Studentinnen und Studenten des Fachgebiets Bildende Kunst an der TU Berlin (Prof. Stefanie Bürkle) haben sich im Wintersemester 2017/18 mit August Endells Text „Die Schönheit der großen Stadt“ auseinandergesetzt, der titelgebenden Publikation für die gleichnamige Sonderausstellung im Museum Ephraim-Palais. Sie erkundeten Berlin aus ganz unterschiedlichen, subjektiven Blickwinkeln und hielten ihre Eindrücke mit fotografischen, zeichnerischen und malerischen Techniken fest.
Die Skizzenbücher dieses Projektes sind nun bis zum 2. Mai im Salon des Museums Ephraim-Palais zu sehen. Der Eintritt zu der Präsentation ist frei.
Im Mittelpunkt der Ausstellung stehen grafische Arbeiten der in Berlin-Köpenick lebenden südafrikanischen Künstlerin Liz Crossley, die sowohl ideell wie formal stark durch topografische Karten inspiriert sind. Die abstrakten Darstellungen auf Landkarten erscheinen der Künstlerin als „Chiffren für das Land, Aufteilungen der Erde mit ihren feinen Linien, Tupfen, Strömen und Geraden, wo Menschen Grenzen ziehen. Jede Landkarte wirkt wie ein Auslöser, eine zweite entsteht durch die Erste.“ Landkarten sind für Liz Crossley nicht nur topografische Momentaufnahmen, sondern zugleich auch Marken ihrer eigenen Gefühle und Gedanken, „ausgelöst durch Linien, die andere gezogen haben.“
Einen besonders intensiven Einfluss auf diese Gruppe ihrer Arbeiten hat das berühmte „Schmettau‘sche Kartenwerk“ ausgeübt, eine kartografische Aufnahme großer Teile von Preußen und Mecklenburg, das zwischen 1767 und 1787 unter der Leitung von Friedrich Wilhelm Karl Graf von Schmettau (1743–1806) entstanden ist. Fremdes Staatsgebiet musste auf diesen Karten leer gelassen werden, was Liz Crossley an südafrikanische Karten der Apartheid-Zeit erinnerte, auf denen die „Homelands“ der schwarzen Bevölkerung ebensolche Leerstellen bildeten. Dagegen war den Angehörigen der Khoi und San – die autochthonen Völker Südafrikas – wie vielen frühen Kulturen die Vorstellung, dass das Land den Menschen als Eigentum gehören kann, gänzlich fremd.
Der preußische Kartograf Friedrich Wilhelm Karl von Schmettau war seit 1804 bis zu seinem Tod der Besitzer und Neugestalter von Schloss Köpenick – damit schließt sich am Ort der Ausstellung „Land-Schafft-Geschichten“ der Kreis nun gleichsam auch räumlich. Hier, in der heutigen Dependance des Berliner Kunstgewerbemuseums, werden den kartografisch inspirierten zeitgenössischen Grafiken von Liz Crossley einige besonders kunstvoll gestaltete Messinstrumente und Reißzeuge aus dem Sammlungsbestand des Museums als historische Werkzeuge geodätischer Weltaneignung assoziativ zur Seite gestellt, wodurch in der Ausstellung eine zusätzliche Bedeutungsebene aufgezeigt wird.
Eine Sonderausstellung des Kunstgewerbemuseums der Staatlichen Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit dem Fachbereich Kultur und Museum beim Bezirksamt Treptow-Köpenick von Berlin
Mit dem Titel We don’t need another hero versteht sich die 10. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst als Dialog mit Künstler*innen und anderen Beitragenden. Die Beteiligten setzen sich mit den anhaltenden Ängsten und Sorgen in unserer heutigen Zeit auseinander – Ängste, die durch die Missachtung komplexer Subjektivitäten vervielfacht werden – und denken und handeln in ihrer Auseinandersetzung über den Kunstkontext hinaus.
We don’t need another hero wird kuratiert von Gabi Ngcobo und einem kuratorischen Team, dem Nomaduma Rosa Masilela, Serubiri Moses, Thiago de Paula Souza und Yvette Mutumba angehören.
VERANSTALTUNGSORTE
Akademie der Künste
Hanseatenweg 10, 10557 Berlin
KW Institute for Contemporary Art
Auguststraße 69, 10117 Berlin
Volksbühne Pavillon
Rosa-Luxemburg-Platz, 10175 Berlin
ZK/U – Zentrum für Kunst und Urbanistik
Siemensstraße 27, 10551 Berlin
HAU Hebbel am Ufer (HAU 2)
Hallesches Ufer 32, 10963 Berlin
Der Volksgerichtshof wurde 1934 von den Nationalsozialisten zur „Bekämpfung von Staatsfeinden“ geschaffen. Bis Kriegsende mussten sich mehr als 16.700 Menschen vor diesem neuen obersten politischen Gericht verantworten, das ab 1942 jeden zweiten Angeklagten zum Tode verurteilte.
Die Ausstellung informiert über die Entstehung und Organisation des Gerichts, beleuchtet am Beispiel von Einzelschicksalen seine Urteilspraxis und informiert über den Umgang mit dem ehemaligen Gerichtspersonal nach 1945.
Im Rahmen der Ausstellungsreihe "im Atelier Liebermann" präsentiert die japanisch-schweizerische Künstlerin Leiko Ikemura im Max Liebermann Haus Ausschnitte ihres jüngsten Schaffens und reflektiert zugleich den Entstehungsprozess ihrer Werke. Als Grenzgängerin zwischen japanischer und europäischer Kunst- und Geistesgeschichte arbeitet Ikemura in einer Vielzahl an Medien – vorzugsweise Malerei, Skulptur und Zeichnung, aber auch Installation, Fotografie und Literatur.
Als Quelle der Inspiration und des künstlerischen Austauschs hat Leiko Ikemura zudem Donata und Wim Wenders zur Zusammenarbeit eingeladen. Sie erweitern die Ausstellung mit fotografischen und filmischen Arbeiten, die eng mit dem Werk Ikemuras verbunden sind. Mit dem Künstlerpaar pflegt Ikemura seit Jahren eine besondere Beziehung – nicht zuletzt durch ihre Affinität zur japanischen Kultur. Aufgrund ihrer langjährigen Verbundenheit und des gemeinsamen Bildgedächtnisses entsteht ein spannender Dialog über künstlerische Schaffensprozesse und das Denken in Bildern.
Mit "Verschwindende Vermächtnisse: Die Welt als Wald" verwandelt sich das Tieranatomische Theater in den bedrohten Lebensraum Wald. In der Ausstellung werden tradierte Bilder von Natur angesichts von Artensterben, Entwaldung und Klimawandel in Frage gestellt.
Die Ausstellung lädt zur Beschäftigung mit Naturbildern und deren Wandlung ein. Sie zieht Verbindungen von den Expeditionen des Naturforschers Alfred Russel Wallace im 19. Jahrhundert zu aktuellen Umweltveränderungen in Südostasien und dem Amazonasgebiet. Zeitgenössische Werke und Assemblagen werden zu historischen zoologischen und botanischen Objekten in Kontext gesetzt. Die künstlerischen Positionen von internationalen Künstler_innen wie Maria Thereza Alves, Mark Dion und Robert Zhao Renhui widersprechen einem romantischen Bild unberührter Natur. Sie fragen stattdessen nach den Vermächtnissen, die bleiben, angesichts des fortschreitenden Verlustes hochkomplexer Ökosysteme. 13 Installationen; Fotografien, Filme, Skulpturen und Sammlungspräparate reflektieren unvergleichliche Artenvielfalt im Spannungsfeld von Wissenschaft und Monokultur.
Viele der künstlerischen Arbeiten wurden eigens für die Ausstellung entwickelt. Ein besonderes Highlight ist das digitale 3D-Rendering des Schädels eines Sumatra-Nashorns. Das Exponat zeigt das Spannungsverhältnis von wissenschaftlicher Erkenntnis und Entnaturalisierung. Als CT-Scan dient der Schädel der Wissenschaft, doch macht er zugleich auf die Situation dieser von der Ausrottung bedrohten Tierart aufmerksam. Auf Borneo, Java und Sumatra führten die Fotograf_innen Armin Linke und Giulia Bruno gemeinsam mit den Kurator_innen Anna-Sophie Springer und Etienne Turpin zahlreiche Interviews mit Anwohner_innen, Plantagenarbeiter_innen, Kleinbäuerinnen und -bauern, Umweltschützer_innen, Regierungsbeamt_innen und Wissenschaftler_innen. Daraus entstanden ist ein filmisches Dokument, das die Geschwindigkeit reflektiert, mit der sich Indonesien gegenwärtig in eine Palmöl-Nation verwandelt – inmitten von gewaltigen Torfmoorbränden.
Zur Ausstellung findet ein Begleitprogramm mit Führungen, Lesungen, Filmvorführungen und anderen Veranstaltungen statt.
Teilnehmende Künstler_innen: Maria Thereza Alves, Ari Bayuaji, Bik Van der Pol, Shannon Lee, Castleman/Mobile Ecologies, Revital Cohen & Tuur van Balen, Mark Dion, Radjawali Irendra/Akademi Drone Indonesia, Armin Linke mit Giulia Bruno und Giuseppe Ielasi, Barbara Marcel, Julian Oliver & Crystelle Vu, PetaBencana.id, Robert Zhao Renhui/The Institute of Critical Zoologists, SHIMURAbros, Paulo Tavares/autonoma
"Verschwindende Vermächtnisse: Die Welt als Wald" ist ein dreiteiliges Projekt von Anna-Sophie Springer und Etienne Turpin. Die Wanderausstellung wird vom Centrum für Naturkunde (CeNak) an der Universität Hamburg realisiert, wo sie 2017 zu sehen war. 2018 werden adaptierte Versionen bei den Projektpartnern gezeigt; vom 27. April bis 26. August 2018 im Tieranatomischen Theater (TA T) an der Humboldt-Universität zu Berlin und vom 20. Oktober bis 14. Dezember 2018 im Zentralmagazin Naturwissenschaftlicher Sammlungen an der Martin-Luther-Universität Halle-Wittenberg in Halle/Saale. Der Ausstellungszyklus ist eine Kooperation mit der Schering Stiftung und dem Goethe-Institut Singapur. Das Projekt wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes.
