18.05.2022

Swing, Big Band und ganz viel Glamour: Das ist die Hommage an den legendären EntertainerFrank Sinatra, einer der gröߟten Entertainer der Welt, ist bis heute unvergessen: Seine Songs wie „My Way“, „Strangers In The Night“ oder „New York, New York“ bescherten ihm Weltruhm. Bis heute gilt er als eine der einflussreichsten Persönlichkeiten im Musikgeschäft des 20. Jahrhunderts. Grund genug, um das Leben und Wirken Sinatras in einem einzigartigen Musical nachzuerzählen.Glamourös war sein Leben zwischen Las Vegas und New York, auf den Bühnen der ganzen Welt, leidenschaftlich seine Ehen mit Nancy Barbato, Ava Gardner oder Mia Farrow, geheimnisvoll seine Beziehungen zu Mafia und Politik. Kurzum: Frank Sinatra liefert mit seinem turbulenten Leben und seiner unvergleichlichen Karriere den perfekten Stoff für eine mitreiߟende Musical-Inszenierung. „That’s Life - Das Sinatra-Musical“ von Erfolgsproduzent Oliver Forster (u.a. „Falco - Das Musical“ und „BEAT IT! - Das Musical über den King of Pop!“) zeigt in beeindruckenden Bildern Sinatras unvergleichliche Karriere, thematisiert aber auch die Schattenseiten seines mondän scheinenden Lebens. Die Las Vegas-Show präsentiert „Frankie Boy‘s“ gröߟte Hits und versetzt die Zuschauer zurück in die legendäre Zeit des Swing mit seinen Big Bands.Frank Sinatra war ein Mann, auf den alle denkbaren Superlative der populären Musik Anwendung fanden. Im Laufe seiner Karriere gelang es ihm, einen unverkennbaren Stil zu bewahren und trotz gegenläufiger Trends immer an der Spitze des kommerziellen Erfolgs zu bleiben. So wurde er zu einem der wichtigsten Charaktere im amerikanischen und internationalen Musikgeschäft. Mit über 1.800 Songaufnahmen, 60 Filmrollen, neun Grammys und einem Oscar sprengte er bis dato alle Rekorde der Unterhaltungsbranche. Frank Sinatra war der erste Popstar!Die 60er: Las Vegas, Big Bands & „The Rat Pack“Unvergessen sind die legendären Las Vegas-Performances von „The Rat Pack“: Zusammen mit Sammy Davis Jr., Dean Martin, Joey Bishop, Peter Lawford und Shirley MacLaine trat Sinatra im berühmten „Sands Hotel“ auf. Diese Shows waren die begehrtesten ihrer Zeit. Mit ihrer perfekten Mischung aus kabarettistischen Dialogen zwischen Entertainern und Publikum sowie Darbietungen von weltbekannten Songs, begleitet von perfektem Big-Band-Swing, gingen sie in die amerikanische Entertainment-Geschichte ein. Erstmals trat das legendäre Rat Pack gemeinsam vor exakt 60 Jahren auf. Diesem Jubiläum wird im Musical deshalb besondere Aufmerksamkeit geschenkt.

Das grenzenlose Leben in der Groߟstadt, der Anspruch auf Freiheit und die Kostbarkeit des eigenen Lebensentwurfs – nämlich genau so leben zu können, wie man es möchte – finden am Ende des Tages im "wirklichen" Leben nur wenig Platz. Stellt sich die Frage: Gibt es das denn überhaupt, "freien Willen"? Kann man das überhaupt, "Leben nach eigener Vorstellung"? Oder ist das am Ende doch nur etwas für die "happy few", in einer Welt, die längst berechnet und verkauft ist? In einer Abrechnung und Annäherung gleichermaߟen durchlebt Dostojewskis Protagonist noch einmal sein Leben, predigt und wütet heillos, immer auf der Suche nach dem echten Leben innerhalb der Abgründe der Gesellschaft.

Was verbindet den weltberühmten Schriftsteller ߖdön von Horvß¡th, die Schauspielerin Marianne Hoppe und den Diktator Adolf Hitler? Anhand dieser drei Figuren geht Peter Michalzik dem Phänomen ihrer Zeit auf den Grund: der Ausprägung der Masse. Horvß¡th versuchte die Masse in seinen Werken zu erfassen, Hoppe verzauberte sie auf der Leinwand – und beide waren ein heimliches Paar, während Hoppe mit Gustaf Gründgens verheiratet war. Auf unterschiedliche Weise waren Horvß¡th und Hoppe wiederum fasziniert von dem Mann, der die Masse führte und verführte.Peter Michalzik hat Marianne Hoppe persönlich kennengelernt, Archive durchwühlt, Horvß¡ths Werke und die Reden Hitlers studiert: Sein Buch ist eine auߟergewöhnliche Zeitreise, ein ungewöhnliches Porträt ß  trois und die beeindruckende Erkundung eines Phänomens, das an Aktualität keineswegs verliert.MIT Bettina Hoppe, Peter Michalzik

Die Handlung im Kreidekreis ist modellhaft klar und dialektisch schön: Bei einer Revolution lässt die fliehende Gouverneursfrau ihr Baby zurück. Ihre Magd Grusche findet das Kind und überlegt eine Nacht lang, ob sie als alleinstehende Frau im Krieg ein kleines Kind retten kann. Sie entscheidet sich für das Kind. Auf der Flucht gerät sie in immer gröߟer werdende Schwierigkeiten an deren Ende sie vor ein Gericht gestellt wird, da die Gouverneursfrau ihr Kind zurückhaben will. Die Zeiten haben sich wieder geändert, jetzt ist das Kind der Erbe eines groߟen Vermögens. Doch kurz bevor die alte Herrschaft die Zügel wieder fest im Griff hat, gibt es eine kurze Zeit der Anarchie, in der der Richter Azdak herrscht. Seine Richtersprüche sind gefürchtet bei den Reichen und ein Segen für die Armen. So erfindet er für den Fall, dass die biologische aber herzlose Mutter ihr Kind zurückfordert, den salomonischen Kreidekreis neu.Die Frage, die hier verhandelt wird, ist von ebenso groߟer Schlichtheit wie politischer Eindringlichkeit: Wem gehört die Welt? So ist es kein Zufall, dass Bertolt Brecht, als das Berliner Ensemble 1954 endlich das Theater am Schiffbauerdamm bespielen darf, als erstes den Kaukasischen Kreidekreis inszeniert. Michael Thalheimer arbeitet regelmäߟig am Berliner Ensemble. Seine bisherigen Inszenierungen sind in dem Buch von Hans-Dieter Schütt "Michael Thalheimer" in zahlreichen Gesprächen, Texten und Fotos dokumentiert."Beste ausländische Inszenierung 2019": Das Havanna-Gastspiel von "Der kaukasische Kreidekreis" wurde mit den "Premios Villanueva" geehrt, mit denen jedes Jahr eine Fachjury aus kubanischen Theaterkritiker*innen und Theaterwissenschaftler*innen die besten Inszenierungen des Jahres in Kuba auszeichnet.We regularly present performances of "The Caucasian Chalk Circle" with English surtitles. You can find the dates here. Our box office staff will be happy to tell you from which seats you will have a good sight-line to the surtitles. For the best view of both stage and surtitles, we recommend seats in the stalls (Parkett) from row 13, or in the balconies (1. Rang, 2. Rang). Seats in the side boxes have a partially obstructed view.

Spektakulär und einzigartig lässt Entertainer Sven Ratzke in seiner brandneuen Show die legendäre Musik des 20. Jahrhunderts wieder aufleben. Auf seiner Reise durch die schönsten Songs dieses Jahrhunderts zelebriert er die Helden und Rebellen, die Musen und die Song Birds und führt mit eigenen Songs meisterhaft von Jahrzehnt zu Jahrzehnt. Zusammen mit seiner virtuosen Band verleiht er den Songs den berühmten „Ratzke-Touch“: eigen und doch erkennbar, in neuem Glanz und doch vertrautem Charme. Abgerundet mit seinem einzigartigen Entertainment: intim und ausgelassen, mit Glamour und Humor, bezaubernd balancierend zwischen den Genres – und immer authentisch. Eine wilde, schöne Reise – und ein Abend, der einfach nur glücklich macht … Mit: Jetse de Jong (Piano), Haye Jellema (Drums), Florian Friedrich (Bass)

Mit Destiny Drescher, Jurassica Parka, Margot Schlönzke, Miii, Ryan Stecken und Tom Bola.Als »The Golden Gmilfs« huldigen Jurassica Parka und ihr Ensemble ein weiteres Mal der kultigen US-amerikanischen Sitcom, die 1990 bis 1994 erstmals in Deutschland ausgestrahlt wurde.Mit viel Selbstironie, bissigen Gags und schmissigen Shownummern feiert die Dragqueen-Besetzung die vier Bewohnerinnen der berühmten Senior*innen-WG im Miami Ende der 80er, Anfang der 90er Jahre als Vollplayback-Theater – und damit einen TV-Klassiker, der nie aus der Mode kommen wird.»Extra Dry« heiߟt die aktuelle Produktion aus dem Hause Jurassica Parka – ein fulminantes Showerlebnis, und das natürlich extra trocken. 

