Ein Tag der Entscheidung in Leipzig, Herbst 1989: Als am 9. Oktober über 70.000 Menschen auf die Straße gingen, um gegen das DDR-Regime zu protestieren, war der Ausgang des Tages nicht ausgemacht. Dem Demonstrationszug entgegen stand eine entschlossene Staatsmacht mit einem enormen Aufmarsch von Sicherheitskräften. Die Möglichkeit einer „chinesischen Lösung“, also einer gewaltsamen Niederschlagung des Protests wie es im Juni 1989 in Peking auf dem Platz des Himmlischen Friedens geschehen war, lag in der Luft. Wer an diesem Tag auf die Straße ging, konnte nicht wissen, wie dieser enden würde. Niemand ahnte zudem, was schon einen Monat später geschehen sollte: die Öffnung der Berliner Mauer und die damit einhergehende Verschiebung der gesamtpolitischen Lage.
Dass Geschichte ein offener Prozess ist – das Ergebnis von Entscheidungen und konkreten Handlungen, aber auch von glücklichen oder unglücklichen Konstellationen und Zufällen – möchte das DHM vermitteln und wagt dazu ein Experiment: Es lädt die Besucher*innen ein, kostenfrei den Prototyp eines digitalen Spiels für die weitere Nutzung zu testen und in die Rollen von sieben Figuren zu schlüpfen, um aus unterschiedlichen Perspektiven den 9. Oktober in Leipzig zu durchlaufen. Dabei gibt es die Möglichkeit, konkrete Entscheidungen zu treffen und den Verlauf der Ereignisse in Leipzig zu beeinflussen. Gekoppelt sind die sieben Figuren an einzelne Ausstellungsobjekte, die als Relikte ihrer Zeit die Geschichte auf ihre Art erzählen.
Entwickelt wurde der Prototyp im Verbundprojekt museum4punkt0. Das Projekt museum4punkt0 wird gefördert von der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien aufgrund eines Beschlusses des Deutschen Bundestages.
Die Medaillenkunst der Gegenwart in Deutschland ist ein Spiegel unserer Zeit. Dauerhaft und dynamisch zugleich hält die ?Hand Große Kunst" die Menschen und ihre Welt auf konzentriertem Raum fest.
Über 100 Künstler*innen präsentieren in der Ausstellung ihre neuesten Arbeiten. Stilistisch und thematisch ist das Spektrum weit und bunt. In den Reliefs öffnet sich ein Panorama von Porträt und Innerlichkeit bis hin zu Fragen um den Ursprung und die Zukunft der Menschheit.
Die eigens für diese Ausstellung ins Leben gerufene Jahresedition ?Nähe und Distanz" beschäftigt sich mit gegenwärtigen Erfahrungen und öffnet dabei zugleich ein weiteres Kapitel der Medaillengeschichte. Beteiligt sind der Berliner Medailleurkreis, Mitglieder der Deutschen Gesellschaft für Medaillenkunst e. V. sowie Studierende der Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle.
Die Sonderausstellung ist ein Projekt mit Objekten aus den Beständen des Münzkabinetts der Staatlichen Museen zu Berlin sowie der Staatlichen Münzsammlung München und Leihgaben aus Privatbesitz. Sie zeigt die ganze Bandbreite der zeitgenössischen deutschen Medaillenkunst.
Zur Ausstellung ist ein Begleitband erschienen: D. O. A. Klose ? B. Weisser, Hand Große Kunst. Medaillenkunst in Deutschland von 2007 bis 2020. Die Kunstmedaille in Deutschland 31 (2021).
Gefördert von der Numismatischen Gesellschaft zu Berlin e. V. und der Deutschen Gesellschaft für Medaillenkunst e. V.
Ein Atompilz, IS-Flaggen, Bilder von Flucht, Vertreibung, Hinrichtungen und Krieg, aber auch von Legenden der Filmgeschichte oder Sonnenuntergängen in Tunis: Jean-Luc Godards Film Le livre d'image (2018) ist ein politisches Filmgedicht. Der Filmemacher hat dafür Bilder aus Film und Zeitgeschichte in fünf Kapiteln und einem Epilog zu einer assoziativen Collage kombiniert. Die Ausstellung wurde von Fabrice Aragno, Kameramann und Produzent von Le livre d'image, in Abstimmung mit Jean-Luc Godard kuratiert. Er greift die Unterteilung des Films in Kapitel auf, fragmentiert die Werkteile und bricht mit der linearen Form. Über 40 Bildschirme hinweg kann das Publikum seinen eigenen Assoziationen freien Lauf lassen.
Eine Ausstellung von Fabrice Aragno, produziert von Visions du Réel und L'Atelier, auf Initiative von Emilie Bujès und mit der Unterstützung der Jan Michalski Stiftung und Arte
Präsentiert vom Haus der Kulturen der Welt und der Berlinale
Im Rahmen von Das Neue Alphabet
Die Ausstellung "Durch das Archiv" unterzieht das siebenjährige Schaffen der station urbaner kulturen in Hellersdorf einer Reflexion für die Gegenwart und diskutiert deren Potenziale für die Zukunft des Stadtteils. Ein besonderer Schwerpunkt liegt hierbei auf dem Thema Beteiligungsformate.
Die station urbaner kulturen hat sich seit 2014 aus dem Projekt "Kunst im Untergrund" zum zweiten Standort der nGbK in Hellersdorf etabliert. Dem einst jungen Stadtteil der DDR, dessen Geschichte nach 1989 und jüngsten Wandel sind durchgehend Fragen zu sozialer Stadtentwicklung, Gemeinwohl und gesamtstädtischen Zusammenhängen eingeschrieben. Die dort stattfindenden Ausstellungs- und Veranstaltungsprojekte verhandeln diese Themen unter verschiedenen Perspektiven und sind geprägt durch die künstlerische Praxis der Beteiligungsformate: Sie wirken in das Quartier hinein und erzeugen neue öffentliche Räume. So wie die Grünfläche, die seit 2016 auch "Place Internationale" genannt wird, sind es Orte der künstlerischen Interaktion mit der Anwohner_innenschaft und der gemeinschaftlichen Gestaltung für ein Miteinander im Bezirk.
In der nächsten Legislaturperiode stehen große städtebauliche Projekte in Hellersdorf an, bei denen die "Helle Mitte" zum kulturellen wie wirtschaftlichen Zentrum des Stadtteils avancieren, ein Schulcampus auf der Grünfläche "Place Internationale" geplant und ein Freibad am Jelena Šanti? Friedenspark gebaut werden soll.
"Durch das Archiv" fokussiert den Blick auf die partizipativen Projekte aus sieben Jahren station urbaner kulturen und zeigt auf, welche Aneignungsprozesse, Ansprüche, Wünsche und Vorarbeiten von Anwohner_innen gemeinsam mit Künstler_innen an diesen Standorten bereits existieren. Sie formieren einen Aufruf an die Stadtentwicklungsämter, diese informellen Vorleistungen durch Beteiligungsprozesse aufzugreifen und zu verfestigen.
nGbK-Projektgruppe station urbaner kulturen:
Juan Camilo Alfonso Angulo, Jochen Becker, Eva Hertzsch, Margarete Kiss, Constanze Musterer, Adam Page
In Zusammenarbeit mit Ralf Wedekind
Die station urbaner kulturen / nGbK Hellersdorf ist Teil der Initiative Urbane Praxis.
Im Rahmen der DRAUSSENSTADT gefördert von der Senatsverwaltung für Kultur und Europa
Neben seinem beeindruckenden malerischen Werk spielt auch die Druckgrafik für Max Liebermann eine wichtige Rolle – über 600 Motive als Radierungen, Lithografien und Holzschnitte sind heute in Museums- und Privatsammlungen auf der ganzen Welt verteilt. Zum 175. Geburtstag des Künstlers gibt die Liebermann-Villa anhand ausgewählter Blätter eine Einführung in seine druckgrafischen Arbeiten. Wie entdeckte Liebermann das Radieren für sich? Wie entstanden seine Lithografien? Und warum legte er so viel Wert auf seine druckgrafischen Blätter?
In den letzten Jahren haben zahlreiche neue Schenkungen und Dauerleihgaben den Bestand der Liebermann-Villa am Wannsee bereichert. Vom 2. bis 28. Februar 2022 werden zehn dieser Highlights im Zentrum der neuen Ausstellung Im Fokus. Neuzugänge der Liebermann-Villa stehen, darunter Gemälde des Wannseegartens, Porträts bekannter Persönlichkeiten und großformatige Kreidezeichnungen. Die einzelnen Werke werden im Detail beleuchtet: Was ist zu ihren Entstehungsgeschichten bekannt? Welche Wege legten diese Bilder bis zur Liebermann-Villa zurück? Und wie fügen sich die Objekte in die künstlerische Entwicklung Liebermanns ein?
Das Käthe-Kollwitz-Museum widmet sich im Rahmen seiner letzten Sonderausstellung am jetzigen Standort dem Werk der Fotografin Lotte Jacobi und der Trickfilmkünstlerin Lotte Reiniger. Erfolgreich schafften sie es, sich in der männerdominierten Kunstwelt durchzusetzen. Die Sonderschau zeigt auf, wie ihre Karrieren in der aufstrebenden, lebendigen Kulturszene des Berlins der Weimarer Zeit ihren Anfang nahmen und bis zu ihrer Emigration im Jahr 1935 aufblühten.
Sie treffen erstmals in einer Ausstellung aufeinander: Lotte Jacobi wird mit ihren ausdrucksstarken Porträts von namhaften Persönlichkeiten aus der Kunst- sowie Theater-, Tanz- und Filmszene präsentiert werden. Die bedeutende, international bekannte Filmemacherin Lotte Reiniger wird mit Scherenschnitten, Storyboards, Zeichnungen und ihren Silhouettenfilmen vertreten sein. Zusammen versprechen sie, ein spannendes Ausstellungspaar abzugeben, dessen Werk ohne Sprache auskommt und interkulturell verstanden wird.
Die Ausstellung OUT OF PARIS vereint künstlerische Annäherungen an einen Ort und untersucht, was die französische Hauptstadt aus künstlerischer Sicht interessant und unverwechselbar macht.
Vier in Berlin lebende Künstler:innen nutzten Stipendien und Residenzen in Paris für die visuelle Verarbeitung ihrer Eindrücke. So entstanden Werkgruppen, die mit sehr unterschiedlichen künstlerischen Ansätzen dem genius loci auf die Spur kommen. Die in verschiedenen Medien entwickelten Arbeiten machen sich auf die Suche nach der Essenz, dem Charakter und dem schwer zu definierenden je ne sais quoi der Seinemetropole.
Die Fragen, die hinter den unterschiedlichen Arbeitsweisen stehen lauten: Kann ein Mensch in einem begrenzten Zeitraum so tief in eine fremde Stadt eintauchen, dass sich die unverwechselbare urbane Stimmung und Ästhetik einfangen lässt? Welcher Aspekt der Großstadt ist für die einzelnen Künstler:innen anregend gewesen? Welche Facette von Paris kann und soll vermittelt werden? Kann man in einer digital vernetzten und scheinbar nivellierten globalisierten Welt überhaupt noch den speziellen Charakter einer Nation oder deren Hauptstadt erspüren?
Gezeigt werden Zeichnungen, Fotografien, Videos, Klangarbeiten und Skulpturen bzw. Objekte.
