Höhlenzikade erforscht. 2016 hat er eine biologische Expedition durch die USA begleitet und das Sozialverhalten von Blattläusen studiert.
2018 - »Plakat politisch machen«
Schwerpunkt der diesjährigen Ausschreibung »Plakat politisch machen« war die Verbindung zwischen Berlin-Hellersdorf als Außenbezirk und dem Alexanderplatz als Sinnbild urbaner Zentralität und gleichzeitig traditionellem Austragungsort des Wettbewerbs. Unter dem Motto »Recht auf Stadt« thematisieren die künstlerischen Arbeiten das Verhältnis von Stadtpolitik und Teilhabe: Wer ist Stadt und wem gehört sie?
Der zweite Teil der Ausstellung wird in der station urbaner kulturen in Berlin-Hellersdorf gezeigt.
Künstler_innen 2018:
Mio Okido, Sven Johne (ab 27. September), Stephan Kurr, mark, Felix Pestemer & GloReiche Nachbarschaft (ab 16. November)
nGbK-Projektgruppe 'Kunst im Untergrund 2018': Feben Amara, Jochen Becker, Eva Hertzsch, Constanze Musterer, Adam Page
2018 - »Plakat politisch machen«
Schwerpunkt der diesjährigen Ausschreibung »Plakat politisch machen« war die Verbindung zwischen Berlin-Hellersdorf als Außenbezirk und dem Alexanderplatz als Sinnbild urbaner Zentralität und gleichzeitig traditionellem Austragungsort des Wettbewerbs. Unter dem Motto »Recht auf Stadt« thematisieren die künstlerischen Arbeiten das Verhältnis von Stadtpolitik und Teilhabe: Wer ist Stadt und wem gehört sie?
Künstler_innen 2018:
Mio Okido, Sven Johne (ab 27. September), Lars Preisser, Katharina Sieverding (ab 29. November)
nGbK-Projektgruppe 'Kunst im Untergrund 2018': Feben Amara, Jochen Becker, Eva Hertzsch, Constanze Musterer, Adam Page
Auf Basis digitaler Codes führt ein Bot automatisiert repetitive Tätigkeiten aus. Bots erleichtern, ergänzen oder ersetzen menschliche Handlungs- und Arbeitsschritte und prägen virtuelle wie analoge Strukturen. “The Influencing Machine” geht der Unsichtbarkeit und scheinbaren Normalität dieser Prägungen nach. Die Ausstellung vereint künstlerische Positionen und Recherchen zu sozio-politischen und ökonomischen Realitäten „menschlicher“ Arbeit. Als visueller Essay werden die Bedingungen digitaler Einflussnahme und daraus hervorgehende Abhängigkeiten, Asymmetrien und Verwerfungen untersucht.
nGbK Projektgruppe: Vladimir ?ajkovac, Kristina Kramer, Bettina Lehmann, Sophie MacPherson, Tahani Nadim, Cornelia Wagner
Seit Jahren sammelt das Deutsche Historische Museum Weihnachtsbaumschmuck, zuletzt erwarb es einen modern und international ausgerichteten Teilbestand der Sammlung Stille aus Frankfurt am Main. Dass diese Objekte der Alltagskultur weitaus mehr als banal und schön sind, zeigt die Intervention in der Dauerausstellung: Der geschmückte Lichterbaum wurde zum Beispiel im NS-Staat politisch vereinnahmt und in der Bundesrepublik der 1960er/1970er Jahre in mancher Familie als Teil des weihnachtlichen Zeremoniells kontrovers diskutiert. Neben wirtschafts-, technik- und bildungsgeschichtlichen Aspekten zeigt die Präsentation Design und regt zu einer weltweiten Entdeckungsreise an. Denn der Schmuck des „deutschen Weihnachtsbaums“ ist international geworden: Tourismus, Internet, die Migrationen von Menschen und ihrer Kultur haben ihn.
Was verbindet ein Barockschloss mit einem Schiffsheck? Die Sonderausstellung »Architectura navalis – Schwimmender Barock« macht es deutlich. Die Ausstellung nimmt die Wechselwirkung von Landarchitektur und Schiffsheckarchitektur im Barock und ihren Einfluss auf die Leitmotive des Rokoko in den Blick. Zentrale Themen sind die Entwicklung der Schiffe von zweckmäßigen Wasser-fahrzeugen zu schwimmender Herrschafts-architektur, die Wirkung der geometrischen Prinzipien des Schiffbaus auf die architektonischen Elemente und die Übernahme von Dekormotiven der Schiffe in die Interieurs des Rokoko. Auf 250 Quadratmetern werden hochwertige Schiffsmodelle, Schiffszeichnungen und Architekturfragmente präsentiert.
Zur Ausstellung erscheint im be.bra Verlag der Begleitband »Schwimmender Barock. Das Schiff als Repräsentationsobjekt«.
Forschungskooperation mit der RWTH Aachen.
Grauschleier und Kohlegeruch sind Geschichte, Friedrichshain-Kreuzberg ist hip, bunt und die Entwicklung von mehr als zwei Dekaden ist so rasant wie herausfordernd. Ein Grund, erstmalig neue Fotografien von 8 Fotokünstler*innen aus beiden Bezirksteilen zu präsentieren, die die sozialen, städtebaulichen und politischen Veränderungen eines urbanen Lebensraumes dokumentieren, der schon seit den 70er-Jahren mystische Strahlkraft besitzt. Vom Armenhaus Berlins zum schicken, attraktiven und teuren Szene-Bezirk, von Schmuddelkiezen zu Partymeilen, von Politparolen und Kunst am Bau zu Street Art und Werbebannern, von Happenings und Gewaltdemos zu Wutdemos und Spaßparaden, von versteckten homosexuellen Treffpunkten zur offenen selbstbewussten Queer-Community, vom Sterben der Eckkneipen und der Geburt von Cocktail-Bars. Im Mittelpunkt stehen die Menschen, die diesen Stadtraum mit ihrem Leben füllen, das oft ein fantasievoller Kampf ums Überleben ist.
Circa 80 Fotografien, analog & digital, schwarzweiß und farbig. Kein Material für Stadtmarketing. Ungeschönt.
Mit Fotografien von Heiner Bernd, Siebrand Rehberg, Michael Sauer, Nanette Fleig, Ann-Christine Jansson, Ursula Kamischke, Ellen Röhner und Florian Günther.
Im Rahmen des EMOP Berlin -
European Month of Photography 2018
Die Entwicklung des Schwertzierrates insbesondere des Schwerstichblattes, dem sogenannten tsuba, ging mit der Entwicklung des japanischen Schwertes während des Zeitalters der Samurai einher.
Die frühen Klingen sowie die Schwertzierrate wurden im Hinblick auf ihre Funktionalität und den gegenwärtigen Kriegsmethoden entsprechend gefertigt. Ab dem 14. Jahrhundert spezialisierten sich fortgehend Kunsthandwerker allein auf das Fertigen von Schwertstichblättern und Zierrat, die in Städten und Provinzen eigene Schulen gründeten. Die tsuba dieser Schule zeichnen sich durch einen eigenen Stil sowie regionale Besonderheiten aus. Mit der Friedensperiode während der Edo-Zeit (1615-1868) entwickelte sich die Schwertmontierung zum Statussymbol der Kriegerkaste. Die Schwertzierrate dieser Epoche bestechen durch technische Perfektion und durch die Verwendung von kostspieligem Material; bestehend u. a. aus Gold-Kupferlegierungen und Einlagen von Weichmetallen.
Gezeigt wird ein breites Spektrum an Schwertzierrat vom 14. bis zum 19. Jahrhundert. Darunter fallen tsuba-Schulen aus verschiedenen Städten und Provinzen, wie Nara, Ky?to, Mino oder Owari aber auch Meisterwerke der Schulen Hirata, S?ten, Tetsugend? oder Ishiguro.
Das Georg Kolbe Museum widmet seine diesjährige Herbstausstellung den zarten Männern in der Skulptur der Moderne mit rund 60 Plastiken u. a. von Adolf von Hildebrand, George Minne, Hermann Blumenthal, Wilhelm Lehmbruck, Georg Kolbe und Gerhard Marcks. Die Ausstellung findet zum Gedenken an die Errungenschaften der ersten deutschen Republik vor 100 Jahren anlässlich des Themenwinters 2018 statt.
In auffallender Vielzahl bearbeiteten die Bildhauer seit der Jahrhundertwende den Topos des unversehrten, aber verletzlichen Jünglings. Die Konzeption eines empfindsamen männlichen Körperideals erscheint als bewusste Gegenbewegung zu den heroisch-starken Männerbildern der Zeit. Ihre demonstrative Wehrlosigkeit steht in innerem Widerspruch zur Brutalität der äußeren Wirklichkeit.
In einem Umfeld des kriegerisch-militanten Selbstbewusstseins der späten Kaiserzeit und noch junger Demokratiebewegungen suchten die vorwiegend männlichen Künstler nach Verfeinerung von Körper und Geist. Der Kult um die Jugend, der sowohl in militanten wie in pazifistischen Kreisen in der Zeit um 1900 blühte, beflügelte dieses Ideal des zarten Mannes. In den literarischen Figuren von Thomas Mann, Rainer Maria Rilke und Georg Trakl oder im Kreis um Stefan George finden sich in der Literatur zahlreiche Parallelen zu diesen ungewöhnlich sanften Männerbildern.