Die acht MillionäreKriminalkomödie von Robert ThomasDer verstorbene Herzog Valorin-Grandterre hat in seinem Testament den Sohn Jacques als Haupterben bestimmt, aber mit dem Zusatz, dass die Millionen unter seinen zahlreichen illegitimen Nachkommen verteilt werden, sollte Jacques kinderlos sterben. Jacques, ledig und ohne Kinder, schwebt in gröߟter Gefahr: Er erhält Drohbriefe und anonyme Anrufe, die Bremsen seines Autos werden manipuliert und nächtliche Anschläge auf ihn verübt... Auch das Gerücht von einer heimlichen Liebe kann ihn nicht vor dem todbringenden Pfeil bewahren.Die Nachricht von seinem Tod verbreitet sich in Windeseile, und noch in derselben Nacht treffen die anderen Millionenerben im Landsitz ein. Von nun an wird diskutiert und intrigiert. Jeder scheint ein Motiv zu haben, jeder verdächtigt den anderen, den Mord begangen zu haben. Selbst der Notar des Toten muss ein Alibi nachweisen, als sich herausstellt, dass auch er zu den auߟerehelichen Fehltritten des Herzogs gehört.Es beginnt ein Mordsspektakel. Der Notar wird beim Telefonieren erschossen, der groߟmäulige Paul vergiftet, die altjüngferliche Marie-Hélߨne im Garten von einer Balkonvase erschlagen, ein weiterer Erbe in seinem Schloss ermordet aufgefunden. Tonio, der als einziger kein Alibi nachweisen kann, wird vorläufig festgenonmmen. Der Vikar Coret, gerade auf einem Kirchenkongress in Paris, verzichtet auf sein Erbe, um wenigstens das nackte Leben retten zu können... Wieder im Landhaus kommt es zu einem verwechslungsreichen Showdown. Ist etwa der Vikar der Mörder?Robert Thomas' Kriminalkomödie ist insofern ein Novum, als die acht männlichen und weiblichen Hauptrollen alle vom gleichen Schauspieler dargestellt werden!Regie: Thomas Wingrich

Willkommen auf dem luxuriösen Anwesen von Miss Betty, im Herbst 1937. Gefangen zwischen ihrem verzweifelten Ehemann, einem fröhlichen Trauzeugen, zwei herumstolpernden Butlern und einem lüsternen Verehrer, schlüpft unsere Gastgeberin von ihrer Hochzeitsfeier in eine abgeschiedene Raucherlounge. Zigarren, Whisky, Slapstick und eindrucksvolle Akrobatik verflechten sich zu einer turbulenten Liebesintrige. Versteckt in dem düster-dekadenten Ambiente, vorbei an Streit und falschen Vorwänden, steht das Ungesagte – der im Englischen sprichwörtliche Elefant im Raum – der immer mehr Platz einnimmt…Mit viel Witz und Exzentrik verbinden Cirque Le Roux gekonnt Storytelling mit hochkarätiger Akrobatik. Dabei erkunden die sechs Künstler*innen die Geheimnisse der Liebe, Freundschaft und der offensichtlichen Wahrheiten, die wir lieber ignorieren.

Unser aller Alltag: Ein gefühltes Chaos und ständige ߜberforderung. Der Job fordert Nerven, Familie und Freunde Zuneigung und die sozialen Medien ständige Aufmerksamkeit – ratzfatz ist die Work-Life-Balance im Arsch. Warum das doppelt Scheiߟe ist? Weil wir mittlerweile wissen: Der Darm beeinflusst das Denken! Es ist also nicht nur wichtig, was hinten raus-, sondern auch, was oben ankommt.Und in den Nachrichten der tägliche Weltuntergang: Pandemie, Klimakrise, Insektensterben. Und mittendrin wir. Hilflos. Denn unser Gehirn reagiert automatisch mit Fluchtinstinkt und schaltet verzweifelt auf Wellnessalarm: Entschleunigung, Auszeit, digital Detox. Am besten mit Poweryoga und Achtsamkeitsübungen gegen zu viel Achtsamkeit. Nichts denken in 60 Sekunden.Aber wie, wenn dich jede Sekunde ein anderer Prophet anbrüllt: „Ich weiߟ es! Ich habe die Wahrheit nicht nur gepachtet, ich bin der Eigentümer!" Früher wurden man dafür gekreuzigt, heute bekommt man dafür Likes. Argumente, Fakten, Logik? Sind herzlich willkommen! Aber nur die der Gleichgesinnten in der selbst gebauten Filterblase. Die so gemütlich eingerichtet ist, und aus der jeder Blick hinaus versichert: Da drauߟen – ist Wahres Rares.Luise und Tobias geht es nicht anders. Seit Jahrzehnten befreundet und in ihrer Zweier-WG gefangen, will Luise nun raus aus dem Hamsterrad, und stürzt damit alle ins Chaos. Denn gilt die groߟe Veränderung auch im Kleinen? Und mit welchem Fuߟ soll man losgehen? Was sagt die Wissenschaft? Was sagt das Bauchgefühl? Was der Darm, der Instinkt? Was der gesunde Menschenverstand? Und vor allem: Was sagt Karl Lauterbach? Wäre da nicht ihre Nachbarin Ruth, die wirklich auf alles eine Antwort hat, Luise und Tobias wüssten nie, ob sie sich auf ihr gefühltes Wissen verlassen können.Kabarett, das auf Hirn und Herz zielt und dabei unter die Haut geht!

Es ist die Geschichte einer unfreiwilligen Heimkehr. Franz Josef Murau, der seit Jahrzehnten seine Familie meidet und im Ausland lebt, muss zur Beerdigung seiner Eltern anreisen, die bei einem Unfall ums Leben gekommen sind. Damit holt ihn eine Vergangenheit ein, von der er glaubte, sie weit hinter sich gelassen zu haben. Für Murau folgt ein furioserKampf mit dem verhassten Erbe: Er geht "in den Wald der Kindheit hinein", um in "einer entsetzlichen Konfrontation" mit den damaligen Schrecken "alles auszulöschen", was ihn an seine Familie bindet. Besonders quält ihn die Verstrickung seiner Eltern in die NS-Herrschaft und das Weiterwirken der katholisch-nationalsozialistischen Mentalität auch nach Kriegsende. Verzweifelt versucht Murau die Wurzeln der Vergangenheit aus seinem Leben, Denken und Fühlen herauszureiߟen. Auslöschung. Ein Zerfall ist 1986 als Thomas Bernhards letztes Prosawerk erschienen und eine monumentale Abrechnung mit Heimat, Familie und Gesellschaft der Nachkriegszeit. Karin Henkel wird mit ihrem Ensemble den tieftraurigen Abgründen, der absurden Komik und der beunruhigenden Hellsicht dieses Familienporträts folgen und es mit verwandten Stimmen aus anderen Werken Thomas Bernhards verknüpfen.

Treffen sich zwei Schauspieler – und nehmen die aktuelle politische Groߟwetterlage zum Anlass für einen wilden und sehr musikalischen Ritt durch die deutsche Geschichte. Wo sich Hitler und Friedrich der Groߟe begegnen kommen die allerintimsten Fragen auf den Tisch: Fragen nach der Verdauung genauso wie Fragen nach Deutschlands Zukunft. Die politische Farce des Autors und Filmemachers Rosa von Praunheim ist eins der drei Gewinnerstücke der Autoren(theater)tage 2020. Gemeinsam mit zwei spiel- und singwütigen Darstellern bringt der Autor das Stück in Eigenregie zur Uraufführung. Scharfzüngig und böse, grell und komisch. Deutsches Theater.

Mit diesem Abend wird die Reihe AUS DEM HINTERHALT auch in der Spielzeit 2021 / 2022 fortgesetzt – weiterhin unter dem Motto: MACHT DER KߜNSTE. Doch worin genau besteht sie? Was kann sie bewirken? Wen kann sie erreichen? Welchen Interessen dient sie? Kuratiert wird die Reihe von dem Sänger, Komponisten und Regisseur Elia Rediger, der für die Abende als „Specials Guests“ Künstler*innen aus Pop, Rock, Avantgarde, Mode und Bildender Kunst einlädt um mit ihnen zusammen den Blick auf die Repertoirewerke der Groߟen Oper zu werfen – und gemeinsam mit Ensemblemitgliedern der Deutschen Oper Berlin die einzelnen Abende zu gestalten.

Diese Tanzperformance illustriert die Entwicklung des menschlichen Körpers von der Zelle bis zu seinem tatsächlichen Dasein und fokussiert den Körper in seiner Materialität mit all seinen Stärken und Schwächen. Kein Körper ist perfekt. Es existiert keine absolute Symmetrie, keine reelle Norm. Und doch strebt der Mensch genau danach, die Gesellschaft will Perfektion und Optimum statt Anderssein. „Extremities“ ist eine ebenso bildgewaltige wie intime tänzerische Kampfansage gegen Konformität und oberflächliche Ideale.

Diese Tanzperformance illustriert die Entwicklung des menschlichen Körpers von der Zelle bis zu seinem tatsächlichen Dasein und fokussiert den Körper in seiner Materialität mit all seinen Stärken und Schwächen. Kein Körper ist perfekt. Es existiert keine absolute Symmetrie, keine reelle Norm. Und doch strebt der Mensch genau danach, die Gesellschaft will Perfektion und Optimum statt Anderssein. „Extremities“ ist eine ebenso bildgewaltige wie intime tänzerische Kampfansage gegen Konformität und oberflächliche Ideale.