Von Anfang an haben Pressefotografen die Berlinale begleitet, dokumentiert, auch interpretiert. Die Deutsche Kinemathek archiviert mehrere Nachlässe von Fotografinnen und Fotografen, deren Hauptfokus auf gesellschaftlichen Filmereignissen in Berlin lag. Der besondere Reiz dieser Sammlungen liegt am Rande der eigentlichen Motive, wenn beiläufig eingefangene Momente Mode, Zeitgeist, Alltags- und Repräsentationskultur oder das Konsumverhalten widerspiegeln. Die Ausstellung „Zwischen den Filmen“ dokumentiert die Arbeit der Fotografinnen und Fotografen und damit all das, was die Berlinale so charakteristisch macht – all das, was zwischen den Filmen geschieht.
Beim Bayerischen Rundfunk hatten sie ihn immer einfach machen lassen: 1974 die Vorabendserie "Münchner Geschichten" mit der Theaterlegende Therese Giehse und dem unvergessenen Hans Brenner, ab 1979 den Zwölfteiler "Der ganz normale Wahnsinn" über das Liebesleben des Leserbriefredakteurs Glanz. Viele Bonmots aus Dietls Serien wie „Logisch!“ oder „A bissl was geht immer“ sind in den allgemeinen Sprachgebrauch übergegangen. Seine eigenwillige Melange aus schriller Posse und waidwunder Melancholie erprobte der 2015 verstorbene Helmut Dietl mit Filmen wie ROSSINI – ODER DIE MÖRDERISCHE FRAGE, WER MIT WEM SCHLIEF (D 1997) oder VOM SUCHEN UND FINDEN DER LIEBE (D 2005) auch auf der großen Leinwand. In seinen Arbeiten KIR ROYAL (1986), SCHTONK! (D 1992), LATE SHOW (D 1999) und zuletzt ZETTL (D 2012) rechnete er immer wieder auch mit dem Medienbetrieb ab. Aus Anlass der Übergabe seines Schriftgutnachlasses erinnert die Mediathek Fernsehen mit einer Sonderschau an den einzigartigen Helmut Dietl als Autor und Regisseur für Film und Fernsehen.
Ausstellung im Botanischen Museum Berlin
Wie steht es um unsere Empathie gegenüber dem Nicht-Menschlichen? Die französische Künstlerin Karine Bonneval beschäftigt sich mit der Andersartigkeit von Pflanzen und den komplexen Interaktionen, die Pflanzen und Menschen trotz getrennter Reiche miteinander verbinden. Was wäre wenn wir Pilzen beim Wachstum zuhören könnten? Können wir unseren Atem mit Bäumen austauschen? Bonnevals Arbeiten tasten sich an mögliche Verbindungen zwischen Umgangssprache und Technologie heran. Seit 2014 hat sie zusammen mit verschiedenen Gruppen von Wissenschaftlern gearbeitet, darunter auch der Forschungsgruppe für Pflanzenökologie an der Freien Universität Berlin unter der Leitung von Matthias Rillig. Zusammen haben sie Projekte entwickelt, die innovative Forschungsfragen und neueste Methoden auf dem Gebiet der Bioakustik, Mikroskopie und thermischen Bildgebung.
Während ihres „Artist in Residence“-Aufenthaltes am Botanischen Garten im Frühjahr 2018 wird sich Karine Bonneval in ihrer künstlerischen Forschungsarbeit mit der Königin der Wasserpflanzen auseinandersetzen: der Riesenseerose Victoria amazonica. Die Ergebnisse ihrer Untersuchungen werden gemeinsam mit anderen Objekten, Sound- und Videoinstallationen in der Ausstellung im Botanischen Museum gezeigt. Ihre Arbeiten sind in besonderer Weise den „ernsten“ Naturwissenschaften verpflichtet, zugleich reflektieren sie aber auch jedoch in einzigartiger Weise den fragilen und poetischen Charakter und Poesie von Begegnungen und Interaktionen zwischen Mensch und Pflanze reflektieren.
Karine Bonneval ist vom 16. April bis 25. Mai « Artist in Residence » 2018 am Botanischen Garten und Botanischen Museum Berlin
Zum Artist in Residence und „Meet the Artist“ Termine im April+Mai 2018 hier
Zur Künstlerin www.karinebonneval.com/
Unser « Artist in Residence » Programm startete 2015 mit Aufenthalt und Ausstellung der ukrainischen Künstlerin Viktoriia Teletien. Es folgte der flämische Künstler Mark Swysen in 2017. Die Französin Karine Bonneval ist bereits die dritte internationale Künstlerin, die für zwei Monate im Gästehaus des Botanischen Gartens wohnt und sich von der besonderen Atmosphäre des Ortes künstlerisch inspirieren lässt. Die Arbeiten, die während ihrer Residency entstehen, werden ebenfalls in dieser Ausstellung zu sehen sein.
201. Jahrestag der Erfindung des Fahrrades durch Freiherr von Drais – aus diesem Anlass präsentiert die Domäne Dahlem gemeinsam mit dem Verein „Historische Fahrräder Berlin e.V.“ eine Sonderausstellung zum Thema. Im Barocksaal im Erdgeschoss des Herrenhauses zeigen Exponate einen Überblick der technischen Entwicklung des Fahrrades von der Laufmaschine über das Velociped und Hochräder bis hin zum modernen Alltagsrad. Darüber hinaus werden historisches Fahrradzubehör sowie Schautafeln und Plakate den gesellschaftlichen Aspekt des Fahrradfahrens beleuchten. Die Exponate stammen aus dem Bestand der Vereinsmitglieder von „Historische Fahrräder Berlin e. V.“ und aus „Ulis Museumsladen“ in Spandau.
Die Ausstellung wird am Sonntag, den 22. April 2018 eröffnet. Gegen 11 Uhr treffen die Radlerinnen und Radler vom „Historische Fahrräder Berlin e. V.“ auf ihren Fahrrad-Veteranen in „zeitlich korrektem Outift“ zur gemeinsamen Ausstellungseröffnung auf der Domäne Dahlem ein!
Als Begleitprogramm zur Ausstellungseröffnung findet ein Hoffest mit einem bunten Programm „rund ums Rad“ statt.
Im Rahmen des Jubiläums „Einhundert Jahre Ende Erster Weltkrieg“ widmet das Stadtgeschichtliche Museum Spandau eine Ausstellung dem Thema der Kriegsgefangenschaft. Der Begriff bezieht sich heute allein auf die Internierung von Soldaten, doch gerieten bereits seit August 1914 auch Zivilisten in kriegsbedingte Gefangenschaft. Nach heutigen Erkenntnissen waren im Laufe der Kriegsjahre weltweit über 9 Millionen Menschen in Lagern festgesetzt: ca. 8,4 Millionen Soldaten und etwa 800.000 Zivilisten. Die Einrichtung von Kriegsgefangenen- und Internierungslagern entwickelte sich zum globalen Phänomen.
Eines der damals bekanntesten Internierungslager, das sogenannte „Engländerlager“, befand sich auf dem Gelände der ehemaligen Trabrennbahn in Ruhleben. Dort waren bis zu 5.000 britische (zuweilen auch deutsch-britische) Männer eingesperrt. Einige lebten seit Jahren im Deutschen Reich, andere befanden sich bei Kriegsausbruch zufällig dort. Die Ausstellung vermittelt entlang der Darstellung des „Ruhleben Camp“ ein Stück dieser kaum präsenten Geschichte des Ersten Weltkriegs, wobei an bestimmten Punkten der Blick durch Vergleiche mit anderen (Kriegs-)Gefangenenlagern erweitert wird.
So kann die Entwicklung der Lagerorganisation des Deutschen Reichs am Lager Ruhleben beispielhaft nachvollzogen werden. Zudem – und das ist ein zentrales Moment der Ausstellung – entwickelten die Menschen in nahezu allen Kriegsgefangenen- und Internierungslagern bestimmte Strategien der kulturellen Gegenwehr: Sie organisierten Theater- und Musikaufführungen, Bildungsangebote und Lagerzeitungen. Weitere Ausstellungskapitel neh-men die Unterkunft, die Ernährung sowie den Kontakt zur Außenwelt durch Postverkehr, die Arbeit sowie das Thema Krankheit und Tod in den Blick. Flucht(versuche) und schließlich Heimkehr bilden die letzten thematischen Ausstellungspunkte, mit denen die Überlegungen zu den Dynamiken des Lagerlebens, zur Professionalisierung der Lagerstruktur und zu den menschlichen Reaktionen auf den permanenten Ausnahmezustand hinter Stacheldraht, der den Blick nach draußen ermöglicht und den Weg dorthin brutal versperrt, zur Diskussion gestellt werden.
Da auf dieser Grundlage auch Fragen zu heutigen Lagern aufkommen, wird der Schweizer Künstler Michael Stoll mit einer Installation den Bezug zu den Flüchtlingslagern der Gegenwart herstellen. Er nimmt Fluchtgründe, -routen und -stationen in den Blick, zugleich problematisiert er auch den Schlusspunkt der Flucht: das Ankommen. Die Diskrepanz zwischen Masse und Individuum zieht sich als roter Faden durch die verschiedenen Elemente der Installation: Welches Individuum steht hinter der Verwaltungsnummer? Wie passt das Einzelschicksal in standardisierte Formulare? Wo bleibt die Privatsphäre in Massenunterkünften?
In Zusammenarbeit mit dem Verein 100 Beste Plakate e.V. präsentiert die Kunstbibliothek die 100 besten Plakate des Jahres 2017 aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. In den Kategorien Auftragsarbeiten, Autorengrafik und studentische Projektaufträge zeigt sich erneut die hohe Qualität des aktuellen Grafikdesigns. Die Auftaktausstellung mit Präsentation aller 100 Plakate und Launch des Jahrbuchs findet am Kulturforum statt und ist anschließend in Essen, Nürnberg, Luzern, Wien, La Chaux-de-Fonds und Zürich zu sehen.
Die bildenden Künste sowie die künstlerisch informierte Stadtforschung bewegen sich im Feld der ‚urban cultures’ verstärkt aufeinander zu. Kunst und Kultur sowie Urbanität und gebauter Raum müssen erkundet, erlebt und erzählt werden.