Bereits im späten 18. Jahrhundert kam es mit der Klassik zu einer Rückbesinnung auf die Antike und die Plastik der Renaissance. Bildnisse von Amor, Narziss, Pygmalion oder Ganymed als zarte Jünglingsfiguren erfreuten sich großer Beliebtheit in öffentlichen und vor allem auch privaten Skulpturensammlungen. Die moderne Skulptur löste sich jedoch von solchen narrativen Zusammenhängen und bot offener als zuvor Menschenleiber, die von einem inneren, wie äußeren Begehren durchdrungen sind. Das Entstehen eines bürgerlichen Kunstmarktes und die damit einhergehende neue Rolle der Künstler trug einer Pluralität der modernen Gesellschaft Rechnung, die sich auch in den gewählten Themen niederschlug. Die zarten Männer von Hildebrand, Minne und vielen ihrer Zeitgenossen versinnbildlichen ein Erwachen, begegnen jedoch ebenso einem virulenten Zweifel an ihrer Zeit. Georg Kolbes Denkmalsentwürfe zum Ersten Weltkrieg zeigen nicht Krieg und Verwüstung, prangern nicht das Elend an, sondern würdigen die in der Realität oftmals noch fast jugendlichen Opfer und bieten ihren trauernden Familien Andachtsbilder von überirdischer Schönheit. Lehmbrucks „Gestürzter“ von 1915/16 markiert in vielfacher Hinsicht einen Wendepunkt in der Körperauffassung moderner Skulptur – darüber hinaus jedoch auch in ihrer Haltung zu den Umständen der Zeit, in deren Kontext sie gesehen werden muss. Danach erscheint die schönlinige Darstellung des unversehrten Körpers angesichts der Zeitumstände mindestens weltabgewandt, wenn nicht sogar anachronistisch oder reaktionär. Mit Werken von Herrmann Blumenthal, Joachim Karsch, Gerhard Marcks oder Renée Sintenis formierte sich jedoch eine neuere Bildhauerei, die das Verletzliche, teils innerlich wie äußerlich Verletzte, in ihren sanften Körperkonzeptionen mitdenkt. Erschütternd sind die Beispiele aus der Zeit des Zweiten Weltkrieges, in der die geforderte Weltordnung endgültig keinen Platz mehr für die Zögerlichen, die Zaudernden und die Zweifler vorsah.
Die Ausstellung umfasst Werke von Bildhauern aus drei Generationen. Die darin vermittelten Männerbilder stehen teils in herbem Widerspruch zur äußeren Wirklichkeit und ihrer kanonisierten Geschichtsschreibung, gleichzeitig zeigen sie die Vielfalt moderner Geschlechterrollen, die Ausdruck einer bis heute aktuellen Emanzipationsgeschichte sind.
Seit Ende des 19. Jahrhunderts wurden auf dem Tempelhofer Feld Fluggeräte erprobt und spektakuläre Flugversuche unternommen. Ab 1923 verband ein auf dem Gelände errichteter Flughafen Berlin über den Luftweg mit vielen Städten Europas. Während der Zeit des Nationalsozialismus war das Tempelhofer Feld Bühne für Propagandaveranstaltungen. Am Rande des Areals betrieb die SS eines der ersten Konzentrationslager. 1936 begann der Bau eines neuen Flughafengebäudes, damals eines der größten weltweit. Im Zweiten Weltkrieg wurden auf dem Flughafengelände Kampfflugzeuge produziert und repariert. Frauen und Männer aus ganz Europa mussten hier Zwangsarbeit leisten. Im Kalten Krieg diente der Flughafen Tempelhof als US-amerikanischer Luftwaffenstützpunkt. Zugleich war er für West-Berlin ein „Tor zur freien Welt”. Heute ist das ehemalige Flughafengelände mitten in der Stadt ein beliebtes Naherholungsgebiet und ein Anziehungspunkt für Besucherinnen und Besucher aus aller Welt.
Von der wechselhaften Geschichte des Flughafens Tempelhof handelt diese Ausstellung. Sie rückt die Zeit des Nationalsozialismus in den Mittelpunkt, erzählt aber auch von der Vorgeschichte und der Entwicklung des Flughafengeländes bis in die Gegenwart.
Die Ausstellung wurde im Rahmen des Europäischen Kulturerbejahres 2018 von der Stiftung Topographie des Terrors erarbeitet.
Eine ungewöhnliche Sonderausstellung zeigt Zeichnungen und Karikaturen eines französischen Zwangsarbeiters, die er während seiner Dienstverpflichtung in den Jahren 1943 bis 1945 in der Steiermark anfertigte. Der junge französische Künstler Philibert-Charrin (1920–2007) wurde 1943, im Alter von 23 Jahren, vom Vichy-Regime zur Zwangsarbeit in das Deutsche Reich verpflichtet. Es folgte ein Einsatz als Erdarbeiter in der Steiermark, in der Nähe von Graz.
Charrin war ein begabter Zeichner und Karikaturist, der schon in jungen Jahren politische Karikaturen anfertigte. Mit Blick für die Eigenheiten der Menschen, mit spitzer Feder und einer großen Portion Humor hielt er in seinem Skizzenblock die Lebenswelt der Zwangsarbeiter fest und karikierte die österreichischen Vorarbeiter. Eine Besonderheit in seinen Zeichnungen ist das Strichmännchen „Fifi“, sein Alter Ego, als beobachtender Kommentator in den Zeichnungen.
Kurz nach Ende des Zweiten Weltkriegs wurden seine Zeichnungen ausgestellt und publiziert. Als französischer Künstler erlangte er in den Folgejahren mit seinen Gemälden und Collagen großes Ansehen. Für seine Karikaturen als Zwangsarbeiter interessierte sich aber niemand mehr. Er selbst verschloss diesen Lebensabschnitt in sich – bis kurz vor seinem Tod. Nun, nach mehr als 70 Jahren, wird dieser einzigartige Schatz – wieder der Öffentlichkeit präsentiert: über 80 Karikaturen, Zeichnungen und Plakate, ergänzt um Originaldokumente aus seinem Nachlass.
Das Jahr 1938 stellt einen Scheitelpunkt in der nationalsozialistischen Terrorherrschaft seit 1933 dar: Mit dem »Anschluss« Österreichs im März und der Zerschlagung der Tschechoslowakei ab Herbst beginnt das Deutsche Reich, die infolge des Ersten Weltkrieges festgelegte Grenzordnung zu zerstören. Die »Aktion Arbeitsscheu Reich« im Sommer, die Abschiebung tausender polnischer Juden im Oktober und die staatlich organisierte Gewalt um den 9. November 1938 markieren eine neue Stufe der nationalsozialistischen Politik gegen Juden und Menschen, die nicht zur sogenannten Volksgemeinschaft gehören sollten.
Die Ausstellung der Ständigen Konferenz der Leiter der NS-Gedenkorte im Berliner Raum widmet sich auf 14 Tafeln den einschneidenden Geschehnissen des Jahres 1938, den Opfern sowie der damit verbundenen Erinnerungskultur. Die begleitende Broschüre ist kostenlos auf Deutsch und Englisch in den Institutionen der Ständigen Konferenz erhältlich.
Wie wird ein Kunstwerk populär? Wo wurde es zum ersten Mal ausgestellt? Wer waren die Eigentümer? Und unter welchen Umständen hat es seine Besitzer gewechselt?
In den letzten Jahren rückte die Frage nach der Geschichte und Herkunft von Kunstwerken verstärkt ins Bewusstsein der Öffentlichkeit. Das Interesse an Vorbesitzern, Ausstellungsgeschichte und Provenienz, insbesondere in den Jahren 1933-1945, ist stark gewachsen. Provenienzen und die Geschichte von Kunstwerken nicht nur zu erforschen, sondern auch öffentlich zu präsentieren, gehört daher selbstverständlich zu den Aufgaben der Museen.
Zum Abschluss eines dreijährigen Provenienzforschungs-Projektes erzählt die Ausstellung „Biografien der Bilder“ bislang unbekannte Biografien ausgestellter Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen u. a. von Picasso, Paul Klee, Henri Matisse und George Braque. Die Ausstellung gliedert sich in fünf thematische Kapitel:
Kunsthändler und SammlerDer NS-Kunstraub in Frankreich: Alphonse Kann und Paul RosenbergDaniel-Henry KahnweilerPicassos UmfeldPaul Klee in den USA
Objektbiografien zu ausgewählten Kunstwerken veranschaulichen die einzelnen Themengebiete. Die wissenschaftliche Arbeit des Provenienzforschers wird u.a. über die Präsentation von Rückseiten der Werke mit den Hinweisen zur Provenienz demonstriert und sämtliche erforschte Kunstwerke erhalten Objektschilder mit Provenienzketten. Im Fokus der Ausstellung stehen die Provenienz der Kunstwerke und ihre Besitzergeschichte vor 1945.
Installation „La loi normale des erreurs/Projet Picasso“ von Raphaël Denis
Darüber hinaus widmet sich die zeitgenössische Installation „La loi normale des erreurs/Projet Picasso, version Berggruen“ des französischen Künstlers Raphaël Denis (*1979) als Teil der Ausstellung den Enteignungen von Kunstwerken durch den Einsatzstab Reichsleiter Rosenberg, Hauptakteur des nationalsozialistischen Kunstraubs im besetzten Frankreich. In die Installation sind Werke aus dem Bestand des Museum Berggruen integriert, die von den Beschlagnahmungen des ERR betroffen waren und nach Kriegsende restituiert wurden, wie z. B. Picassos „Sitzender Akt, sich den Fuß trocknend“ von 1921. Denis‘ Werk steht für die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Provenienz und Raubkunst. Die Kombination wissenschaftlicher Forschungsergebnisse mit einer künstlerischen Installation ist ein neuartiger Ansatz, den die Ausstellung verfolgt.
Provenienzforschungs-Projekt
Die wissenschaftlichen Grundlagen für die Ausstellung wurden im Rahmen eines vom Deutschen Zentrum Kulturgutverluste geförderten Projektes zur Erforschung der Provenienzen geschaffen. In den 20 Jahren seit Verabschiedung der Washingtoner Prinzipien haben die Museen zunehmend ihre Verantwortung wahrgenommen, ihre Bestände auf NS-Raubkunst zu prüfen. Die Stiftung Preußischer Kulturbesitz hat einige systematische Provenienzforschungsprojekte angestoßen und zahlreiche Einzelfälle geprüft. Über 350 Kunstwerke und mehr als 1000 Bücher konnten so an die rechtmäßigen Eigentümer restituiert werden.
Publikation zur Ausstellung
Zu der Ausstellung erscheint eine Publikation, die den Bestandskatalog des Museum Berggruen u. a. durch die im Projekt ermittelten Vorbesitzer und Besitzzeiträume ergänzt. Essays und Biografien zu ausgewählten Werken veranschaulichen die Geschichte der Privatsammlung von Heinz Berggruen, verweisen auf Vorbesitzer und führen in die Komplexität der Provenienzen und ihrer Erforschung ein. Abbildungen der Werke, Rückseitenfotos, historische Aufnahmen, Porträts der Sammler und Händler, ein Verzeichnis der untersuchten Kunstwerke mit ausführlichen Provenienzangaben und ein Glossar zu den erwähnten Personen runden den Band ab.