Mit Werken von: Claudia von Funcke, Carlo Nordloh, Katinka Theis, Ulrich Vogl.
Wohl kein Fotograf hat so intensiv über einen langen Zeitraum in beiden Teilen der Stadt arbeiten können wie Klaus Mehner. Der 2016 verstorbene Berliner hatte in den 1960er Jahren mit dem Fotografieren begonnen, teils als Autodidakt, teils bei einer Lehre in einer Bild- und Nachrichtenagentur.
Immer wieder konnte Mehner, akkreditiert für den SPIEGEL, in Ost-Berlin, mitunter auch in der DDR fotografieren. Mehner, so scheint es, war über Jahre fast jeden Tag mit seiner Kamera in der Stadt unterwegs – bei offiziellen Ereignissen wie an eher abseits gelegenen Orten und selbstgefundenen Themen.
Die Ausstellung stellt diese Besonderheit des Fotografen in den Mittelpunkt. Seine in Ost- und West-Berlin entstandenen Bilder lassen sich miteinander kombinieren oder gegenüberstellen. So arrangiert, ergeben Mehners Fotos das überraschende Bild einer voneinander getrennten, aber doch verbundenen Stadt. Sie offenbaren auch die verrückte Normalität des geteilten Berlins.
Tatsächlich können uns die Bilder bisweilen täuschen: Ist das wirklich der Osten, der auf dieser Aufnahme zu sehen ist, oder nicht doch der Westen?
Mehrere Begleitveranstaltungen beschäftigen sich mit Mehners Foto-Themen – Wohnen in Berlin, Rechtsextremismus, Staatssicherheit und Opposition, Pressefotografie und Berliner Untergrund beiderseits der Mauer.
„Tuben, Dosen, Flaschen, alles schwimmt im Meer! Wo kommt das bloß her?“, fragt sich die kleine Museumsmaus im Kindermuseum unterm Dach – und lädt junge Besucher_innen auf eine Reise zum Eintauchen und Mitmachen ein, um das Meer zu beschützen.
In „ICH BIN MEER!“ können Kinder ab vier Jahren ihre Geschicklichkeit beim Angelspiel beweisen oder gemeinsam mit der Meeresschildkröte den Algenwald durchstreifen. Wer sich dafür entscheidet, die kleine Maus auf ihrer Entdeckungsreise zu begleiten, trifft auf Neues und unerwartet Bekanntes: Zum Beispiel auf den vielen Plastikmüll, der immer noch ins Meer gelangt.
Denn: Ebenso wie in seinen bisherigen Ausstellungskonzepten schaut das Kindermuseum unterm Dach auch mit dieser aktuellen Thematik über den Tellerrand hinaus, um Kinder zu ermutigen, ihre Umwelt aktiv mitzugestalten. So können kleine und große Gäste den Algenwald mit selbst gebastelten Fischen bevölkern oder im Fisch-Kostüm in eine bunte Unterwasserwelt eintauchen. Am Ende gibt es für alle Meeresbeschützer_innen, die auch beim Müllsammeln mitgeholfen haben, einen Ausweis mit Stempel der Meeresschildkröte.
„ICH BIN MEER!“ ist für Kinder zwischen vier und zehn Jahren geeignet und kann ab sofort besucht werden. Eine Anmeldung ist nicht erforderlich. Für erwachsene Besucher_innen gilt die 2G-Regel. Die Maskenpflicht besteht für alle Museumsgäste ab sechs Jahren.
Ein simpler Holzschrank, erbaut von französischen Zwangsarbeitern für die Familie eines Berliner Arbeitskollegen: Anhand dieses Objekts zeigen wir in unserer Intervention ein Beispiel für die enge Verknüpfung von Zwangsarbeitenden und deutscher Bevölkerung. Mittels der Erinnerungen der Zeitzeugin, die den Schrank jahrzehntelang aufbewahrt hat, wird die Nähe, die durch Arbeit, Wohnort und auch gemeinsamen Aktivitäten entstehen konnte, illustriert.
Das ehemalige Konzentrations- und Vernichtungslager Auschwitz-Birkenau ist weltweit zum Synonym für den Holocaust, die Ermordung der europäischen Juden, geworden. Andere Mordstätten jedoch, an denen die Täter des nationalsozialistischen Deutschland ebenfalls Zehntausende oder gar Hunderttausende Menschen ermordeten, stehen heute oftmals "im Schatten" der Aufmerksamkeit und sind kaum oder gar nicht bekannt.
Eine Exkursion der bpb führte im Mai 2016 auf einer Spurensuche an neun in Deutschland wenig oder völlig unbekannte Orte – nach Polen, Belarus und in die Ukraine, an Orte wie Che?mno, Be??ec, Sobibór, Treblinka und Lublin-Majdanek, nach Maly Trascjanec sowie nach Babyn Jar, Kamjanez-Podilskyj und Lwiw-Janowska.
Die Spurensuche wurde von dem Fotografen Mark Mühlhaus begleitet; seine Bilder sind Grundlage dieser Ausstellung. Mark Mühlhaus beschäftigt sich seit mehr als zwanzig Jahren mit den vielen unterschiedlichen Formen der Erinnerung an die nationalsozialistischen Verbrechen, insbesondere an den Holocaust, und des Gedenkens an die Opfer, und ist darauf bedacht, nicht nur das Vordergründige fotografisch festzuhalten: Seine Bilder sind eine Annäherung an die Tatorte von damals, und sie geben einen Eindruck davon, wie es heute an diesen Orten aussieht, einschließlich der heutigen Formen des Gedenkens und Erinnerns.
Traditionelle Musik aus Mali trifft zeitgenössische europäische Musik. Für das malisch-deutsche Projekt AM ANFANG befragen die Choreographin und Tänzerin Kettly Noël und der Komponist und Musiker Marc Sinan Schöpfungsmythen aus Westafrika und Europa sowie wissenschaftliche Erzählungen über die Entstehung der Welt.
Erzählt wird mit Tanz, Gesang, Performance und Videokunst. AM ANFANG führt das Djiguiya Orchestra aus Bamako mit den Neuen Vocalsolisten Stuttgart und der internationalen Marc Sinan Company zusammen.
AM ANFANG lässt sich zweifach erleben: Tagsüber lädt Saal 2 zum Besuch einer Videoinstallation ein, der Eintritt ist frei. Abends spielen Musiker*innen und Tänzer*innen aus Mali und Deutschland live in der Installation.
Öffnungszeiten der Installation
Mi., 09.02.22 15-18 Uhr
Do., 10.02.22 10-17 Uhr
Fr., 11.02.22 10-17 Uhr
Sa., 12.02.22 10-17 Uhr
Termine der Performance AM ANFANG
Do, 10.02.22 19.00 - ca. 20.00 Uhr
Fr., 11.02.22 19.00 - ca. 20.00 Uhr
Sa., 12.02.22 19.00 - ca. 20.00 Uhr
Weitere Informationen
- Ort: Saal 2
- Installation kostenfrei
- rollstuhlgerecht
- Preis der Performance 16,00 EUR/8,00 EUR ermäßigt
- Informationen zum Online-Ticketing folgen
Fantastische Tiere, Fabelwesen und Monster spielen in der aktuellen Kinder- und Jugendliteratur, in Fantasy- und Science-Fiction-Filmen eine große Rolle: Einmal auf einem Glücksdrachen fliegen, einem Niffler bei der Schatzsuche folgen, einen Ork besiegen oder mit einem sprechenden Fuchs befreundet sein, wer wollte das nicht? Neben den klassischen Fabeltieren wie Drache, Einhorn oder Greif gibt es zahlreiche Neuschöpfungen wie den Grüffelo oder Schlickschlupfe und Flubberwürmer aus den Romanen von J. K. Rowling, die die Fantasie von Generationen beflügeln.
Seit dem Altertum beschäftigen sich Autoren und Künstler mit realen Tieren und zauberhaften Geschöpfen, deren Existenz in Legenden beschworen, in enzyklopädischen Kompendien beschrieben und in Kunstwerken erdacht wurde. Bereits ägyptische Skulpturen, griechische Vasen und persische Miniaturen zeigen Mischwesen aus verschiedenen Tieren, die religiöse und symbolische Funktionen übernahmen. Zugleich konnten mit ihrer Hilfe unbekannte Naturphänomene erklärt, aber auch Ängste und Fremdheiten thematisiert werden. Die Wandlungsfähigkeit dieser Tierwesen hat die Kunst ebenso beschäftigt wie ihr durchaus ambivalentes Verhältnis zum Menschen, das zwischen dem schrecklich Bösen und dem göttlich Guten changiert.
Die kleine thematische Ausstellung präsentiert rund 20 Druckgraphiken des 15. bis 17. Jahrhunderts aus den reichen Beständen des Kupferstichkabinetts, die fantastische Tierwesen zeigen. Virtuose Kupferstiche und detaillierte Radierungen verdeutlichen die lustvolle Freude am Erfinden und Ausformulieren des Fabelhaften und Merkwürdigen, sei es als Ornament, als Darstellung der Hölle oder als Erzählung der griechischen Mythologie.
Eine Sonderausstellung des Kupferstichkabinetts in der Gemäldegalerie.
Was ist, wenn die Vergangenheit eine Erfindung kolonialer Archive ist? Diese Frage steht im Mittelpunkt des Projekts Culture Lost and Learned by Heart der italienisch-senegalesischen Künstlerin Adji Dieye. Um eine Antwort darauf zu bekommen, hat Dieye eine visuelle Recherche in der ikonografischen Sammlung im Nationalarchiv des Senegal (Archives Nationales du Sénégal) unternommen. Für ihre Ausstellung bei C/O Berlin präsentiert die Künstlerin nun eine Videoprojektion, Wandarbeiten und raumgreifende Skulpturen als visuellen Vorschlag für eine nicht-lineare Betrachtung der Geschichte des Senegal. Im kritischen Dialog mit der kolonialen Institution des Bildarchivs, stellt Adji Dieye deren Funktion als Torhüter historischer Wahrheit infrage. Aus Sicht der Jury veranschaulicht diese Neulektüre von Archivmaterialauf ideale Weise das Thema der New Documentary Strategies, für das der C/O Berlin Talent Award vergeben wird. Begleitend zur Ausstellung erscheint eine Publikation bei Spector Books, Leipzig, mit Texten des parallel ausgezeichneten nigerianischen Theoretikers Emmanuel Iduma (Hrsg. Dr. Kathrin Schönegg, C/O Berlin Foundation).
Schrille Punks, Hippies und küssende Pärchen in einem Meer voller Trabbis, kämpferische Fahnen und Demonstrant*innen auf dem Alexanderplatz, Betrunkene in ihrer Stammkneipe oder geduldig wartende Bürger*innen an Haltestellen – Harald Hauswalds Blick ist unverfälscht und einfühlsam. Entgegen dem vorherrschenden Bild des Westens über den Osten Deutschlands dominiert von SED, Mauer oder Militärparaden liefert Harald Hauswald einmalige Momentaufnahmen des sozialistischen Alltags in der DDR. Neben einer Vielzahl bislang unveröffentlichter Motive des OSTKREUZ-Gründungsmitglieds zeigt die Retrospektive auch Teile der zwischen 1977 und 1989 unter dem Namen „Radfahrer“ geführten Stasi-Akte von Hauswald und verbindet so fotografisches Werk und Zeithistorie in einem Dialog. Die von Felix Hoffmann in Zusammenarbeit mit Ute Mahler und Laura Benz kuratierte Ausstellung Harald Hauswald . Voll das Leben! Reloaded wird wegen der großen Publikumsnachfrage in einer Neuauflage ins Programm genommen. Begleitet wird sie von einer umfassenden Publikation im Steidl Verlag.