Ein Feld der Auseinandersetzung der letzten Jahre sind Großsiedlungen der heroischen Phase von 1960 bis 1990. Sie haben Dimensionen, die für sich stehend einer Kleinstadt entsprechen – doch zentrale Funktionen einer Stadt wie etwa die Künste und das Kulturleben werden vorrangig auf das Zentrum projiziert. Großsiedlungen bleiben deswegen vielen Menschen einer Stadt merkwürdig fremd. Es braucht neue Narrative und Bilder, um die scheinbare Homogenität von Großsiedlungen aufzubrechen und ihre bestechende Widersprüchlichkeit nachzuzeichnen.
Großsiedlungen sind miteinander vergleichbar – auch über Kontinente hinweg. Oft sind sie in konzentrischen Kreisen um die Kernstadt herum organisiert. Doch selbst innerhalb einer Stadt haben die Großsiedlungen kaum Kontakt miteinander.
Das Ausstellungsprojekt‚ KREISE ZIEHEN im Stadtteil Berlin-Hellersdorf schlägt Brücken innerhalb und auch jenseits der Stadtgrenzen mit Partnersiedlungen und Partnerstädten: Wie entstehen Stereotypen von Orten, wie werden sie von außen gesetzt und von innen angenommen und weitergeführt? Wie operieren Bildstrategien in der Peripherie, die nicht von außen ein ›Image‹ überstülpen, sondern von den Bewohner_innen mit Eigensinn erarbeitet wurden? Der Kunst soll hier eine besondere Bedeutung zukommen, da sie über Strategien der Bildererzählung und des Bildwissens verfügt.
Teil 1
»Zeitkapsel Hasenbergl« von Pia Lanzinger
»Aspectomat Hellersdorf« von Barbara und Thomas Klage
Im ersten Teil der Ausstellung werden eine Dokumentation des langjähriges Projekts „Zeitkapsel Hasenbergl“ der Künstlerin Pia Lanzinger und Fotografien der Hellersdorfer Anwohner_innen Barbara & Thomas Klage gezeigt.
Während ihrer Recherchen zur Geschichte der Großsiedlung Hasenbergl am Stadtrand von München fand Pia Lanzinger heraus, dass der Grundstein der Siedlung samt Zeitkapsel bei Umbauten zerstört wurde. Diesen ›Mangel‹ begreift das Projekt »Zeitkapsel Hasenbergl« als Chance. Die zum Zeitpunkt der Gründung angedachten Zukunftsvisionen haben sich nicht erfüllt. Der Hasenbergl hat sich eigensinnig entwickelt. Das Bild von sich selbst wurde im Jahr 2017 durch eine Wiederholung der Grundsteinlegung festgehalten. 70 Bewohner_innen steuerten ein bestimmtes Ereignis aus ihrer selbst erlebten Geschichte am Hasenbergl als Videoclip für die neue Zeitkapsel bei. So entsteht – mit breiter Beteiligung – eine alternative Darstellung des Lebens in dieser Großsiedlung am Stadtrand Münchens.
Barbara und Thomas Klage zogen 1988 als Erstbewohner_innen nach Hellersdorf. Ihr umfangreiches Fotoarchiv wird nun für die Ausstellung digitalisiert. Außerhalb des privaten Rahmens eines Familienalbums wird eine Auswahl der erzählten Geschichten und Alltagsdokumente öffentlich präsentiert. Stadt ist hier nicht nur der gebaute Raum, sondern immer auch ein Ort für gelebte Praxis, die Wünsche und Imaginationen der Menschen selbst. Wie war die „Gummistiefelzeit“ in Hellersdorf, als die Erstbewohner_innen ihre neue Siedlung in Besitz nahmen? Welche Veränderung und Verschiebungen von Wertesystemen haben Anwohner_innen erlebt, und wie haben sie diese dokumentiert?
Unterstützt von: Senatsverwaltung für Kultur und Europa und Amt für Weiterbildung und Kultur Marzahn-Hellersdorf
Das Haus am Waldsee hat die in New York und Berlin lebende Malerin Bettina Blohm eingeladen ihre seit 2008 in Berlin entstandene, eigenständige Gruppe von kleinformatigen Zeichnungen im Bikini Berlin vorzustellen.
Im Gegensatz zu ihren großformatigen, abstrakten Gemälden verdanken sich Blohms Arbeiten auf Papier einem kontemplativen Schauen der Landschaft. Ebenso vorsichtig wie entschieden lässt sie die Spuren ihrer Hand zu einfachen Zeichen gerinnen: Eine geschwungene Linie, mit Wachskreide gezogen, teilt das Blatt horizontal und markiert eine Hügellandschaft, an deren Fuss der klare Umriss einer Pappel zu sehen ist. Blohm beschränkt sich bei der Betrachtung von Landschaften im urbanen Umfeld auf zeichenhafte Angaben des Sichtbaren.
Auf einem anderen Blatt taucht eine dunkel schattierte Wolke auf, die über dem Horizont schwebt. Darunter, wie Regenschauer, schilfhohe Grashalme. Auch hier reicht die Zartheit der Zeichen aus, um beim Betrachter eine genaue Vorstellung der Topographie, der Vegetation und sogar des atmosphärischen Momentes zu erzeugen. Auf subtile Weise gelingt es Blohm auf kleinem Format, an der Schwelle zum Sichtbaren, Zeit und Raum spürbar zu machen.
Bettina Blohm wurde 1961 in Hamburg geboren. Nach Abschluss ihres Studiums der freien Malerei an der Kunstakademie München, siedelte sie 1984 nach New York über und nahm 2003 die amerikanische Staatsbürgerschaft an.
Am 16. Mai findet um 18.30 Uhr ein Künstlergespräch, moderiert von Dr. Katja Blomberg, Direktorin Haus am Waldsee, statt. Der Eintritt ist frei.
Ina Budde setzt mit ihren Entwürfen Maßstäbe in der schnelllebigen Modebranche. Ihre ausgestellte Kollektion DfC X JNJ folgt in beeindruckender Konsequenz den Prinzipien der Kreislauffähigkeit – 2017 wurde sie dafür mit dem Bundespreis Ecodesign ausgezeichnet. Der linearen Wirtschaftsweise, die zu einem hohen Rohstoffverbrauch und enormen Abfallmengen führt, setzt die Modedesignerin recyclingoptimierende Gestaltungsprinzipien und faire Produktion entgegen. Transparenz und Nachverfolgbarkeit der verwendeten Materialien und Herstellungsverfahren, der Ausbau von Rückgabestrukturen, sowie die Entwicklung neuer Nutzungskonzepte und Vertriebswege sind dabei wichtige Punkte.
Design Views ist eine neue Ausstellungsreihe des Kunstgewerbemuseums und des Internationalen Design Zentrums Berlin.
Die Ausstellung "Ein Künstlermuseum für Berlin: Karl Schmidt Rottluff, Leopold Reidemeister und Werner Düttmann" (7. Mai - 12. August) ist eine Hommage an die Gründung des Museums vor 50 Jahren und an seine Protagonisten. Sie rekonstruiert anhand von Zeitzeugenberichten, Dokumenten und Originalfotografien die elegante und großzügige Ersteinrichtung der Sammlung aus dem Jahr 1967 und ist Ausgangspunkt zur Erkundung neuer Perspektiven auf die Sammlung und ihre Geschichte. Gezeigt werden insgesamt 39 Gemälde, 59 Grafiken und Originalzeichnungen, 7 Skulpturen, eine Glasarbeit sowie Jahresmappen und Postkarten aus dem Bestand des Brücke-Museums von Künstler*innen wie Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Max Pechstein und Otto Mueller sowie Anton Kerschbaumer, Otto Herbig, Max Kaus und Emy Roeder. Die Präsentation umfasst einen Zeitraum von 70 Jahren aus dem Früh-, Haupt- und Spätwerk der Künstlergruppe sowie Werke von Wegbegleiter*innen und Freund*innen der "Brücke"-Künstler.
Im Garten des Museums erichtet die Künstlerin Sol Calero (*1983 in Caracas, Venezuela) zeitgleich ihren Pavillion "Casa Isadora", inspiriert vom MUIM-Institut (Moderner Unterricht in Malerei), das Ernst Ludwig Kirchner und Max Pechstein 1911 in Berlin gründeten. Der Pavillion ist Auftakt einer Reihe von Kollaborationen des Brücke-Museums mit nationalen und internationalen Künstler*innen, Praktiker*innen und Wissenschaftler*innen.
Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS (1) - Gruppenausstellung "Landkulturen. Multimediale Perspektiven zwischen Natur und Kunst"
Im Museum im Herrenhaus präsentieren wir Ihnen 2018 als dreiteilige Ausstellungsreihe KUNST IM HERRENHAUS. Die Künstlerinnen und Künstler setzen sich mittels unterschiedlicher Techniken und Materialien mit den Themen Natur, Ökologie und Urbanität auseinander. Dabei geht es insbesondere um die heutige Beziehung zwischen Mensch und (Nutz-) Tier und das Spannungsverhältnis zwischen Stadt und Land. Die gezeigten Malereien, Grafiken, Fotografien, Videos und Installationen sind zum Teil poetische und sehr persönliche Werke, die uns auf eine visuelle Suche mitnehmen und dabei die Sehnsucht nach Alternativen und Orten der Freiheit wecken …
Als erste der drei Ausstellungen präsentieren wir unter dem Titel Landkulturen eine Gruppenausstellung von Künstlerinnen und Künstlern, deren hier ausgestellte Arbeiten multimediale Perspektiven zwischen Kunst und Natur beleuchten:
Maj-Synje Berns; Martin Binder; Sigrid Braun-Umbach; Andrea Colitti; Barbara von Hartha; Tina Hopp; Tama Kapanadze-Popkova; Celia Mehnert; Bettina Müller; Teona Paichadze; Sebastian Rohr; Bärbel Rothhaar; Georgi Tchkhaidze
Kuratorin: Dr. Lily Fürstenow. Mit Begleitprogramm
2018 ist es genau 50 Jahre her, seit der Bau einer neuen Urania-Säule auf dem umgestalteten Berliner Alexanderplatz als Wettbewerb ausgeschrieben wurde. Erich John, damals Dozent an der Hochschule für bildende und angewandte Kunst Berlin-Weißensee, setzte sich mit seiner Idee einer Uhr durch, die Weltoffenheit und wissenschaftlich-technischen Fortschritt symbolisiert. Der Bau der Weltzeituhr wurde „unter den bestehenden Umständen die gewagteste Unternehmung meines Lebens“, erinnert sich John, dem Bauleitung und Gestaltung für das in nur neun Monaten fertigzustellende Bauwerk oblagen.