Die Ausstellung ist eine Kooperation der Nationalgalerie und des Zentralarchivs der Staatlichen Museen zu Berlin.
Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS (3)
Im Museum im Herrenhaus präsentiert die Domäne Dahlem 2018 als dreiteilige Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS. Die Künstlerinnen und Künstler setzen sich mittels unterschiedlicher Techniken und Materialien mit den Themen Natur, Ökologie und Urbanität auseinander. Dabei geht es insbesondere um die heutige Beziehung zwischen Mensch und (Nutz-) Tier und das Spannungsverhältnis zwischen Stadt und Land. Die gezeigten Malereien, Grafiken, Fotografien, Videos und Installationen sind zum Teil poetische und sehr persönliche Werke, die uns auf eine visuelle Suche mitnehmen und dabei die Sehnsucht nach Alternativen und Orten der Freiheit wecken …
Als Abschluss der Reihe KUNST IM HERRENHAUS zeigt die Berliner Bildende Künstlerin Theresa Beitl in Kooperation mit dem KunstHaus Potsdam e.V. einen Querschnitt durch ihr künstlerisches Schaffen der vergangenen fünfzehn Jahre. Zu sehen sind Porträts und Ansichten von Kühen, einem in der Kunst eher ungewöhnlichen Sujet.
Von großformatigen Gemälden in der Anmutung sakraler Tafelbilder aus der Reihe "Caput Bovis" über individuelle Tierporträts bis hin zu feinen Tuschezeichungen, in denen die Gesamtphysiologie der Tiere sichtbar wird, findet die Künstlerin immer neue künstlerische Ausdrucksformen innerhalb eines gleichen Themas. Mit ihrer gekonnten, expressiven Malerei überführt sie dabei das Porträt als künstlerisches Genre in eine neue Dimension und setzt dem Tier als Individuum ein Denkmal. Theresa Beitl ist jedoch keine Malerin einer heilen Welt, vielmehr lassen ihre Bilder das Tiefgründige, Geheimnisvolle, aber auch das Aggressive, Animalische erahnen und verweisen so auf Ebenen jenseits der sichtbaren Wirklichkeit.
Hijra Fantastik ist eine Nachforschung zu einem nicht biologisch definierten Weiblichen und setzt sich auf künstlerische Weise mit der widersprüchlichen Hijra-Identität als Frau und als drittes Geschlecht auseinander: eine Vorstellung, die auch als Struktur einer lesbischen Identität probiert werden kann. Als ein Beitrag zum Jahr der Frau_en im Schwulen Museum nimmt sich die Ausstellung Hijra Fantastik dieser Überlegung an.
Die FLT*I* BDSM Community ist lustig, laut, offen, warmherzig und zugewandt. Sie ist auch versaut, direkt, unverblümt und heftig. Es geht zur Sache und zwar sehr, denn was eine*r will, wird klar benannt und einvernehmlich umgesetzt. Als erste Ausstellung in Deutschland und vielleicht sogar in Europa widmet sich PROUDLY PERVERTED – ein Blick in die FrauenLesbenTrans*Inter* BDSM Community dieser international vernetzten Szene.
Die Ausstellung ist nur für Besucher*innen ab 18 zugänglich.
Zehn Steingutfabriken der Familie Carstens (insbesondere die der Brüder Christian und Ernst Carstens) waren in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts über ganz Deutschland verteilt.
Darüber hinaus betrieb man einige Porzellanfabriken, in denen neben Haushaltswaren auch moderne Luxusartikel hergestellt wurden.
Große Mengen an Gebrauchs- und Zierkeramik wurden auch in das europäische Ausland und nach Übersee exportiert. Man unterhielt Musterlager in New York und in London.
In unserer Ausstellung präsentieren wir eine Auswahl an typischen Stücken der diversen Produktionsstätten.
Hauptaugenmerk wird auf die moderne Steingut- und Fayenceproduktion der 1920er und 30er Jahre gelegt. Namhafte Künstler wurden engagiert um Entwürfe und Objekte zu fertigen. Darunter Eva Zeisel, Hildegard Delius oder Siegfried Möller, der sogar nacheinander in verschiedenen Betrieben der Familie Carstens eingesetzt wurde und u.a. ganz besondere Fayencen schufen.
Die großen Steingutfabriken befanden sich in Elmshorn, Hirschau/Opf., Rheinsberg, Rathenow, Magdeburg, Neuhaldensleben, Georgenthal und Gräfenroda.
Porzellanfabriken waren u.a. in Sorau, Zeven, Reichenbach, Blankenhain und Lübeck ansässig.
Gezeigt werden rund 150 Gefäße und Objekte des seinerzeit nach Villeroy & Boch zweitgrößten deutschen Firmenverbundes in der Keramik.
Die meisten Exponate stammen aus der Sammlung des KMB und werden durch Objekte privater Leihgeber ergänzt.
Am letzten Tag der Berlin Art Week wird im Kunsthaus Dahlem eine Installation der Bernhard-Heiliger-Stipendiatin Emma Adler präsentiert. Die Arbeit »Δ/δ (delta/delta) ll«, eine multimediale Installation, untersucht u.a. Verschwörungstheorien und die damit einhergehende Frage nach verschiedenen Realitätsebenen. Emma Adler beschäftigt sich mit den unterschiedlichen Nuancen des Fakes; die immer auch die Frage des Glaubens und des (genauen Hin-)Schauens provozieren.
Hasan Aksayg?n, Göksu Baysal, Annagul Beschareti, Kim Bode, Rüzgâr Bus?ki, Miriam Döring, Una Hepburn, Can Kurucu, Estefanía Landesmann, Esra Nagel
?Sie alle haben eine Leidenschaft für das, was Jeffrey Schnapp Uglossia ('Nicht-Sprache', nach Utopie: 'Nicht-Ort') nennt. Umberto Eco nennt es 'technischen Wahnsinn' oder Glottomanie. Die Linguistin Marina Yaguello nennt die Erfinder neuer Sprachen in ihrem gleichnamigen Buch Les Fous du langage 'Sprachverrückte'.? Quelle
Die 10. Ausgabe der ?Seen By?-Serie generiert eine Ausstellungsstruktur mit 10 künstlerischen Positionen. Die Ausstellung conlang konzentriert sich dabei auf die singulare/pluralen Artikulation/en der Gegenwart des Publikums, auf künstlerische Formen erfundener Sprachen und auf Conlang als Metapher.
Ausgangspunkt von conlang war ein offener Aufruf für Kunststudenten der Universität der Künste (UdK) mit dem Ziel, gemeinsam eine Grammatik und ein Diskussionsvokabular für eine Ausstellung zu entwickeln. In diesem Prozess konzentrierte sich conlang hauptsächlich auf konstruierte, künstliche, geplante, erfundene und fiktive Sprachen unter Einschluss einiger praktischer Kategorisierungen wie Hilfssprachen, künstlerische Sprachen und die Einteilung anhand linguistischer Faktoren sowie apriorische und aposteriorische Sprachen. Die teilnehmenden Künstler*innen wurden gebeten, die folgenden drei Fragen kritisch zu reflektieren. Die Antworten der Teilnehmer*innen werden im Rahmen der Eröffnungsveranstaltung veröffentlicht.
- Wie würdest du deine künstlerische Praxis mit jedweder Form der Kommunikation, des Ausdrucks, des Schreibens oder der Codierung in Bezug auf die biografischen, kulturellen, expressiven und politischen Aspekte deiner Arbeit in Verbindung bringen?
- Was ist dein Publikum? Wen stellst du dir als potenziellen Betrachter deiner Arbeit vor? An wen richtest du dich, wenn du in der Form / im Kontext der Kunst sprichst?
- Was ist Sprache für dich? Welche Sprachen kannst du sprechen? Auf philosophischer Ebene oder metaphorisch gefragt: Würdest du die Konstruktion von Sprache mit dem Prozess des Konzeptualisierens, Abstrahierens oder Generierens eines Kunstwerks in Verbindung bringen?
conlang (Seen By #10) wird von Misal Adnan Y?ld?z kuratiert und ist konzeptionell mit seinem laufenden kuratorischen Forschungsprojekt Mutterzunge, einem unabhängigen Programm in Berlin, verknüpft: www.mutterzunge.org.
- Die Conlang-Flagge ist ein Symbol für Liebhaber konstruierter Sprachen. Sie zeigt eine Zikkurat oder terrassierten Turm (stellvertretend für den Turm zu Babel) vor einer aufgehenden Sonne (für Conlanger ist das Übersetzen von 1. Mose 11: 1-9 Tradition). Die Flagge wurde von den Mitgliedern der CONLANG-Mailingliste im September 2004 ausgewählt. Das endgültige Design stammt von Christian Thalmann und enthält Anregungen von vielen Leuten wie Christian Thalmann, Jan van Steenbergen, Leland Paul, David J. Peterson und Adrian Morgan. Diese SVG-Datei ist eine Vektorisierung basierend auf Christian Thalmanns Original-Artwork bei Index of / art / conflag / final (www.cinga.ch von Christian Thalmann), Datei: Conlangflag.png und Conlang flag - FrathWiki.
- Laut Website der Language Creation Society wurde sie gemeinfrei veröffentlicht.
- Donaldboozer auf flickr.com (Fall 8: Meet the Conlangers, Mitte): ?Die Idee einer Conlang-Flagge wurde von David J. Peterson am 29. August 2004 in einer Nachricht auf dem CONLANG listserv geteilt. Am nächsten Tag reagierte Adrian Morgan mit den Worten: ?Richtig, es ist Zeit, das ernst zu nehmen?, und reichte eine grobe Skizze ein. Es entstand eine lebhafte Diskussion über das Thema und über zwanzig Entwürfe und Überarbeitungen wurden eingereicht. Die Ergebnisse wurden am 23. September 2004 bekannt gegeben. Das Grundlayout wurde von Leland Paul vorgeschlagen, aber das endgültige Design der Siegerflagge wurde von Christian Thalmann geschaffen. Pauls Beitrag deutet einige der Symbole: ?Vor einem violetten Himmel, der Kreativität bedeutet, erhebt sich eine orangefarbene Sonne. Orange bedeutet Energie, Imagination und Kommunikation. Sie wirft ihr Licht auf eine dunkle, noch nicht gesehene Welt. Als Silhouette steht davor der Turm zu Babel und verkündet die edle Natur der sprachlichen Vielfalt.? Der Turm zu Babel erinnert auch an den allgegenwärtigen Babel-Text, der oft als Übersetzungsübung verwendet wird. Die Conlang-Flagge wurde auf den Language Creation Conferences an prominenter Stelle gezeigt und ist auf zahlreichen Webseiten von Conlagers zu sehen.?