„For centuries, we’ve looked to the sky to divine the future. Today, we look to the cloud.” – James Bridle
Über Fotografie nachzudenken heißt heute, über die Infrastruktur nachzudenken, die sie vernetzt und organisiert. Egal ob maschinell erzeugte Bilder von Überwachungskameras oder Satelliten, digitalisiertes Archivbildmaterial oder die privaten Urlaubsaufnahmen auf unseren Smartphones und Laptops – sie alle sind heutzutage als digitale Daten in der Cloud gespeichert, jenem Ort, an dem künstliche Intelligenzen operieren. Und so wie vor 100 Jahren die Wolken als Boten der Zukunft den Beginn der Abstraktion in der Fotografie einläuteten, spiegelt die künstlerische Auseinandersetzung mit der Cloud heute die Zukunftsvisionen des 21. Jahrhunderts. Die von Dr. Kathrin Schönegg kuratierte Ausstellung Songs of the Sky . Photography & the Cloud bringt fotohistorische und gegenwärtige Arbeiten zusammen, die sich mit dem Motiv der Wolke und der Metaphorik der Cloud auseinandersetzen. Welche Geschichten kann uns die Fotografie über die „Seele des Himmels“ (Etienne Pitois) im digitalen Zeitalter erzählen? Können kommerziell agierende Cloud-Computing-Unternehmen dem Himmel alle Wolken abkaufen? Oder wird der CO2-Fußabdruck der Cloud die Erderwärmung so vorantreiben, dass wir in Zukunft immer seltener Wolkenphänomene über den Globus wandern sehen? Begleitet wird die Ausstellung von einer Publikation, die beim Spector Verlag, Leipzig, erscheint.
Exponate von Claudia Angelmaier, Sylvia Ballhause, Marie Clerel, Raphaël Dallaporta, Fragmentin, Noémie Goudal, Louis Henderson, Internationales Meteorologisches Komitee, Noa Jansma, Stefan Karrer, Almut Linde, NASA, Observatoire de Juvisy, Lisa Oppenheim, Trevor Paglen, Meghann Riepenhoff, Simon Roberts, Evan Roth, Mario Santamaría, Adrian Sauer, Andy Sewell, Shinseungback Kimyonghun, Louis Vignes & Charles Nègre
Das Bauhaus-Archiv / Museum für Gestaltung verfügt mit rund einer Million Objekte über die weltweit größte Bauhaus-Sammlung. Nur die wenigsten Objekte wurden bisher ausgestellt – es gibt aber sehr viele digitale Bilder davon. Welche Möglichkeiten gibt es, aus dieser Datenflut unbekannte Schätze zu Tage zu fördern? In der Installation Bauhaus Infinity Archive hilft künstliche Intelligenz. Jeder Klick führt zu einer neuen Sortierung: Sie zeichnen Linien und finden die Bilder, in denen diese vorkommen. Oder Sie lassen sich Bilder mit einer besonderen Farbe anzeigen. Dahinter stecken aktuelle Forschungsergebnisse zu neuronalen Netzwerken. Mehr als 15.699 Bilder – die meisten davon noch nie öffentlich gezeigte Fotos, Dokumente und teilweise interne Arbeitsbilder laden zum Entdecken ein. Erleben Sie auf eindrucksvolle Weise, wie spannend, lebendig, interaktiv und dynamisch ein Archiv sein kann!
Kuratierte Storys
Neben der unendlich erscheinenden Bildersammlung präsentieren wir auch Storys unserer Kurator_innen: 14 Jahre Bauhaus, Das Bauhaus war bunt, Das gibt’s nicht nur einmal und Groß und Klein.
Das Projekt ist in Zusammenarbeit mit ART+COM entstanden und wurde im Rahmen von "dive in. Programm für digitale Interaktionen" der Kulturstiftung des Bundes, gefördert durch die Beauftragte für Kultur und Medien (BKM) im Programm NEUSTART KULTUR, entwickelt.
Die Installation Bauhaus Infinity Archive ist ab dem 20.1.2022 im
the temporary bauhaus-archiv
Knesebeckstr. 1-2
10623 Berlin
Tgl. außer sonntags von 10-18 Uhr
zu sehen.
Bitte beachten Sie die aktuellen Hygienebestimmungen.
Die Ausstellung "Neue Anfänge nach 1945?" setzt sich mit der Situation des Neuanfangs nach dem Krieg im Bereich der alten Bundesländer der Nordkirche auseinander. Dabei werden ehemalige nordelbische Kirchengemeinden, aber auch das Verhalten einzelner Menschen in den Blick genommen. Es zeigen sich tatsächliche Neuanfänge ebenso wie ein Ausblenden realer Schuld.
Die von der Evangelischen Akademie der Nordkirche verantwortete Wanderausstellung dokumentiert die kirchliche Unterstützung in Norddeutschland für NS-Verbrecher in der jungen Bundesrepublik ebenso wie den langen Weg zur Auseinandersetzung der evangelischen Kirchen mit eigener Schuld in der NS-Zeit und danach. Sie geht unter anderem der Frage nach, inwieweit die national-protestantische Mentalität, die die Hinwendung zum Nationalsozialismus gefördert hatte, auch nach 1945 wirkmächtig blieb. Im Vordergrund stehen konkrete Fälle aus den früheren nordelbischen Landeskirchen und einzelnen Gemeinden.
Die Ausstellung wird vom 13. Januar 2022 bis zum 28. Februar 2022 in der 1. Etage, Sonderausstellungsbereich, gezeigt.
Ausführliche Informationen zur Ausstellung finden Sie unter www.nordkirche-nach45.de.
„Bayt“ heißt auf arabisch wörtlich übersetzt das Haus, meint im weiteren Sinn aber auch das Zuhause als Ort des Angekommenseins, der Verwurzelung. Mario Rizzi (*1962 in Barletta, Italien) erzählt in seiner gleichnamigen Trilogie von drei Frauen aus Syrien, Tunesien und dem Libanon. Sie erschaffen, trotz widrigster Umstände, durch ihr außergewöhnliches Engagement ein solches Zuhause – wobei das Private immer auch politisch ist.
Rizzis Arbeitsweise zeichnet sich durch die Verbindung zu seinen Protagonist*innen aus: Seine Werke entstehen in enger Zusammenarbeit mit ihnen. Im Gegensatz zu einer dokumentarisch-journalistischen Herangehensweise bemüht er sich nicht um Neutralität. Vielmehr gibt er jenen eine Stimme, die weniger privilegiert sind und häufig als „die Anderen“ wahrgenommen werden. So stellt er eine empathische Verbindung zwischen ihnen und dem Publikum her.
Die Ausstellung in der Berlinischen Galerie stellt auf verschiedenen Erzählebenen den einzigartigen Bilderkosmos von Sibylle Bergemann vor.
Sibylle Bergemann (1941–2010) ist eine der bekanntesten deutschen Fotograf*innen. Über mehr als vier Jahrzehnte hinweg schuf die Berlinerin mit großer Leidenschaft ein außergewöhnliches Werk aus Mode- und Porträtaufnahmen, literarischen Reportagen und dokumentarisch-künstlerischen Serien. Auftrags- und freie Arbeiten wechselten sich spielerisch ab, im Mittelpunkt stand stets der Mensch.
In der DDR arbeitete Bergemann freiberuflich und kontinuierlich im Auftrag verschiedener Kunst- und Kulturmagazine wie „Das Magazin“, „Der Sonntag“ oder „Sibylle. Zeitschrift für Mode und Kultur“. Nach der Maueröffnung war sie Mitbegründerin von OSTKREUZ – Agentur der Fotografen. Seit den 1990er Jahren fotografierte sie unter anderem für „GEO“, „Die Zeit“, „Stern“ oder „New York Times Magazine“.
Die Ausstellung zeigt über 200 Fotografien aus den Sammlungsbeständen des Museums und aus dem Nachlass der Fotografin. Erstmalig werden auch ausgewählte Motive des Frühwerks ausgestellt.
Das Projekt ist eine Kooperation mit dem Estate Sibylle Bergemann und wird ermöglicht durch den Förderverein der Berlinischen Galerie.
Wie nehmen Besucher:innen die Ausstellungen und das Gelände des Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit wahr, wenn sie sich drei Tage lang mit einer Fotokamera dort aufhalten? Was halten die Teilnehmenden von Fotoworkshops fest? Welche Geschichten erzählen sie?
Die Fotoausstellung zeigt eine Auswahl von Bildern, die bei verschiedenen dreitägigen Workshops in den letzten Jahren entstanden sind.
Bis Ende Februar 2022 sind diese Bilder im Epilograum des Dokumentationszentrum NS-Zwangsarbeit zu sehen.
Die Ausstellung ist dem Werk eines der bedeutendsten sowjetischen Architekten, Boris Iofan (1891–1976), gewidmet, dessen Geburtstag sich 2021 zum 130. Mal jährte.
Iofan wurde in Odessa im Russischen Kaiserreich geboren, studierte in Rom und arbeitete zunächst als Architekt in Italien. Nachdem Mussolini an die Macht kam, ging Iofan, ein Kommunist, in die Sowjetunion zurück, wo er die Nähe zur sowjetischen Regierung suchte und sich zunächst mit neoklassizistischen und später konstruktivistischen Projekten – allen voran das Haus der Regierung in Moskau und das Sanatorium Barwicha in der Nähe der Hauptstadt – einen Namen machte. Leicht wechselte er mit Beginn der 1930er Jahre von den konstruktivistischen Positionen zur neoklassizistischen Sprache zurück, als hätte er die nicht ausgesprochenen Wünsche von Stalin und seinem Umfeld erraten.
Die Nähe zu Josef Stalin machte ihn zum „Hofarchitekten“. In diesen Jahren realisierte Iofan nicht nur eigene Architekturentwürfe, er setzte auch die architektonischen Vorstellungen des Diktators um. Ein Teil dieser Visionen wurde in den sowjetischen Pavillons bei den Weltausstellungen 1937 in Paris und 1939 in New York verwirklicht. Andere Visionen blieben nur in Iofans Zeichnungen. Zum wichtigsten Werk Boris Iofans wurde der nie realisierte Entwurf des gigantischen Palasts der Sowjets, eines Hochhauses im Moskauer Zentrum, das Sowjetbürger wie Menschen aus aller Welt beeindrucken, ja überwältigen sollte. Stalin persönlich äußerte den Vorschlag, das Gebäude mit einer gigantischen Lenin-Statue zu krönen.
1947 fiel Iofan in Ungnade. Nach Stalins Tod entwarf und baute er weiter, nunmehr im Stil des Neokonstruktivismus und der internationalen Moderne, als würde er seine Experimente aus der zweiten Hälfte des 1920er Jahre fortsetzen. Bis an sein Lebensende glaubte der Architekt an die kommunistischen Ideen, genauso wie an die Möglichkeit, den Palast der Sowjets zu verwirklichen, an dessen Entwurf er all die Jahre weiter arbeitete und dabei die Form und den Stil des Gebäudes immer wieder änderte.