Über die Weltzeituhr hinaus gelangen Erich John weitere bemerkenswerte Designs, darunter Arbeiten für die Industrie wie die erste formgestaltete Maschine in der DDR, Mikroskope und medizinische Geräte. Konsumgüter wie das Radio Undine II, Theatergläser, Bürsten und Eisbecher wurden in vielen DDR-Haushalten genutzt.
Die Ausstellung präsentiert ein Modell der Weltzeituhr und zahlreiche Objekte sowie Skizzen und Fotos aus dem umfangreichen Schaffen von Erich John. So erfahren die Besucher nicht nur, wie der Trabi in die Weltzeituhr gelangte, sondern können sich auch über ein bedeutendes Kapitel der DDR-Designgeschichte informieren.
Ungewöhnliche Wege beschreitet die Kulturstiftung Schloss Britz mit der neuen Ausstellung ab April 2018. Unter dem Motto „Kunst zum Mitmachen“ werden 19 interaktive Exponate aus 500 Jahren Kunstgeschichte gezeigt. Die Besucherinnen und Besucher können sich darin selbst in Szene setzen und damit Teil des Kunstwerks werden.
Entgegen sonst üblichen Gepflogenheiten ist in dieser Ausstellung das Fotografieren nicht nur erlaubt, sondern sogar erwünscht. Also schnell die Kamera oder das Smartphone ausgepackt und sich selbst oder Familie und Freunde als Teil des Kunstwerks fotografieren. Dabei kann natürlich nach Herzenslust gepostet werden: Das Foto in den sozialen Netzwerken hochladen und schon ist man in außergewöhnlicher Umgebung zu bewundern. Beginnend in der Renaissance geht die Reise von Botticelli und Michelangelo über Manet und Degas bis hin zu Picasso, Keith Haring und Andy Warhol; allesamt Werke von Weltruhm. In den begleitenden Texten erhält man auch noch Informationen zu den Künstlern, ihren Werken und den Epochen.
Mit der Ausstellung wendet sich Schloss Britz ganz besonders an ein jüngeres Publikum, das an die Kunst herangeführt werden soll. Mit diesem Zugang zur Kunst, der auch die neuen Formen der Kommunikation und der neuen Medien einbezieht, wird die Ausstellung zu einem lebendigen Ort, an dem mit Kunst experimentiert werden kann. Aber auch für ein älteres Publikum hat der Rundgang durch die Topwerke der Kunstgeschichte seinen Reiz. Auch sie sind herzlich eingeladen, sich selbst zum Kunstwerk zu machen.
Die Ausstellung wird in Kooperation mit dem Institut für Kulturaustausch, Tübingen präsentiert.
In Rahmen einer Kooperation zwischen dem Kunstgewerbemuseum der Staatlichen Museen zu Berlin und dem Mies van der Rohe Haus und anlässlich der Themenreihe „MIES – SITZEN UND LIEGEN“ werden die von Ludwig Mies van der Rohe entworfenen Sitz- und Liegemöbel des Landhauses Lemke nun in einer Sonderpräsentation am Kulturforum gezeigt.
1984 übereignete Martha Lemke dem Kunstgewerbemuseum eine Sammlung an Möbeln, die ursprünglich zur Erstausstattung des Landhauses Lemke in Berlin-Weißensee gehörten, welches Ludwig Mies van der Rohe 1932 für das Ehepaar Lemke entworfen hatte. Auch an der Inneneinrichtung war der führende Architekt der Moderne und Direktor des Bauhauses gemeinsam mit Friedrich Hirz und seiner langjährigen Assistentin Lilly Reich beteiligt. Bedingt durch die geschichtlichen Ereignisse in der Nachkriegszeit – das Ehepaar Lemke wohnte nur bis 1945 dort – wurden Haus und Möbel schließlich voneinander getrennt.
Nun werden die Möbel aus dem Nachlass Martha Lemkes in der Designsammlung des Kunstgewerbemuseums im Rahmen einer Sonderpräsentation gezeigt, darunter ein Liegesofa aus dem Damenzimmer, ein Schreibtischstuhl aus dem Arbeitszimmer sowie zwei verschiedene Varianten von lederbezogenen Holzhockern. Der Stil des Mobiliars zeichnet sich durch eine reduzierte Formgebung aus; Makassar- und Zitronenholz sowie helle Lederbezüge verleihen dem Interieur eine luxuriöse Note.
Die Möbel werden mit einer eigens entstandenen Serie des Berliner Fotokünstlers Michael Wesely (*1963) in Szene gesetzt. Für „Doubleday. Mies van der Rohe Haus. (1933-2018)“ hat Wesely historische Schwarzweiß-Fotografien der Innenausstattung des Hauses Lemke mit aktuellen Aufnahmen des Gebäudes zu einem Bild verschmolzen.
Die Ausstellungs-, Symposiums- und Veranstaltungsreihe „MIES – SITZEN UND LIEGEN“ veranstaltet das Mies van der Rohe Haus 2018 zur Einstimmung auf das 100-jährige Bauhaus-Jubiläum 2019. Die Reihe beleuchtet praktische, ästhetische und kulturtheoretische Aspekte des Sitzen und Liegens vor dem Hintergrund des Beitrages eines der größten Architekten des 20. Jahrhunderts.
Der Dokumentarfotograf Peter Thieme verfügt über einen umfangreichen Bestand von Fotografien, die Lichtenberg im Zustand von 1991–1999 wiedergeben. Auf ihnen sind noch die von der DDR hinterlassenen Spuren sichtbar. Nach nur wenig mehr als einem viertel Jahrhundert ist diese Vergangenheit inzwischen nur noch schwach oder gar nicht mehr erkennbar. Peter Thiemes Blick durch die Kamera ist alles andere als sentimental. Stadtansichten, Industriebrachen und von Investoren noch nicht entdeckte Leerflächen lassen das Ausmaß an Vernachlässigung vor und auch nach der so genannten Wende erkennbar werden, in der die Stadtlandschaft eines Wandels harrt.
Peter Thieme, geboren in Chemnitz, 1986–1991 Studium und Diplom an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig bei Arno Fischer und Horst Thorau, arbeitet als freiberuflicher Fotograf und Dozent in Berlin.
Die kleine Sonderausstellung „Liebe, Sex & Sozialismus“ spürt dem Zusammenhang zwischen den höchst privaten zwischenmenschlichen Beziehungen und den Vorstellungen des DDR-Staats in Bezug auf eine allumfassende Liebe nach. Dabei wird gezeigt, dass die ideologischen, sozialen und ökonomischen Verhältnisse der DDR tief in den Bereich der Geschlechterbeziehungen, der Familienplanung und des Alltags eingriffen und dass die Partei ihre Mitglieder und darüber hinaus alle Menschen der DDR zu Liebe, Hingabe und ewiger Treue verpflichtete.
In 26 thematischen Wandvitrinen sehen Sie spannende Exponate zu Beziehungsthemen sowie zur Aufklärung und Erotik in der DDR.
Die Sonderausstellung ist vom 28.03.2018 bis zum 31.07.2018 im Eingangsbereich des DDR Museum zu finden, direkt gegenüber dem inhaltlich neu gestalteten Foyer.
Der Eintritt zur Sonderausstellung ist frei.
Die Nationalsozialisten zerstörten die demokratischen Strukturen und verfolgten, enteigneten und ermordeten Vertreterinnen und Vertreter der „verhassten“ Weimarer Republik. Die Ausstellung zeigt erste Ergebnisse einer regionalen Spurensuche. Sie dokumentiert verschiedene Facetten der politischen Partizipation in einer offenen Gesellschaft und ihrer Bedrohung.
Im Mittelpunkt stehen dabei die Biografien von sechs Abgeordneten – Frauen und Männern: Hermann Clajus, Richard Draemert, Hans Holtz, Friedrich Matèrn, Anna Mayer und Minna Todenhagen. Fotografien und Dokumente erzählen von den politischen und beruflichen Aktivitäten in Zehlendorf und von den individuellen, spezifischen Verfolgungen im Nationalsozialismus. Auf diese Weise soll einerseits die Auseinandersetzung mit politischer Verfolgung und ihrer Definition angeregt werden. Andererseits ermöglichen die Biografien, Sensibilität und Empathie für Verfolgte zu wecken.
Die Ausstellung entstand in Kooperation des Fachbereichs Kultur des Bezirksamtes Steglitz-Zehlendorf mit dem Aktiven Museum Faschismus und Widerstand in Berlin e.V. Sie wurde erstmals 2016 in der Schwartzschen Villa in Steglitz präsentiert, 2017 der Zehlendorfer Teil im Heimatmuseum Zehlendorf.
Die Vogelperspektive, also der Blick von oben, ist die wohl beste Möglichkeit, um sich einen Überblick über eine Landschaft zu verschaffen.
Die Ausstellung erzählt mit eindrucksvollen Schwarz-Weiß-Aufnahmen die bislang wenig bekannte Geschichte der Brieftauben-Fotografie zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Sie gilt als wichtiges historisches Vorbild für die heutige Luftbildfotografie. 20 vergrößerte Reproduktionen und rund 20 Original-Abzüge von Luftaufnahmen, bei denen Brieftauben als Fotografen eingesetzt wurden, würdigen Julius Neubronner (1852-1932) als eine der ersten Personen, der es gelang, die Welt wortwörtlich von der Vogelperspektive aus zu betrachten.
Der Erfinder Julius Neubronner
Julius Neubronner, Apotheker im hessischen Kronberg, hatte die geniale Idee, Brieftauben als Träger von Fotoapparaten einzusetzen. Die von ihm entwickelten Taubenkameras fanden schnell Beachtung und kamen auf verschiedenen Gebieten zum Einsatz, vor allem in der kriegsrelevanten Aufklärungsfotografie. Das Preußische Kriegsministerium hatte großes Interesse an Neubronners Erfindung. Die gefiederten Soldaten erfüllten jedoch nicht alle Erwartungen - letztendlich erwiesen sich Aufklärungsflugzeuge als besser und effektiver.