Seen By #10 ist Teil der Ausstellungsreihe Seen By, einer Kooperation zwischen der Kunstbibliothek der Staatlichen Museen zu Berlin und der Universität der Künste Berlin im Museum für Fotografie. Sie hat zum Ziel, kuratorische und künstlerische Strategien im Umgang mit zeitgenössischer Fotografie neu zu denken.
Die Revolution im Winter und Frühjahr 1918/19 entschied sich in den Straßen der Reichshauptstadt Berlin. Mit Demonstrationen vor Reichstag und Schloss feierten die Berlinerinnen und Berliner am 9. November 1918 die Abdankung des Kaisers, im Zeitungsviertel wurden im Januar 1919 aus Druckpapierrollen die Barrikaden der Spartakisten gegen die anrückenden Regierungstruppen errichtet, über die Frankfurter Allee zog nach dem Ende der Kämpfe der große Trauerkondukt zum Friedhof in Friedrichsfelde. Mit dabei waren immer die Pressefotografen, die mit ihren großen Plattenkameras die Redner in der Menge, die Soldaten hinter den Maschinengewehren, die Plakatwagen der Parteien für die Wahlen zur Nationalversammlung sowie die zerstörten Häuser und verwüsteten Plätze aufnahmen. Doch gleichzeitig ging der Alltag in der Stadt weiter, besuchten die Menschen die vielen Kinos mit ihrem expandierendem Filmangebot, amüsierten sich in Revuen und Kabaretts, tanzten Two-Step und Foxtrott. Die Ausstellung im Museum für Fotografie zeigt gleichermaßen eine fotografische Bildgeschichte der Revolution in Berlin wie ein Panorama der Unterhaltungskultur dieser Monate.
In den ersten Tagen der Revolution waren die Gebrüder Otto und Georg Haeckel die wichtigsten Pressefotografen. Als erfahrene Kriegsreporter begleiteten sie reaktionsschnell die spontanen Kundgebungen Unter den Linden und vor dem Schloss. Die Fotografen arbeiteten ohne Auftrag und boten Verlagen wie Mosse oder Ullstein ihre Aufnahmen an. Belege von den Kampfhandlungen selbst gibt es nur wenige. Eher stellten die Fotografen in den Kampfpausen Szenen mit Soldaten mit schussbereiten Waffen oder an den Barrikaden nach. Von Willy Römer sind die meisten Aufnahmen der Revolution in Originalkontaktabzügen überliefert. Eine seiner Fotografien entstand sogar unmittelbar vor seiner eigenen Festnahme durch einen Trupp Spartakisten.
In den Kinos berichteten die Wochenschauen deutschlandweit von den Kundgebungen und Demonstrationen in Berlin, brachten Film-Porträts der Minister der neuen Reichsregierung und zeigten als Beweis für die wieder hergestellte Ordnung Alltagsszenen aus den Straßen der Hauptstadt. Gleichzeitig warben sie für die Nationalversammlung. Aufgrund der längeren Produktionsabläufe boten die Spielfilme im Winter 1918/19 noch keinen Reflex auf die Revolution. Doch ermöglichte die Aufhebung der Zensur die Produktion neuer, gewagter Filme, die sich etwa gegen die strafrechtliche Verfolgung Homosexueller richteten.
Als Reaktion auf das Ende des Krieges und ohne zunächst den Gefahren der Revolutionskämpfe Rechnung zu tragen, herrschte im Winter und Frühjahr 1918/19 in Berlin eine beispiellose Vergnügungssucht. Neben Opernhäusern und Sprechtheatern frequentierten die Berlinerinnen und Berliner die populäreren Operetten- und Revuetheater, die Kinos, aber auch Ballhäuser oder Kaschemmen, um dort zu tanzen. Dabei gab es auch Revuen, die tagesaktuell auf Themen wie die Wohnungsnot und die Streiks reagierten. Die Misere der Kriegsinvaliden war gleichfalls ein Sujet der populären Musik. In dem Lied Bein ist Trumpf aus dem Jahr 1919 wird das Schicksal vieler kriegsversehrter Männer angesprochen: der Tanz mit dem Holzbein oder der Prothese im Getriebe eines sich immer weiter drehenden Weltgefüges.
Eine Ausstellung der Kunstbibliothek, gefördert vom Hauptstadtkulturfonds
Kooperationspartner: bpk-Bildagentur und ullstein bild
Am 2. und 3. Oktober 2018 ist die Ausstellung zur Jurysitzung des Bundespreises Ecodesign 2018 im Kulturforum Berlin zu sehen. Die Sonderausstellung präsentiert rund 130 Ecodesign Projekte aus den Bereichen Architektur, Ernährung, Mobilität, Kommunikation und Mode. Darunter befinden sich auch die von der Jury nominierten Einreichungen.
Der Bundespreis Ecodesign wird seit 2012 jährlich vom Bundesumweltministerium und dem Umweltbundesamt in Kooperation mit dem Internationalen Design Zentrum Berlin e.V. ausgelobt.
Öffnungszeiten der Sonderausstellung:
Dienstag, den 2. Oktober 2018, 16 bis 18 Uhr, Führung: 16 Uhr
Mittwoch, den 3. Oktober 2018, 11 bis 13 Uhr sowie 16 bis 18 Uhr, Führungen: 11 und 16 Uhr
Die Ausstellung kann nur im Rahmen einer Führung besucht werden. Der Besuch der Ausstellung und die Führungen sind kostenlos. Anmeldung unter:
https://bundespreis-ecodesign.de/de/calendar
Weitere Informationen gibt es auf der Website des Bundespreises Ecodesign: https://bundespreis-ecodesign.de/
Die Ausstellung THE LONG NOW versammelt in der Lounge des me Collectors Room Berlin 20 aktuelle künstlerische Positionen, in denen unterschiedliche Aspekte von Zeitlichkeit zum Tragen kommen. Diese betreffen unseren Zeitbegriff ebenso wie die Muster der Zeitwahrnehmung und nicht zuletzt die Darstellung von Zeit. Die Zeit erweist sich dabei zusehends als offene Größe, die sich in der subjektiven Erfahrung gänzlich anders zeigt als auf den Zifferblättern unserer Uhren. Polaritäten wie Ruhe und Unruhe, Be- und Entschleunigung, aber auch Augenblicklichkeit, Dauer und Vergänglichkeit werden zu zentralen Kategorien.
Zeit ist etwas, das uns alle sowohl auf konkrete wie elementare Weise betrifft. Ohne einen Begriff von Zeit scheinen unsere Existenz, wie auch die Vorgänge in der Welt um uns herum nicht denkbar. Zugleich stellt die Zeit ein abstraktes und schwer fassbares Phänomen dar, das ForscherInnen und DenkerInnen, wie auch KünstlerInnen seit jeher beschäftigt. Vor dem Hintergrund einer beschleunigten Moderne und einer medial vermittelten globalen Gleichzeitigkeit stellen sich Fragen nach der Zeit umso dringlicher. Was bedeutet uns die Zeit? Was heißt Gegenwart? Wie lange währt das Jetzt?
THE LONG NOW läuft vom 25.03. - 17.06.2018 als zweiteiliges Ausstellungsprojekt im Museum Goch und parallel im Kunstverein Bochum.
Kuratiert von Reinhard Buskies.
KünstlerInnen
Malte Bartsch | Christiane Baumgartner | Roland Boden | Maurits Boettger | Daniel Burkhardt | Mark Formanek | Nikolaus Gansterer | Dafna Gazit | Christoph Girardet | Lukas Grundmann | Timo Klos | Simona Koch | Vera Lossau | Zhenia Couso Martell | Lilla von Puttkamer | Otto Reitsperger | Johanna Reich | Hans-Christian Schink | Katrin Wegemann | Michael John Whelan
Die 1960er- und 1970er-Jahre waren veränderungsstarke Jahrzehnte: Der Weltraum wurde erobert, die Hippie-Bewegung feierte sich in Woodstock, und politische Bewegungen wie der Prager Frühling, die US-Bürgerrechts- und die Studentenbewegung beschleunigten den gesellschaftlichen Wandel. Die Umbruchstimmung hatte auch Auswirkungen auf die Entwicklung des Designs. So bestimmten runde, asymmetrische, dynamische oder futuristische Formen den Zeitgeschmack und das Interieur. Die Formvielfalt der Natur wurde zum Vorbild. In der Architektur entstanden Bauten, die sich an organischen Formen orientierten. Die Künstler/innen der OP-Art nutzten abstrakte Muster, um die Wahrnehmung zu täuschen. Dinge aus einem anderen Blickwinkel zu sehen und damit den Zeitgeist sichtbar zu machen, wurde auch für die Porzellanindustrie zum Leitbild. Man wollte trendbewusste junge Käufer ansprechen. Das schnelle Wirtschaftswachstum ab den fünfziger Jahren in der BRD führte zu neuem Wohlstand, und die bestehende Forderung nach einer Ästhetisierung des Alltagslebens wurde zunehmend Realität.
1961 setzte die Firma Rosenthal mit der studio-linie einen Meilenstein für modernes Porzellan-Design. Der Fabrikant Philip Rosenthal holte internationale Künstler/innen und Designer/innen
in die Produktionsstätte nach Selb. Dieses neuartige Konzept, mit dem Rosenthal US-amerikanischen Vorbildern folgte, sah concept stores vor, in denen auch andere Produktgruppen wie bspw. Gläser, Bestecke, Tischwäsche und Möbel angeboten wurden.