Das Leben des Fotografen Cameron ist wie seine Bilder: aufregend und voller leuchtender Farben. Zusammen mit seiner geliebten Muse fliegt er um die Welt. Als er sie verliert, reiߟt der Verlust sein Glück in Stücke. Immer wieder starrt Cameron auf die Fotos an seinen Wänden. Eine unerklärliche Anziehungskraft geht von ihnen aus und tatsächlich erwachen seine Aufnahmen zu neuem Leben. Möchte seine Muse ihm noch etwas sagen? Liebe ist stärker als die Zeit, das erlebt Cameron hautnah in ARISE. ARISE bedeutet aufzustehen, nicht aufzugeben, sich den Glauben an die wärmende Kraft der Liebe zu bewahren. Verlieben Sie sich in über 100 Künstler:innen auf der gröߟten Theaterbühne der Welt. Extravagante Kostüme, atemberaubende Bühnenbilder und artistische Höchstleistungen bringen Sie zum Staunen und zaubern Ihnen ein beglücktes Strahlen ins Gesicht. ARISE . Grand Show . Grand Emotions .  Auch geeignet für Gäste ohne Deutschkenntnisse. Revueshows sind keine Musicals. Der innere Zusammenhang basiert vornehmlich auf einer bildlichen, nicht textlichen Erzählweise. Unser Fühl-Dich-Sicher-VersprechenAuch wenn mit zunehmenden Impfquoten die Zuversicht steigt, sind diese Zeiten nicht immer berechenbar. Daher gibt der Palast als staatliches Theater seinen Gästen ein dreifaches Fühl-Dich-Sicher-Versprechen:1. TߜV-geprüftes HygienekonzeptAls erstes und bisher einziges Theater hat der Palast für seine Abläufe und Hygienekonzepte das TߜV-Siegel „Geprüfter Infektionsschutz COVID-19“ erhalten. Beruhigend zu wissen: Die neue hochmoderne Lüftungsanlage tauscht bis zu acht Mal pro Stunde das Luftvolumen im Saal mit Frischluft aus.2. 100% Geld-zurück-GarantieIm Falle einer Showabsage können sich die Gäste darauf verlassen, dass sie innerhalb von drei Wochen automatisch und ohne Antragstellung ihr Geld zurückbekommen, da der Palast nicht auf die gesetzlich mögliche Gutscheinlösung zurückgreift.3. Kostenfreies UmbuchenJedes gekaufte Ticket kann vom Gast flexibel bis zwei Stunden vor Vorstellungsbeginn ohne Angabe von Gründen auf einen anderen Termin umgebucht oder in einen Gutschein umgetauscht werden.Diese kostenlose Dreifachgarantie ist weltweit einzigartig für ein Theater und gilt für beim Palast erworbene Tickets.

Ein rasantes Spiel zum Thema NachhaltigkeitAls Anna neu auf die Schule kommt, ist die neunjährige Julia sofort fasziniert. Anna ist anders. Sie spricht mit dem Baum Asta, kann Gedanken lesen und Schadstoffe in Lebensmitteln schmecken. Anfangs ist Julia begeistert von Annas radikalen Ansichten zu Umwelt- und Klimafragen. Für die ist nämlich klar: Das ganze Gift in der Welt haben die Kinder den Erwachsenen zu verdanken! Auch Julias Freund Aldi, der zunächst nicht viel von Anna hält, muss erkennen, dass es mit seinem Plastikverbrauch so nicht weitergehen kann. Der Planet steht auf Alarmstufe Rot! Julia will handeln und Erwachsene wie Kinder gleichermaߟen in die Verantwortung nehmen. Gemeinsam planen die drei eine groߟe Umwelt-Show in der Schule. Als Aldi vom Hausmeistergehilfen Otto erfährt, dass Asta für eine neue Sportanlage gefällt werden soll, überschlagen sich plötzlich die Ereignisse. So wird auch die Freundschaft von Julia, Anna und Aldi auf eine harte Probe gestellt.„Himmel, Erde, Luft und Meer“ von Volker Ludwig wurde 1990 am GRIPS uraufgeführt und traf bereits damals den Nerv der Zeit. GRIPS-Schauspieler und Autor Christian Giese hat den Stoff als Ausgangslage für eine humorvolle Geschichte genommen und ihn neu befragt: Was hinterlassen wir den nachfolgenden Generationen für eine Welt? In Zeiten von FRIDAYS FOR FUTURE haben viele von ihnen längst darauf aufmerksam gemacht, was falsch läuft und eine eigene lautstarke Stimme gefunden. Ist es nicht an der Zeit, ihnen zuzuhören?Uraufführung: 08.09.2021Die Musik zum Stück ist in folgenden Diensten erhältlich:AmazonApple MusicSpotifyYoutube 

Vier Freund*innen, die wir schon aus VIER SIND HIER kennen, entdecken gemeinsam die Welt der Dreijährigen. In dieser Welt ist das meiste neu, manchmal komisch oder gefährlich, oft spannend. Vieles ist für diese Vier auch einfach zu groߟ. Menschen tragen Masken, halten Abstand zueinander und schrecken zuweilen vor zu viel Nähe zurück. Das gehört zu ihrem Alltag, aber es hindert sie nicht daran, sich ihre Welt zu erobern, die viele aufregende Situationen bereit hält.Uraufführung: 30.06.2021

Künstler*innen und Kulturinstitutionen agieren aus ihren spezifischen Kontexten heraus, die von diversen Diskursen und Lebensrealitäten geprägt sind. Künstlerische Arbeit kann dabei Impulse für eine kritische Befragung gesellschaftlicher Strukturen schaffen, Räume der Reflexion und Imagination für alternative Gesellschaftsordnungen öffnen und sogar utopische Visionen greifbar machen. Gleichzeitig gibt es auf struktureller, kommunikativer und ästhetischer Ebene viele Leerstellen und unbewusste Mechanismen, die einer kritischen Befragung und Veränderung bedürfen.Changing the Narratives Privilegien, hegemoniale Verhältnisse und normierende Körperbilder prägen unsere Lebensrealitäten und werden auch im zeitgenössischen Tanz reproduziert und manifestiert. Wessen Geschichten werden auf den Bühnen erzählt oder finden nicht statt? Welche Körper treten wie in Erscheinung – werden als ‚besonders’, ‚divers’, ‚gesund’ oder ‚virtuos’ wahrgenommen? Welches Wissen von (Tanz-)geschichte und Körperbildern wird in künstlerischen Arbeiten vermittelt und wie wird dadurch Anerkennung und Wertschätzung reproduziert? In diesem Panel möchten wir gewachsene Repräsentationsstrukturen hinterfragen und um andere Perspektiven erweitern. Mit welcher künstlerischen Praxis und aus welcher Position heraus lässt sich an der Auflösung diskriminierender Mechanismen und Strukturen arbeiten?Zugänge schaffen Wie präsent und zugänglich ist zeitgenössischer Tanz in unserer Gesellschaft, wer ist unser Publikum, und wie kann Tanz stärker in unseren Alltag – auch auߟerhalb der Bühne – Einzug halten und Freude verbreiten? Um Tanz zugänglich zu machen, müssen wir Barrieren erkennen und abbauen. Wie vielfältig können Zugänge aussehen, wenn wir das Spektrum von Tanzvermittlung betrachten, das von kultureller Bildung, über Tanzpädagogik, Audience Development bis hin zur künstlerischen Forschung reicht? Wie können wir auch hier diskriminierenden, ausschlieߟenden Strukturen entgegenwirken, unsere etablierten Perspektiven und Erfahrungen erweitern und neue Begegnungen ermöglichen?

Kondensierte Bewegungsmuster aus Pole-Dance und Ballett treffen auf skulpturale Recherchen. Hier setzt Julian Weber seinen interdisziplinären Ansatz zwischen Bildender Kunst und Choreografie fort, indem er das bildhauerische Werk Constantin Brߢnߧusis auf sein bewegungsästhetisches Potenzial untersucht. Körper, Skulptur, Raum und Bewegung werden einander zur Seite gestellt. Eine musikalische Komposition zwischen Balkan Folk Musik, westlicher Klassik und zeitgenössischer fragmentierter Popmusik begleitet die Balance zwischen Abstraktion, Formalisierung und Verschränkung der Genres. Eine gekonnte Streckung – “Allongé”!   

Gangstas, Pimps und Hoes: Die US-Rap-Welt ist durchtränkt von Bildern übersteigerter Männlichkeit. Als Schwarze Künstler wie Cam’ron und Kanye West in den frühen 2000ern einen Modetrend aus rosa Plüsch, Fell und Velours lostraten, bewiesen sie, dass sogar Barbies Lieblingsfarbe rassistisch gewachsenen Zuschreibungen des Schwarzen heterosexuellen Mannes nichts anhaben konnte. In “BEING PINK AIN’T EASY” werden soziale Konstruktionen wie Race und Geschlecht choreografisch verkehrt, wenn ein weiߟer Tänzer Schwarz markierte Bewegungen und Posen verkörpert. Ein ambivalenter Erfahrungsraum in pink zwischen „white fragility“ und kultureller Aneignung. Artist Talk Joana Tischkau im Gespräch mit Maria Focaraccio und Jo Kolski Ort: Sophiensaele Zeit: Freitag, 18. März, 17:00

Wo fängt dein Körper an, wo hört mein Körper auf? Renae Shadler und Roland Walter erkunden in diesem intimen und spielerischen Duett unsere Körperoberfläche, die Haut, als durchlässige Barriere zwischen Innen und Auߟen – Grenze und Berührungspunkt zugleich. Dabei finden die beiden vermeintlich ungleichen Performer:innen gemeinsame Bewegungssprachen, die gängige Vorstellungen einer „mixed-abled“ Choreografie hinterfragen. Inspiriert von Seeanemonen, Flüssigkeiten und Erdoberflächen, imaginiert "SKIN" eine Welt, in der es keinen mehr oder weniger fähigen Körper gibt.