Die Künstlerin Katharina Leubner zeigt farbenfrohe Malereien, die sie wie eine Bildergeschichte erzählt: Pomona hat sich der Natur verschrieben, sie lebt in ihrem Garten – ihrem Tempel der Fruchtbarkeit. Umgeben von Nutz- und Zierpflanzen und nicht nur in deren Pflege Erfüllung findend, genießt sie die Kontemplation, die ihr Garten bietet. In stiller Andacht unter Blätterdächern hält sie Zwiesprache mit den geheimen Seelen der Pflanzen. Sie ehrt die Früchte ihrer Arbeit und freut sich über die prächtigen Äpfel, Birnen, Weintrauben, Beeren, die sie erntet. Sie ist die Schöpferin dieses Reiches.
Mit Vertumnus tritt eine neue, andere Kraft in diese Welt. Zunächst stört er das Gleichmaß und die Beobachtung des Wandels der Vegetationsphasen. Doch dann ist die Begegnung mit ihm wie das biblische Erkennen eines männlichen Gegenparts. Bestimmung und Beharrlichkeit, Beistand und Eifer führen zu Hingabe und Vereinigung. Gleichnishaft verkörpern sie das Ideal des innigen Beisammenseins in vegetabiler Umgebung – Weinrebe und Ulme als Sinnbild der Symbiose.
Katharina Leubner lebt seit 2017 als freischaffende Künstlerin in Potsdam. Sie arbeitet vorrangig mit Öl auf Leinwand und lässt sich dabei von der Natur inspirieren.
Eintritt frei, Spenden erwünscht
Die Vernissage am 31. März wird von Joe Voss auf der Gitarre eröffnet.
Ein Rückblick auf 20 Jahre Stadtteilmagazin mit Fotografien von Wolfgang Krolow, Michael Hughes und Holger Groß. Titelbilder, eine Auswahl historischer Geschichten und Hintergrundinformationen führen von der 0-Nummer bis zur aktuellen 200. Ausgabe des Kultmagazins. Besonderes Augenmerk legt die Ausstellung auf die Kreuzberger Musikszene. Eröffnet wird sie am 22. Juni mit einem Konzert im Museumsgarten, bei dem die Protagonist*innen der Ausstellung live auf der Bühne im Museumsgarten stehen, u. a.: Christiane Rösinger, Bass-Gabi, Rachelina, Ralph Lanrue (Ton Steine Scherben), Hans Hartmann (Guru Guru), Rashidii Graffiti, Süleyman Celik, Gino Merendino.
Ein Projekt der Kreuzberger Chronik in Zusammenarbeit mit der Browse Gallery.
Mit der Ausstellung „1988“ laden wir zu einer Zeitreise in ein Jahr ein, das wir heute als Prolog zur Wende lesen. Der Fokus liegt auf den Ereignissen in Berlin und in Polen. In Polen begannen die Streiks der Solidarno??, die in einen Runden Tisch zwischen der Regierung und der Opposition und letztlich in die freien Wahlen von 1989 mündeten. Das war der Beginn der Wende in Europa, zu dem später auch der Fall der Berliner Mauer kam. In Berlin war das Jahr 1988 geprägt von zahlreichen Auseinandersetzungen zwischen dem Senat und der linksalternativen Szene der Stadt. Zur gleichen Zeit fand im Rahmen der Kulturhauptstadt Europas 1988 ein Schriftstellerkongress statt, bei dem Autorinnen und Autoren aus dem Westen und dem Osten von einem Europa ohne Grenzen träumten. Im September 1988 tagte in Berlin der Internationale Währungsfonds, damals Symbol dessen, was man heute als Globalisierung bezeichnet. Zehntausende linke Demonstrant*innen gingen gegen die Tagung auf die Straße. Die Fotografien von Ann-Christine Jansson und die Zitate aus Uwe Radas Roman „1988“ zeigen diese Welt, die noch ganz von dem, was ein Jahr später geschieht, unberührt scheint. Einen in seiner Schrägheit unspektakulären Alltag, der einen glauben macht, als wäre das schon immer so gewesen – und würde immer so bleiben.
Gefördert durch Mittel des Bezirkskulturfonds Friedrichshain-Kreuzberg mit Unterstützung des Vereins zur Erforschung und Darstellung der Geschichte Kreuzbergs e.V.
"Ich will dem Durstigen geben von der Quelle des lebendigen Wassers umsonst." Offenbarung 21,6
Die Jahreslosung 2018 ist Thema einer Ausstellung mit Arbeiten der Hobbyfotografin Ines Küstermann, die im Café des Museum Spandovia Sacra zu sehen ist.
In der begehbaren Installation »Aural« des Künstlers James Turrell bewegen sich die Besucher*innen in einem Licht- und Farbraum, dessen Grenzen nicht wahrnehmbar sind. Die Arbeit des weltweit bedeutendsten »Bildhauers des Lichts« ist in einem temporären Bau im Museumsgarten zu sehen und scheint die Gesetze der weltlichen Erfahrung aufzulösen.
Der entmaterialisierte und entgrenzte Raum wirkt gleichsam kontemplativ wie sinnlich aufgeladen und kann als eine künstlerische Interpretation des göttlichen Schöpfungsaktes angesehen werden. Mit »Aural« wird erstmalig eines der »Ganzfeld Pieces« von James Turrell in Berlin präsentiert.
Das Kunstwerk ist eine Schenkung von Dieter und Si Rosenkranz.
Ein Jahresprogramm mit Filmen von feministischen Filmemacher_innen und Videokünstler_innen
Ein Raum des Schwulen Museums wird zur Filmlounge, in der sich die Besucher_innen für unterschiedliche filmische Formate und internationale (queer-)feministische Positionen Zeit nehmen können. Die Filmlounge, mit ihrem zu jedem Neumond wechselnden Programm, ist während des regulären Museumsbetriebs zugänglich.
Die Reihe 12 Monde ist eine ganzjährig angelegte Intervention gegen die mangelnde Repräsentation weiblicher* Perspektiven – sowohl in audiovisuellen Medien und musealen Kontexten als auch in Kultur und Gesellschaft allgemein. Sie entwirft Fragen nach der Darstellung und Konstruktion von Weiblichkeit_en und dem Potential eines anderen Blicks.
Auf der Suche nach den Klassikern lesbischer und feministischer Filmhistorie, nach zeitgenössischen queeren Positionen und den Stimmen von Women* of Color sprechen wir mit den OWLs (Older Wiser Lesbians), den Pornfilmexpert_innen, wir besuchen Archive und gehen auf Festivals. Wir fragen die Communities nach den Geschichten, die gesehen und gehört werden sollten.
Die Filmauswahl eröffnet Einblicke in Alltagsleben und Begehren, hinterfragt Beziehungsstrukturen und Machtgefüge.
Beleuchtet werden sowohl gesellschaftliche Zumutungen als auch Geschlechterordnung. Die darin aufscheinenden Utopien und heilenden Momente sind Zeugnisse des globalen Kampfes von Frauen* um Respekt, Selbstbestimmung und Entfaltungsräume.
Team
Gesamtkuration: Vera Hofmann
Assistenz: Felix Roadkill und Anina Falasca
Raumarchitektur mit Carolin Gießner und Théo Demans
Vera Hofmann arbeitet als Künstlerin und ist im Vorstand des Schwulen Museums.
12 Monde wird im Rahmen des Projekts Jahr der Frau_en von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa gefördert.
Stefan Thiels Papierschnitte sind auf der ganzen Welt bekannt. Sie sind vertreten in großen Privatsammlungen sowie bedeutenden Museen und Institutionen in den USA, in Australien und in Europa. Man findet sie in den Sammlungen des Deutschen Bundestags und der Berliner Nationalgalerie.
Stefan Thiels Silhouetten des black facebook (2011–15) sind bereits ein fester Bestandteil der Geschichte der Homosexualität und ihrer Selbstdarstellung, zirkulieren in der Kunstwelt und den entsprechenden sozialen Netzwerken. Gekauft werden sie nicht nur von schwulen Männern, sondern auch von heterosexuellen Frauen, die die erotische Darstellung des Mannes als Sammelobjekt im Bereich der bildenden Kunst mehr und mehr für sich entdecken.
Thiel schnitt seine Silhouetten nach fotografischen Vorlagen aus schwarzem Büttenpapier – von einfachen Rückenakten mit heruntergelassener Hose über pornografische Situationen auf Möbelikonen der Klassischen Moderne bis hin zu Großformaten wie Logan + Bird Chair.
Aus diesem Werkblock gelangte 2016 die Serie 100 Berlin Based Men ins Schwule Museum. Thiel zeigt darin Silhouetten von Drag Kings, heterosexuellen und homosexuellen Männern. Was als kleine, unspektakuläre Untersuchung von Männerposen begann, verwandelte sich innerhalb von vier Jahren in ein Opus Magnum von 140 Einzeldarstellungen, das die unterschiedlichsten Personen aus Stefan Thiels Bekanntenkreis, der Berliner Szene und PlanetRomeo, aus Sydney über Toronto und New York bis Paris und Warschau in selbstdarstellerischer Weise vereint. Es ist eine artifizielle Trophäensammlung, ein anonymer, zugleich intimer Freundeskreis aus Transsexuellen, Mitgliedern eines Rugbyvereins, Bodybuildern, Tänzern, Pornodarstellern, Thiels Galeristen aus Berlin und Sydney und vielen Leuten, die aus dem Berliner Clubleben bekannt sind. So sind die 100 Berlin Based Men als Teil der Sammlung des Schwulen Museums ein Archiv im Archiv geworden. Und auf unserer Suche nach bekannten Körpern schärfen sie den Blick für unsere eigenen Projektionen. Wir stehen vor Thiels Papierschnitten wie in Platons Höhle gefesselt, denn der Papierschnitt funktioniert wie ein schwarzes Loch. Wir erkennen nur seinen äußeren Rand, und es saugt all unsere Projektionen in sich auf, um sich mit deren Energien aus Vermutungen, Ängsten und Wünschen aufzuladen und zu verdichten.
Der gleichnamige Katalog erscheint zur Ausstellung und kann für 29€ im Shop gekauft werden. Außerdem hat Stefan Thiel exklusiv für das SMU 25 Exemplare seines Werkes Young Man (2018, 55×40 cm) zur Verfügung gestellt, welche jeweils zusammen mit einem signierten Katalog als Sonderedition für 300€ erstanden werden können.