Weitere traditionsreiche Porzellanhersteller in Ost- und Westdeutschland – wie Hutschenreuther, Scherzer, Fürstenberg, Arzberg, Heinrich, Meissen, Wallendorf, Schönwald u.a. – verpflichteten zunehmend Designer/innen wie Margarete Jahny, Hans Achtziger, Ludwig Zepner, Heinrich Löffelhardt, Hans Theo Baumann, Ernst August Sundermann, Björn Wiinblad und Tapio Wirkkala, um nur einige zu nennen.
Parallel dazu wurde in der DDR in den 60er Jahren der sogenannte Formalismusstreit ausgetragen, nachdem Walther Ulbricht anlässlich der V. Deutschen Kunstausstellung in Dresden direkt die Formensprache des Keramikers Hubert Petras kritisiert hatte.
Die Kabinettausstellung „Vornehmlich weiß“ setzt neben einigen Service-Teilen den Schwerpunkt auf Vasen unterschiedlicher Manufakturen. Nach dem Rosenthalschen Motto „Mehr als nur ein Platz für Blumen“ (1977) werden Vasen zu Skulpturen. Anhand der ausgewählten Beispiele möchte die Ausstellung zeigen, welche künstlerischen Strömungen und Designtrends dieser Epoche für deutsches Porzellan prägend waren. Gemäß dem Ausstellungstitel wird der Fokus auf weißes Porzellan mit Reliefdekoren gerichtet, um die Innovationen in der Formgestaltung sichtbar werden zu lassen.
Die meisten Exponate stammen aus der Sammlung von Helga Fröbel, und werden ergänzt durch Objekte privater Leihgeber sowie durch Stücke aus der eigenen Sammlung.
Reprofähiges Bildmaterial auf Anfrage: info@keramik-museum-berlin.de
In der Ausstellung "KunstGenuss" werden Arbeiten in asiatischer Tuschmalerei, Kalligraphie und Aquarelle der Wahlberlinerin Monika Taterra präsentiert. Zu sehen sind Landschaften und zarte florale Motive. Die Künstlerin hat eine Ausbildung in asiatischer Kalligraphie und Tuschmalerei und nahm von 2013 bis 2017 an Ausstellungen im Bundespresseamt im Rahmen der Asien-Pazifikwochen und an der Weltkalligraphie-Biennale 2017 in Südkorea teil. Seit 2014 ist sie Dozentin für Aquarellmalerei an der VHS Havelland in Falkensee und organisiert Gruppenausstellungen für ihre Kursteilnehmer.
"KunstGenuss" wird bis zum 25. November 2018 gezeigt.
Das Café im Museum ist geöffnet: Mi, Do, Fr, Sa und So 15-18 Uhr.
In Zeiten von „alternativen Fakten“ wollen wir umweltrelevante Fragen mit der Öffentlichkeit diskutieren. Gemeinsam mit Forschern des Joint Research Centers der Europäischen Kommission und dem Fotokünstler J Henry Fair präsentiert das Museum für Naturkunde eine Ausstellung, die Brücken zwischen Kunst und Wissenschaft schlägt und mit Hilfe unserer Besucher weiter gestaltet wird.
Großformatige Luftaufnahmen zeigen die teilweise katastrophalen Auswirkungen menschlichen Handelns auf die Natur. ARTEFAKTE benennt die Herausforderungen, die hinter den Bildern stecken, wie Wissenschaft und Politik Lösungen erarbeiten und welchen Beitrag jeder Einzelne leisten kann.
Die Ausstellung ?Local Histories? spürt Beziehungen und Bedingungen nach, unter denen zentrale Werke der Sammlungen in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts entwickelt wurden.
?The history of art and art?s condition at any time are pretty messy? schreibt Donald Judd 1964 in einem Artikel, der sich der New Yorker Kunstszene widmet. Er wendet sich darin gegen traditionelle Unterscheidungen von Stilen und Gattungen und plädiert für eine ungezwungene Begegnung mit Kunstwerken. Judds Analyse einer lokalen Szene ist Ausgangspunkt für das Experiment, Werke aus der Friedrich Christian Flick Collection und der Sammlung der Nationalgalerie, ergänzt durch ausgewählte Leihgaben, in den Kontext ihrer Entstehung zu bringen.
Welche Kunst war prägend für Donald Judd? Was verbindet Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerhard Richter? Welche Galerien haben Bruce Nauman oder Jenny Holzer in ihren frühen Karrierephasen unterstützt? Mitunter ungewöhnliche Werk-Aufstellungen liefern Momentaufnahmen aus dem New York und Düsseldorf der 1960er- und 1970er-Jahre, dem Berlin und Köln der 1980er- und dem Los Angeles der 1990er-Jahre.
Kuratiert von Matilda Felix
Im Mittelpunkt von Sam Pulitzers erster institutioneller Ausstellung in Deutschland steht ein schmaler Korridor aus Aluminium und durchsichtigem Acrylglas. Dieser lockt an, engt ein und als Element im Raum hält er auf Distanz. Die sieben Zeichnungen im Korridor verdeutlichen die Affinität des institutionskritischen Künstlers zu Sprachspielen, versteckten Referenzen, Logos und zur Popkultur. Der Installation werden weitere Werkgruppen Pulitzers sowie Arbeiten aus der Sammlung der Nationalgalerie von Daniel Buren, Hans-Peter Feldmann, Mona Hatoum, Jenny Holzer, Jonathan Horowitz, Gülsün Karamustafa, Bruce Nauman, Raymond Pettibon und Roman Signer gegenübergestellt.
Der Titel des Werks und der Ausstellung bezieht sich auf die Theorie des britischen Ökonomen John Maynard Keynes aus den 1930-Jahren, der zufolge Entscheidungen nicht rationalen Berechnungen folgen, sondern aufgrund von animalischen Instinkten (?animal spirits?) und von Laune, Gefühl oder Zufall (?whim or sentiment or chance?) getroffen werden.
Sam Pulitzer (*1984 Fremont, NH, USA) ist Gewinner des Baloise Kunst-Preis 2017. Die Baloise Group engagiert sich seit mehreren Jahrzehnten im Bereich der bildenden Kunst. Im Mittelpunkt der Aktivitäten steht der Baloise Kunst-Preis, mit dem jährlich zwei junge Kunstschaffende ausgezeichnet werden. Die mit je CHF 30'000 dotierten Preise werden auf der Art Basel im Sektor Statements von einer mit internationalen Fachleuten besetzten Jury vergeben.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Baloise Group.
Zur Ausstellung erscheint eine Publikation.
Kuratorin: Ina Dinter
Obwohl wir sie meistens übersehen, würden wir etwas vermissen, wenn es sie nicht gäbe. Zimmerpflanzen sind unsere täglichen Begleiter, sie sind duldsame Mitbewohner und stumme Zeugen unseres Lebensgefühls.
Zimmerpflanzen spiegeln nicht nur unsere Innenräume, sondern auch unser Innenleben. Die Ausstellung beleuchtet die emotionalen Facetten einer ganz besonderen Beziehung: Geschichte(n) zwischen liebevoller Pflege und gedankenlosem Konsum, präsentiert auf dem längsten Fensterbrett Berlins. Natürlich mit vielen Infos und Pflegetipps rund um die 50 populärsten Zimmerpflanzen.
Für die Künstlergruppe "Brücke" bedeutete das Jahr 1913 das Ende ihrer Zusammenarbeit. Nach Zerwürfnissen rund um die geplante "Chronik" der "Brücke" löst sich die Gemeinschaft im Mai in Berlin auf. Die Ausstellung "1913: Die Brücke und Berlin" entfaltet ein Kaleidoskop dieses besonderen Jahres und seiner Ereignisse.
Ausgehend von den Künstlern Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Karl Schmidt-Rottluff und Max Pechstein spürt sie in Gemälden, Zeichnungen, Druckgraphiken und Fotografien den Inspirationen und Erzählungen der Großstadt nach. Davon zeugen Kirchners berühmte Skizzen des belebten Potsdamer Platzes oder Heckels Porträt der Filschauspielerin Asta Nielsen. Die Ausstellung präsentiert vertraute ebenso wie weniger bekannte Werke der Sammlung des Brücke-Museums, ergänzt durch Leihgaben.
Begleitend erscheint eine Zeitung (dt./engl.), die in Zusammenarbeit mit dem Journalisten und Autor Florian Illies entstanden ist. "1913: Die Brücke und Berlin" markiert den Beginn einer dreiteiligen Ausstellungsreihe des Brücke-Museums, die in den kommenden Jahren Schlaglichter auf zentrale Jahre der Künstlergruppe "Brücke" wirft.
Die Ausstellung konfrontiert künstlerische Arbeiten mit Exponaten aus der Industrieproduktion,
Befragt wird dabei die Bedeutung und das Verhältnis von künstlerischen und industriellen Produktionsweisen. Der Industriesalon mit seiner Dauerausstellung von Exponaten aus der Produktionsgeschichte des ehemaligen Werks für Fernsehelektronik (WF) ist für diese Begegnung der ideale Ort.
Den zeitlichen Rahmen bilden einerseits die gesellschaftskritischen Holzschnitte von Gerd Arntz aus den 20/30er Jahren des 20sten Jahrhunderts und andererseits Produkte der ortsansässigen Firma PROAUT TECHNOLOGY GmbH im Bereich Prozessautomatisierung Mikroelektronik. -
Der Holzschnitt ist als klassisches künstlerisches Handwerk in seinem Herstellungsprozess leicht nachvollziehbar. Die mikroelektronische Fertigung von Kleinstteilen im Nanobereich ist nur mit einer Präzisionsmaschine möglich. Auf den Kontrollbildschirmen produziert die Maschine Bilder, die wie Grafiken von hoher künstlerischer Qualität anmuten.
Zu der Ausstellung werden 10 Künstler und Künstlerinnen eingeladen. Ihre sehr unterschiedlichen Arbeiten werden direkt in die Dauerausstellung integriert. Der Industriesalon wird damit von einer Technikausstellung zu einer Rauminstallation.
Die Unterscheidung zwischen Kunstprodukt und Industrieprodukt liegt beim Betrachter.
Der Begriff Bedeutung und Arbeit gelangt so in den Fokus der Rezeption.
Was macht künstlerische, was macht industrielle Arbeit aus? Was lässt sich vergleichen?