Wie möbliert man einen Raum mit Objekten, die nicht in Sichtweite sind? Drei Performer:innen teilen ihre Vorstellungskraft mit dem Publikum auf einer Bühne, die nach allen Seiten offen bleibt und Zuschauende wie Performende dazu herausfordert, die eigenen (unbewussten) Tiefenschichten der Projektion und Beobachtung freizulegen. Eine schlichte wie komplexe Einladung, sich zu den Dingen – ob abwesend oder anwesend – ins Verhältnis zu setzen. “Telling Stories – a version for three” erzählt keine De/Konstruktion, sondern macht sie choreografisch – mit und durch die Körper – erfahrbar. Zwischen Bildbeschreibung und Bildwerdung, Phantasie und Abstraktion werden die Mechanismen unserer Wahrnehmung hier buchstäblich in den Raum und mitunter auch auf den Kopf gestellt. Artist Talk Fabrice Mazliah im Gespräch mit Stefanie Alf und Lena Michaelis-Vetter Ort: Radialsystem Zeit: Donnerstag, 17. März, 17:00

Ein langatmiges Lamento. In Ligia Lewis' neuestem Bühnenwerk kommt eine komische Tragödie zur Entfaltung. Mit einer einzigartigen theatralischen Sprache voller schwarzem Humor und surrealistischer Bilder wird die Dunkelheit als ein Ort des imaginativen Potenzials beschworen. Das Ausschlieߟen Schwarzer und nicht-westlicher Subjekte in der Geschichtsschreibung wird bei "Still Not Still" in Form einer musikalischen Klage ausgehebelt. Die Choreografie unterbricht jede Vorstellung von historischem Fortschritt und entwirft eine Welt auߟerhalb der Zeit, eine Welt im Stillstand.Artist Talk Ligia Lewis im Gespräch mit Ariane Burghard und Dominique Tegho Ort: HAU 1 Zeit: Freitag, 18. März, 20:30

Eine Live-Talkshow, moderiert von der Queen of the Heavens and of the Earth, Empress of Despair, Architect of Your Eternal Suffering, Olympia Bukkakis. Jeden Abend trifft Olympia auf eine:n Künstler:in aus dem Line-up der Tanzplattform und auf eine:n Künstler:in der Berliner Szene. Gemeinsam hinterfragen sie die Höhen und Tiefen des Arbeitens in Zeiten monumentaler Katastrophen. Rechnen Sie mit knallharten Kommentaren, Spielen und spontanen performativen Einlagen.

Das Konzerthausorchester Berlin und Chefdirigent Christoph Eschenbach erweisen Dmitri Schostakowitsch im Rahmen der Hommage an den Komponisten natürlich auch die Reverenz. Sein erstes Cellokonzert von 1959 zeigt, wie der Komponist eine Fülle lang verpönter modernistischer Techniken nach dem Tod Stalins endlich ausschöpfen konnte. Jahrhundertcellist und Widmungsträger Mstislaw „Slawa“ Rostropowitsch wurde zum groߟen Geburtshelfer. Bei uns spielt der junge Franzose Bruno Philippe den tänzerischen Solopart des mitreiߟenden Stücks. Es folgt Schostakowitschs Achte, die eine bewegte Rezeptionsgeschichte hat. Der Komponist schrieb sie 1943 innerhalb kürzester Zeit, um „den Schrecken des Lebens eines Intellektuellen in der damaligen Zeit“ zu vertonen, wie Dirigent Kurt Sanderling formulierte. Das Werk wurde mit der Begründung einer „ultraindividualistischen Weltsicht“ umgehend verboten.

Der Berliner Unternehmer Eduard Tobler beteiligt sich unter dem Decknamen Schlüter an einem Preisausschreiben seiner eigenen Firma, der weltbekannten Tobler-Werke – und gewinnt den zweiten Preis: Einen zehntägigen Aufenthalt in einem Grandhotel in den Alpen. Dorthin fährt Tobler alias Schlüter um zu erleben, wie die Menschen in der piekfeinen Luxusherberge auf einen armen Schlucker wie Schlüter reagieren. Als Begleitung nimmt er seinen langjährigen Diener Johann mit. Der muss während des Hotelaufenthalts seine Millionärsrolle spielen und ihn selbst entsprechend ignorieren. Schon am ersten Tag freundet sich der Konzernchef Tobler mit Fritz Hagedorn an. Der arbeitslose Werbefachmann (und Kästner -Alter-Ego), der im Preisausschreiben für einen besonders guten Werbespruch den ersten Preis gewonnen hat, ist tatsächlich ein armer Schlucker, wird aber vom Hotelpersonal irrtümlicherweise für einen Millionär gehalten. Hilde Tobler, in Sorge darüber, dass die Hotelleitung ihren Vater als mittellosen, wenig vornehmen Gast an die Luft setzen könnte, reist dem exzentrischen Tobler nach und sorgt für zusätzliche Verwirrung im Hotelbetrieb.Eine Komödie über Schein und Sein, sowie eine auf Oberflächlichkeit und ߄uߟerlichkeiten reduzierte Gesellschaft, die sich auf Abgrenzung gegenüber anderen fixiert (30er Jahre…) und damals wie heute verpasst, dass Geldwerte nicht die entscheidenden Werte sind."Selbst auf der schmalen Bühne funktioniert die Verwechslungskomödie wunderbar und amüsiert mit hübschen Volten.(…) Geschickt und heiter wahrt die Aufführung die Balance zwischen Kitsch und Empörung, zwischen Träumereien von der heilen Welt und Angst vor der harten Realität. Sie nimmt „Drei Männer im Schnee“ ernst, was dem schönen Spaߟ, den sie bereitet, nur noch erhöht." Irene Bazinger, Berliner Zeitung

Einen individuellen und spannenden Blick hinter die Kulissen der Komischen Oper Berlin ermöglichen zahlreiche Führungen. Erfahren Sie mehr über die Geschichte des Hauses, erkunden Sie den Opernsaal und erleben Sie den Zauber der Bühne. Bei den Führungen Spezial erhalten Sie umfassende Einblicke in die Arbeit der Abteilungen Bühnenbild, Kostüm, Maske, Orchester und Requisite. Aber das ist noch nicht alles... Entdecken Sie die Komische Oper Berlin!