Zeitgleich zeigt das SMU aus eigener Sammlung Fotos und Objekte zum Thema „Leder“, darunter die private Lederstiefelsammlung von Volker Zimmermann. Er trug sie den 1980er- und 90er-Jahren zusammen und schenkte sie 2013 der Sammlung des Schwulen Museums, wo sie u.a. in der Ausstellung Homosexualität_en im Deutschen Historischen Museum/DHM zu sehen waren. Außerdem werden Fotoarbeiten von Krista Beinstein sowie Gerhard Pohl gezeigt.
Kuratiert von Wolfgang Theis im Rahmen von Tapetenwechsel 2.04.
Sterne faszinieren Menschen in allen Kulturen. Nicht nur in der Astronomie spielen sie eine Rolle, auch Reisenden und Seefahrern bieten sie Orientierung. Als Ornament kommen sie in vielfältigen Formen vor. Gehört der Stern im Judentum und im Islam zur religiösen Symbolik, spielt er im Christentum als „Stern von Bethlehem“ eine Rolle im Weihnachtsfestzyklus.
Das MEK zeigt ein breites Spektrum leuchtender Sterne, sowohl Advents- und Weihnachtssterne als auch andere Sterne: vom „polnischen Drehstern“ über den „Sebnitzer Stern“, den „Herrnhuter Advents- und Weihnachtsstern“ bis zu modernen Designobjekten. Auch der botanische Weihnachtsstern, den Alexander von Humboldt 1804 aus Südamerika erstmals nach Europa brachte, wird vorgestellt.
Die Ausstellung vermittelt Hintergrundwissen über Herstellung, Verwendung und Adaption von Sternen.
Es war eine eigene Welt, die die US-Streitkräfte an ihren militärischen Stützpunkten im Nachkriegsdeutschland errichteten. Neben der notwendigen militärischen Infrastruktur deckten die als Little Americas bezeichneten Militärstandorte nahezu alle Bereiche des öffentlichen Lebens ab, von Krankenhäusern und Schulen über Einkaufszentren, Tankstellen und Kultureinrichtungen bis hin zu Freizeit-und Sportstätten. Die amerikanische Infrastruktur sollte den Soldaten und ihren Familien das Leben in der Fremde erleichtern. Zudem sicherte sie die Autarkie der Militär-Communities. Erstmals gewährt nun eine umfangreiche Fotoausstellung Einblicke in diese abgeschottete Welt. Anhand von 200 Fotografien zeigt die Ausstellung „Little America. Leben in der Militär-Community in Deutschland“ den beruflichen und privaten Alltag der nach dem Zweiten Weltkrieg in Deutschland stationierten US-Soldaten und erinnert damit an ein wichtiges Kapitel in der Geschichte des Kalten Krieges.
Den exklusiven Blick in die Welt des amerikanischen Militärs ermöglicht die 220.000 Aufnahmen umfassende private Fotosammlung des Technikhistorikers John Provan, die das AlliiertenMuseum 2016 übernahm. Die Fotos aus den 1940er- bis 1990er-Jahren stammen aus zahlreichen Militär- und Redaktionsarchiven einstiger sowie noch bestehender US-Standorte in Deutschland und wurden von Militärfotografen im Auftrag des US-Militärs angefertigt. In der Ausstellung werden 200 der aussagekräftigsten Bilder der Sammlung Provan präsentiert und in dreizehn Themenbereiche aufgegliedert. Vier Themenkomplexe treten dabei besonders hervor: der militärische Alltag in Little America, die Herausforderungen der Auslandsstationierung, das Privat- und Familienleben der GIs sowie die Begegnungen mit der deutschen Bevölkerung. Da sich ein Großteil der amerikanischen Standorte im Südwesten der Bundesrepublik befand, stammen viele Bilder aus dieser Region. Aber auch West-Berlin und Süddeutschland sind prominent in der Ausstellung vertreten.
Für die Ausstellung »Welcome to Jerusalem« drehte Regisseur Dani Levy vier fiktionale 360°-Kurzfilme in der heiligen Stadt. Mit Virtual- Reality-Brillen erleben die Zuschauer*innen die Ambivalenz und Intensität der Stadt an der Seite eines Stand-up Comedians am Zionsplatz, eines Soldaten am Checkpoint oder eines Scharfschu?tzen u?ber den Dächern der Altstadt unmittelbar und immersiv. Die jeweils 5 bis 8-minu?tigen Episoden erzählen aus israelischer und palästinensischer Perspektive vom Leben an einem Brennpunkt des Nahostkonflikts und sind geprägt vom trockenen Humor, den wir aus Levys Filmen kennen.
Produziert von der Medea Film Factory in Koproduktion mit dem Jüdischen Museum Berlin sowie ZDF und ARTE. Gefördert von Medienboard Berlin-Brandenburg GmbH und Nordmedia Film- und Mediengesellschaft Niedersachsen/Bremen mbH.
Die Ausstellung „It smells like… flowers & fragrances“ zeigt vom 14.04. – 01.07.2018 im me Collectors Room Berlin am Beispiel von 26 KünstlerInnen das aktuelle Potenzial des bildmächtigen Themas der Blumendarstellung und subversiven Geruchskraft von Düften in der zeitgenössischen Kunst.
Hier regt alles die Sinne an: Die ausgewählten Arbeiten der KünstlerInnen dienen ebenso der Darstellung des ewig Schönen, Abgründigen oder auch der Entspannung. Denn Blumenmotive und Düfte sind universell. Epochen- und Kulturübergreifend, verlocken und verführen sie, stiften Vereinigung, zeigen Respekt, sind optimistisch, opulent und scheinbar frei von Provokation.
Doch Blumen sind seit jeher nicht nur Sehnsuchtsmotiv, dramatisches Sinnbild des Lebens oder erotisches Alter Ego für Sexualorgane. Ebenso gelten sie als politische Metapher, die Phänomene botanischer Migration in gesellschaftspolitischen Sphären ebenso veranschaulichen, wie sie die fortschreitende Fremdbestimmung einer gentechnisch veränderten Realität verdeutlichen können. Das klassische Repertoire der Rose umfasst Liebeserklärungen, Unschuld und Vergänglichkeit. Zudem diente sie als Verschwiegenheitsformel - „sub rosa“ - den Alchemisten oder fungierte in der Zustellung eines dornenbesetzten Rosenzweiges sogar als Kriegserklärung.
Düfte und Gerüche sind ebenso starke Mitspieler in diesem Reigen. Sie provozieren Gefühle, klinken sich in Erinnerungen, wecken kollektiv konditionierte Assoziationen. Düfte können ebenso anziehend wie abstoßend sein, auch betrügen und verführen. Sie erweitern die Dimension des Ästhetischen im Gernot Böhmeschen Sinne (1995) um die Empfindung und das Atmosphärische. Die KünstlerInnen analysieren Geruchsmuster u.a. von Städten und befassen sich mit dem ambivalenten Verhältnis zum Körpergeruch, wie der Essenz des Schweißes vom Künstler oder entschlüsseln die molekularen Strukturen von Düften.
Mit "It smells like… flowers & fragrances" wird der Darstellung der Sinne im me Collectors Room Berlin eine weitere olfaktorische Komponente hinzugefügt. Denn der, in der Ausstellung präsentierte, aus Platin gefertigte und mit Duftstoffen, - die hochmoderne Geruchsbotschaften aussenden -, gefüllte Ring von Sissel Tolaas und Georg Hornemann, stellt die ideale zeitgenössische Weiterführung der klassischen Verbindung von Kunst und Wissenschaft dar. Die kostbaren, historischen Exponate der Wunderkammer im me Collectors Room Berlin dokumentieren als delikate Vorläufer die frühmoderne Wissenskultur, die stets Momente des Sehens, Verstehens und sinnliche Präsenz zusammengeführt hat.
Die Ausstellung findet in der Lounge des me Collectors Room Berlin statt. Während der Umbauphase der großen Ausstellungshalle vom 14. – 23.04.2018 sind die Wunderkammer Olbricht und die Lounge dennoch geöffnet und zum ermäßigten Eintritt von 4€ zu besuchen.
KünstlerInnen: Olivia Berckemeyer (D), Bertozzi & Casoni (I), Norbert Bisky (D), Armin Boehm (D), Annedore Dietze (D), Ay?e Erkmen (T), EVA & ADELE, Tine Furler (D), Lennart Grau (D), Gregor Hildebrandt (D), Annett Kuhlmann (D), Nadia Lichtig (F), Leena Luostarinen (FL), Robert Mapplethorpe (GB), Jonathan Meese (D), Ingo Mittelstaedt (D), Michael Müller (D), Karin Pliem (AT), Ged Quinn (UK), Gerhard Richter (D), Thomas Schütte (D), Luzia Simons (BR), Sissel Tolaas & Georg Hornemann (N/D), Tomoyuki Ueno (J), Tina Winkhaus (D), Hansa Wisskirchen (D), Thomas Zitzwitz (D)
Kuratiert von Dr. Heike Fuhlbrügge.
Am 2. Mai eröffnet im Werkbundarchiv – Museum der Dinge die neue Sonderausstellung "Erotik der Dinge. Sammlungen zur Geschichte der Sexualität". Eintritt zur Eröffnung frei.
Die Oktoberrevolution von 1917 benötigte zu ihrem Überleben eine bewaffnete Macht. Diese schufen die Bolschewiki im Januar 1918 mit der Gründung der Roten Arbeiter- und Bauernarmee. Nach diesem Gründungsimpuls aber befand sich die junge Rote Armee in einem Spannungsfeld aus revolutionärem Idealismus und für die Verteidigung der Revolution überlebenswichtigem Pragmatismus. Anhand von ausgewählten Ereignissen stellt die Ausstellung die prägenden Umbrüche im ersten Jahrzehnt der Roten Armee dar. Damit war die Basis geschaffen, auf der sich die Rote Armee bis zum Ende der Sowjetunion zu einer der stärksten Armeen der Welt entwickeln konnte.
Julian Charrìere erhält den GASAG Kunstpreis 2018. Der Künstler befasst sich mit der Wechselwirkung von Mensch und Natur. Zu Beginn seiner Projekte stehen meist ausgedehnte Exkursionen. Sie führen ihn in abgelegene und bedrohliche Gebiete wie Eisfelder, Salzwüsten und radioaktiv verstrahlte Testgelände. In seinen Werken werden die Eingriffe und hinterlassenen Spuren der Zivilisation zu ungewollten Denkmälern, welche die Existenz des Menschen vermutlich weit überdauern werden.