Die Ausstellung präsentiert größtenteils bislang nie gezeigte Originalzeichnungen und -skizzen, die sich in der Sammlung des Museums für Architekturzeichnung befinden.
Die mehrfach prämierte Ausstellung Songlines: Tracking the Seven Sisters wird vom 17. Juni bis 31. Oktober 2022 im Humboldt Forum gezeigt. Die Ausstellung wurde von Margo Neale, Senior Indigenous Curator des National Museum of Australia, gemeinsam mit Vertreter*innen indigener Communities aus den Central- und Western Deserts kuratiert. Sie kombiniert ein innovatives multimediales Ausstellungsdesign mit zeitgenössischer Kunst und Performance, um das über Jahrtausende tradierte Wissen indigener Australier*innen mit einem internationalen Publikum zu teilen.
Die vom National Museum of Australia konzipierte Ausstellung wird von der Stiftung Humboldt Forum in Zusammenarbeit mit dem Ethnologischen Museum – Staatliche Museen zu Berlin gezeigt. Sie erzählt die Geschichte der Sieben Schwestern, eine bedeutende Schöpfungserzählung (Songline) des Lands der Martu, A?angu Pitjantjatjara Yankunytjatjara und Ngaanyatjarra People. Die Ausstellung basiert auf einem zehnjährigen Forschungsprojekt zur Bewahrung indigenen Wissens, das von indigenen Communities in den Central und Western Deserts in Zusammenarbeit mit dem National Museum of Australia und der Australian National University geleitet wurde.
Songlines folgt der Reise der Sieben Schwestern, die unerbittlich von einem Mann namens Wati Nyiru bzw. Yurla durch die zentralaustralische Wüste verfolgt werden. Die Ausstellung zeigt die Bedeutung von Songlines als unverzichtbare Träger des religiösen, kulturellen und ökologischen Wissens der indigenen Bevölkerung Australiens. Dieses Wissen wird in den Werken indigener Künstler*innen erfahrbar, deren Geschichten mit einem immersiven multimedialen Ansatz erzählt werden. Zu den Highlights der Ausstellung zählen eine Multimedia-Kuppel und die „Virtual Elders“, lebensgroße Videos von Mitgliedern des indigenen Kuratoriums, welche die Besucher*innen durch Songlines begleiten.
Ursprünglich im National Museum of Australia gezeigt, lief die Ausstellung im Anschluss im Western Australian Museum Boola Bardip in Perth und ist zurzeit in The Box in Plymouth zu sehen. Von Berlin aus geht es weiter nach Paris, wo Songlines 2023 im Musée du quai Branly — Jacques Chirac eröffnet.
Weitere Informationen
- Rollstuhlgerecht
- Informationen zum Online-Ticketing folgen hier
- Sonderausstellungsfläche 1
Im Wintersemester 20-21 hat Prof. Sebastian Feucht an der Hochschule für Technik und Wirtschaft im Studiengang Industrial Design ein Nutzhanf Entwurfsprojekt mit dem Titel HEMP INSPIRED angeboten. Zu Beginn des WS hatte das Hanf Museum eine Kooperation mit der HTW vorgeschlagen, um die studentischen Entwürfe in einer Sonderausstellung zu zeigen. Diese Ausstellung mit neun Entwürfen wurde am Dienstag, dem 27.4.2021 im Hanf Museum eröffnet und kann begangen werden.
Candida Höfer erforscht mit ihren Fotografien gebaute Räume. Ihre weltbekannten Interieurs nehmen Bibliotheken, Museen, Gaststätten, Theater und andere öffentlich zugängliche Orte in den Blick, lassen die Architektur neu erleben. Im Vergleich mit fotografischen Interieurs aus der über 150 Jahre alten Sammlung Fotografie der Kunstbibliothek entspinnt sich ein Dialog zwischen angewandter Fotografie und künstlerischer Arbeit. Die insgesamt etwa 200 Werke ? zu denen auch Aufnahmen aus zoologischen Gärten und bislang wenig bekannte Serien aus Höfers Frühwerk sowie deren selten oder noch nie gezeigte Pendants aus der Sammlung Fotografie gehören ? laden zu neuen Blicken auf das Werk Höfers und die Sammlung Fotografie, aber auch auf das Medium Fotografie selbst ein.
Candida Höfer (* 1944) widmete sich seit ihrem Studium bei Bernd und Hilla Becher an der Düsseldorfer Kunstakademie gegen Ende der 1970er-Jahre immer intensiver der Architekturfotografie. Sie hat sich auf diese wichtige Gattung konzentriert, ohne jedoch wie Fotografen früherer Generationen im Auftrag von Architekten und Kunsthistorikern tätig zu werden. Sie begreift ihre Arbeit als künstlerische Fotografie, und das Fotografieren von Innenräumen wurde von ihr selbstbestimmt als Haupttätigkeitsfeld ausgewählt. Sie selbst steckte dafür den Rahmen ab: ?Ich fotografiere in öffentlichen und halböffentlichen Räumen aus unterschiedlichen Epochen. Es sind Räume, die für jeden zugänglich sind. Es sind Plätze der Begegnung, der Kommunikation, des Wissens, der Entspannung, der Erholung. Es sind Kuranlagen, Hotels, Wartesäle, Museen, Bibliotheken, Universitäten, Banken, Kirche und seit einigen Jahren Zoologische Gärten.?
Diese Aufzählung ist nicht abschließend gemeint, sie verweist vor allem auf die kommunikativen Funktionen der von ihr aufgenommenen Orte, die jedoch paradoxerweise ohne die sie frequentierenden Menschen gezeigt werden: Die den menschlichen Austausch ermöglichenden Qualitäten oder Mängel der Räume demonstriert Candida Höfer an der Architektur selbst, an der von ihr jeweils spezifisch erfassten Atmosphäre, an der von ihr gewählten Perspektive und dem Bildausschnitt. Die Themengruppen werden von ihr also nicht seriell in den Blick genommen, die jeweiligen Orte geben für sie das Bildformat wie auch die Größe der Abzüge vor. Doch bietet die Zusammenstellung der Gruppen vielfältige Vergleichsmöglichkeiten, die das langjährige und nachhaltige Interesse der Fotografin an den spezifischen Orten eindrucksvoll bestätigen.
Die Sonderausstellung im Museum für Fotografie eröffnet mit etwa 90 Werken einen breiten Querschnitt durch die Raumaufnahmen Candida Höfers von 1980 bis in die unmittelbare Gegenwart. Die langen Traditionslinien ihrer Architekturaufnahmen reichen jedoch auch tief in den klassischen Kanon dieses Aufgabengebiets hinein. Im Dialog mit Pendants und Gegenbildern aus der Sammlung Fotografie der Kunstbibliothek erschließt sich der besondere Zugriff Höfers auf ihre Bildmotive besonders eindrücklich.
Für die Sammlung Fotografie bildeten die Architekturfotografien den Grundstock ihrer Sammeltätigkeit. Als Vorbildersammlung angelegt, sollte sie einem breiten Publikum die besonderen baulichen Qualitäten aktueller wie historischer Architektur ebenso exakt wie anschaulich im fotografischen Abbild in großer Menge vermitteln. In der viele zehntausend Abzüge umfassenden Sammlung sind in den meisten Fällen die Namen der Fotograf*innen nicht bekannt. Doch konnten nachträglich über Inventare und Bildvergleiche Werkgruppen bedeutender Vertreter des Fachs ermittelt werden, etwa von Eugène Atget, Frank Cousins, Samuel Bourne, Fratelli Alinari, Max Krajewsky, Emil Leitner, Felix Alexander Oppenheim bis hin zu Albert Renger-Patzsch und Karl Hugo Schmölz. In den letzten Jahren kamen Archive des Schinkel- und Stüler-Fotografen Hillert Ibbeken, der Münchner Architekturfotografin Sigrid Neubert und des Stuttgarter Industriefotografen Ludwig Windstosser hinzu. Den beiden letztgenannten widmete das Museum für Fotografie umfassende Retrospektiven.
Einige Themengruppen zeigen exemplarisch den visuell stimulierenden Dialog der Bilder: Fassaden, Fenster und Türen öffnen und verschließen den Blick in Räume oder aus ihnen heraus. Mit zwei Fotografien der niederländischen Botschaft in Berlin stellt Candida Höfer das Thema exemplarisch vor. Dazu fügen sich ein Fensterbild der klassischen Avantgarde von Florence Henri oder der großformatige Blick aus einem Hochhaus auf die Häuserlandschaft des südlichen Manhattans von Reiner Leist aus dem Jahr 1996. Besonders reizvoll entspinnt sich das Zwiegespräch der Bilder bei den Aufnahmen von der Berliner Museumsinsel. Zeigen die gestochen scharfen großformatigen Kontaktkopien der Königlich Preußischen Messbildanstalt noch das monumentale Treppenhaus mit den Fresken Wilhelm von Kaulbachs, so erfasst Ryuji Miyamoto im Jahr 2000 den transitorischen Zustand des noch ruinösen Gebäudes vor dem Beginn des Innenausbaus und zeigt Candida Höfer wiederum 2009 dessen Abschluss.
Bisher unveröffentlicht sind Höfers Farbaufnahmen aus ihrer Liverpool-Serie von 1968, von denen sich ein Entwicklungsstrang zu ihren Bildern der Gasträume in Cafés, Hotels, Kuranlagen und Wartesälen nach 1980 ziehen lässt. Sie werden mit den eher journalistisch aufgefassten Straßenszenen von Willy Römer und Bernard Larsson, den Bildern Dirk Alvermanns spanischer Barszenen um 1960 sowie den Aufnahmen von Helga Paris der mittleren 1970er Jahre von Berliner Kneipen aus der Sammlung Fotografie ins Gespräch gebracht.
Zur Ausstellung erscheint ein Katalog im Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König, Köln.
Die Freiflächen-Ausstellung „Gleichberechtigte Bürger*innen“ des Dokumentations- und Kulturzentrums Deutscher Sinti und Roma geht auf die Geschichte Berliner Sinti und Roma seit der Weimarer Republik ein, im europäischen Geflecht wie durch persönliche Biografien. Im Zen
Die Freiflächen-Ausstellung „Gleichberechtigte Bürger*innen“ des Dokumentations- und Kulturzentrums Deutscher Sinti und Roma geht auf die Geschichte Berliner Sinti und Roma seit der Weimarer Republik ein, im europäischen Geflecht wie durch persönliche Biografien. Im Zentrum steht die Bürgerrechtsbewegung der Sinti und Roma: für eine Anerkennung des Holocausts, gegen den Antiziganismus und für eine Normalität als gleichberechtigte Bürger*innen.
Über die historische Auseinandersetzung hinaus zeigt die Ausstellung im Raum Berlin-Bilder zwölf zeitgenössische Porträts aus der Serie „RomaRising“ des Fotografen Chad Evans Wyatt sowie das Grimme-Preis gekrönte RomArchive. Die Freiflächen sind drei Bereiche der Ausstellung BERLIN GLOBAL, die von Initiativen, Organisationen und freien Gruppen bespielt werden. Ziel dabei ist, unbekannte, aktivistische und unterrepräsentierte Perspektiven und Themen sichtbar zu machen. Die Projekte werden von einer unabhängigen Jury ausgewählt und über jeweils neun Monate zusammen mit dem Stadtmuseum Berlin entwickelt und umgesetzt. Danach ist die Ausstellung ein Jahr lang in BERLIN GLOBAL zu sehen.