Tarmo Peltokoski und Iiro Rantala Fr, 17. Sep 2021, 20 Uhr Dirigent  Tarmo Peltokoski Solist Iiro Rantala, Klavier Iiro Rantala   Intro for piano solo Wolfgang Amadeus Mozart  Konzert für Klavier und Orchester Nr. 21 C-Dur KV 467 Iiro Rantala   Freedom und Anyone with a heart Jean Sibelius   Lemminkäinen zieht heimwä rts op. 22 Finlandia , Sinfonische Dichtung op. 29 Iiro Rantala   Tears for Esbj örn, Final Fantasy und The Best of Beethoven Wild, witzig, finnisch! – Der in Jazzkreisen gefeierte finnische Pianist und Komponist Iiro Rantala präsentiert gemeinsam mit seinem 21 Jahre jungen Landsmann Tarmo Peltokoski am Pult des Orchesters der Komischen Oper Berlin ein ebenso abwechslungsreiches wie humorvolles Programm – mit Mozarts Klavierkonzert Nr. 21, zwei Sinfonischen Dichtungen des Finnen Jean Sibelius und vielen Kompositionen von Iiro Rantala. Ein durch und durch finnischer Abend – bei dem gerne auch mal gelacht werden darf! Ainārs RubiÄ·is und Tzimon Barto Fr, 8. Okt 2021, 20 Uhr Dirigent Ainārs RubiÄ·is Solist  Tzimon Barto, Klavier Claude Debussy   La Cath édrale engloutie Sergej W. Rachmaninow  Konzert für Klavier und Orchester Nr. 2 op. 18 in c-Moll Arthur Honegger   Pastorale d ’ét é Alexander N. Skrjabin   Le Po ߨ me de l ’ extase op. 54 Aus dunkler Tiefe zu kosmischen Höhen! – Generalmusikdirektor Ainārs RubiÄ·is und Pianist Tzimon Barto musizieren die geballte Kraft poetischer Klangfarben: von der in Untiefen versunkenen Kathedrale Debussys über die glockenartigen Akkorde in Rachmaninows zweitem Klavierkonzert und die von Arthur Honegger in atmosphärische Musik gegossene Morgenstimmung in den Schweizer Alpen bis zu den kosmischen Weiten von Alexander N. Skrjabins Poߨme de l’extase . Gemeinsam mit dem Orchester der Komischen Oper Berlin lassen sie Räume zu Klängen werden und bringen die Facetten dieser lebensdurstigen Werke zum Leuchten. Ainārs RubiÄ·is und Viviane Hagner Fr, 12. Nov 2021, 20 Uhr Dirigent  Ainārs RubiÄ·is Solistin  Viviane Hagner, Violine Sergej S. Prokofjew   Rߪ ves ( »Träume «), Sinfonische Dichtung op. 6 Benjamin Britten  Konzert für Violine und Orchester d-Moll op. 15 Dmitri D. Schostakowitsch  Sinfonie Nr. 5 d-Moll op. 47Aus Träumen zum Licht – Generalmusikdirektor Ainārs RubiÄ·is bringt Werke dreier Giganten der Musik des 20. Jahrhunderts zu Gehör. Gerahmt von Prokofjews frühem Orchesterstück Träume und Schostakowitschs künstlerischer Auseinandersetzung mit der Stalin-Zeit in Gestalt seiner anspielungsreichen Sinfonie Nr. 5, erklingt mit Benjamin Brittens Konzert für Violine und Orchester eines der anspruchsvollsten Werke für Solo-Violine, das lange Zeit als »unspielbar« galt. Dieser Herausforderung stellt sich die international renommierte Ausnahmeviolinistin Viviane Hagner. Neujahrskonzert: Cinema! Sa, 1. Jan. 2022, 16 Uhr Dirigent  Ainārs RubiÄ·is Mit  Sänger*innen des Ensembles und dem Orchester der Komischen Oper BerlinSeit »die Bilder laufen lernten«, hat das Medium Film Komponisten ganz unterschiedlicher Herkunft zu künstlerischem Schaffen inspiriert. Für das diesjährige Neujahrskonzert hat sich Generalmusikdirektor Ainārs RubiÄ·is nicht die üblichen, für die Traumfabrik Hollywood entstandenen Soundtracks ausgesucht, sondern wartet mit Bekanntem und noch zu Entdeckendem aus der Feder von Komponisten wie Arthur Honegger, Sergej S. Prokofjew, Alfred Schnittke, Ralph Vaughan Williams, Erich Wolfgang Korngold oder Nino Rota auf. Film ab! Ainārs RubiÄ·is und Ksenija Sidorova Die Omikron-Welle macht auch vor der Komischen Oper Berlin keinen Halt! Bisher hatten wir das Infektionsgeschehen im Haus weitgehend im Griff, aber Teile des Ensembles sind momentan so stark betroffen, dass wir gezwungen sind, auch das Sinfoniekonzert: Ainārs RubiÄ·is und Ksenija Sidorova am Fr, 28. Januar 2022, 20 Uhr abzusagen. Wir bitten um Ihr Verständnis. Mehr dazu Stand: 24. Jan 2022 Fr, 28. Jan 2022, 20 UhrAinārs RubiÄ·is und Ksenija Sidorova Dirigent  Ainārs RubiÄ·is Solistin  Ksenija Sidorova, Akkordeon Béla Bartß³k  Der wunderbare Mandarin op. 19 (Konzertsuite) Artem Nyzhnyk   Mactoub , Partita Nr. 2 Pjotr I. Tschaikowski  Sinfonie Nr. 6 h-Moll op. 74 Path étique Alles, auߟer gewöhnlich! – Béla Bartß³ks Musik zur Tanzpantomime Der wunderbare Mandarin verursachte 1926 in Köln einen Skandal, Oberbürgermeister Konrad Adenauer untersagte sogar zeitweilig die Aufführung des Werkes. Längst genieߟt es allgemeine Bewunderung als Beispiel der musikalischen Avantgarde. Deren Geist hat sich auch der ukrainische Komponist und Bajan-Spieler Artem Nyzhnyk verpflichtet. Im Zentrum seiner vierteiligen Partita Nr. 2 »Mactoub« von 2011, mit ihren Klängen zwischen Spätromantik und minimal music, steht das Solo-Akkordeon. Dessen hochkomplexen Part interpretiert die lettische Star-Akkordeonistin Ksenija Sidorova. Pjotr I. Tschaikowski hielt seine 6. Sinfonie für sein wichtigstes Werk, doch rief sie seinerzeit wenig Begeisterung hervor – heute verzaubert die Pathétique das Konzertpublikum und sichert ihrem Schöpfer stets aufs Neue die Unsterblichkeit.Foto: Dario Acosta Axel Kober und Tanja Tetzlaff Fr, 18. Feb 2022, 20 Uhr Dirigent  Axel Kober Solistin  Tanja Tetzlaff, Violoncello Antonß­n Dvořߡk  Konzert für Violoncello und Orchester h-Moll op. 104 Alexander Zemlinsky   Die Seejungfrau, Fantasie in drei Sätzen nach einem Märchen von AndersenRomantik pur! – Dem Klassiker des romantischen Solokonzerts aus der Feder Antonß­n Dvořߡks folgt ein weniger bekanntes Werk nach einem weltbekannten Märchen: Alexander von Zemlinskys Fantasie in drei Teilen Die Seejungfrau erzählt das berühmte Märchen Hans Christian Andersens von der unglücklich verliebten Wasserfrau mit spätromantischen Orchesterklängen nach. Die Cellistin Tanja Tetzlaff gehört seit Jahrzehnten sowohl als Solistin als auch als Kammermusikerin zu den prägendsten Musikerinnen ihrer Generation und musiziert gemeinsam mit dem Orchester der Komischen Oper Berlin unter der Leitung des Bayreuth-erprobten Generalmusikdirektors der Deutschen Oper am Rhein, Axel Kober. Xian Zhang und Sergei Nakariakov Fr, 18. März 2022, 20 Uhr Dirigentin  Xian Zhang Solist  Sergei Nakariakov, Trompete Ferdinand Ries  Ouvertüre zu Schillers Trauerspiel Die Braut von Messina op. 162 Johann Nepomuk Hummel  Konzert für Trompete und Orchester Es-Dur Robert Schumann  Sinfonie Nr. 1 B-Dur op. 38 Frühlingssymphonie Hinter Beethoven geht’s weiter! – Die chinesisch-amerikanische Dirigentin Xian Zhang wird für ihr ebenso präzises wie einfühlsames Dirigat von der Kritik weltweit geschätzt. Einem bemerkenswert theatralen Werk wendet sie sich mit Ferdinand Ries’ Ouvertüre zu Schillers Trauerspiel Die Braut von Messina zu, die zu Unrecht lange Zeit eine Randexistenz im Schatten Beethovens fristete. Mit Johann Nepomuk Hummels Konzert für Trompete und Orchester Es-Dur nimmt sich der Trompeter Sergei Nakariakov eines ausgesprochenen Klassikers am ߜbergang zur musikalischen Romantik an. Die Trompete ist es auch, die gleich zu Beginn von Robert Schumanns Frühlingssymphonie ein gewaltiges »Ja!« der Welt und dem Leben entgegenschmettert. Ein kompositorischer Höhepunkt im Werk dieses Ausnahmekünstlers, sound the trumpet! Förderkreiskonzert So, 27. März 2022, 11 UhrEin ߜberraschungsprogramm mit Solist*innen des Opernstudios und dem Orchester der Komischen Oper Berlin Joshua Weilerstein und Daniel Hope Fr, 6. Mai 2022, 20 Uhr Dirigent  Joshua Weilerstein Solist  Daniel Hope, Violine Bernard Herrmann Vertigo-Suite Alfred Schnittke  Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 Pjotr I. Tschaikowski  Sinfonie Nr. 5 e-Moll op. 64Schicksalsmusik! – Zwischen Bernard Herrmanns Filmmusik zu Alfred Hitchcocks Klassiker Vertigo aus dem Jahre 1958 und der 1888 uraufgeführten 5. Sinfonie von Tschaikowski scheinen Welten zu liegen. Und doch werden beide Partituren von einem unausweichlich wiederkehrenden Schicksalsmotiv beherrscht. Und sowohl der die russische Musik des 19. Jahrhunderts wie kaum ein anderer prägende Tschaikowski als auch der einflussreiche amerikanische Filmkomponist mit russischen Wurzeln zeigen sich bei näherer Betrachtung von der Musik Richard Wagners beeinflusst. Denn letztlich waren Herrmann wie Tschaikowski mit Herz und Seele Romantiker. Mit dem 1957 entstandenen 1. Violinkonzert des Wolgadeutschen Alfred Schnittke, dessen Œuvre auch zahlreiche bemerkenswerte Filmmusiken umfasst, schlägt der Stargeiger Daniel Hope eine Brücke zwischen Tschaikowski und Herrmann und öffnet gleichzeitig den Klangraum von der Romantik zur Moderne. Ainārs RubiÄ·is und Baiba Skride FR, 17. Jun. 2022, 20 UHR Dirigent  Ainārs RubiÄ·is Solistin  Baiba Skride, Violine Rodion K. Schtschedrin  Konzert für Orchester Nr. 1 Naughty Limericks Karol Szymanowski  Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 op. 35 Sergej W. Rachmaninow  Sinfonie Nr. 2 e-Moll op. 27Meisterwerke: romantisch, reich – und frech! Rodion K. Schtschedrins Konzert für Orchester Nr. 1 Naughty Limericks bedient sich groߟzügig im Fundus russischer Volksmusik und Folklore, die als Mix humoristischer Episoden im Gewande klassischer und romantischer Klänge verwoben werden, ganz einfach: freche Gassenhauer.Auf diese folgt mit dem 1. Violinkonzert des polnischen Komponisten Karol Szymanowski ein auߟerordentlich raffiniertes Werk, das in allen Farben chromatischen Reichtums irisiert und von der aus Lettland stammenden, international renommierten Violinistin Baiba Skride interpretiert wird. Unter der Leitung von Generalmusikdirektor Ainārs RubiÄ·is beschlieߟt das Orchester der Komischen Oper Berlin das Konzert mit der sublim konstruierten 2. Sinfonie des russischen, spätromantischen Tiefenanalytikers menschlicher Existenz, Sergej W. Rachmaninow.

Henrik Ibsens Drama Nora oder ein Puppenheim, geschrieben 1879, erzählt die Geschichte einer Frau, die den Mut hat ihre ߄ngste zu konfrontieren. Sie befreit sich aus einem Miteinander, in dem sie gezwungen ist, die glitzernde Fassade einer unselbstständigen Puppe zu behaupten und tritt hinaus in eine unsichere Zukunft.Regisseurin Leonie Böhm arbeitet mit Hilfe der Neuaktivierung klassischer Texte an einem radikal offenen Miteinander – mutig, gegenwärtig und verletzlich. In ihrem Gorki-Debüt wagt sie mit Julia Riedler und Svenja Liesau den Ausbruch aus dem Puppenhaus, zerstückelt lustvoll Ibsens Emanzipationsklassiker und tritt auf unsicheren Boden. Mut und Angst sind zwei Seiten derselben Medaille.Teaser ansehen Foto: Esra RotthoffBühnenfotos: Lutz Knospe

Auf Haiti tobt die Revolution. Nach über hundert Jahren der Sklaverei kämpft die geknechtete Bevölkerung für ihre Freiheit. Eines Nachts klopft plötzlich der junge Gustav, ein Adeliger aus der Schweiz, an der Haustür von Toni, der Ziehtochter eines der Anführer der Revolution, und bittet um Schutz auf der Flucht vor den Truppen der Revolutionäre ... Toni muss sich entscheiden – keine Zeit für Revolutionsromantik. In seiner kurz nach der französischen Revolution erschienenen Novelle Die Verlobung in St. Domingo (1811), einer dramatischen Lovestory im Setting der Revolution, macht Heinrich von Kleist klare Fronten auf: Weiss gegen Schwarz, Gut gegen Böse, Ordnung gegen Anarchie. Doch wie geht die Geschichte, wenn nicht eindeutig ist, wer Freund und wer Feind der Werte der Aufklärung ist? In seinem neuen Stück hinterfragt Necati ߖziri vermeintlich eindeutige Positionen und fügt der Geschichte eine neue Ebene der Opposition hinzu, die eine heutige Diskussion über Gewalt und Gegengewalt anregt.Premiere am 4. April 2019 im Schauspielhaus Zürich Trailer ansehenHinweis: Bei dieser Inszenierung ist leider kein Nacheinlass möglich für Zuschauer*innen, die verspätet kommen. Vielen Dank für Ihr Verständnis.Foto: © Esra RotthoffBühnenfotos: © Tanja DorendorfKoproduktion mit dem Schauspielhaus ZürichAufführungsrechte: Theaterverlag Felix Bloch Erben GmbH, Berlin