Für die oft aufwändigen Entwicklungsprozesse seiner Werke arbeitet Charrière mit international agierenden Wissenschaftseinrichtungen zusammen. Dazu zählen das National Nuclear Center of Kazakhstan, die Bundesanstalt für Geowissenschaften und Rohstoffe oder das Institut für Mikrobiologie der Humboldt-Universität zu Berlin.
Julian Charrière ist 1987 in Morges in der französischen Schweiz geboren. 2006 begann er ein Kunststudium in der Schweiz und wechselte 2007 an die Universität der Künste Berlin, wo er 2013 sein Studium bei Olafur Eliasson am Institut für Raumexperimente abschloss.
#JulianCharriereBG #berlinischegalerie
Das Kunstgewerbemuseum zeigt Meisterwerke des Modeschmucks von 1930 bis 2007. Beginnend mit den sachlichen Tendenzen der späten 1920er- und frühen 1930er-Jahre sowie den verspielten Kreationen von Miriam Haskell wird ein weiter Bogen zu den kühn-kostbaren Paruren der Gegenwart geschlagen. Rund 400 Objekte aus der Sammlung Gisela Wiegert – allesamt berühmte Entwürfe großer Modehäuser und namhafter Designer wie Coco Chanel, Christian Dior oder William de Lillo – werden erstmals in Berlin zu sehen sein.
Kleidung und Schmuck sind von jeher untrennbar mit einander verbunden und inspirieren sich gegenseitig. Mode-Schmuck, ursprünglich aus unedlen oder halbedlen Materialien für die serielle und somit preisgünstige Produktion gefertigt, ist heute zur unverzichtbaren Ergänzung modischer Kleidung geworden. Wichtige Zentren waren bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts Idar-Oberstein und Gablonz, nach dem zweiten Weltkrieg Neugablonz, sowie Providence in den USA. Hier wurde und wird Schmuck in großen Produktionsstätten entworfen und auch gefertigt.
Coco Chanel war die erste Modeschöpferin, die die kreativen Möglichkeiten von Modeschmuck erkannte und ihn ab den frühen 1930er-Jahren gezielt als gestalterisches Element ihrer Kollektionen einsetzte. Andere Couturiers folgten und heute kreiert fast jedes große Modehaus Saison für Saison eine eigene Schmucklinie. Modeschmuck oder besser gesagt „Couture-Schmuck“ ist zu einem festen Bestandteil der Haute-Couture-Kollektionen geworden und entwickelt einen eigenen künstlerischen Anspruch, der ihn vom Vorbild des „echten“ Schmucks unterscheidet.
Die Ausstellung entsteht gemeinsam mit Gisela Wiegert, einer der bedeutendsten deutschen Sammlerinnen von Modeschmuck. Seit mehr als 30 Jahren sammelt sie passioniert und kenntnisreich hochwertigen Modeschmuck und stellt die wichtigsten und schönsten Stücke ihrer opulenten Sammlung dem Kunstgewerbemuseum großzügig für die Ausstellung zur Verfügung. Die Präsentation in der Modegalerie bietet zudem die einmalige Möglichkeit Mode und Modeschmuck in unmittelbarer Nachbarschaft zu zeigen und die entscheidende Bedeutung von Schmuck in der Mode angemessen darzustellen.
Die Ausstellung spannt einen zeitlichen Bogen von den 1890er- bis zu den 1930er-Jahren und stellt die sozialkritische Ausrichtung innerhalb der Berliner Kunst in diesem Zeitraum heraus.
Als erste Secession in Deutschland widmet sich die Berliner Secession mit Künstlern wie Heinrich Zille, Hans Baluschek und Käthe Kollwitz konsequent sozialkritischen Themen. Die prekären Lebens- und Wohnverhältnisse der durch die Industrialisierung stark angewachsenen Arbeiterschaft sind zentrale Themen ihrer Werke. Einen drastischen Einschnitt stellt der Erste Weltkrieg dar. Die zweite Generation von Künstlern, die in der Ausstellung gezeigt wird – darunter Otto Dix, George Grosz und Otto Nagel – ergreift nicht Partei für „den kleinen Mann“, sondern kritisiert in ihrem Werk ganz allgemein die gesellschaftlichen Missstände der Weimarer Republik. Neue Techniken wie die Collage werden angewendet, um – in Text und Bild – vor politischen Entwicklungen zu warnen.
Wie in keiner anderen Stadt des Deutschen Reiches, und auch in keiner anderen europäischen Metropole, sah die Kunst ihre Aufgabe in der Thematisierung von Krieg, Revolution, Kapitalismus und sozialer Ungerechtigkeit und suchte dabei auch den Schulterschluss zu anderen Künsten wie dem Theater oder der Literatur.
Lee Bul (*1964), eine der bedeutendsten koreanischen Künstler*innen ihrer Generation, hat für ihr formal erfinderisches und intellektuell provokantes Werk große internationale Anerkennung erfahren. Ihr vielfältiges Schaffen zwischen Performance- und Installationskunst erforscht Träume, Ideale und Utopien, die von futuristischen Theorien und Science-Fiction, Bioengineering und visionärer Architektur sowie japanischem Anime und Manga beeinflusst sind. Während ihres nunmehr 30-jährigen künstlerischen Schaffens hat Lee Bul die Entwicklung Südkoreas von einer Militärdiktatur zur Demokratie in ständiger Konfrontation mit dem nur wenige Kilometer entfernten Nordkorea erlebt. Ihre Arbeiten zeugen von einer intensiven Reflexion historischer und politischer Diskurse, der Herausforderungen von Globalisierung und technischem Fortschritt, aber auch der Ideale menschlicher und gesellschaftlicher Vollkommenheit und deren potentiellem Scheitern.
Vom 29. September 2018 bis 13. Januar 2019 zeigt der Gropius Bau die erste Einzelausstellung von Lee Bul in Deutschland. Die umfassende Werkschau umfasst auch eine Reihe neuer Arbeiten, die Lee Bul eigens für den Gropius Bau konzipiert.
Eine Ausstellung in Kooperation mit der Hayward Gallery London, kuratiert von Stephanie Rosenthal. Ermöglicht durch den Hauptstadtkulturfonds.
Der Unternehmer und Bankier Barthold Suermondt (1818 – 1887) hatte bis in die 1870er Jahre hinein eine der bedeutendsten privaten Sammlungen von Gemälden und Zeichnungen alter Meister in Deutschland zusammengetragen. 1873 war er jedoch gezwungen, seine Kunstsammlung zu veräußern und bot sie den königlichen Museen in Berlin zum Kauf an. Im Dezember 1874 wurde im Inventarbuch des Kupferstichkabinetts der Eingang von 418 Zeichnungen festgehalten. Weitere Blätter aus Suermondtschem Besitz fanden 1879 und 1884 ihren Weg nach Berlin, sodass insgesamt 435 Zeichnungen die Bestände des Berliner Kupferstichkabinetts bereicherten. Bei dem weitaus größten Teil dieser Blätter handelt es sich um Werke niederländischer Meister aus dem 17. Jahrhundert. Zu dieser Zeit dienten Zeichnungen nicht mehr nur der Vorbereitung von Gemälden, sondern errangen den Status autonomer Kunstwerke. Neben religiösen Sujets, Genreszenen, Figuren- und Tierstudien bilden Landschaften und maritime Motive eine kohärente Gruppe.
Die Ausstellung zeigt zwanzig Blätter aus Suermondtschem Besitz, die das Leben am Wasser thematisieren. Etwa die Hälfte der Niederlande liegt weniger als einen Meter über, rund ein Viertel des Landes unter dem Meeresspiegel. An die zerklüftete Küstenlinie mit den Flussmündungen von Rhein, Maas und Schelde schmiegen sich die Seehäfen von Amsterdam und Rotterdam. Durch die vorteilhafte geographische Lage, eine beachtliche Flotte seegängiger Schiffe und eine bedachte Zollpolitik kontrollierten die Niederländer schon am Anfang des 17. Jahrhunderts fast die gesamte Frachtschifffahrt des Kontinents. Zu Recht wurden sie die „Fuhrleute Europas“ genannt. Die Künstler dieser Zeit drückten die Begeisterung für die Seefahrt in ihren Werken aus und schürten diese damit gleichzeitig. Majestätisch ragen Handels- und Kriegsschiffe bei Willem van de Velde d. J. wie Kolosse aus der ruhigen See. Bei Ludolf Bakhuysen wirken die Fischerboote zwergenhaft neben einem Linienschiff mit geblähten Segeln. Mit enormer Detailfreude portraitierte Willem van de Velde d. Ä. die Mehrdecker mit ihren prachtvollen Heckspiegeln.
Doch stellte das Wasser in den Niederlanden auch im Binnenland einen bedeutenden Wirtschaftsfaktor dar. Flüsse und Kanäle, Deiche und Brücken prägen die Landschaft bis heute. Selbst der Blick aus der Ferne wie in den Arbeiten Pieter de Withs und Philips Konincks schließt Segelboote und Kähne auf den Wasserstraßen mit ein. Selten zeigen die Künstler das Wasser unbelebt: Angler, Fischer und Fuhrleute bevölkern die Flüsse und Kanäle in den Darstellungen Jan van Goyens, Adriaen Verbooms und Jan van de Cappelles. Auch Zugbrücken, Schleusen und Wehre in den Zeichnungen Anthonie van Borssoms, Gerard Ter Borchs und Simon de Vliegers zeugen von der Kompetenz der Niederländer, im Einklang mit dem Wasser zu leben.
Eine Kabinettausstellung des Kupferstichkabinetts in der Gemäldegalerie.
Der neunte Preis der Nationalgalerie wurde im Herbst 2017 an Agnieszka Polska (geb. 1985 in Lublin) verliehen. 2018 werden die Werke der Preisträgerin in einer umfangreichen Einzelausstellung präsentiert, die von einer Publikation begleitet wird. In Polskas Animationsfilmen treffen wir auf eine verschlüsselte Aneignung vorgefundener kultureller Erzeugnisse. Ihre Referenzen entstammen weder der fernen Vergangenheit, noch der Hochkultur. Vielmehr sind diese Bildcollagen ein verschlüsseltes Inventar der Gegenwart, das das kollektive Unbewusste heraufbeschwört, das sich World Wide Web nennt. Von einem beunruhigenden Unterton getragen, stellen Polskas Filme auf eine poetische und persönliche Weise die Frage nach dem Zustand der gegenwärtigen Welt und unserer Rolle und Verantwortung.