Gleichberechtigte Bürger*innen ist das zweite Freiflächen-Projekt bei BERLIN GLOBAL. Die erste Freifläche wurde von der Lebenshilfe Berlin gestaltet. Die Ausstellung trägt den Titel Un certain regard und ist im Raum Verflechtung zu finden.
- Für den Besuch der Freiflächen-Ausstellung benötigen Sie ein Ticket für BERLIN GLOBAL.
- Deutsch, Englisch
Das Design Lab #11 entsteht in Kooperation mit dem Campus Idar-Oberstein der Hochschule Trier. Als eines der bedeutendsten Zentren für Edelstein in Europa bildet Idar-Oberstein einen zentralen Knotenpunkt in einem weltweiten Netzwerk von Steinhandel und Steinbearbeitung. Hier kommen Studierende aus aller Welt zusammen, um sich mit dieser Materie künstlerisch und gestalterisch auseinanderzusetzen. Für das ?Design Lab #11. LithoMania? sind sie eingeladen, Edelsteine über die Schmuckgestaltung hinausgehend in ihrer komplexen Ambivalenz zu untersuchen.
Steinsammlungen, kleine Skulpturen, Juwelen aus kostbaren Steinen faszinieren Menschen, lösen Sehnsüchte aus. Gier und kriminelle Handlungen leiten sich daraus ab. Ihr Abbau zerstört Landschaften, ist Anlass für blutige Konflikte. Andererseits führen Handel und Verarbeitung von Steinen seit Jahrtausenden Menschen aus den entlegensten Regionen der Welt zusammen und sind Anlass für Austausch und Innovation. Die Identität einer sozialen Gemeinschaft kann sich an einzelnen, besonderen Steinen verankern. Sie gelten als heilig oder sind Teil von Objekten, welche in identitätskonstituierenden Riten von Bedeutung sind. Waren Edelsteine früher nur wenigen zugänglich, sind sie heute leicht konsumierbare Massenprodukte geworden. Trotzdem ermöglichen die Eigenschaften der Steine - ihre Musterung, Farbigkeit, Härte - über die sinnliche Wahrnehmung einen symbolischen Zugang zu dem Material, zu einer Ideen- und Vorstellungswelt, die oftmals eine tiefe emotionale Bindung hervorruft.
Kunstgewerbemuseen sind per se immer auch Materialarchive, denn ihre Sammlungen wurden seit ihrer Gründung im 19. Jahrhundert nach Material und Herkunft strukturiert und präsentiert - und werden es teilweise immer noch. Von der politischen Seite erzählen die Sammlungspräsentationen bislang jedoch selten etwas. Der Fokus liegt vielmehr auf der Virtuosität der handwerklichen Bearbeitung und dem künstlerischen Entwurf. Über die Jahrhunderte dienten edle und aus westlicher Sicht fremde und unbekannte Materialien der Repräsentation von gesellschaftlichem Status und politischem Einfluss. Insbesondere (Edel)steine galten darüber hinaus als magische Objekte und dienten dem religiösen Kult, wovon vor allem die Exponate der mittelalterlichen Kirchenkunst zeugen. In Renaissance und Barock, der Blütezeit der Steinschneidekunst, erhob sich der Künstler zum Beherrscher der Natur und formte den Stein entgegen seinen physikalischen Eigenschaften. Künstlerisch bearbeitete Steine findet man in der Sammlung des Kunstgewerbemuseums aus unterschiedlichen Epochen und in ganz unterschiedlichen Formen und Funktionen, als Objekt oder als Schmuck.
Idar-Oberstein lautet der Name eines einzigartigen Ortes in Deutschland, in dessen DNA Stein als Material eingeschrieben ist. Als eines der bedeutendsten Zentren für Edelstein weltweit bildet er einen zentralen Knotenpunkt im globalen Netzwerk von Steinhandel und Steinbearbeitung. Umgekehrt hat der Stein die Region und die Menschen über Jahrhunderte geprägt. Seit dem 19. Jahrhundert haben sich hier Spezialisten für das Schleifen und Gravieren von seltenen Steinen etabliert und Idar-Oberstein in eine große Werkstatt für besondere handwerkliche Kulturtechniken transformiert, deren Kenntnisse jedoch heute immer mehr verloren gehen.
Der Campus Idar-Oberstein der Hochschule Trier hat sich nichts Geringeres zum Ziel gesetzt, als die Geschichte und Tradition des Ortes, die mit ihm verwobenen Kulturtechniken und das kulturelle Wissen zu reaktivieren und mit zeitgenössischem Kunstverständnis und Könnerschaft in die globalisierte Gegenwart zu führen.
Zur Ausstellung erscheint eine Publikation (Leseprobe online als PDF, 5,5 MB) im Verlag Arnoldsche.
Die Ausstellung wird kuratiert von Claudia Banz und Theo Smeets.
Folgende Studierende stellen aus: Ana Bellagamba (MX), Natascha Frechen BFA (DE), Sandra Hartman (NL), Mana Jahangard (IR), Biljana Klekachkoska (MK), Sophia Kron (DE), Felicia Mülbaier (DE), Gina Nadine Müller BFA (DE), Elias Neuspiel (AT), Helena Renner (DE), Constanza Salinas (CI), Miriam Strake (AT), Nioosha Vaezzadehangoshtarsaz (IR), Luisa Werner (DE), Lisha Wang (CN) und Ye Wang (CN) und folgende Künstler*innen: Peter Vermandere (BE) und Cornelia Wruck (DE).
Eine experimentelle Kooperation und Sonderausstellung des Kunstgewerbemuseums der Staatlichen Museen zu Berlin mit Studierenden am Campus Idar-Oberstein der Hochschule Trier.
Die Ausstellungsreihe ?Design Lab? lädt seit 2019 ausgewählte Designstudios, Studierende und Aktivist*innen ein, aktuelle Projekte vorzustellen und in einen Diskurs mit der Sammlung des Kunstgewerbemuseums zu treten. Kuratiert wird die Reihe von Claudia Banz, Kuratorin für Design am Kunstgewerbemuseum. Sie wird gefördert durch das Kuratorium Preußischer Kulturbesitz.
„Dies ist die Lebensgeschichte meiner Freundin Charlotte Geiger geb. Aaron. Sie kam am 12. August 1914 in Berlin zur Welt.“
Die Künstlerin Gunilla Weinraub erzählt in einer Graphic Novel die Lebensgeschichte von Lotte, der Mutter ihres langjährigen Partners Gadi. Lotte meisterte ihr Leben zwischen Berlin, Palästina und Israel. Ihre jüdische Abstammung spielte für sie, wie für viele deutsche Juden, lange keine bedeutende Rolle. Durch den Machtantritt der Nationalsozialisten und die folgende systematische Ausgrenzung von Menschen jüdischer Abstammung änderte sich dies gezwungenermaßen.
Gunilla Weinraub, die 1941 in Helsinki geboren wurde, hat Charlotte Geiger oft in Jerusalem besucht. Seit den 1990ern nahmen sie einige ihrer Gespräche auf Tonband auf. Auf der Grundlage dieser Aufzeichnungen schuf Weinraub seit 2001 den knapp 40-teiligen Zyklus „Lotte – ein Leben zwischen Berlin, Palästina und Israel“, der nun erstmals auf einer Ausstellung zu sehen ist. Charlotte Geiger starb am 2. Juni 2021 in Jerusalem.
Aus Anlass des Jubiläumsjahrs 2021 – 1700 Jahre jüdisches Leben in Deutschland – will das Mitte Museum gemeinsam mit der heute in Berlin lebenden Künstlerin Gunilla Weinraub mit dieser Ausstellung einen weiteren Beitrag zur Erinnerung an die jüdische Geschichte im heutigen Großbezirk leisten.
Ausstellungseröffnung: am Freitag, den 1.10.2021, um 17 Uhr
Ausstellungsdauer: 3.10.2021 bis 27.2.2022
Die Ausstellung “Train Lines” widmet sich dem Mikrokosmos “Öffentlicher Nahverkehr” aus der Perspektive eines Künstlers, der seit 2014 als Fahrer der Leipziger Straßenbahn und seit 2021 der Berliner U-Bahn tätig ist.
Seine stets in DIN A4 gezeichneten Diagramme halten nicht nur stadträumliche Situationen fest, sondern avancieren zur komplexen Mindmap eines Künstlers, der den urbanen Kontext der Großstadt in der Straßen- oder U-Bahn durchmisst und zum Gegenstand vielschichtiger Beobachtungen macht. In Kunaths Blättern kondensiert urbanes Leben am Rand des öffentlichen Verkehrs, wenn Wegestationen zu Orten sozialer Beobachtung werden, wenn der Künstler sich mit kleinen Begebenheiten ebenso wie mit Großereignissen an den Strecken befasst. Er trifft dabei höchst eigene Entscheidungen darüber, welche Ereignisse, Personen, Aktivitäten oder Stimmungen Eingang in das so ganz unsystematische System der Kunath’schen Kartographie finden. Die Form der Zeichnung ordnet sich dabei weitgehend dem inhaltlichen Geschehen unter. Signets, Stichworte oder Namen
liefern eine auf dem Blatt Gestalt annehmende Ausgangstopographie, zwischen der gezogene Linien multiple Verbindungen und Beziehungen herstellen.
Daraus entstehen gezeichnete Notationssysteme sozialer, politischer und psychologischer Natur, die einen sehr konkreten Einblick in die Gedankenwelt eines Künstlers und/oder Straßen- oder U-Bahnfahrers liefern. Filternde und abstrahierende Spiegel unserer Städte über einen längeren Zeitraum und damit ein künstlerischer Sozialatlas.
Im Grenzbereich zwischen Figuration, Struktur, Systematik und Farbfeld positionieren sich die vier Malerinnen der Ausstellung “Figure. No Figure. X.”. Ihre Arbeiten entfalten ein ebenso gegensätzliches wie beziehungsreiches Feld zeitgenössischer Malerei, das sich gleichermaßen klassisch wie experimentell darstellt. Sowohl die konkrete Malerei von Verena Schirz-Jahn und die atmosphärisch verdichteten Arbeiten von Paola Neumann als auch die farbintensiven Figurationen von Anja Billing und die Strukturen erkundenden Bilder und Objekte von Salome Haettenschweiler setzen sich mit Traditionen der Malereigeschichte des 20. Jahrhunderts auseinander und reflektieren ihre wesentlichen Entwicklungslinien. Verbindend ist dabei das beständige Ausloten malerischer Freiräume innerhalb spezifischer Koordinatensysteme, die diese Traditionen und die vier Künstlerinnen prägen. Werden in einigen der ausgestellten Arbeiten die Referenzpunkte eindeutig erkennbar, so nehmen andere nur mittelbaren Bezug. Bei Anja Billing und Verena Schirz-Jahn wird das insbesondere motivisch und strukturell erkennbar, während Paola Neumann und Salome Haettenschweiler in ihrem fokussierten Umgang mit nur wenigen formalen Mitteln einer grundlegenden Auseinandersetzung mit der Farbe verpflichtet sind. Im Nebeneinander dieser nur scheinbar divergierenden “Handschriften” entwickelt sich ein gleichermaßen komplexes wie facettenreiches Bild zeitgenössischer malerischer Produktion.