Für viele Menschen hat Kunst keine praktische Funktion. Aber auch die Funktion industriell gefertigter High-Tech-Objekte erschließt sich dem Laien längst nicht mehr. Die Ausstellung ist ein Experiment mit dem Anspruch, Kunst im Spannungsfeld industrieller Produktion neu zu befragen.
Die Berliner Modedesignerin Buki Akomolafe verbindet mit ihrem gleichnamigen Label traditionelles Handwerk mit einer ästhetischen Vision. In ihren Kollektionen treffen androgyne, präzise Schnitte auf auffällige Wachsprints. Besonders heraus stechen die aufwendig gequilteten Röcke und Oberteile, die wie die Basics vollständig in ihrem Studio und einer kleinen Manufaktur in Berlin produziert werden. Sie verwendet ausschließlich ökologisch verträgliche Materialien, wie biologisch angebaute Baumwolle und Hanfseide oder westafrikanische Wachsdruckstoffe. Sie verbachte ihre frühe Kindheit in Nigeria bei ihrem Vater, der dort ein Landwirtschaftsprojekt leitet. Ressourcen zu schonen ist ihr ebenso ein konsequent verfolgtes Anliegen wie ein neues Bewusstsein für Mode und Materialien zu schaffen.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Im März 2018 erhielten die Staatlichen Museen zu Berlin durch letztwillige Verfügung der Kunsthistorikerin Barbara Malwine Auguste Göpel (1922–2017) ein bedeutendes Konvolut aus zwei Gemälden, 46 Zeichnungen und 52 druckgraphischen Werken Max Beckmanns sowie einem Gemälde Hans Purrmanns für die Sammlungen der Nationalgalerie und des Kupferstichkabinetts. In einer ersten Präsentation soll der Öffentlichkeit nun das gesamte, kunsthistorisch bedeutende Vermächtnis vorgestellt werden. Ebenso wird die Herkunft der Werke thematisiert, die in den 1940er- und 1950er-Jahren von dem Kunsthistoriker Dr. Erhard Göpel, dem 1966 verstorbenen Ehemann Barbara Göpels, erworben wurden.
Das Vermächtnis Barbara Göpel stellt einen großen Zugewinn für die Bestände der Klassischen Moderne der Staatlichen Museen zu Berlin dar und ermöglicht einen facettenreichen Einblick in das künstlerische Werk Max Beckmanns (1884–1950). So decken die 46 Zeichnungen alle Schaffensphasen des Künstlers von den Anfängen als Weimarer Student im Jahr 1900 bis ins letzte Jahr seiner Exilzeit in Amsterdam (1937–1947) beinahe mustergültig ab. Ein besonders bewegender Akzent liegt auf Skizzen, die während Beckmanns Sanitätsdienstes im Ersten Weltkrieg an der Ostfront und in Flandern entstanden. Viele dieser Zeichnungen wurden in den letzten Jahrzehnten kaum gezeigt bzw. waren nur wenigen Forschern bekannt. Sie machen neben dem Einsatz unterschiedlicher Zeichenmittel und Blattformate auch die stilistische Entwicklung des Künstlers schlaglichtartig sichtbar.
Unter den Zeichnungen der Sammlung Göpel befinden sich zahlreiche Porträts, darunter eines der frühesten Selbstbildnisse des Künstlers, das „Selbstbildnis mit flachem Hut“ von 1901. Einzigartig sind auch die Bildnisse seiner zweiten Frau Quappi aus dem Hochzeitsjahr 1925 und zwei Studien zu dem heute am Museum Ludwig in Köln befindlichen Bildnis des Sammlers Gottlieb Friedrich Reber von 1929.
Die 52 druckgraphischen Blätter, die überwiegend zwischen 1911 und 1929 entstanden, umfassen neben weiteren Selbstbildnissen viele seltene Probedrucke von hoher Qualität. Von den regulären Exemplaren, die sich bereits vielfach in der Sammlung des Kupferstichkabinetts befinden, unterscheiden sie sich auch durch den Einsatz besonderer Papiere, wie etwa von Japanpapier oder farbigem Bütten. Manche der Graphiken wurden zudem von Beckmann nachträglich mit dem Bleistift ergänzt – wie etwa ein frühes, äußerst seltenes als Radierung ausgeführtes „Selbstbildnis“ von 1904.
Die Gemälde „Selbstbildnis in der Bar“ (1942) und „Bildnis Erhard Göpel“ (1944) schließlich beleuchten das Werk des im „Dritten Reich“ als entartet diffamierten Künstlers im Amsterdamer Exil. Während Beckmann sich auf ersterem müde und in sich gekehrt am Tisch einer Bar sitzend zeigt, stellt er den 38-jährigen Erhard Göpel in einem mannshohen Porträt als gedankenschweren Intellektuellen dar. Ebenfalls präsentiert wird Hans Purrmanns Gemälde „Häuser und Mauern in Porto d’Ischia“ (1955). Purrmann, der mit dem Ehepaar Göpel eng befreundet war, weilte zwischen 1953 und 1958 regelmäßig auf Ischia. Die dort gemalten Landschaften zeichnen sich durch satte, leuchtende Farben aus.
Barbara Göpel war die Witwe des Kunsthistorikers Dr. Erhard Göpel, dessen Rolle im Nationalsozialismus zutiefst ambivalent erscheint: Zwar war er seit Februar 1942 für den „Sonderauftrag Linz“ aktiv am NS-Kunstraub beteiligt, doch schützte Göpel zugleich seinen als „entartet“ diffamierten Künstlerfreund Max Beckmann vor dem Zugriff der Nationalsozialisten. Nach 1945 machte sich das Ehepaar Göpel um die Forschung zur Kunst der Klassischen Moderne und besonders zum Werk Beckmanns und Purrmanns verdient. Die Gemälde und zahlreiche der graphischen Arbeiten erwarb Göpel direkt von den Künstlern: 1943 bzw. 1944 in Max Beckmanns Atelier in Amsterdam sowie 1955 von Hans Purrmann.
Das Vermächtnis an die Staatlichen Museen zu Berlin erfolgte durch Vermittlung von Eugen Blume, bis August 2016 Leiter des Hamburger Bahnhofs – Museum für Gegenwart – Berlin, der in einem engen freundschaftlichen Verhältnis zu Barbara Göpel stand.
Die fortlaufende Erforschung der Provenienzen gemäß der Washingtoner Prinzipien ist den Staatlichen Museen zu Berlin ein zentrales Anliegen. In Vorbereitung der Sonderpräsentation wurde daher vom Zentralarchiv eine tiefergehende Prüfung der Herkunft der Werke begonnen. Und obwohl bei keinem der vor 1945 entstandenen Werke ein konkreter Verdacht auf NS-Raubkunst besteht, konnte gerade für die Arbeiten auf Papier und für die druckgraphischen Werke, die in höheren Auflagen erschienen, keine lückenlosen Objektbiografien gefunden werden. In der Sonderpräsentation werden die Ergebnisse der bisherigen Provenienzforschung mit einer chronologischen Gliederung der Werke sowie einzelnen thematischen Akzenten verknüpft.
Eine Sonderpräsentation des Kupferstichkabinetts in Zusammenarbeit mit der Nationalgalerie und dem Zentralarchiv der Staatlichen Museen zu Berlin
Das Produkt- und Möbeldesignstudio WertelOberfell experimentiert mit 3D-Druck in der Fläche. Was zunächst wie ein Widerspruch klingt, erweist sich als schnelle und materialeffiziente Möglichkeit, unterschiedlichste Bauteile herzustellen. Durch unterschiedliche Strukturen und Geometrien erhalten diese spezifische Eigenschaften, wie Stabilität oder Verformbarkeit, Flexibilität und eine interessante Ästhetik. Der direkte 3D-Druck auf Folie, Textil oder Papier stellt dabei eine Art Hybrid-Technik dar, mit der sich die Vorteile der verschiedenen Materialien nutzen lassen. Angeregt von den berühmten Papierleuchten von Isamu Noguchi entstehen mit diesem Verfahren leichte Lampenschirme in platonischen und catalanischen Formen.
Im Rahmen der Ausstellung am Kunstgewerbemuseum setzen die Designer ihre Form- und Materialexperimente vorort an mehreren Tagen fort und gewähren Einblicke in ihren Arbeitsprozess.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Das studio b severin untersucht mit dem Projekt Design Impressionism anhand des Werkstoffs Glas, welche Veränderungen die industrielle Revolution in der Kunst mit sich brachte. Das Fensterglas, das für die Pariser Glasbauten des 19. Jahrhunderts verwendet wurde, schafft eine spezielle Atmosphäre, die die Lichtbehandlung impressionistischer Maler inspirierte. Diese Beobachtung setzt das Studio in einer Objektserie aus traditionell hergestelltem, gewalztem Glas um. Die entstandenen Arbeiten, zum Beispiel ein quaderförmiger Tisch, adaptieren auf poetische Art und Weise die Farben und Formen impressionistischer Gemälde für Alltagsobjekte.
Das Studio wurde 2013 von Birgit Severin gegründet und wird mittlerweile von ihr und ihrem Partner, Guillaume Neu-Rinaudo, geleitet. Ihre Arbeiten bewegen sich an der Schnittstelle von Kunst, Technologie, Handwerk und Design.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Eine Ausstellung des Mobilen Museums
Neben den Hansestädten Hamburg und Bremen mit ihren Über-seehäfen entwickelte sich die Reichshauptstadt Berlin nach dem Ende der viermonatigen Kongo-Konferenz im Februar 1885 schnell zur deutschen Kolonialmetropole. Spuren des Kolonialismus finden sich deshalb auch im Stadtbild Neuköllns. Eine Spur führt in die Wissmannstraße, benannt nach Hermann von Wiss-mann, Gouverneur von Deutsch-Ostafrika. Eine weitere Spur führt in die Woermannkehre. Namensgeber Adolph Woermann galt mit der Woermann-Linie als größter Privatreeder der Welt und war maßgeblich an der Einrichtung der deutschen Kolonien in Afrika beteiligt. Auch auf dem Garnisonfriedhof Columbiadamm ist unsere koloniale Vergangenheit sichtbar: Dort liegt der „Herero-Stein“ samt einer im Oktober 2009 eingeweihten Namibia-Gedenkplatte. Während bis vor kurzem nur der Täter gedacht wurde, erinnert der Ergänzungsstein jetzt auch an die mehr als 50 000 von deutschen Truppen vernichteten Herero und Nama während des Aufstandes von 1904 bis 1907.