Der Welt einmal anders begegnen – mit zwei der „ältesten Sinne“, die wir haben: dem Hören und Riechen. Zu welchen Erfahrungen und Bildern trägt uns die mit dem Geruchssinn verwobene Musik? Welche Spiegelungen von „Welt“ und sich selbst entstehen, wenn wir – als ein Angebot, keine Pflicht – die Augen schlieߟen? Inspiration und Reiseleiter für diese innere Exkursion ist Alexander von Humboldt und zwei seiner Erkundungsfahrten: einer erträumten und einer realisierten. 1799 hoffte Humboldt, nach ߄gypten kommen und die vorderasiatische Region erforschen zu können. Sein Traum zerschlug sich jedoch durch die Napoleonische Kriegspolitik. So musste er umdenken und gelangte schlieߟlich nach Mittelamerika und Mexiko. Diese Destinationen stehen beispielhaft für das Erleben von Welt. Humboldt berichtet uns vom Zusammenhang von Mensch und Tier, objektiver Welt und subjektivem Widerhall, Natur und Kosmos. Sein offener, empathischer Blick – der sichentschieden abgrenzt zum kolonialen Denken seiner Zeit – dient uns als Kompass für eine innere Reise über die Hör- und Geruchs-Sinne. Denn das hat der groߟe Forschungsreisende nicht mitbringen können: Musik und Düfte. Ermöglicht wird unsere Exkursion durch die Expertin für altägyptische Gerüche Dora Goldsmith, die in Mexiko aufgewachsene Sängerin Ana Schwedhelm und die mexikanische Komponistin, Sängerin und Performerin Diana Syrse, die zu einer Klangreise entlang der historischen Reiseroute Humboldts einladen.MITDiana Syrse (Komposition, Gesang), Ana Schwedhelm (Gesang), Dora Goldsmith (߄gyptologin)KONZEPTION UND MODERATIONBernhard GlocksinKONZEPTION UND RAUMGESTALTUNGSabrina Rossetto

Shakespeares Tragödie von König Lears Untergang und schmerzlicher Selbstfindung in der ߜbersetzung und Bearbeitung von Thomas Melle spiegelt unsere Zeit mit Witz und scharfem Blick.Was wie ein Märchen beginnt, endet als Familientragödie mit politscher Tragweite. Der alte König Lear möchte auf dem Höhepunkt seiner Herrschaft die Früchte seines Lebens genieߟen. Die Amtsgeschäfte und damit Land und Macht sollen zu gleichen Teilen den drei Töchtern anvertraut werden. Die einzige Bedingung an den Nachwuchs ist der Beweis der unbedingten Hingabe an den Vater. Dass dieser Nachweis nur im Wort erfüllt werden muss, macht die ganze Angelegenheit zur Formalität und die Liebeserklärungen werden zu Unterwerfungsgesten. Die Tochter, die sich dieser Willkür des Vaters nicht beugen kann, weil sie die höfische Charade als politisches Diktat durchschaut, wird ins Ausland verbannt.Was darauf folgt, ist der Zerfall der Familie und des ganzen Landes. Kaum ist die ߜbergabe der Macht vollzogen fallen die leicht dahergesagten Liebesschwüre der zwei folgsamen Schwestern in sich zusammen. Die so entfesselte Gewalt führt zu einem rauschhaften Ausbruch, in dessen scheinbar chaotischer Entladung sich die brutale Folgerichtigkeit totalitären Handelns zeigt. Der ohnmächtige König, überrascht von der Grausamkeit seiner Kinder, wird zum Spielball der politischen und dann der natürlichen Elemente. In diesem Strudel werden die Gefährdungen des Lebens sinnlich greifbar.In seiner ߜbersetzung und Bearbeitung überträgt Thomas Melle den mythischen Stoff in unsere Zeit. Shakespeares scharfe und genau Sicht auf das menschliche Dasein und die Gegebenheiten seiner Epoche erweitert sich um eine neue, wache und frische Perspektive.

Wie möbliert man einen Raum mit Objekten, die nicht sichtbar sind? Drei Performer*innen teilen ihre Vorstellungskraft mit dem Publikum auf einer Bühne, die nach allen Seiten offenbleibt und Zuschauende wie Performende dazu herausfordert, die eigenen (unbewussten) Tiefenschichten der Projektion und Beobachtung freizulegen. Eine ebenso schlichte wie komplexe Einladung, sich zu den Dingen – ob abwesend oder anwesend – ins Verhältnis zu setzen. „Telling Stories – a version for three“, das das HAU Hebbel am Ufer im Rahmen der Tanzplattform im Radialsystem zeigt, erzählt keine De/Konstruktion, sondern macht diese choreografisch – mit und durch die Körper – erfahrbar. Zwischen Bildbeschreibung und Bildwerdung, Fantasie und Abstraktion werden die Mechanismen unserer Wahrnehmung hier buchstäblich in den Raum und mitunter auch auf den Kopf gestellt.Das Stück entfaltet sich entlang einer kubistisch anmutenden Choreografie auf eine Weise, die der Erfahrung der Psychoanalyse ähnelt, bei der die tieferen unbewussten Bedeutungen sowohl im Fluss als auch in den Störungen freier Assoziationen enthalten sind, in der die Dinge unterschiedliche Bedeutungen erhalten.„Telling Stories – a verison for three“ ist eine Adaption des ursprünglich für sieben Darsteller*innen konzipierten Werkes „Telling Stories“, das 2015 mit dem Kölner MichaelDouglas Kollektiv entstand und am Mousonturm in Frankfurt uraufgeführt wurde. CastKonzept und Choreografie: Fabrice MazliahPerformance: Katja Cheraneva, Susanne Grau und Tilman O’DonnellDramaturgische Assistenz der Originalversion: May ZarhySounddesign: kling klang klong / Johannes HelbergerLichtkonzept der Originalversion: Harry SchulzTechnische Leitung / Licht: Matthias RiekerKostüm: Anne-Marie MieneProduktionsleitung: Johanna Milz BiografieDer in Frankfurt lebende Tänzer und Choreograf Fabrice Mazliah studierte Tanz an der National Dance School in Athen und anschlieߟend am Atelier Rudra Béjart in Lausanne. Als Tänzer arbeitete er u.a. mit dem Nederlands Dans Theater und der Forsythe Company. Als Choreograf entwickelte er allein und in Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen zahlreiche Projekte, zuletzt „In Act and Thought“ (2015) für den Abschluss der Forsythe Company sowie „Sheela na Gig“ (2021) für das Lyon Opera Ballet und „Telling Stories – a version for three“ (2021). Jüngst erarbeitete er mit Claire Vivianne-Sobottke das Duett „# 6 Full Body Frontal“ (2021), das Teil seiner Serie von 10 Duetten ist, jedes zwischen einem menschlichen und einem nicht-menschlichen Körper. Fabrice war Teil des HOOD-Kollektivs, mit dem er ein zweijähriges Stipendium bei Pact Zollverein in Essen erhielt. Mit seiner Compagnie Work of Act ist er assoziierter Künstler am Künstlerhaus Mousonturm in Frankfurt. TanzplattformDas HAU Hebbel am Ufer ist 2022 Veranstalter*in der Tanzplattform Deutschland. Vom 16.-20. März versammelt das Festival an verschiedenen Orten in Berlin aktuelle und bemerkenswerte Positionen des tänzerischen und choreografischen Schaffens. Die Tanzplattform gilt als eines der wichtigsten Tanztreffen Deutschlands. Seit dem Gründungsjahr 1994 ist Berlin erstmals wieder Austragungsort der Tanzplattform. Die Tanzplattform Deutschland wurde 1994 von Nele Hertling, Walter Heun und Dieter Buroch gegründet und als Trilogie in Berlin, Frankfurt und München begonnen. Seitdem findet sie biennal in wechselnden deutschen Städten statt und wird von der Gemeinschaft der Ko-Veranstalter*innen vergeben, die den jeweiligen Ausrichter und Träger bestimmt.  

Bei Vernon Subutex läuft es bemerkenswert schlecht. Vormals Inhaber eines in ganz Paris bekannten Plattenladens, mit Kunden von der Rockszene bis in die hippe Bourgeoisie gesegnet und von weiblichen Groupies umschwärmt, verliert er im Zeitalter digitaler Tauschbörsen und Streamingdienste erst sein Geschäft. Dann, nachdem er das meiste online vertickt hat, steht er gänzlich ohne Einkommensquelle da. Mehr noch: ohne Existenzberechtigung. Dinosaurier der analogen ߄ra, vergräbt er sich über Jahre mit Sixpacks und Fernsehserien in seiner Wohnung, die er nur noch mit Hilfe seines ehemaligen Bandkollegen, des mittlerweile legendären Sängers Alex Bleach, bezahlen kann. Als der einen frühen Rockstar-Tod stirbt, bricht für Vernon der letzte wirtschaftliche Halt weg. Er landet auf der Straߟe und beginnt eine Couchsurfing-Odyssee bei alten Freund_innen und Weggefährt_innen und damit eine Reise zu den Abgründen einer zutiefst verunsicherten, von Spaltung, Ungleichheit und sozialer Verwahrlosung geprägten Gesellschaft – bis er sich schlieߟlich wirklich als Clochard durch Paris schlagen muss. Ob glückloser Drehbuchautor, früherer Punk, jetzt »rechter Sack«, liberaler Moslem mit fundamentalistischer Tochter, feministischer Ex-Porno-Star, auf Cybermobbing spezialisierte Superschnüfflerin oder Banlieue-Macho – in schroffen Perspektivwechseln entwirft die französische Autorin und Filmemacherin Virginie Despentes ein schillerndes Panorama verschiedener Generationen, sozialer Schichten, Geschlechtsidentitäten und politischer Orientierungen. Der erste Teil ihrer Trilogie um Vernon Subutex ist zugleich Parforce-Ritt durch die Themen unserer Zeit und faszinierendes Sozialpanorama. Nach »Rückkehr nach Reims« und »Im Herzen der Gewalt« widmet sich Thomas Ostermeier erneut den Kontrasten einer sich zusehends polarisierenden und verrohenden Gegenwart in Form der Adaption eines zeitgenössischen französischen Prosatextes.