Die Ausstellung versammelt neue, raumbezogene Arbeiten der Berliner Künstlerinnen Eva Berendes, Heike Gallmeier und Gloria Zein. Sie beschäftigen sich mit Kapazitäten bildnerischer Setzung unter dem Aspekt, vorübergehend, fragil und ephemer zu sein. Dem architektonischen Ideenkomplex politischer und materieller Beständigkeit der Zitadelle stellen die Künstlerinnen Konzepte von provisorischer Leichtigkeit, Veränderlichkeit und Bewegung gegenüber: Sie erschaffen sich wandelnde, durchlässige Screens, kulissenhaft vielteilige farbige Bildräume und vorläufige Konstellationen skulpturaler Elemente.
Konzepte der Nomadischen Subjektivität nach Rosi Braidotti bilden einen gemeinsamen Bezugspunkt der Ausstellung. Die italienische Philosophin wendet sich in „Nomadische Subjekte“ (2011) gegen die Idee dominanter Formationen von Identität, Erinnerung und Identifikation und sucht stattdessen nach einem vielgestaltigen Prozess der Transformation und einem Spiel der Komplexität, das das Prinzip des Nicht-Eins zum Ausdruck bringt. Nomadische Subjektivität definiert sich also im Unfertigen, im Zwischenzustand, im Widersprüchlichen. Entsprechend sind die Objekte und räumlichen Eingriffe der Künstlerinnen fragende, sich vortastende Anordnungen, die einen mäandernden Parcours durch die strenge Linearität der Ausstellungsräume entwickeln, um fließende Übergänge und neue (gedankliche) Räume zu eröffnen.
Künstler_innen: Kryeziu, Silvina Der-Meguerditchian, Eleni Mouzourou, Ceren Oykut, Viron Erol Vert und FUNKE (Selda Asal, Emre Biri?men, Melih Sar?göl, Seçil Yersel)
Twister nimmt die Auswirkungen der jüngsten politischen Umbrüche im Nahen Osten und an den östlichen Rändern Europas unter die Lupe – in einer Ausstellung, in Workshops, in moderierten Gesprächen und als Katalog. Beleuchtet werden einerseits das neue Erstarken nationalistischer Diskurse, bewaffnete Konflikte, Machtspiele, Korruption und soziale Ungleichheit. Gleichzeitig geht es auch um die Perspektive von jenen im Exil lebenden Intellektuellen, die sich aus konfliktbeladenen Herkunftsländern in die sicheren Strukturen westlicher Wohlfahrtsstaaten gerettet haben, und darum, wie verschiedene Diaspora-Communities interagieren und einander unterstützen können.
nGbK-Projektgruppe: Berk Asal, Emre Birismen, Erden Kosova, Melih Sar?göl, Selda Asal
Rauchende Schornsteine, ein breites Lächeln auf rußverschmierten Gesichtern, schier endlose Fließbänder – hinter diesen wohl bekanntesten Motiven der Industriefotografie stehen Versprechen: die Aussicht auf mehr Konsum, immer bessere, schönere und funktionellere Produkte und eine allgemein gesteigerte Lebensqualität. Gerade zur Zeit des wirtschaftlichen Wiederaufschwungs im geteilten Deutschland gewannen Zukunftsversprechen an Bedeutung.
Die Ausstellung will erstmals systematisch die Bildsprache der unterschiedlichen politischen und gesellschaftlichen Systeme in beiden Teilen Deutschlands auf Darstellungsarten des Fortschritts in der auftragsgebundenen Industriefotografie untersuchen. An Hand ausgewählter Aufnahmen der Produktionsprozesse in den Fabriken, der Arbeiter*innen sowie der fertigen Produkte soll verdeutlicht werden, wie die Fotografie und deren Kontextualisierung diese Aufschwungserzählungen vermittelt. Was als fortschrittlich und damit darstellungswürdig galt, änderte sich im Laufe der vier Jahrzehnte der deutsch-deutschen Teilung und lässt wiederum Rückschlüsse auf gesamtgesellschaftliche Prioritäten und Wünsche zu.
Die Ausstellung wird von Carola Jüllig und Stefanie Regina Dietzel kuratiert.
Wer noch auf der Suche nach einem besonderen Weihnachtsgeschenk ist, kann im Industriesalon fündig werden. Zehn KünstlerInnen aus Oberschöneweide stellen ihre Malereien, Zeichnungen, Collagen, Fotografien und Drucke im Industriesalon vom 4. bis 30. Dezember aus. Die Bilder können während der regulären Öffnungszeiten besichtigt und auch gleich erworben werden.
In der Ausstellung „Das Museum des Lebens. Private Erinnerungskultur aus Neukölln“ werden Fotografien, Dokumente und Gegenstände präsentiert, die über die Lebenswege und Schicksale von zehn Verstorbenen erzählen, deren Leben eng mit Neukölln verbunden waren. Auf eindrückliche Art und Weise werden die persönlichen Nachlässe der Verstorbenen in Szene gesetzt. Zusammen mit sensibel komponierten Hörstücken werden ihre Haltungen und Einstellungen reflektiert.
Wir widmen uns den Erinnerungen der Angehörigen und Freund:innen und würdigen das Leben von Menschen, die während ihres Lebens nicht im Scheinwerferlicht öffentlicher Aufmerksamkeit standen. Das „Museum des Lebens“ gibt denjenigen eine Stimme, die sich von der Komplexität des Lebens, von seinen tragischen und euphorischen Seiten, nicht abschrecken lassen und reflektiert in welcher Weise wir die Erinnerung an einen nahestehenden Menschen als Teil unseres Lebens betrachten können.
Die Neue Nationalgalerie widmet der Künstlerin Monica Bonvicini eine umfassende Einzelausstellung in der oberen Halle. Neben einigen ihrer bekanntesten Werken der letzten Jahrzehnte werden neue Produktionen gezeigt, die Bonvicinis Interesse für Feminismus und Architektur widerspiegeln.
Monica Bonvicini (* 1965) beschäftigt sich mit öffentlichen und privaten Räumen, in deren Ästhetik und Architektur sich bestehende Geschlechterverhältnisse und Gesellschaftsordnungen manifestieren. In ihren raumgreifenden, oft provozierenden Arbeiten fokussiert die Künstlerin auf solche Machtstrukturen. Ihr Werk changiert dabei zwischen einer Objektsprache, die dem Kommerziellen entnommenen ist, eigens entwickelten, experimentellen Formen sowie einer an den Minimalismus angelehnten Ästhetik von kühler Eleganz.
Teil der Ausstellung wird auch eine Reihe von Neu-Interpretationen von Hauptwerken bekannter Architekten, Designer und Bildender Künstler darstellen, in denen Bonvicini unterschwellige oder übersehene Strukturen eines männlichen Chauvinismus aufdeckt, die weite Bereiche der Moderne kennzeichnen. Im besonderen Fokus steht dabei der Museumsbau Mies van der Rohes selbst als ?Ikone der Moderne?.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie.
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie ? Staatliche Museen zu Berlin
Bridge-s ist ein Projekt der Musikerin und Performerin Solange Knowles, das sie gemeinsam mit dem Künstlerduo Gerard & Kelly für die Neue Nationalgalerie entwickelt. Die viertägige Performance findet sowohl in der Ausstellungshalle als auch auf den Terrassenflächen im Außenbereich des Museums statt.
Die Arbeit befasst sich mit der Idee von Transformation und wird an den Übergangsmomenten des Lichts ? zu Sonnenaufgang und Sonnenuntergang ? aufgeführt. Die Grammy-ausgezeichnete Solange Knowles (*1986) hat eine mantra-artige Partitur als eine Reihe von musikalischen Übergängen konzipiert, die Tänzer*innen und Musiker*innen, Architektur und Performance, Intimität und Monumentalität verwebt.
Gerard & Kelly (*1978, *1979) arbeiten seit 2016 an einer Reihe von Performance- und Videoarbeiten, in denen sie die Beziehung zwischen Körper und Architektur erforschen, wobei ihr besonderes Interesse den Ikonen der Moderne und den damit verbundenen radikalen sozialen Experimenten gilt. Mit der stark auf die spezifische Räumlichkeit des Mies-Baus bezogenen Performance ist so eine kritische Reflexion der strengen Bauhaus-Moderne, ihrer Narrative und ihrer verborgenen Choreographien verbunden. Ausgehend von dem sinnlichen Bild einer Brücke und den diversen musikalischen und kulturellen Referenzen, die in die Inszenierung einfließen, versteht sich Bridge-s als Plädoyer für gesellschaftliche Pluralität.
Eine Sonderpräsentation der Nationalgalerie ? Staatliche Museen zu Berlin
Die Ausstellung ?Sascha Wiederhold? versammelt erstmals seit fast einem halben Jahrhundert die wenigen überlieferten Werke dieses zu Unrecht in Vergessenheit geratenen Künstlers.
Das Werk von Sascha Wiederhold (1904-1962) ist eine Wiederentdeckung. Der Künstler beginnt 1924 zu malen und gehört zum Kreis von Herwarth Waldens Berliner Galerie ?Der Sturm?. Wiederhold gestaltet auch Bühnenbilder, Plakate und Bucheinbände. Seine Bildwelt besteht aus wild durcheinander wirbelnden Formen und Mustern sowie intensiven Farben, wobei die großformatigen Gemälde ein fast psychedelisches Seherlebnis vermitteln. Im Nationalsozialismus bricht Wiederhold sein Schaffen ab und arbeitet fortan als Buchhändler.
Nur wenige Werke haben sich erhalten. Das Gemälde ?Bogenschützen? von 1928 hat als Neuerwerbung der Nationalgalerie in der aktuellen Sammlungspräsentation ?Die Kunst der Gesellschaft 1900-1945? bereits große Resonanz gefunden.
Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie.
Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie ? Staatliche Museen zu Berlin
An vier Tagen bespielt die belgische Tanzkompanie Rosas die gläserne Halle der Neuen Nationalgalerie mit einer Performance, die eine einzigartige Erfahrung des Zusammenspiels von Architektur, Skulptur, Musik und Tanz ermöglicht.
Die eigens für den ikonischen Museumsbau konzipierte Choreografie von Anne Teresa De Keersmaeker (*1960) bezieht sich auf Constantin Brancusis Skulptur ?Vogel im Raum? (1926) aus der Sammlung der Nationalgalerie, die in der Mitte der Halle platziert ist. Die sich zunächst in unterschiedliche Richtungen bewegenden Tänzer*innen treten im Laufe der Zeit miteinander in Kontakt und vereinen sich schließlich in einem gemeinsamen aufwärtsstrebenden Bewegungsfluss, der die Grenzen des Raumes aufzuheben scheint. Die Performer*innen werden von einer Flötistin musikalisch begleitet.
Eine Sonderpräsentation der Nationalgalerie ? Staatliche Museen zu Berlin
Die Galerie im Turm zeigt vom 26.11.2021 bis zum 23.01.2022 die Soloausstellung Slow Motion mit der gleichnamigen Neuproduktion der Multimedia-Künstlerin Lola Arias. Die raumgreifende audiovisuelle Installation zeigt eine Choreographie zweier Pfleger:innen in ihrer Arbeit mit alten Menschen. Zwei Jahre Recherche, ein Theaterstück und ein Kurzfilm sind Slow Motion vorausgegangen.