Die vom Museum Neukölln erarbeitete mobile Ausstellung ist ein Beitrag zur aktuellen Diskussion um die deutsche koloniale Ver-gangenheit und wird am 24. August 2018 durch Bezirksstadträtin Karin Korte um 18:00 Uhr eröffnet.
Agenturen, Designer und Unternehmen aus aller Welt nehmen jährlich am Red Dot Award: Communication Design teil. Von Verpackungen über Online-Projekte bis hin zu Postern – die internationale Jury des Wettbewerbs bewertet Arbeiten aus 17 Kommunikationsdesign-Kategorien. Den Red Dot vergeben sie nur an Kreationen, die mit guter Designqualität und Kreativität überzeugen.
Die Ausstellung zeigt eine Auswahl der besten Projekte des Jahres sowie die herausragende Arbeit eines Nachwuchstalents, ausgezeichnet mit dem Red Dot: Junior Prize.
Ob am Arbeitsplatz, beim Arzt oder in der Familie – kaum ein Bereich in unserem Leben kommt ohne Geheimnis aus. Geheimnisse können schön sein, erschreckend, böse oder banal. Es gibt sie, seit Menschen zusammenleben, und ihre Geschichte ist eng mit der gesellschaftlichen Entwicklung verbunden. Im 21. Jahrhundert jedoch scheint sich die Bedeutung von Geheimnissen verändert zu haben: Soziale Netzwerke, neue Kommunikationsformen und Überwachung bedrängen die Räume und Sphären, die das Entstehen und Bewahren von Geheimnissen ermöglichen, während Transparenz zum Leitbegriff nicht nur in Politik und Wirtschaft wird.
Die Ausstellung Geheimnis. Ein gesellschaftliches Phänomen der Nemetschek Stiftung fragt nach dem Zusammenspiel von Transparenz und Schutz, von Macht und Vertrauen sowie von persönlicher Freiheit und gesellschaftlicher Verantwortung.
1964 taucht im Werk von Max Ernst erstmals eine Geheimschrift auf, die er für eine Serie von Grafiken zu Ehren des Amateur-Astronomen Ernst Wilhelm Leberecht Tempel (1821?1889) schuf. Sie erinnert an die frühen Experimente der Surrealisten mit der ?écriture automatique? (Automatische Schrift) und ähnelt zugleich auf verblüffende Weise ägyptischen Hieroglyphen, wie sie sich auch auf dem Kalabscha-Tor am Eingang der Sammlung Scharf-Gerstenberg befinden. Hier genießt das berühmte Tempeltor Gastrecht, bis es nach Fertigstellung des letzten Pergamon-Flügels auf die Museumsinsel nachziehen kann.
Die Surrealisten liebten den Zufall. Was läge näher, als die Präsenz des Tores zum Anlass für eine Max Ernst-Ausstellung zu nehmen? Ausgehend von den selten gezeigten Geheimschrift-Grafiken sollen einige typische Elemente und Themen im Werk von Max Ernst beleuchtet werden. Nicht wenige von ihnen sind ausgeborgt: Sie durchziehen unsere Kunst- und Bildgeschichte und lassen sich mitunter bis auf die Kunst der alten Ägypter zurückverfolgen. Tatsächlich sind die in Max Ernsts Collagen, Frottagen oder Grattagen auftauchenden Bilder und Zeichen selten von ihm selbst erfunden. Seine Spuren sorgsam verwischend, generiert Max Ernst sie aus dem Bilderreservoir einer bereits vorhandenen Welt, um ihnen mit diebischer Freude neue, surrealen Botschaften unterzuschieben.
Museale Objekte transportieren nicht nur Geschichte, sie besitzen auch ihre eigene. Jedoch bleibt diese meist verborgen. Genau diese Geschichten zu ermitteln, ist Aufgabe der Provenienzforschung. Sie dokumentiert den Weg eines Objektes mit all seinen Stationen vom Atelier ins Museum.
Das Gemälde Borussia von Adolph Menzel veranschaulicht exemplarisch eine nahezu vollständige Objektbiografie. Welchen Hinweisen auf dem Kunstwerk selbst kann die Provenienzforschung nachgehen? Was verbirgt die Rückansicht des Gemäldes und welche Geschichte sie gibt preis? Welche Konsequenzen zieht die Provenienzforschung nach sich?
Die Intervention gewährt einen Blick hinter die Kulissen der Provenienzforschung. Angesichts der anhaltenden Debatte über den Umgang mit NS-Raubkunst zeigt sie zugleich den Wandel in den juristischen und moralischen Einstellungen von 1945 bis zur Washingtoner Erklärung.
Backstein zählt zu den ältesten Baustoffen der Menschheit. In Europa hatte die Backsteinbauweise vom Mittelalter bis in die Renaissance in den Städten Hochkonjunktur. Berlin verdankt die Wiederentdeckung des Backsteins als Baumaterial Mitte des 19. Jahrhunderts dem genialen Architekten Friedrich Schinkel. Auch im heutigen Bezirk Marzahn-Hellersdorf finden sich architektonisch anspruchsvolle ziegelsichtige Bauten, die teils an die Schinkelschule anknüpfen, so die 1871 eingeweihte Dorfkirche auf dem Marzahner Anger. Im 20. Jahrhundert wurde diese Tradition fortgesetzt mit Bauten, die in modernen Baustilen wie der Neuen Sachlichkeit ausgeführt sind. Ein Beispiel hierfür ist die St. Martinskirche von Josef Bachem in Kaulsdorf, die 1930 geweiht wurde. Seit den 1980er-Jahren erfährt der Backsteinbau eine erneute Renaissance. Das Äußere der 1983 geweihten katholischen Kirche „Maria Königin des Friedens“ in Biesdorf ist mit rotbunten Klinkern gestaltet. Seit den 1990er-Jahren entstanden Neubauten mit verklinkerten Fassaden, darunter das bezirkliche Rathaus in der Hellen Mitte.
Die Ausstellung stellt die Gebäude in ihrer Bau- und Nutzungsgeschichte dar. Zudem wird die Ziegelherstellung von Hand und industriell anhand von Objekte erläutert.
Am 26. August 1978 hob im sowjetischen Baikonur eine Rakete zur Raumstation Saljut 6 ab. Mit DDR-Kosmonaut Sigmund Jähn trug sie den ersten deutschen Raumfahrer ins All. Vierzig Jahre später, ab dem 6. Juni 2018, umkreist Alexander Gerst als elfter Deutscher im All die Erde, diesmal als Kommandant der Internationalen Raumstation ISS. Knapp über einhundert Objekte, wie der Startschlüssel für eine Sojus-Rakete oder ein Raumanzug vom Typ Sokol, lassen kleine und große Ereignisse der getrennten und gemeinsamen deutschen Raumfahrt lebendig werden. Die Jubiläums-Schau wirft einen Blick zurück auf 40 Jahre Deutsche im Weltall, auf politische Propaganda, wissenschaftliche Meilensteine und überraschende Anekdoten.
Die Ausstellung wurde in Zusammenarbeit mit dem Raumfahrtmuseum Mittweida (Sachsen) umgesetzt.
Seit Ende des 19. Jahrhunderts betrieb die Familie Paris an wechselnden Standorten in Berlin eine Notenstecherei. Dort wurden in mühevoller Handarbeit Vorlagen für Notendrucke erstellt. In den letzten zehn Jahren vor der Wende arbeitete Hans-Joachim Paris bis November 1990 weitgehend allein und als letzter Notenstechermeister in Berlin. Die Werkstatt befand sich in der Kopenhagener Straße in Prenzlauer Berg. Nach Paris‘ Tod wurde sie im Frühjahr 1991 aufgelöst, das Deutsche Technikmuseum erwarb das Inventar. Bevor die Objekte eingepackt wurden, dokumentierte der Museumsfotograf Clemens Kirchner die Werkstatt. Entstanden sind dabei dokumentarische Fotografien, die den Alltag dieses fast vergessenen Berufes festhalten und dabei die besondere Zeit der Wendejahre thematisieren. Gleichzeitig wird in den Schwarzweiß-Aufnahmen die außergewöhnliche Ästhetik einer vergangenenHandwerkskunst erfahrbar.
Die großzügige Schenkung des Porträts der Henriette von Carlowitz an die Nationalgalerie ergänzt den hochrangigen Sammlungsbestand an Gemälden Anton Graffs. Das 1772 entstandene Porträt strahlt Anmut und Grazie aus, jugendliche Frische und aristokratische Noblesse. Das ausdrucksstarke Gemälde des führenden deutschen Porträtisten der Aufklärung verbindet einen zugleich intimen wie auch repräsentativen Charakter. Nach einer umfassenden, zweijährigen Restaurierung präsentiert die Kabinettausstellung in der Alten Nationalgalerie Graffs Gemälde nicht nur erstmals der Öffentlichkeit in neuem Glanz, sondern zeigt auch die ausgiebig erforschte Geschichte hinter dem Objekt.
Der Fokus dieser konzentrierten Kabinettausstellung richtet sich auf die durch die restauratorische und kunsttechnologische Beforschung gewonnenen Erkenntnisse. Neben den erfolgreichen Maßnahmen, die ein Bildnis von höchster Brillanz aus der stark verschmutzten und gealterten Oberfläche des Gemäldes hervorgehoben haben, verweisen Veränderungen an Leinwand, Keilrahmen und Befestigungen auf die Provenienz und Objektgeschichte. Die Ausstellung vermittelt durch reiches Bildmaterial die verschiedenen Restaurierungsschritte und lässt die spannende Spurensuche anhand von historischen Quellen und Vergleichsobjekten nacherlebbar werden.