Der Preis der Nationalgalerie wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie und gefördert durch BMW.
Mit der Schenkung des Gemäldes "Der Concordia-Tempel von Agrigento" des Münchner Architekten und Malers Leo von Klenze (1784–1864) ist die Sammlung der Nationalgalerie um eine wichtige Position erweitert worden. Während sie bereits über einen großen Schatz klassizistischer Werke des Berliner Architekten Karl Friedrich Schinkel (1781–1841) verfügt, konnte der Bestand nun um ein wichtiges Werk des bedeutenden Münchner Klassizisten ergänzt werden. Klenze war primär Architekt, aber auch Zeichner und Maler, wobei er ein nur sehr begrenztes malerisches Oeuvre hinterließ. Einige seiner großformatigen Architekturdarstellungen und Stadtansichten verschenkte Klenze an namhafte Zeitgenossen, darunter Johann Wolfgang von Goethe (1749–1832) sowie sein Berliner Kollege Karl Friedrich Schinkel. Das Gemälde des "Concordia-Tempels" stammt aus dem ehemaligen Besitz des Berliner Ägyptologen Karl Richard Lepsius (1810–1884). Es war ein Gegengeschenk des Künstlers für das zwölfbändige, nur in wenigen Exemplaren aufgelegte Tafelwerk „Denkmäler aus Aegypten und Aethiopien“.
Lepsius, der seine akademische Laufbahn als Sprachwissenschaftler und Archäologe begann, war durch die von ihm in königlich-preußischer Mission geleitete Expedition nach Ägypten während der Jahre 1842 bis 1845 weit über Berlin hinaus bekannt geworden. Die wissenschaftlichen Nachwirkungen der „ägyptischen Unternehmung“ waren beträchtlich: knapp 1.500 Objekte brachte Lepsius für das auf der Museumsinsel eröffnete Neue Museum mit und in rund 900 reich bebilderten Großfoliotafeln vermittelten Zeichner die von ihm entdeckten Kunstdenkmäler. Leo von Klenze hatte seinerseits bereits einige Jahre zuvor im königlich-bayerischen Auftrag ägyptische Kunst erworben und damit in München eine wichtige Sammlungsstätte dieser Kunst initiiert. Vor diesem Hintergrund ist es auch wenig erstaunlich, dass Klenze gerade an Lepsius’ reich bebildertem Tafelwerk Interesse zeigte und als diplomatisches Tauschgeschenk sein Bild anbot. Beide setzten dabei auf den Austausch von Wissenschaft und Kunst: Leo von Klenze bediente sich archäologischer Quellen, um seine Ideallandschaften künstlerisch umzusetzen, Karl Richard Lepsius nutzte wiederum Künstler und künstlerische Mittel, um seine archäologischen Quellen visuell zu vermitteln.
Die Ausstellung zeigt in Konzentration auf Lepsius’ Tafelwerk und Klenzes Concordia-Tempel-Darstellung den einträchtigen Austausch von Kunst und Wissenschaft, den Friedrich Wilhelm IV. als Losung für die Museumsinsel als einer „Freistätte von Kunst und Wissenschaft“ ausgerufen hatte.
Die Präsentation im Kabinett für Wechselausstellungen umfasst rund 35 Objekte: Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen, Bücher und wissenschaftliche Artefakte – darunter Leihgaben aus dem in der Bayerischen Staatsbibliothek München verwahrten Klenze-Nachlass, Arbeiten aus dem Kupferstichkabinett und dem Ägyptischen Museum der Staatlichen Museen zu Berlin, der Berlin-Brandenburgische Akademie der Wissenschaften sowie der Staatsbibliothek zu Berlin.
Die Neuerwerbung wird erstmals nach einer umfangreichen Restaurierung und kunsttechnologischen Untersuchung der Öffentlichkeit präsentiert.
Diese Ausstellung müssen Sie gehört haben!
90 Jahre Popmusik in Deutschland: Vom Swing der 1920er-Jahre über die Beat-Ära, Punk, die Neue Deutsche Welle, Techno und Hip Hop bis zu heutigen Trends. Mit Kopfhörern tauchen Sie ein in die bunte Welt des Pop, hören an Soundstationen Musiktitel, Radio- und Filmbeiträge und gehen auf eine Zeitreise durch die eigene Vergangenheit. Nicht nur Hits werden präsentiert, auch Schlager, Kurioses und Vergessenes gibt es zu entdecken.
Das Herzstück der Ausstellung ist die Mainroad. Sie präsentiert den kulturellen Background der jeweiligen Popmusik-Epochen. Die Sound Lounge lädt zum Hören und Relaxen ein. 60 Songs von Marlene Dietrich bis Pur ergänzen die Klangerlebnisse der Main Road. Im Backstagebereich leben beim Anblick von Plakaten, Platten- und CD-Covern alte Erinnerungen wieder auf.
Eine Ausstellung des Focke-Museums, Bremen
Nach Konzept/Idee: Museum für Kommunikation, Bern
Was sehen wir in einem Bild oder in einer Skulptur? Ist das, was wir sehen ‚wirklich‘ oder Teil einer Wirklichkeit?
Die Ausstellung widmet sich in Anknüpfung an eine lange Forschungstradition den Fragen, WAS Kunst im antiken Griechenland abbildet und WIE sie es tut. In neun Kapiteln wird verschiedenen Konstruktionen von Wirklichkeit nachgegangen: vom Porträt griechischer Staatsmänner und Philosophen über die Darstellungen von Bauern und alten Frauen bis hin zu Athleten.
1950 eröffnete im Münchner Haus der Kunst die Ausstellung Werke Europäischer Plastik. Gezeigt wurden in dieser ersten europäischen Schau über 70 Arbeiten von 35 deutschen und elf französischen, englischen, italienischen und schweizerischen Bildhauern, darunter von so prominenten Vertretern wie Henry Moore und Aristide Maillol. Durch die Kontextualisierung der deutschen Nachkriegsbildhauerei mit zentralen Positionen der westeuropäischen Moderne gibt die Ausstellung erstmals einen Einblick in das künstlerische Selbstverständnis der deutschen Bildhauer in einem internationalen Kontext und fünf Jahre nach dem Ende der nationalsozialistischen Diktatur. Im Rahmen der Ausstellung "Was war Europa" im Kunsthaus Dahlem werden die Werke der Münchner Schau, sofern sie identifizierbar und ausleihbar sind, erneut versammelt. Dabei wird sich die Auswahl auf die deutschen Positionen aus der Münchner Ausstellung konzentrieren. Ausgestellte KünstlerInnen: Ernst Barlach, Bernhard Bleeker, Hermann Blumenthal, Georg Brenninger, Alexander Fischer, Hermann Hahn, Philipp Harth, Bernhard Heiliger, Anton Hiller, Ludwig Kasper, Heinrich Kirchner, Richard Knecht, Moissey Kogan, Wilhelm Lehmbruck, Gerhard Marcks, Ewald Mataré, Priska von Martin, Hans Mettl, Georg Müller, Edwin Scharf, Toni Stadler, Josef Wackerle, Hans Wimmer, Fritz Wrampe
Eröffnung: 28. Juni 2018, 19 Uhr
Laufzeit: 29. Juni 2018 - 02. Juni 2019
Ausgehend vom Light and Space Movement der späten 60er Jahre, über Arbeiten zeitgenössischer Künstler*innen wie Dominique Gonzalez-Foerster und Cyprien Gaillard, bis hin zu Performances und Workshopangeboten, spannt die Ausstellung ein Panorama unterschiedlichster immersiver Praktiken, durch die Kategorien wie Betrachter und Werk verschwimmen und Subjekt und Objekt an Distanz verlieren. Immersive Arbeiten sind nur in ihrer je eigenen Zeitlichkeit erlebbar – sie brauchen eine Phase der Ankunft, des Ein- und Auftauchens, wofür die Ausstellung eine spezifische Dramaturgie entwickelt.
Eine Gruppenausstellung der Berliner Festspiele im Rahmen der Programmreihe Immersion, kuratiert von TINO SEHGAL und THOMAS OBERENDER.
Von Berlin nach Breslau: erstmals thematisiert eine Ausstellung den großen künstlerischen Einfluss des Brücke-Künstlers und Expressionisten Otto Mueller (1874–1930). Als Maler und Mentor für eine jüngere Generation lehrte er über 10 Jahre an der Staatlichen Akademie für Kunst und Kunstgewerbe in Breslau, die in den 1920er Jahren zu den fortschrittlichsten Kunstschulen in Europa zählte. Hier standen gleichberechtigt die vielfältigen Strömungen der damaligen Malerei nebeneinander: Académie Matisse, Expressionismus, Neue Sachlichkeit und Bauhaus. Der unangepasste, charismatische und von Freiheitsideen begeisterte Otto Mueller hatte maßgeblichen Einfluss auf die dortige Kunstszene. Die Strahlkraft seines Wirkens in Breslau – erweitert und verstärkt durch sein künstlerisches Netzwerk – reicht bis in die Nachkriegsmoderne. Ein wichtiges Kapitel deutsch-polnischer Kunstgeschichte erfährt mit dieser Ausstellung erstmals eine größere Beachtung.
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin in Zusammenarbeit mit der Alexander und Renata Camaro Stiftung.
Das Projekt LUCKY untersucht Glück als kulturellen Mythos, der Privilegien normalisiert. Als Glück maskiert können weiße Vorherrschaft und das Patriarchat ihren Status Quo endlos halten – wird jede Erzählung so gestrickt, dass widerständige Bewegungen geschwächt werden. Angeblich führt harte Arbeit zum Erfolg, doch wo dieser sich einstellt, wird er als ‚glücklicher Zufall‘ umgedeutet. Solche Aphorismen überschreiben weniger privilegierte Geschichte/n in physischen, digitalen und spirituellen Räumen. LUCKY lädt in einer Ausstellung, einer Performance und einer Veranstaltungsreihe queere Kulturproduzent_innen dazu ein, die Machtstrukturen aufzudecken, die hinter Mythos und Illusion verborgen sind.
nGbK Projektgruppe "COVEN":
Frances Breden, Shelly Etkin, Lorena Juan, Judy Landkammer, Louise Trueheart, Kiona Hagen Niehaus, Esther Roman, Harley Aussoleil
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