Der Anti-Age-Kapitalismus vermittelt uns, dass das Alter etwas ist, das es zu bekämpfen, zu eliminieren oder im besten Fall zu verstecken gilt. Wir werden alt und außerhalb der Sichtweite der produktiven Gesellschaft in mehr oder weniger luxuriöse Abstellplätze verfrachtet. Die Pflegearbeit wird an prekär beschäftigte Arbeitskräfte ausgelagert, die durch mühsame Wartungsarbeiten am Leben erhält.
Pfleger:innen besitzen Wissen über das Altsein und Älterwerden, das häufig unsichtbar bleibt und aus dem Bewusstsein der Gesellschaft verschwindet. In ihrem täglichen körperlichen und zwischenmenschlichen Umgang mit alten Menschen müssen sie zwischen Effizienz und Bedürfnissen balancieren: Eine Person baden, ihr aus dem Bett heraushelfen, sie umziehen, sich unterhalten, die Schulter berühren.
Zwei Jahre lang interviewte die Künstlerin Lola Arias Pflegekräfte, Soziolog:innen, Stadtplaner:innen, Gerontolog:innen und ältere Menschen zu den Themen Alter und Pflege, generationenübergreifende Wohnprojekte, Alter und Sexualität. Das Ergebnis dieser Recherche war das Theaterstück Ich bin nicht totund der Kurzfilm Far away from Russia. Im Zentrum dieser Ausstellung steht ein futuristischer Anleitungsfilm, in dem Pflegekräfte und alte Menschen ihre alltäglichen Routinen demonstrieren; eine Choreografie der Beziehungen zwischen Pfleger:innen und pflegebedürftigen Menschen.
Slow Motion ist der fünfte Teil der Ausstellungsreihe MY WORKING WILL BE THE WORK. on self/care, labour and solidarity, kuratiert von Linnéa Meiners und Jorinde Splettstößer.
Fünf Jahrzehnte aktivistischen Filmschaffens: Alanis Obomsawins Filme geben Einblicke in das Leben und die politischen Anliegen Indigener Communities. Alanis Obomsawin wuchs in einem Kanada auf, das die sozialen und politischen Handlungsspielräume für Indigene Menschen systematisch beschränkte. Trotzdem gelang es ihr immer wieder, öffentliche Foren zu nutzen, um Indigenen Stimmen Gehör zu verschaffen. Seit den 1970er Jahren hat sie ein Modell des Indigenen Kinos geschaffen, das sich sozialer Gerechtigkeit und kollektiv relevanten Themen der Ökologie verschreibt. Ihr Werk stellt das vom Kolonialismus bestimmte Weltsystem grundlegend infrage. Die Ausstellung und die zugehörige Publikation verstehen sich als Beitrag zum aktuellen europäischen Diskurs über Geschichte(n) der Repräsentation. Mit einer breiten Auswahl an Filmen, Druckgrafiken und Musik reflektiert The Children Have to Hear Another Story Obomsawins Lebenswerk als Dokumentarfilmerin, Geschichtenerzählerin und Zuhörerin.
Das Begleitprogramm umfasst Führungen, Gespräche, Workshops und Filmvorführungen.
Kurator*innen: Richard W. Hill und Hila Peleg
Im Rahmen von Das Neue Alphabet
Ab dem 26. Oktober ist eine neue Ausstellung in den Räumen der Mori-?gai-Gedenkstätte zu sehen. Sie thematisiert den Boom der Japanreise um 1900. In Folge des rasant ausgebauten Verkehrsnetzes in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts blühten die internationalen Handelsbeziehungen auf , und auch der moderne Massentourismus nahm Gestalt an. Im gleichen Zeitraum öffnete sich Japan nach Jahrhunderten der Abschließung und wurde zu einem Sehnsuchtsort, der viele europäische und nordamerikanische Reisende anzog.
Die Ausstellung lotet aus, wie Reisende aus den deutschsprachigen Regionen um die Wende zum 20. Jahrhundert Japan imaginiert, erfahren und beschrieben haben. Erläuternde Tafeln verdeutlichen zeithistorische Kontexte und charakteristische Muster. Sie stehen im Dialog mit handkolorierten Photographien, die häufig als Souvenir erworben wurden, und bibliophilen Reiseberichten, die zeitgenössisch als Bestseller galten. „Morgensonnenland“ wird bis voraussichtlich Ende April 2022 in unseren Räumen zu sehen sein.
Das Brücke-Museum beherbergt den Nachlass des Künstlers Karl Schmidt-Rottluff. Hierzu zählen mehr als hundert Kunstwerke aus über 20 Regionen der Welt, unter anderem Papua-Neuguinea, Kamerun, Kongo und Mexiko.
Die Ausstellung Transition Exhibition im benachtbarten Kunsthaus Dahlem kontextualisiert diesen Teil der Sammlung Schmidt-Rottluffs erstmals aus einer kritischen Perspektive. Es handelt sich sowohl um eine Sammlungspräsentation, als auch um eine kritische Auseinandersetzung mit dem Format der Ausstellung von Sammlungen aus kolonialen Kontexten. Die Kuratorin Paz Guevara hat zeitgenössische Künstler*innen eingeladen, sich mit den Werken und ihrer kolonialen Geschichte auseinanderzusetzen. Ihre künstlerischen Interventionen bieten Anknüpfungspunkte für neue Narrationen und versuchen koloniale Kontinuitäten in der Sammlungspräsentation zu problematisieren und zu verlernen.
Die intensive künstlerische Beschäftigung mit der Geschichte des Sammelns und des Ausstellens ermöglicht Debatten zur kritischen Erschließung von Werken aus kolonialen Kontexten, zur Provenienzforschung und zur Restitutionsdebatte im Rahmen der aktiven Sammlungsarbeit des Brücke-Museums.
Mit Werken von Ruth Buchanan, Mariana Castillo Deball, Lizza May David, Marina Dubia, Haytham El-Wardany, Manuela García Aldana, Lisa Hilli, Satch Hoyt, Saba Innab, Keiko Kimoto, Musa Michelle Mattiuzzi, Nnenna Onuoha, Gabriel Rossell Santillán und Hank Willis Thomas sowie von einst bekannte Urheber*innen.
Zeitgleich findet im Brücke-Museum die Ausstellung Whose Expression? Die Künstler der Brücke im kolonialen Kontext statt.
Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Kunsthaus Dahlem.
Was bedeuten das jüdische Berlin und seine
Geschichte für jede*n von uns heute?
Geschichte und Geschichten des jüdischen Berlin werden durch das Prisma von heutigen Berliner*innen erkundet, entdeckt und reflektiert. Menschen erzählen über andere, über Vergangenheit und Institutionen der Stadt und gerade durch ihre Erzählung immer auch über sich selbst.
In einem Geschichten-Kaleidoskop lassen
Berliner*innen anhand von Objekten, Texten und/
oder kurzen Videosequenzen teilhaben an »ihrem
jüdischen Berlin« und den damit verbundenen Beziehungsgeschichten. (Alltags)Gegenstände, Fotos, Gemälde, Erinnerungen und familiäre Biografien zeigen sich als Träger der Geschichte. In der vielstimmigen Videoinstallation »Berliner jüdische Welten seit 1800« präsentieren Berliner*innen vertiefende Einblicke in die jüdische Vergangenheit bis hin zur Gegenwart Berlins.
Dabei birgt »Mein, Euer, Unser?« die Frage nach individuellen und kollektiven Bindungen und Verbindungen, aber auch danach, wer überhaupt unter welchen Voraussetzungen erzählen und die Vergangenheit deuten kann, soll und darf. Entsprechend fokussiert sich die abschließende Diskussion »Mein, Euer, Unser jüdisches Berlin?« auf Unterschiede und Gemeinsamkeiten bei Perspektiven, Deutungen und Erinnerungen.
Zu all dem wurden nicht nur Menschen eingeladen, die das jüdische Berlin als ihre eigene Familienbiografie verstehen, sondern auch jüdische wie nichtjüdische Berliner*innen mit anderen Hintergründen und Geburtsorten. So trifft jüdische Vergangenheit auf das heutige vielfältige Berlin. Seien Sie mit uns neugierig auf eine Sinfonie diverser Stimmen …
Die Künstler der Brücke lebten und arbeiteten in einer Zeit, in der das Deutsche Kaiserreich eine der größten Kolonialmächte Europas war. Die Ausstellung Whose Expression? Die Künstler der Brücke im kolonialen Kontext befragt ihre Werke vor diesem historischen Hintergrund.
Vor allem das Spannungsverhältnis zwischen Inspiration und Aneignung, in dem Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein und Karl Schmidt-Rottluff agierten, wird in der Ausstellung thematisiert. Einerseits identifizierten die Künstler sich mit der imaginierten Welt der vermeintlich „natürlichen“ Kulturen des globalen Südens als Gegenbild der bürgerlichen Gesellschaft und erhofften sich, so den Eurozentrismus ihrer Zeit zu überwinden. Andererseits nutzten sie stilistische Elemente der Künste und Kulturen aus Afrika, Ozeanien oder Indien als Anregung für ihre Kunst, ohne deren Entstehungskontexte, die kolonialen Machtverhältnisse und ihr rassistisches Weltbild zu reflektieren.
Zahlreiche Skizzen und Gemälde zeugen davon, dass sich die Künstler in den Völkerkundemuseen in Dresden und Berlin intensiv mit Werken aus dem kolonialen Süden auseinandergesetzt haben. Neben den Palaubalken rezipierten sie beispielsweise auch die Benin-Bronzen mehrfach. Darüber hinaus besuchten sie Theater, Varietés, Zirkusse und rassistische Kolonialausstellungen, die Menschen wie Objekte zur Schau stellten. Einige dieser kolonialisierten Personen standen für die Brücke-Künstler für Portraits und Akte Modell.
Die Ausstellung möchte sich den Lebenswegen der unbekannten Portraitierten widmen, ebenso wie der Biografien der Werke aus kolonialem Kontext. So wird der bekannte Leopardenhocker, der lange für eine Arbeit Ernst Ludwig Kirchners gehalten wurde, erstmalig mit seiner Bedeutung als Prestige-Objekt höfischer Eliten in Kamerun und als Zeugnis kamerunisch-deutscher Kolonialgeschichte gezeigt. Ein weiterer Fokus wird auf den Individuen liegen, die die Brücke-Künstler als anonymisierte ‚Andere‘ exotisierend darstellten.
Die Begegnung der Brücke-Mitglieder mit Menschen und Werken aus den kolonialen Kontexten fanden überwiegend in Deutschland statt. Denn nur Nolde und Pechstein reisten in die deutschen Kolonialgebiete Papua-Neuguinea und Palau. Mit Fotografien, Dokumenten, wie Briefen und Tagebüchern, und den vor Ort entstandenen Skizzen und Aquarellen begibt sich die Ausstellung auf eine Spurensuche dieser Reisen. Sie thematisiert die Desillusion der Künstler, die vor Ort nicht auf das erträumte Paradies europäischer Imagination trafen. Während Reisefotografien die koloniale Besetzung sehr deutlich dokumentieren, blendeten es Pechstein und Nolde in ihren Werken aus.