Zum Europäischen Tag der Restaurierung am 14. Oktober 2018 finden zwei Sonderführungen in der Ausstellung statt
In der Ausstellung wird ein höchst aufwendiges klassizistisches Möbel in seinen Einzelteilen präsentiert. Deren Virtuosität im Detail wirft Fragen nach den technischen und handwerklichen wie ästhetischen Qualitäten in der Gestaltung von Möbeln allgemein auf und offenbart das Wesen von Möbelkunst: Ein zeitlos anmutendes Vergnügen an elegant geschwungenen furnierten Oberflächen, an der kunstvollen Präsentation des Naturstoffs Holz und an den Mechaniken zur Verwandelbarkeit, wie sie zum Teil auch im heutigen handwerklich und industriell geprägten Möbelbau existieren.
Im Mittelpunkt steht ein Schreibsekretär, der um 1835 in Berlin von dem Ebenisten Joseph Schneevogl angefertigt wurde und heute zum Bestand der Preußischen Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg gehört. Seine souveräne Furnierung in Mahagoniholz, die auch geschweifte und sphärisch gekrümmte Oberflächen meistert, setzt die Schönheit des Materials kunstvoll in Szene. Das Möbel steht nicht nur im Zenit der Preußischen Möbelkunst, sondern markiert einen Schlusspunkt handwerklicher Herstellung und vorindustrieller Materialkultur. Es bezeugt eine Haltung zum Konsum, die uns in ihrer Wertschätzung heute nur mehr nostalgisch entrückt erscheint.
In weiteren Sektionen widmet sich die Ausstellung dem wenig beachteten Werk Schneevogls, erläutert die kolonial geprägte Geschichte und Materialikonographie von Mahagoniholz und die aufwendigen Techniken des Furnierens. Sie präsentiert verwandte Positionen modernen Möbeldesigns mit dreidimensional furnierten Flächen (vor allem Sitzmöbel) und zeitgenössischer handwerklich gefertigter Möbel, ergänzt durch einzelne Werke aus der ständigen Ausstellung des Kunstgewerbemuseums.
Die Ausstellung zeigt Leihgaben aus Privatbesitz, der Stiftung Preußische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, der Danzer Deutschland GmbH, des Botanischen Museums Berlin, des Ibero-Amerikanischen Instituts und der Staatsbibliothek, beide Stiftung Preußischer Kulturbesitz. Sie stellt die Meisterstücke zweier zeitgenössischer Berliner Tischlermeister vor, und sie beinhaltet zwei Projekte: Der Studiengang Konservierung und Restaurierung von Holz an der Fachhochschule Potsdam präsentiert eine Rekonstruktion historischer Furniertechniken und die Berufsfachschule für Holzschnitzerei und Schreinerei des Landkreises Berchtesgadener Land wandelt mit ihren aktuellen Schreinerarbeiten auf den Spuren der Schneevogl‘schen Möbelkunst.
Für Februar 2019 ist eine international besetzte Tagung geplant, die – orientiert an den Sektionen der Ausstellung – einlädt zur Begegnung zwischen Kunst- und Kulturhistorikerinnen, handwerklichen wie industriellen Möbelherstellern, Designerinnen, Kunsthändlern, Restauratorinnen und Freunden der Möbelkunst.
Vor rund 100 Jahren begann das Radio Hörgewohnheiten zu verändern und die Kulturtechnik des Sendens und Empfangens zu revolutionieren. Seit Beginn der Digitalisierung befindet sich das Radio im Umbruch. Die Formen der Radiokunst migrieren in andere Medien, die Möglichkeiten und Ereignisse des Sendens und Empfangens vervielfachen sich: Der Mensch des 21. Jahrhunderts „funkt“ ununterbrochen. Die Frage danach, was empfangen wird und was gesendet, was ausgeblendet und was verstanden, folgt dabei nicht nur technischen und psychoakustischen Faktoren, sondern auch politischen Interessen.
Im begehbaren Radioarchiv Radiophonic Spaces lassen sich mehr als 200 Werke deutschsprachiger und internationaler Radiokunst aus 100 Jahren individuell hören und erforschen. In einem immersiven Raumkonzept macht es Experimente und Kompositionsverfahren, Apparaturen und Diskurse des Radios erfahrbar. Ein digitales Nachschlagewerk ermöglicht ein tieferes Eintauchen in die Geschichte der Radiokunst.
Die Auftaktveranstaltung Der Ohrenmensch eröffnet das Radioarchiv und erforscht das Wissen des Hörens. Künstler*innen und Wissenschaftler*innen erkunden in Performances und Lectures ästhetische und theoretische Bedingungen der Radiophonie sowie politische Handlungsmöglichkeiten im radiophonen Raum.
Radiophonic Spaces mit Arbeiten von Ammer & Console, Alessandro Bosetti, Andrea Cohen und Diego Losa, John Cage, Ferdinand Kriwet, Christina Kubisch, Friederike Mayröcker, Michaela Melián, László Moholy-Nagy, Kaye Mortley, Olaf Nicolai, Georges Perec, Paul Plamper, Milo Rau, Carl Sagan, Natascha Sadr Haghighian, Eran Schaerf, Dziga Vertov, Ror Wolf u. a.
Konzipiert von Nathalie Singer (Professur für Experimentelles Radio, Bauhaus-Universität) mit einem Team von Radioexpert*innen
Der Ohrenmensch mit Beiträgen von ARKollective (Johannes Ismaiel-Wendt, Sebastian Kunas, Malte Pelleter), Nathalie Anguezomo Mba Bikoro und Gilles Aubry, Hermann Bohlen, Lino Camprubí, Cevdet Erek, Wolfgang Ernst, Beatriz Ferreyra, Marie Guérin, Wolfgang Hagen, Alexandra Hui, Hassan Khan, Sebastian Kunas, Verena Kuni, Aurélie Nyirabikali Lierman, Flora Lysen, Stefan Maier, Mara Mills, Nástio Mosquito, Marko Peljhan, Marina Rosenfeld, Zoran Terzi?, Sarah Washington, Anna Zett u. a.
Im Rahmen von 100 Jahre Gegenwart
„Der Elefant im Raum – Skulpturen aus der Sammlung Marx“ im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin befasst sich mit einem wesentlichen Aspekt der Bildhauerei der 1960er-Jahre: der räumlichen Wirkung von Skulpturen.
Mit Werken von Absalon, Joseph Beuys, Donald Judd, Jeff Koons, Rachel Whiteread u. a. rückt die Ausstellung das Verhältnis von Kunstwerk und Räumlichkeit in den Blick. Ausgehend von der englischsprachigen Redewendung „the elephant in the room“ verweist der Elefant im Ausstellungstitel auf jene Kräfte und Größen, die zwar nicht Teil der Skulpturen sind, ihre Präsenz im Raum jedoch maßgeblich mitbestimmen und damit wesentlicher Bestandteil des erweiterten Kunstbegriffs der 1960er-Jahre sind.
Anlässlich der Ausstellung erscheint Ende des Jahres eine Publikation zur Sammlung Marx in der Edition Cantz. 1996 eröffnete der Hamburger Bahnhof als Haus der Nationalgalerie für die Kunst der Gegenwart neben eigenen Beständen mit Werken aus der Sammlung Marx. In wechselnden Präsentationen zeigt das Museum Werke der Kunstsammlung des Berliner Unternehmers der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
Die Veranstaltungsreihe „The Making-of…“ führt am Beispiel von Hauptwerken von Joseph Beuys in die museale Bewahrung und Präsentation großformatiger Skulpturen und verschiedenster Materialien ein.
In Erinnerung an das Dachatelier Max Liebermanns zeigt die Stiftung Brandenburger Tor zweimal jährlich zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler in der Reihe "im Atelier Liebermann". Der Fokus liegt auf dem künstlerischen Entstehungsprozess: Wie sieht die Arbeit im Atelier aus und was inspiriert das künstlerische Schaffen? Mit diesem Blick in das jeweilige Atelier knüpft die Ausstellungsreihe an den genius loci an: das Max Liebermann Haus als kreativ-schöpferischer Ort.
Unter dem Titel "von wegen" stellt Nanne Meyer als vierte Künstlerin in der Reihe aus. Konsequent widmet sie sich seit den siebziger Jahren ausschließlich der Zeichnung und befragt dieses Medium auf vielfältige Weise. 2014 erhielt sie für ihr zeichnerisches Werk den renommierten Hannah-Höch-Preis des Landes Berlin.
Fragen nach der Verortung in der Welt beschreiben für Nanne Meyer wesentliche Grundimpulse ihrer künstlerischen Arbeit. Neben den "Papierperspektiven", die den Blick aus dem Flugzeug zeichnerisch fassen, zeigen die "Kartenarbeiten" ihre Auseinandersetzung mit unserer kartografierten Welt. Erzeugt bei den "Papierperspektiven" die zeichnerische Spur ein Neben- und Übereinander von Raum- und Zeiterfahrungen, so werden bei den "Kartenarbeiten" Landkarten, Atlasseiten und Stadtpläne als zeichnerisches Material verwendet. Durch Verstecken, Überzeichnen, Herausschneiden, besonders auch durch das Auslöschen von wortsprachlichen Benennungen, wird die Karte als Orientierungsinstrument radikal in Frage gestellt. Ein Niemandsland mit neuen Herausforderungen an die Wahrnehmung tut sich auf.
Darüber hinaus wird die Werkgruppe der "Worte" präsentiert. In insgesamt ca. 150 Zeichnungen widmet sich Nanne Meyer mit dem Zeichenstift den unscheinbaren und vermeintlich überflüssigen Worten, denen in der deutschen Sprache selten Beachtung geschenkt wird. Gleichwohl sind es jene, die das Kolorit prägen und Nuancen hervorheben wie „absolut“, „zwangsläufig“ und „zweifelllos“.
Auch die seit drei Jahrzehnten geführten "Jahrbücher" sind Teil der Ausstellung. Fortlaufend bearbeitet Nanne Meyer sogenannte Blindbände für Buchproduktionen, mit denen Verlage Format, Gewicht und Papier testen. Diese Blindbände füllt die Künstlerin mit Beobachtungen, Aufzeichnungen, Fotos, Texten, Erinnerungen, Papierschnipseln, einem Bewegungsimpuls, Gesprächsfetzen, Worten oder dem Beginn einer Linie. Es sind gerade diese, die den BesucherInnen eine Ahnung vom Inspirations- und Gedankenkosmos Nanne Meyers vermitteln und überraschende Einblicke in den Entstehungsprozess ihrer Zeichnungen geben.
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