Um König Dieter (den Ersten!) ist es schlecht bestellt: Sein Reich schrumpft, sein Palast zerfällt, die Natur schlägt zurück und verwüstet das Land, und gleich zu Beginn des Theaterabends erhält er die unschöne Mitteilung, dass er an dessen Ende stirbt... Schlieߟlich heiߟt das Stück des Meisters des Absurden, Ionesco, ja auch so! Zu allem ߜberfluss bekriegen sich dazu noch die alte und die neue Gattin des Königs (also die Königinnen). Ein Arzt, Sterndeuter und Scharfrichter (das scheint hier alles eins zu sein) stellt andauernd düstere Prognosen. Ein letzter Wächter versucht das militärische Desaster und manches Andere noch zu verhindern – natürlich vergeblich – und eine Dienstmagd, vulgo: Putzfrau, gibt zu allem noch ihren Berliner Senf...

Ein MUST-SEE in Berlin! Die knallbunte und mitreiߟende ErlebnisshowAls BLUE MAN GROUP im Frühjahr 2004 am Potsdamer Platz das erste Mal den Bassschlag ihrer Drums ertönen lieߟ, ahnte niemand, dass das tiefe Wummern einmal den kreativen Herzschlag Berlins mitbestimmen würde. Blaue Männer – Dauerbrenner. In den letzten 16 Jahren ist bei BLUE MAN GROUP viel passiert, aber eines ist gleich geblieben: BLUE MAN GROUP erfreut sich nach wie vor einer ungebrochenen Beliebtheit bei Berlinern und Touristen und hat sich über die Jahre zur erfolgreichsten Long-Run-Show in der deutschen Hauptstadt entwickelt. Und wir haben keineswegs vor, dies irgendwie zu ändern. Im Gegenteil! BLUE MAN GROUP wäre nicht BLUE MAN GROUP, wenn sie sich nicht von Zeit zu Zeit neu erfinden würden. Das Wort Stillstand gibt es im BLUE MAN GROUP-Universum nicht. Dadurch ist BLUE MAN GROUP immer wieder neu, immer wieder anders und immer wieder überraschend. Die Verbindung zwischen Publikum und Blue Man ist dabei immer intensiv, tief und überraschend. Sowohl während der Show als auch davor und danach. Bereits beim Betreten des Stage BLUEMAX Theaters werden die Grenzen zwischen Bühne und Zuschauerraum mehr und mehr verwischt. Als Besucher ist man ganz nah dran. Neben bekannten Elementen wie Feast, Gumballs and Marshmallows und dem zum Markenzeichen gewordenen Paintdrumming, werden aktuelle Themen rund um soziale Medien, Konnektivität und Technologie sowie Virtual Reality Einzug in unsere Show halten. Und dies genau so, wie man es garantiert nicht erwartet. Versprochen! BLUE MAN GROUP ist in Deutschland einzigartig. Diese ´BLUE MAN GROUP` gibt es nur in Berlin! Von daher gilt: Join the Party. Celebrate Life!BLUE MAN GROUP ist in Deutschland einzigartig. Diese ´BLUE MAN GROUP` gibt es nur in Berlin!

Nur wenige Tage nach dem Tod seiner Frau klingelt es an der Tür des Familienvaters. Er öffnet und blickt in das Gesicht einer riesigen Krähe. „Ich gehe erst wieder, wenn ihr mich nicht mehr braucht“, verkündet das gefiederte Tier und zieht bei dem jungen Witwer und seinen zwei Kindern ein. Max Porters Roman dient als Vorlage für diese Inszenierung über Trauer und den manchmal erschütternden, grotesken, aber auch befreienden Umgang mit ihr. Ein Thema, das alle angeht und niemand gerne mag. Schauspieler Maximilian Grill steht nach vielen erfolgreichen Kino- und TV-Arbeiten mit dem Stoff vor einer Art Theater-Comeback. Gemeinsam mit der Dramaturgin Sabrina Zwach erarbeiten Matthias Buss und er eine neue Spielfassung des in London und Amsterdam bereits erfolgreich gespielten, bildstarken und ungezügelten Prosatexts. Matthias Buss wird die überlebensgroߟe Krähe spielen, die sich mit Witz zur subversiven Familien-Therapeutin mausert. Maximilian Grill gibt als ihr Gegenüber den Familienvater und trauernden Ehemann. Die lebhaften Stimmen und Videoeinblendungen der beiden Kinder ergänzen das von dem Verlust betroffene Familienbild.  

Chanson, Canzone, Schlager, Song - 1956 wurde der „Grand Prix Eurovision de la Chanson Européenne“ gegründet (seit 2001 der Eurovision Song Contest / ESC), und erreicht heute Millionen von Zuschauern.Mit dem ESC entstand ein musikalisches Ereignis von Gröߟe, Glanz und Eleganz, das bis heute in Thema, Komposition und Interpretation die vielfältigen kulturellen Facetten Europas präsentiert. Fast 200 Millionen Menschen verfolgen weltweit jedes Jahr den Eurovision Song Contest an den Fernsehbildschirmen, in Deutschland zählt der ESC zu den erfolgreichsten Shows im Ersten.Pasquale Aleardi, schweizer Film- und Fernsehstar mit griechisch-italienischem Elternhaus, nimmt uns mit und präsentiert uns „seinen“ Grand Prix. Von zu Welthits gewordenen Kompositionen der frühen Jahre bis hin zu den heutigen Beats einer Generation, für die Musik auch Vehikel für gesellschaftskritische Botschaften geworden ist.Glanzvolle Gala und hippes Event in einem, auf diese Weise wird Pasquale Aleardis „Mein Grand Prix“ zu einer Wieder-Begegnung mit einem bekannten sowie zu einer Neu-Begegnung mit einem überraschenderweise fast vergessenen musikalischen Europa.Regie und Choreographie: Danny CostelloArrangements und Musikalische Leitung: Damian OmansenBühnenbild: Timo Dentler / Okarina PeterKostüme: Heike SeidlerAutoren: Uli Heissig / Stefan HuberKonzeption und Künstlerische Gesamtleitung: Lutz DeisingerHaupt-Darsteller und Interpret: Pasquale AleardiBegleit-Ensemble von vier 4 Sänger*innen:Andreas Bieber, Sigalit Feig, Anke Fiedler, Martin Mulders Die Band:Trompete: David Skip Reinhart // Christian MeyersPosaune: Stephan Bohm // Daniel BuschReeds: Oliver Oltersdorf // Björn FrankGitarre: Greg Dinunzi // Sebastian UlmerBass: Stephan Pfaff // Björn WerraSchlagzeug: Kai Schönburg // Hendrik Havekost // Ralf KuendgenPiano, MD: Damian Omansen // Ferdinand v. Seebach

Der belgische Privatdetektiv Hercule Poirot möchte mit dem Orientexpress von Istanbul nach London reisen. Doch der Zug ist ausgebucht: lauter Damen und Herren von Welt. Und nur, weil sich der mitreisende Eisenbahndirektor Monsieur Bouc für ihn einsetzt, bekommt Hercule Poirot noch ein Abteil. Auf der Fahrt durch Serbien muss der Zug wegen Schneeverwehungen halten und es findet ein brutaler Mord statt. Hercule Poirots berühmte graue Zellen beginnen zu arbeiten ...Katharina Thalbach spielt nicht nur den Meisterdetektiv, sondern hat auch Regie geführt. Sie hat ein groߟes Kriminalspektakel inszeniert.Für das Kreativteam konnte sie den Modedesigner Guido Mario Kretschmer gewinnen, der schwelgerische Kostüme entworfen hat und mit dem sie bereits bei den Inszenierungen „Ernst und seine tiefere Bedeutung“, „Wie es euch gefällt“ sowie „Der Barbier von Sevilla“ zusammengearbeitet hat.Das viel gelobte Bühnenbild stammt von Momme Röhrbein, der an fast allen groߟen deutschsprachigen Bühnen tätig war und mit Katharina Thalbach auch in Lissabon am Teatro Nacional de Sao Carlos gearbeitet hat.Christoph Israel hat die Musik komponiert. Christopher Tölle kreierte die Choreographie und sorgt dafür, dass das Ensemble im Takt bleibt.

Am 9. November 1989 fällt die Mauer. Das Land dahinter, die DDR, löst sich im Laufe des Jahres 1990 auf. Die Menschen im Osten bewegen sich zwischen Aufbruch und Resignation, Euphorie und Angst. Am 3. Oktober wird aus Ost- und Westdeutschland die heutige Bundesrepublik Deutschland. Was passierte in der Zwischenzeit von November 1989 bis Oktober 1990? Und wie muss man sich die DDR vorstellen, wenn man sie nicht mehr erlebt hat?Gemeinsam mit einer Gruppe von Jugendlichen hat sich das künstlerische Team auf die Suche nach persönlichen Geschichten und O-Tönen von denjenigen gemacht, die die Zeit selbst erlebt haben. Eltern und Groߟeltern wurden zu ihren Kindheitserinnerungen, zu ihrem Alltag, zu ihren Erfahrungen mit dem politischen System und zum Tag des Mauerfalls befragt. In der Probenphase kamen die Perspektiven der westdeutschen Schauspieler*innen und weitere ostdeutsche Biografien hinzu. Aus dem Interviewmaterial, Zitaten und Musikcollagen ergibt sich ein vielschichtiges Recherchestück über die Wendezeit.