Diese Ausstellung ist der Beginn einer Auseinandersetzung mit dem kolonialen Erbe des Brücke-Museums. Im Bestand der Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung befinden sich noch heute rund 100 Werke aus ungefähr 20 Regionen der Welt aus dem Nachlass des Künstlers. Diese werden in diesem Jahr digitalisiert und in Wiki Commons, einer open access Datenbank, online einem interessierten Publikum zugänglich gemacht. Zeitgleich zur Ausstellung reflektieren im Kunsthaus Dahlem zeitgenössischen Künstler*innen diese Sammlung in der Ausstellung Transition Exhibition. Begleitet werden die Vorbereitungen und die Vermittlung der Ausstellung durch ein internes Sensibilisierungs- und Fortbildungsprogramm für das Team des Museums unter dem Titel Reflexionen. Koloniales Erbe im Brücke-Museum.
Vom Himmel hoch …“ - Adventsausstellung
27. November 2021 bis 2. Februar 2022
„Wir sind von Kopf bis Fuß auf Engel eingestellt“, kann derzeit das Team des Museums Spandovia Sacra unter der Leitung von Sabine Müller intonieren; denn die geflügelten Wesen bilden den roten Faden der diesjährigen Adventsausstellung des kleinen Museums in der Spandauer Altstadt.
Aus der Sammlung von Marlies Kluge-Cwojdzinski und ihrem leider in diesem Jahr verstorbenen Gatten, Pfarrer i. R. Jörg Kluge, werden diesmal Weihnachtskrippen gezeigt, zu denen mindestens eine Engelsfigur gehört. Es ist überraschend: Obwohl Engel eine wichtige Rolle in der Geschichte von Jesu Geburt spielen, sind sie nicht immer Bestandteil der Inszenierungen. Gudrun Speidel richtete in bewährter, das Auge erfreuender Weise die Museumsvitrinen ein.
Die ausgestellten Adventskalender, ebenfalls mit Engeln, stammen von der sammelnden Fliegerin Ingrid Andriessen-Beck. Sie stellte auch die historischen Weihnachtskarten zur Verfügung, mit denen in diesem Jahr der digitale Adventskalender des Museums bestückt ist.
Für Individualbesuche und kleine Gruppen wird die Ausstellung nach Terminvereinbarung über museum [at ] nikolai-spandau.de geöffnet.
Zusätzlich stehen im Advent an den Sonnabenden und Sonntagen die Museumstüren jeweils von 14 bis 16 Uhr offen.
Es gilt die 2G-Regelung+FFP2-Maske.
Die Ausstellung wird bis Mariä Lichtmess (2.2.) gezeigt.
Der Eintritt ist frei.
Spandovia Sacra - Museum von St. Nikolai Berlin-Spandau
Reformationsplatz 12, 13597 Berlin (Spandauer Altstadt)
www.nikolai-spandau.de
Die Stiftung Kunstforum Berliner Volksbank befasst sich in dieser Ausstellung mit dem Thema Geld in der Kunst.
Kreativ, fantasievoll und facettenreich sind die Wege, die Künstler:innen bei der Beschäftigung mit dem Thema Geld beschreiten. Die Herangehensweisen reichen von der künstlerischen Bearbeitung von Geldscheinen und Münzen über hintersinnige Arbeiten zum Widerspruch von Materialwert und ideellem Wert bis hin zur konzeptuellen Auseinandersetzung mit sozialen und gesellschaftspolitischen Aspekten.
Mit ästhetischen Mitteln wird der „Wert“ des Geldes in unserer Gesellschaft hinterfragt: Wie wichtig ist Geld für jeden einzelnen? Kann man sich seiner wirtschaftlichen Bedeutung überhaupt entziehen? Kann Kunst überhaupt frei sein? Inwieweit sind Kunstschaffende selbst im System von Existenzsicherung, Wertsteigerung und Marktmacht gefangen?
Ein wiederkehrender künstlerischer Ansatz ist die Kritik am Kapitalismus, aber auch am Verhältnis von Kunst und Kommerz. So zerlegten und verfremdeten Künstler:innen wie Anne Jud und Andy Warhol US-Dollar-Scheine als Symbole für die monetäre Supermacht USA.
In den Jahren nach der politischen Wende in Deutschland führte eine Künstlergruppe im Berliner Prenzlauer Berg eine eigene Währung ein, das „Knochengeld“. Rund 53 internationale und Berliner Künstler:innen setzten sich in diesem Projekt mit dem tiefgreifenden gesellschaftlichen Wandel auseinander, der in den frühen 1990er Jahren durch die Übernahme der Marktwirtschaft im Zuge von Währungsunion und Wiedervereinigung erlebt wurde.
Rund zehn Jahre später nutzten Kunstschaffende nach Einführung des Euros geschredderte DM-Scheine als Material für verschiedenste Arbeiten. Der Umgang mit den nunmehr wertlosen Geldnoten bot Anlass, sich mit dem Wert des Materials und mit der Fragilität des monetären Systems zu befassen.
Weitere künstlerische Exkurse befassen sich mit dem Thema „Gold“, etwa die Arbeiten von Helge Leiberg, Albrecht Fersch und Michael Müller. Andere Künstler:innen wie Horst Hussel kreierten fantastische Kunst-Währungen.
Auch der Kunstmarkt und die Werte von Kunst als Handelsware und Spekulationsmasse werden thematisiert. Nicht zuletzt forciert der Trend zur NFT-Kunst (Non-Fungible Token) ein Nachdenken über die Bedeutung digitaler Unikate.
In der Ausstellung CASH on the Wall sind Gemälde, Objekte, Skulpturen, Druckgrafiken, Collagen, Fotografien, Installationen und Videos zu sehen. Die Exponate stammen aus der Kunstsammlung der Berliner Volksbank und der Sammlung Haupt (Berlin) sowie von weiteren Leihgebern.
Zu den ausgestellten Künstler:innen zählen u.a.: Katharina Arndt, Joseph Beuys, Bewegung NURR, Victor Bonato, Dadara, Annett Deppe, WP Eberhard Eggers, Thomas Eller, Elmgreen & Dragset, Albrecht Fersch, Ueli Fuchser, Hannah Heer, Markus Huemer, Uta Hünniger, Horst Hussel, Robert Jelinek, Anne Jud, Vollrad Kutscher, Alicja Kwade, Christin Lahr, Helge Leiberg, Via Lewandowsky, Lies Maculan, Laurent Mignonneau, Lee Mingwei, Michael Mu?ller, Roland Nicolaus, Wolfgang Nieblich, Ingrid Pitzer, Anahita Razmi, Werner Schmiedel, Michael Schoenholtz, Reiner Schwarz, Justine Smith, Christa Sommerer, Gerd Sonntag, Daniel Spoerri, Klaus Staeck, Hans Ticha, Timm Ulrichs, Philipp Valenta, Petrus Wandrey, Andy Warhol, Caroline Weihrauch, Vadim Zakharov.
Die Ausstellung „Innenansichten“ von Peter Liptow entstand in der Zeit der Schließung des Militärhistorischen Museums Flugplatz Berlin-Gatow (MHM Gatow) aufgrund der Covid-19-Pandemie. Der Titel „Innenansichten“ ist insofern für diese Situation symptomatisch, da er sich auf das konzentriert, was den Besuchern in der Regel – auch bei geöffnetem Museum – verborgen bleibt: die Orte und Menschen „hinter“ dem Museum, seiner Sammlung, Verwaltung, Restaurierung, seinen Ausstellungen. Peter Liptows Fotos gewähren einen Blick „backstage“, wo auch während der Lockdowns der Jahre 2020 und 2021 die Arbeit weiterging und zum Beispiel neue Ausstellungen entwickelt und fertiggestellt wurden, denen zeitweise nur leider kein Publikum vergönnt war. Umso schöner ist es nun, den Besuchern nach der Schließzeit nicht nur das sonst öffentlich Zugängliche wieder präsentieren, sondern auch das gemeinhin Verborgene zeigen zu können.
Peter Liptow vereinigt in seiner Fotografie auf bemerkenswerte Weise die Fähigkeit, sowohl Dinge, Räume als auch Menschen in einem Bild werdenden Augenblick „festzuhalten“. Die Fotos haben eine gewisse Stille. Peter Liptows „Innenansichten“ gewähren Einblicke in den sonst verborgenen Museumskosmos und die vielfältige Arbeit, die zum alltäglichen Museumsbetrieb dazu gehört. Wir hoffen, mit der Ausstellung den Blick die Besucher für neue Perspektiven zu öffnen und Lust auf die vielen Facetten des MHM Gatow zu machen. Denn Eines war der Flugplatz schon immer: Mehr als ein Museum!
Der Flugplatz Gatow erzählt viele Geschichten – von der geheimen Aufrüstung der nationalsozialistischen Luftwaffe über das Ende des Zweiten Weltkriegs und die Zeit des Kalten Kriegs bis hin zur Wiedervereinigung. Er ist ein authentischer deutscher Erinnerungsort, in den die Spuren des bewegten 20. Jahrhunderts eingegraben sind.
Das Militärhistorische Museum der Bundeswehr Flugplatz Berlin-Gatow (MHM Gatow) macht in seiner neuen Ausstellung zur Geschichte des Ortes viele dieser Spuren sichtbar. Das beginnt bereits mit der Zeit vor dem Bau des Flugplatzes, mit dem aufstrebenden Villenvorort Kladow und den Segelfliegern auf dem Gatower Windmühlenberg. Mitte der 1930er Jahre bauen die Nationalsozialisten hier einen riesigen Komplex zur Ausbildung von Piloten und Offizieren der Luftwaffe, aber auch zur luftkriegstechnischen Forschung. Gegen Ende des Zweiten Weltkriegs erobert die Rote Armee im April 1945 das Gelände. Sie bleibt aber nur für kurze Zeit, denn im Zuge der Sektorenaufteilung fällt die Gesamtanlange mit Flugplatz an die britische Royal Air Force, die hier bis 1994 stationiert ist.
Der dicht an der Grenze zur DDR gelegene Flugplatz ist ein wichtiger Schauplatz des Kalten Krieges. Hier belauern und belauschen sich Ost und West mittels Fernglas, Funkabhörung und Aufklärungsflügen. Dies alles läuft im Geheimen ab, doch zur Zeit der Berlin-Blockade durch die Sowjetunion vom Juni 1948 bis Mai 1949 blickt auch die Öffentlichkeit auf Gatow. Neben Tempelhof und später Tegel läuft die Versorgung der Berliner Bevölkerung aus der Luft ganz wesentlich auch über diesen Flugplatz.
Mit der Wiedervereinigung und dem Abzug der alliierten Truppen 1994 endet die Zeit der Briten in Gatow. Die Bundeswehr übernimmt das Gelände. Heute hat hier der Inspekteur der Luftwaffe seinen Sitz. Der an die Kaserne grenzende Flugplatz mit dem Museum ist für die Öffentlichkeit zugänglich.
„You can’t miss Gatow“ – diese Aussage, die sich 1947 auf die Einrichtung eines modernen Flugleitradars in Gatow bezog, ist bis heute gültig, frei nach dem Motto „An Gatow kommt man nicht vorbei!“
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Quelle:
Das Museumsportal Berlin ist die gemeinsame Internetseiteder Museen, Ausstellungshäuser, Gedenkstätten und Schlösser in der Hauptstadtregion.
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