Masud Akbarzadeh, der berühmte, ewige Newcomer, feiert mit seinem Spezial Programm "Fame" sein 25 jähriges Bühnenjubiläum.In dieser originalen Stand-up-Comedy-Show, die ihresgleichen im deutschsprachigen Raum sucht, erwarten den Zuschauer viele neue Geschichten und phantasievolle, einzigartige Alltagsbeobachtungen. Masud zeigt auߟerdem Auszüge aus seinem ersten Live-Programm "Who the fuck is Masud Akbarzadeh" sowie dem aktuellen Programm "Fucking Famous". "Fame" ist eine Hommage an die authentische, amerikanische Stand-up-Comedy: ein Comedian, ein Mikrofon, eine Story. Eine Show ohne Pause, ohne Klavier, ohne Zeitverschwendung: Masud "live und uncut".Alles über Masud finden Sie auch unter:http://www.masud-comedy.com/www.facebook.com/persianfreakwww.youtube.com/user/persianfreak/feedwww.instagram.com/masudakbarzadeh

Attitüden Plattitüden. Geile Gäste, tolle Themen: Neues aus der Kulturperipherie”“Machen ist wie wollen nur krasser” - ist das Attitüde oder Plattitüde? Spontispruch oder Yogitee-Zettel-Zitat? Schwierige Frage! Aber die drei Chanson-Punker von The Incredible Herrengedeck und Zora Schock von den Tsootsies wollen auf jeden Fall. Und machen auch. Und wer diese Formationen kennt, ahnt bereits was sich hinter “Attitüden Plattitüden” verbirgt: Klare Haltung und viel Humor. Politik und Kunst. Talk und Musik. Show und Improvisation. Es wieder tolle Themen, geile Gäste und Neues aus der Kulturperipherie. Von und mit und aus der ufaFabrik.In der vierten Ausgabe von Attitüden Plattitüden geht es um die Vision einer besseren Zukunft: Solarpunk. Solarpunk will den Optimismus zurück, der uns genommen wurde. Solarpunk wehrt sich gegen Verzweiflung und Verdrängung. Solarpunk will das gute Leben für alle, posthierarchisch, postfossil und postkapitalistisch. Solarpunk ist Punk, denn Solarpunk arbeitet gegen den dem Untergang geweihten Mainstream, ist rebellisch, ist eine Gegenkultur und auߟerdem darf in unserer Zukunft auch Bier getrunken werden! Wir nehmen uns unsere Stadt als Beispiel, machen eine Bestandsaufnahme und dann: solarpunken wir Berlin. Green Pogo into the future. Mit erneuerbaren Melodien und recycelten Akkordfolgen. Mit dem einzig wirklich nachhaltigen Hybridantrieb: live UND per stream. So werden wir jeder pandemischen Lage gerecht.  Kommt vorbei oder schaltet ein, dann könnt ihr später sagen, ihr ward von Anfang an mit dabei…

Es ist der 01. November, Geburtstag der Protagonistin in White Passing und algerischer Tag der Revolution. Eine Dopplung, die sie immer etwas triggert. Und so sitzt sie, wie so oft, allein im Einsteincafé am Savignyplatz und fühlt sich stärker als sonst mit ihrer geheimen, zweiten Seite verbunden: ihrem Migrationshintergrund, den man bei ihr nicht sieht und niemand am Namen vermutet. Als sie nach Hause kommt und vor der Haustür den geleasten Plug-in-Hybrid-SUV von Jule und Thomas sowie Max' Rennrad entdeckt, flieht sie vor der ߜberraschungsparty in die Badstraߟe im Wedding und in ihre Vergangenheit.WHITE PASSING beschäftigt sich humorvoll und mit groߟer Selbstironie mit Zuschreibungen und der Frage nach Identität. Dabei schlägt Autorin Sarah Kilter geschickt einen Bogen von der konkreten Geschichte einer jungen Frau, hin zu gesellschaftskritischen Beobachtungen über Deutschland und die Deutschen.

DIE B&B-BALLADEKamilo Beach – Liebe auf den allerersten BlickEr: ein Soldat und Sie: sucht auf dem Mars das Glück.Zwanzig Minuten braucht ein Wort von ihm zu ihrZwanzig Minuten sein Abschied: Die Bombe ist gleich hierSie weint nicht lang, sie tötet sich, Funken sprüht der Vulkandenn seine Entwarnung – kam zu spät bei ihr an.Sie träumten von der neuen Welt, und sahn sie beide niesein Herz verbrannt, er selbst ertränkt, an ihrer Statt wir stehn: die letzte Kolonie Hawaii, 2018. Eine nordkoreanische Bombe rast auf das Archipel zu – oder auch nicht. Solange die Sirenen kreischen, macht das keinen Unterschied. Auf allen Displays dieselbe Nachricht: SEEK IMMEDIATE SHELTER.Am Kamilo Beach treibt die Strömung seit jeher an, was da ist. Der älteste Schrottplatz der Welt. Auch an diesem 13. Januar schwelen dort Lagerfeuer, verschmelzen Plastik und Kiesel zu neuem Gestein.Die Golfer Honolulus laden ihre Abschiedsworte hoch. Kinder krabbeln in die Kanalisation. Hunderttausende sind überzeugt, dass sie wenige Minuten später tot sein werden. Hunderttausende glauben an den Ernstfall, und proben ihn doch nur. Denn als die Sonne im Pazifik versinkt, gibt es nur zwei Opfer: BRANDON und BETTINA.Wer waren die zwei? Warum mussten sie sterben? Und was leckt da bloߟ im leeren Zentrum?EXERCISE. THIS IS NOT A DRILL.

Das Falsche muss nicht immer richtig sein!Frank Lüdecke ist einer der führenden politischen Kabarettisten in Deutschland. Er war lange Zeit Mitglied im „Scheibenwischer“ (ARD), im „Satiregipfel "(ARD) und ist heute in der „Anstalt (ZDF) zu sehen, sowie in allen Satiresendungen der dritten Programme, wie „Mitternachtsspitzen“ (WDR) oder „Schlachthof“ (BR). Lüdecke hat den Deutschen Kleinkunstpreis erhalten, den Deutschen Kabarett-Preis, den Bayerischen Kabarettpreis, den Salzburger Stier und viele andere Auszeichnungen. Er war jahrelang Hauptautor und Mitspieler für Dieter Hallervorden, hat das Kabarett DISTEL in Berlin geleitet und ist aktuell seit August 2019 neuer Betreiber und Künstlerischer Leiter der legendären Berliner „Stachelschweine“, dem ältesten Kabarett Berlins.In seinem brandaktuellen Programm stöbert er die versteckten Zusammenhänge zwischen Klimaforschung, E-Scootern, Negativzinsen und Grundeinkommen auf. Welche Rolle spielt in diesem Zusammenhang die Demokratie und wer ist Anja Karliczek? Lüdecke macht politisches Kabarett in einer Zeit, in der man sich fragt, was Politik heute überhaupt noch ausmacht. Dafür nimmt er auch kleinere Anleihen bei der Philosophie. Lüdecke ist möglicherweise etwas subtiler, dafür aber unterhaltsam. Musik gibt es auch.

In „FLYING DREAMS“ gehen zwei Welten eine faszinierende Liaison miteinander ein, die auf den ersten Blick unterschiedlicher nicht sein könnten. Die weltweit gefeierten Breakdance-Stars der Flying Steps treffen in einer kongenialen Zusammenarbeit auf hochkarätige Stars der Varieté-Welt.Im Jubiläumsjahr 30 Jahre Wintergarten-Varieté verschmelzen Innovation und Tradition zu einer neuen Form der Varieté-Kunst. In diesem Spektakel begegnen arrivierte internationale Tänzer jungen verrückten Kreuzberger Talenten, ukrainische Vertreter des modernen Circus treffen auf routinierte amerikanische Bühnenprofis, Beatboxen und Kontorsion verschmelzen auf ungeahnte Weise miteinander. Breakdance, Nouveau Cirque, Street Style und klassische Varieté-Eleganz gehen Hand in Hand.Ausnahmekünstler wie die New Yorkerin Natalie Enterline, die Pirouetten drehend Stock und Hut jongliert, begegnen jungen wilden Street-Tänzern wie dem clownesken, vielfach ausgezeichneten russischen Star-Breakdancer Bruce Almighty. Statt in Konkurrenz zu treten, inspirieren sich diese Künstler gegenseitig und schaffen so gemeinsam völlig neue Seherlebnisse auf der Wintergarten-Bühne.Der Sound der goldenen 20er, Hip Hop der 80er und zeitgenössische Elektro-Beats werden den musikalischen Teppich bilden, auf dem die grandiosen Künstler dieser spektakulären Inszenierung ihr einzigartiges Können präsentieren.Und das besondere Flair des Wintergartens wird auch optisch mit Hilfe neuer LED-Technik zum Multimedia-Ereignis. Doch wie immer im Wintergarten-Berlin stehen auch bei „FLYING DREAMS“ vor allem die einzigartigen Persönlichkeiten der wunderbaren Akteure aus über 10 Nationen im Mittelpunkt.Ob jonglierend, auf dem Kopf kreiselnd, an den Haaren hängend oder auf den Händen balancierend, alle Künstler von „Flying Dreams“ eint die groߟe Liebe zum Tanz.